La Recensione

Romanzo delizioso sull’ultima parte della vita di Dietrich Buxtehude, il grandissimo Maestro amato da Johann Sebastian Bach: grazie alla sapienza narrativa di Stefano Ghisleri ci appare in tutta la sua umanità severa ma generosa, Buxtehude, la sua Lubecca e lamata figlia Margareta che seppe copiare con perizia le pere del padre.

Libro interessante e gradevolissimo da non perdere!

Dopo un primo episodio in trio che risale al 2021 ritorna in gran forma il chitarrista di Lee’s Summit con una nuova formazione ma con un linguaggio ormai affinato e comunque rinnovato: una certezza per i suoi tanti ammiratori. Suoni acustici ed elettrici ancora alternati con splendide melodie da raccontare che rimandano alle prime uscite in compagnia del compianto tastierista Lyle Mays.
In questo caso Chris Fishman è alle tastiere e Joe Dyson alla batteria formano il trio di base, di cui il titolo, ma con gli innesti di altri musicisti come al basso Jermaine Paul e alle percussioni e alla voce Leonard Patton.
 

Sjaella (“anima” in svedese) è un ensemble vocale formato da giovani donne, formatosi a Lipsia nel 2005. Da allora le sei musiciste sono una presenza fissa sulla scena internazionale. Col loro canto a cappella hanno inciso numerosi album che spaziano dalla musica barocca al jazz, da melodie sacre a standard del pop, dalle folk song del Nord Europa a brani originali. Meridiane - spoken (Fuga Libera) è il loro ultimo lavoro ed è il secondo capitolo di una serie dedicata alle musiche tradizionali del mondo. La peculiarità di questo “concept album” è la scelta del repertorio: tutti i brani sono cantati in lingue appartenenti a minoranze linguistiche, molte delle quali a rischio di estinzione: il bretone, il sorbiano (lingua slava parlata in Lusazia), il nahuatl (antica lingua azteca), il gaelico irlandese, il livone (conosciuto nell’area fra Lettonia ed Estonia ma estinto nel 2013), il basco, l’yiddish e il griko. In tutte queste lingue le Sjaella interpretano canzoni e danze della tradizione e popular song riconosciute dalle varie comunità. In presenza dei soli testi, la melodia è stata aggiunta da autori contemporanei così come gli arrangiamenti, realizzati da più musicisti, che solo in alcuni casi prevedono l’aggiunta di percussioni alle voci di Viola Blache, Maria Fenske, Franziska Eberhardt, Marie Charlotte Seidel, Luisa Klose e Helene Erben. Durante i loro viaggi le cantanti hanno incontrato i parlanti nativi o i loro discendenti che le hanno aiutate nella ricerca dei brani e nella pronuncia. Il risultato è sorprendente: prima della musica arrivano i suoni di lingue sconosciute che trasportano lontano nel tempo e nello spazio, in contesti spesso ai margini della civiltà, dove lottano per sopravvivere. Un piccolo aiuto può arrivare anche dalla musica e dalla curiosità suscitata da album come questo. 

Due donne direttrici d’orchestra, Marin Alsop e Karina Canellakis, rispettivamente alla guida della ORF RSO di Vienna, la prima, e della London Philharmonic Orchestra, la seconda, sono le protagoniste dei due concerti che gli scorsi 27 e 28 febbraio hanno conquistato il pubblico del Musikverein. Stessa sala, una Goldener Saal gremita, ad ospitarli. Ad aprire il programma proposto dall’Orchestra Sinfonica della Radio di Vienna, guidata da Alsop - statunitense, già direttrice musicale dell’ORF RSO e oggi sua direttrice onoraria - un brano del compositore di origine viennese, Friedrich Cerha, scomparso nel 2023. A cui ha fatto seguito il Concerto No. 1 in mi minore op. 11 per pianoforte e orchestra di Frédéric Chopin affidato al pianista canadese Bruce Liu. Mentre la serata si è conclusa con la Suite dal balletto Romeo e Giulietta op. 64 di Sergej Prokofiev, banco di prova dell’eccezionalità della compagine orchestrale austriaca. Mentre Canellakis, con la London Philharmonic Orchestra, di cui è Principal Guest Conductor, ha proposto una coinvolgente lettura del poema sinfonico La figlia di Pohjola, composizione tra le più popolari di Jean Sibelius, del Concerto per violino e orchestra in re maggiore op. 35, di Pëtr Il’ič Čajkovskij, solista Anne-Sophie Mutter, ed infine della Sinfonia No. 7 in la maggiore Op. 92 di Ludwig van Beethoven. Applausi scroscianti hanno accolto entrambe le esecuzioni ed una lunga standing ovation il ritorno di Anne-Sophie Mutter.

La storia dell’opera è costellata dalle raccolte di “arie favorite” e, dopo l’avvento della discografia, di una miriade di “Highlights”. Dischi che, a parte l’instancabile riconferma di scelte e stereotipi inevitabilmente discutibili, altrettanto inevitabilmente sono stati e sono la negazione di qualsiasi principio drammaturgico, ossia la ragion d’essere, il fondamento, il tronco su cui poggia il dramma musicale e del quale le arie sono per così dire le fronde più o meno rigogliose. A fronte della drammaturgia wagneriana, tutto questo vale a maggior ragione. Ma poco meno di quarant’anni fa, nel 1988, un direttore d’orchestra di genio, proprio in relazione a Wagner, ha coltivato e poi realizzato un’idea al limite del paradosso e l’ha intitolata Der Ring ohne Worte, L’anello senza parole. In sostanza, Lorin Maazel, è lui il responsabile di questo che non sai bene definire, se sacrilegio o prodigio, ha ricavato dalla Tetralogia di Wagner, un poema sinfonico, un genere per il quale l’autore del Tristano aveva ben poca simpatia, nonostante la sua convinzione che la grande musica recasse in sé un contenuto poetico e drammatico. Convinzione che Wieland Wagner era solito tradurre in questi termini: «L’orchestra, è lì che sta tutto» - e che per Maazel ha costituito il principio ispiratore del suo progetto. Dopo il direttore americano, altri direttori d’orchestra hanno affrontato questa imponente partitura sinfonica che al momento, salvo errori, conta solo un paio di registrazioni discografiche. L’abbiamo ascoltata nei giorni scorsi al Teatro Comunale di Modena affidata alle mani, anzi alle braccia, di un direttore che, lui pure, non sapresti dire se sacrilego o prodigioso: Theodor Currentzis, alla testa di MusicAeterna, una delle “sue” due orchestre, senza dubbio superlativa.

Trombettista, compositore, arrangiatore di vaglia Palle Mikkelborg il 6 marzo girerà la boa degli ottantacinque anni e, nella sua lunga carriera, costellata di tanti successi, può vantarsi di aver arrangiato e prodotto anche un album del grande Miles Davis (Aura, 1985 ma pubblicato nel 1989).

Light di Palle Mikkelborg, prodotto dal chitarrista danese Jakob Bro, è un’opera che sembra sospesa tra jazz, minimalismo e contemplazione atmosferica. Registrato con una cura maniacale del suono, l’album trasforma la tromba di Mikkelborg in uno strumento di luce: le note emergono lentamente, respirano nello spazio e si dissolvono come riflessi sull’acqua nordica.

Non si tratta di un album narrativo o di virtuosismo tecnico: ogni brano è una meditazione sonora, un’esplorazione delle risonanze, dei silenzi e delle gradazioni di timbro. Le armonie rarefatte e le pause strategiche creano un senso di sospensione temporale, tipico della poetica ECM, dove il suono non riempie lo spazio, ma lo definisce.

Light è dunque più di un ascolto: è un’esperienza percettiva, una riflessione sulla luce, sul tempo e sulla quiete interiore. In questo lavoro, Mikkelborg conferma la sua capacità unica di trasformare la tromba in un linguaggio poetico e spirituale, capace di dialogare con il silenzio e con lo spazio stesso dell’ascoltatore.

Sulla scia della grande cerimonia di chiusura dei Giochi olimpici invernali Milano-Cortina che si è svolta nell’Arena di Verona, nell’ultima settimana di febbraio nel Teatro Ristori della città scaligera è stata messa in scena l’opera L’Olimpiade di Antonio Vivaldi su libretto di Pietro Metastasio.

Il dramma musicale in tre atti del 1735 è stato eseguito dall’Orchestra della Fondazione Arena di Verona diretta da Giulio Prandi con la regia di Emmanuel Daumas e le coreografie di Raphaëlle Delaunay, secondo l’allestimento del Théâtre des Champs-Elysées creato in prossimità delle Olimpiadi di Parigi del 2024.

Le vicende olimpiche narrate in uno dei libretti di maggior successo della storia dell’opera, per la grande quantità di compositori che lo misero in musica per tutto il XVIII secolo a cominciare da Caldara, ruotano attorno ai temi dell’amicizia, della virtù, della fedeltà e dell’onore in un complesso intreccio di passioni amorose, con travestimenti e una agnizione con perdono che conduce al lieto fine.

Gli interpreti di questa edizione veronese dell’Olimpiade sono Christian Senn (Clistene), Loriana Castellano (Aristea), Josè Maria Lo Monaco (Licida), Nicolò Balducci (Megacle), Benedetta Mazzucato (Argene), Ana Maria Labin (Aminta) e Roberto Lorenzi (Alcandro).

Per il loro duo hanno scelto i nomi di due dei figli (gemelli) della poetessa e scrittrice Rosalía De Castro (1837-1885), una delle figure più importanti della letteratura spagnola dell’Ottocento e punto di riferimento dell’identità linguistica e culturale galiziana. Gala e Ovidio sono Aida Tarrío e Raül Refree, e Un final que parece un principio è il titolo del loro album, uscito negli ultimi mesi del 2025 dopo essere stato atteso a lungo in Spagna. È facile capire perché: Aida Tarrío è (tuttora) una delle Tanxugueiras, un trio folk/world music galiziano ormai di fama internazionale, dopo che una loro canzone è circolata in rete nel 2017, e dopo che hanno partecipato con una canzone in lingua galiziana al festival di Benidorm del 2022 (dove avvenivano allora le selezioni per la rappresentanza spagnola al festival dell’Eurovisione). A sua volta, Raül Refree (è uno pseudonimo, che sta per Raül Fernández Miró, catalano) è noto in Spagna e fuori, soprattutto come produttore di progetti simili a quello di Gala i Ovidio, come Granada (2014) con Silvia Pérez Cruz, Los Ángeles (2017) con Rosalía, Manual de cortejo (2019) con Rodrigo Cuevas e Lina_Raül Refree (2020) con la fadista portoghese Lina. Di quest’ultima collaborazione avevamo riferito, ormai sei anni fa, in una delle nostre Recensioni. L’abbinamento tra una voce fortemente radicata in una tradizione linguistica iberica e un tessuto strumentale elettroacustico (dalla chitarra elettrica ai sintetizzatori, dalle percussioni elettroniche ai suoni generati da workstation digitali) ha provato di funzionare e di creare attenzione intorno ai protagonisti. Il caso di Rosalía, assurta nel giro di pochi anni al ruolo dell’artista appassionata e senza compromessi – ma entrata nel mainstream – che era stato anni fa di Björk, è esemplare. Succederà lo stesso per Aida Tarrío?

Gala i Ovidio si sono esibiti ai primi di febbraio in un vecchio teatro di Barcellona, all’interno di una rassegna di Barnasants, istituzione catalana dedicata alla canzone d’autore, affine al Club Tenco. L’allestimento del palco, nella bella sala del Casino Aliança del Poblenou, assomigliava di più a quello dei Kraftwerk o di un duo di dance elettronica degli anni Ottanta – con un tavolo ricoperto di apparecchiature e strumenti e luci di taglio abbaglianti che spesso lasciavano solo intravedere le silhouettes dei protagonisti – che alle modeste sedie impagliate della cançó d’autor. Il pubblico, nel quale la percentuale di persone sotto i trent’anni era insolitamente più alta, se non di molto, rispetto agli standard della canzone d’autore, si è fatto trascinare, in una progressione che è culminata nella concessione di alcuni bis.

Intanto, Raül Refree ha in cantiere un progetto nuovo, con la cantante salentina Maria Mazzotta, per un album che si intitolerà San Paolo di Galatina. Volete vedere che lo ritroveremo al Tenco 2026?

Per il loro duo hanno scelto i nomi di due dei figli (gemelli) della poetessa e scrittrice Rosalía De Castro (1837-1885), una delle figure più importanti della letteratura spagnola dell’Ottocento e punto di riferimento dell’identità linguistica e culturale galiziana. Gala e Ovidio sono Aida Tarrío e Raül Refree, e Un final que parece un principio è il titolo del loro album, uscito negli ultimi mesi del 2025 dopo essere stato atteso a lungo in Spagna. È facile capire perché: Aida Tarrío è (tuttora) una delle Tanxugueiras, un trio folk/world music galiziano ormai di fama internazionale, dopo che una loro canzone è circolata in rete nel 2017, e dopo che hanno partecipato con una canzone in lingua galiziana al festival di Benidorm del 2022 (dove avvenivano allora le selezioni per la rappresentanza spagnola al festival dell’Eurovisione). A sua volta, Raül Refree (è uno pseudonimo, che sta per Raül Fernández Miró, catalano) è noto in Spagna e fuori, soprattutto come produttore di progetti simili a quello di Gala i Ovidio, come Granada (2014) con Silvia Pérez Cruz, Los Ángeles (2017) con Rosalía, Manual de cortejo (2019) con Rodrigo Cuevas e Lina_Raül Refree (2020) con la fadista portoghese Lina. Di quest’ultima collaborazione avevamo riferito, ormai sei anni fa, in una delle nostre Recensioni. L’abbinamento tra una voce fortemente radicata in una tradizione linguistica iberica e un tessuto strumentale elettroacustico (dalla chitarra elettrica ai sintetizzatori, dalle percussioni elettroniche ai suoni generati da workstation digitali) ha provato di funzionare e di creare attenzione intorno ai protagonisti. Il caso di Rosalía, assurta nel giro di pochi anni al ruolo dell’artista appassionata e senza compromessi – ma entrata nel mainstream – che era stato anni fa di Björk, è esemplare. Succederà lo stesso per Aida Tarrío?

Gala i Ovidio si sono esibiti ai primi di febbraio in un vecchio teatro di Barcellona, all’interno di una rassegna di Barnasants, istituzione catalana dedicata alla canzone d’autore, affine al Club Tenco. L’allestimento del palco, nella bella sala del Casino Aliança del Poblenou, assomigliava di più a quello dei Kraftwerk o di un duo di dance elettronica degli anni Ottanta – con un tavolo ricoperto di apparecchiature e strumenti e luci di taglio abbaglianti che spesso lasciavano solo intravedere le silhouettes dei protagonisti – che alle modeste sedie impagliate della cançó d’autor. Il pubblico, nel quale la percentuale di persone sotto i trent’anni era insolitamente più alta, se non di molto, rispetto agli standard della canzone d’autore, si è fatto trascinare, in una progressione che è culminata nella concessione di alcuni bis.

Intanto, Raül Refree ha in cantiere un progetto nuovo, con la cantante salentina Maria Mazzotta, per un album che si intitolerà San Paolo di Galatina. Volete vedere che lo ritroveremo al Tenco 2026?

Il bel libro di Mirko Schipilliti – maestro e direttore d’orchestra nonché medico alquanto noto nelle Venezie – rende finalmente giustizia alla diffusione e conoscenza dell’immenso violinista Giuseppe Tartini. Figura amata dallo stesso Paganini, ma non altrettanto nota purtroppo che, grazie a questo libro ricco di informazioni e di analisi, seppe creare uno stile e una scuola italiana. Il testo, ci porta ad approfondire il grande momento della letteratura strumentale italiana, prima dell’onda operistica che dilagò in tutta Europa. Un lavoro necessario e affascinante.