La Recensione

Il primo capitolo della nuova avventura firmata Ottavio Dantone ed Accademia Bizantina, dedicata ai Concerti Brandeburghesi di Johann Sebastian Bach, reca il titolo Baroque Anatomy #5 – The Eye. Il capolavoro della musica barocca viene però affrontato dal celebre ensemble con l’intento di «offrire all’ascoltatore un’esperienza immersiva», come spiega il konzertmeister Alessandro Tampieri. Presentando ognuno dei 6 concerti insieme a brani ad essi attinenti per genesi, collocazione geografica, storia dei compositori. Così, accanto al Concerto Brandeburghese No. 5 in re maggiore BWV 1050 e il Concerto per flauto, violino e clavicembalo in la minore BWV 1044 entrambi di Johann Sebastian Bach, questo album propone il Concerto per flauto e violino in mi minore TWV 52:e3 di Georg Philipp Telemann e il Quartetto per flauto in la minore Wq 93 di Carl Philipp Emanuel Bach. Ispirati e persuasivi solisti, insieme a Dantone al clavicembalo, il flautista Marcello Gatti ed il violinista Alessandro Tampieri. Una lettura certamente vigorosa, la loro, ma al contempo raffinata, teatrale ed altamente retorica. 

L’idea di stare andando verso un mondo dove regnasse finalmente una fratellanza universale. Questa era, con tutta la sua naïveté, e fatta la tara del marketing onnipresente, l’idea di fondo dei tanti esempi di cross-over transculturale, “contaminazione” come si suol dire con una parola orribile, world music, global sound, ecc. che, nel corso degli ultimi decenni, hanno coinvolto ogni genere di musica. Così ci sono passati davanti i vari Afro-Bach, Mozart l’Egiziano, oltre agli innumerevoli arrangiamenti jazz o rock di celebri pagine classiche. A volte geniali. Ma molto più spesso assolutamente no. Via via però questa ebbrezza del meticciato musicale sembra essersi poco a poco placata. Per questo, dopo Bach eseguito sulla kora, o Mozart intonato sul rebab, “Pur ti miro”, un album pubblicato recentemente da ECM, a un primo sguardo, ha un che di “fuori moda”. Solo di primo acchito però. Un trio che esegue musiche di Vivaldi, Bach, Monteverdi e tradizionali e che comprende il contrabbasso di Janne Saksala, la viola di Martin Stegner (entrambi membri del Berliner Philharmoniker) e uno strumento cinese, anzi un illustre strumento cinese, che vanta qualcosa come 3000 anni di storia: lo sheng, affidato qui alla maestria di Wu Wei uno dei massimi interpreti di questo strumento straordinario. Si tratta di un “organo a bocca”, così viene definito, che nelle versioni moderne copre un’estensione cromatica di quasi tre ottave, cioè come ogni altro strumento a fiato occidentale. Ma c’è un particolare: lo sheng è uno strumento polifonico e può eseguire accordi fino a sei note.

Due cose colpiscono soprattutto in questo album: la bontà dell’interpretazione e la naturalezza sorprendente con cui lo sheng si integra timbricamente e armonicamente in questo repertorio barocco. Non una traccia di esotismo, fortunatamente, ma una musicalità del tutto speciale e affascinante.

Quanto all’idea della fratellanza universale, quella è svanita da un pezzo ormai.

Non poteva festeggiare diversamente il trombonista, cantante, compositore e arrangiatore svedese. Settant’anni portati magnificamente, anche musicalmente parlando. Un disco che merita attenzione, perché vede coinvolto anche uno dei più quotati arrangiatori viventi: il vincitore di ben sette Grammy Awards Vince Mendoza, che architetta il suono della Swedish Radio Symphony Orchestra e di Nils Landgren, con al seguito diversi suoi fedeli amici come la vocalist Ida Sand. Il nome di Landgren è legato a doppio filo, oramai da svariati anni, alla casa discografica tedesca di Siggi Loch Act Music, che assicura un suono di particolare pregio e un’attenzione ai particolari.

l lavoro, reso disponibile dal 13 febbraio 2026 in formato CD e vinile (anche in edizione limitata in doppio LP da 180 g), rappresenta un raffinato atto d’amore artistico e personale per il musicista svedese.

Il repertorio di Love of My Life si dipana attraverso dodici tracce che spaziano tra composizioni originali e reinterpretazioni di brani di autori come Cat Stevens, Leonard Bernstein, Kurt Weill e Herbie Hancock, oltre a pezzi di colleghi come Joe Sample e la cantante Ida Sand (anch’essa presente nel progetto). Questa scelta di materiali riflette non solo la versatilità di Landgren, ma anche un senso di intimità collettiva, di scambio creativo tra amici e maestri.

La 14° edizione del Valletta Baroque Festival diretto da Kenneth Zammit Tabona si è svolta a Malta durante il mese di gennaio in diversi luoghi di interesse storico artistico dell’isola mediterranea.

I trenta concerti del suo ricco programma sono stati presentati nelle chiese e nei palazzi della capitale, a cominciare dalla concattedrale di San Giovanni per terminare nello storico Teatro Manoel, e in quelli di altre numerose località maltesi come Attard, Birgu, Cospicua, Floriana, Kalkara, Naxxar, Rabat e Żurrieq.

A conclusione del festival è stata eseguita l’opera Pelopida di Girolamo Abos, compositore nato a Valletta nel 1715 e scomparso nel 1760 a Napoli dove dopo essersi formato con Francesco Durante e altri musicisti, visse operando a sua volta come insegnante in diversi conservatori della città e come maestro di cappella di alcune chiese partenopee.

L’opera presentata per la prima volta in versione scenica completa in tempi moderni con la regia di Brett Nicholas Brown è stata eseguita dall’Arianna Art Ensemble diretto da Giulio Prandi con un cast vocale composto da Valentino Buzza (Pelopida), Filippo Mineccia (Egisto), Josè Maria Lo Monaco (Aspasia), Lucija Varsic (Oreste), Carlotta Colombo (Ismene) e Vittoriana De Amicis (Clito).

01) Arash Rokni / Allemande da Suite in sol minore di Jean-Henri d’Anglebert (2:25)

02) Arianna Art Ensemble / Chaconne. Andante da Periodical Ouverture in Mi bemolle maggiore (2:28)

03) Arianna Art Ensemble / Ouverture dall’opera Pelopida di Girolamo Abos (1:18)

04) Arianna Art Ensemble e Valentino Buzza / “Ah paventate indegni” da atto 2 scena prima dell’opera Pelopida di Girolamo Abos (2:25)

05) Arianna Art Ensemble e tutti / “E’ del ciel felice dono” coro finale dall’opera Pelopida di Girolamo Abos (1:00)

Riccardo Tesi è uno degli organettisti più famosi, perlomeno in Europa: notissime le sue collaborazioni con Fabrizio De André e Ivano Fossati e nel mondo del folk revival, prima con Caterina Bueno, poi con la riedizione dello spettacolo “Bella ciao” (del quale era direttore musicale), di enorme successo internazionale. E molto altro. Il suo amico dell’adolescenza, Paolo Cesare Zampini, si è diplomato in flauto a Roma ed è diventato un esecutore di primissimo piano nel mondo del cinema, scelto più volte come solista da Ennio Morricone e da altri maestri della musica per il cinema. È anche stato direttore del Conservatorio di Firenze. I due musicisti e i loro mondi musicali si sono incontrati di nuovo, e con l’aiuto di altri colleghi hanno registrato l’album “Camerock”, evidente crasi di “camera” e “rock”, a significare un sound che fonde sonorità cameristiche e ritmi incalzanti. Spiega Tesi nel comunicato stampa della Visage, l’etichetta indipendente che pubblica l’album: “Il team creativo di questo album è costituito da Daniele Biagini, Paolo Zampini e il sottoscritto, l’album è costituito in gran parte da composizioni originali, spesso realizzate a quattro mani, in cui si respirano tutte le influenze che hanno caratterizzato i nostri percorsi musicali e che abbiamo cercato di amalgamare nel modo più coerente e naturale possibile. Non poteva mancare un omaggio ai Jethro Tull da cui tutto è nato! “Living in the Past” è una canzone fortemente simbolica per Paolo e me perché ci riporta alla nostra adolescenza quando passavamo giornate ad ascoltare Ian Anderson e a sognare di diventare musicisti! Un sogno che entrambi abbiamo realizzato in ambiti musicali molto diversi ma… il primo amore non si scorda mai!”

Già, per chi non fosse ferrato nella storia del progressive rock, “Living in the Past” fu la prima canzone in 5/4 sulla scena del rock inglese, pubblicata nel maggio del 1969 su un 45 giri, con una mossa ardita da parte della Island, allora una piccola etichetta britannica. Nel giro di pochi mesi introdurre nei propri pezzi metri additivi come il 5/4, 7/8, 9/8 (nella scansione 2+2+2+3) eccetera divenne un obbligo stilistico (tra i primi seguaci britannici Blind Faith e Soft Machine, anche se negli USA Frank Zappa era stato il pioniere), fino a quando, anni dopo, i King Crimson avrebbero cantato (più o meno): “… e se vuoi divertirti e battere il piede in ventuno ci siamo noi, la King Crimson Band!” (“The King Crimson Barber Shop”, sull’antologia Frame by Frame, 1984). Per “Living in the Past” Ian Anderson e i Jethro Tull si erano basati sulla scansione del 5/4 un po’ meccanica che avevano ripreso da “Take Five” del quartetto di Dave Brubeck (da Time Out, un album del 1959), sul quale i musicisti rock inglesi del ’68-’69 si esercitavano mane e sera. Il brano è compreso, nell’esecuzione di Tesi, Zampini e altri, anche in Camerock, ma nella recensione abbiamo preferito dare spazio alle composizioni originali, e fra di loro quelle che “rockano” di più. Una segnalazione particolare è dovuta a Daniele Biagini – pianista, coautore di molti brani e arrangiatore, che vanta collaborazioni con i Tuxedomoon e Steven Brown – e a Enrico Guerzoni, violoncellista a cavallo tra classica e contemporanea, popular music e jazz. 

Il 27 maggio del 1840 muore Niccolò Paganini a Nizza. Il vescovo di Nizza nega la sepoltura del Maestro in terra consacrata. Un contenzioso sofferto che durò fino al novembre 1876, quando finalmente le spoglie di Paganini trovano riposo a Parma. Il bellissimo volume curato da eccellenti esperti e studiosi del grande genovese - Mariateresa Dellaborra, Roberto Iovino, Nicole Olivieri e Danilo Prefumo - con perizia certosina scandagliano testi e archivi riportandoci un momento sconosciuto della Storia della musica, di forte interesse: la dolorosa vicenda post-mortem di uno dei più grandi violinisti di tutti i tempi.

“Sinners” è un film horror del 2025 diretto da Ryan Coogler che ha collezionato ben 16 candidature agli Oscar, ovvero, fra le altre, come miglior film, migliore regia, scenografia e canzone originale. La pellicola può lasciare perplessi per quel misto di vampirismo e oltretomba che forse non rende giustizia al messaggio che dovrebbe contenere, ovvero il rapporto fra bianchi e neri negli Stati Uniti dagli anni ’30 a oggi; ma sicuramente vale la colonna sonora che in questo senso riesce a emozionare scavallando i generi e i tempi.

«Sulle strade al mattino il troppo traffico mi sfianca – cantava Battiato nel 1983 - Mi innervosiscono i semafori e gli stop / E la sera ritorno con malesseri speciali /Non servono tranquillanti o terapie / Ci vuole un’altra vita». Quella vita lui la cercava in altri mondi, in certe letture, nell’arte, nella mistica e nella musica – una musica diversa eppur mai dimentica del suo essere “contemporanea” e dunque legata ai gusti e alle aspettative del pubblico con cui per mezzo secolo si è confrontato. “Franco Battiato. Un’altra vita” è una mostra-evento dedicata a uno dei protagonisti più originali della cultura italiana contemporanea, a cinque anni dalla sua scomparsa. Inaugurata il 30 gennaio allo Spazio Extra del MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo di Roma, la mostra - curata da Giorgio Calcara con Grazia Cristina Battiato, nipote dell’artista - resterà visibile sino al 26 aprile 2026. La vita e l’opera dell’artista catanese scorrono attraverso un percorso articolato in sette sezioni tematiche arricchite da copertine di album, manifesti storici, fotografie e cimeli rari: L’inizio (dalla Sicilia a Milano), Sperimentare (dall’acustica all’elettronica), Il successo (dall’avanguardia al pop), Mistica (tra Oriente e Occidente), L’uomo (ritorno alle origini), Il Maestro (come un diamante) e Dal suono all’immagine (il cinema di Battiato). Al centro della sala è piazzato uno spazio ottagonale che richiama l’ottava musicale – l’Ottava anche è la casa editrice e discografica fondata da Battiato - dove la proiezione di cinque videoclip di altrettante hit del Maestro produce un’esperienza di ascolto “immersivo”. Raccontare questa mostra è un’opportunità di tornare a parlare di un artista emblematico e “verticale” che ha lasciato un’impronta indelebile sulla musica ma che al tempo stesso è inimitabile: un percorso sui generis, quello di Franco Battiato, che ha aperto orizzonti ancora tutti da esplorare ed è in continua evoluzione. Riascoltarlo è un po’ investire sul proprio futuro.

Torna, dal 13 agosto al 13 settembre, il Lucerne Festival summer edition. Quest’anno 2026 per la prima volta sotto la guida di Sebastian Nordmann, nuovo direttore esecutivo e artistico. “American Dreams”, il tema, che esplora la variegata storia della musica americana, abbracciando tradizioni stilistiche e influenze culturali che vanno da teatro musicale e musica da film a jazz e minimalismo. In programma per l’arco di tempo di 32 giorni, oltre 120 eventi che si svolgeranno prevalentemente al KKL. Sei saranno le serate che vedono protagonista la Lucerne Festival Orchestra, due sotto la guida del suo direttore musicale, Riccardo Chailly, e le altre di Klaus Mäkelä, Jakub Hrůša e Anne-Sophie Mutter. “Artiste étoile” è per quest’anno Augustine Hadelich e compositore in residenza, Mark Andre. Tra le blasonate orchestre ospiti, i Berliner Philharmoniker diretti da Kirill Petrenko, la Royal Concertgebouw Orchestra sotto la guida di Santtu-Matias Rouvali e i Wiener Philharmoniker con Tugan Sokhiev. Ma in cartellone anche attesi ritorni e “prime volte” per nomi tra cui Ray Chen, Hilary Hahn, Joyce DiDonato, Elisabeth Leonskaja e Yo-Yo Ma. Mentre, a rappresentare la generazione di giovani solisti figurano pianisti come Seong-Jin Cho, Alexandre Kantorow, Yunchan Lim, Alexander Malofeev e Hayato Sumino.

Mi convinco sempre di più che il benessere, la vita comoda e certi loro corollari quali il godersi la vita, la noia, eccetera – condizioni, entro certi limiti, sicuramente augurabili –  sono altrettanto sicuramente fattori pochissimo favorevoli allo sviluppo, al fiorire di una musica (e fors’anche di qualsiasi arte) che sia ricca di significato, di umanità, di forza espressiva, di emozioni e che, non da ultimo, sia anche bella. Pensiamo agli ultimi centocinquant’anni. A parte le classifiche della grande industria, da dove proviene la musica, le musiche che più hanno saputo e sanno raccontare, “cantare” al mondo intero, i sentimenti, lo spirito e anche le tragedie di questa nostra epoca? Epoca non so se maledetta, ma felice di sicuro no. Ebbene, vengono quasi sempre da regioni o paesi tormentati da guerre, povertà, criminalità e discriminazioni di ogni genere.

Penso a jazz, blues, tango, fado, flamenco e molto altro, inclusa quella innumerevole schiera che, da incorreggibili colonialisti, etichettiamo come world music.

Lido Pimienta, cantautrice, vive a Toronto da vent’anni, ma è colombiana, nata e cresciuta a Barranquilla che ha il triste privilegio di essere una delle cinquanta città più violente del mondo. Mesi fa ha pubblicato un nuovo album che, oltre a lei, vede protagonista l’Orquesta y Coro de Medellin. Si intitola La belleza. Vi si respira il richiamo potente delle proprie radici indigene, ma anche la volontà caparbia di sottrarsi, di emanciparsi dai tanti ghetti musicali, razziali e di genere che affliggono le periferie dell’umanità.