Ça commence par un cercle.

Un cercle de danse hip-hop, au milieu d’un club de boxe.
Des corps différents, des styles, des identités. Une énergie brute, instinctive.
Et la sensation qu’à l’intérieur de ce cercle, quelque chose peut changer.

Dans cet épisode de Les Sens de la Danse, je reçois Sébastien Boucher — danseur, chorégraphe, programmateur et fondateur Groove’N’Move, festival des danses urbaines à Genève.

Figure de la scène underground depuis les années 90, il a vu le hip-hop évoluer des cercles et des battles vers les scènes institutionnelles, les musées et les grandes salles de spectacle.

Son parcours raconte cette traversée : de la rue aux institutions, de l’énergie brute à la programmation culturelle,
du collectif spontané à la transmission organisée.

Avec lui, on parle :

– des premiers cercles et de la culture hip-hop
– de la différence entre battle et rituel
– de la place du hip-hop dans les institutions culturelles
– de transmission intergénérationnelle
– et de la naissance d’un festival devenu une véritable plateforme internationale : Groove’N’Move, qui célèbre en 2026 sa 16e édition et se tiendra du 4 au 15 mars à Genève.

Un épisode sur le pouvoir de la danse à relier les mondes, à décloisonner les territoires et à faire vibrer une ville entière.

🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des conversations approfondies avec des artistes, danseurs et chorégraphes, et questionne ce que la danse transforme dans les corps et les trajectoires. Il est partenaire média du festival Groove’N’Move.

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Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, retour sur une histoire souvent méconnue : celle de la danse auprès des corps fragilisés.

Danser à l’hôpital, au chevet, auprès de personnes malades ou âgées… Cette pratique n’est pas née d’hier.

Dès les années 1960–70, des artistes comme Anna Halprin remettent en question l’idée du corps idéal et ouvrent la danse à des corps réels, vulnérables, traversés par la vie.

Dans les années 1990, la community dance au Royaume-Uni affirme une autre vision : la danse comme lien social, comme espace de présence et de participation, loin de la seule performance.

Comment ces mouvements ont-ils transformé notre regard sur le corps dansant ?
En quoi la danse peut-elle devenir un espace relationnel, sans se substituer au soin médical ?

Ce Pas de côté propose des repères historiques et internationaux pour mieux comprendre comment la danse a progressivement quitté les scènes traditionnelles pour rejoindre tous les corps — quels qu’ils soient.

🎙 Un éclairage complémentaire à l’épisode avec Aude Michon.

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Dans cet épisode des Sens de la Danse, Aude Michon raconte comment la danse a progressivement quitté les scènes traditionnelles pour s’inscrire dans des lieux inattendus, notamment à l’hôpital, auprès de personnes touchées par le cancer.

Danseuse et chorégraphe, fondatrice de l’association Elles Dansent, Aude Michon revient sur son parcours personnel, ses choix professionnels, les renoncements nécessaires, et la manière dont son rapport à la danse s’est transformé au fil du temps.

Au cœur de cet échange d’une heure, il est question de danse à l’hôpital, de présence au chevet des patientes, mais aussi des enjeux éthiques liés à l’intervention artistique dans les contextes de soin.

Comment danser avec des corps fragilisés ? Que peut — ou ne peut pas — la danse face à la maladie ? Où se situe la frontière entre art, accompagnement et soin ?

Aude Michon partage également les réalités concrètes de son travail : l’adaptation aux lieux, la relation avec les équipes soignantes, la place du silence, et la nécessité de repenser la notion même de scène.

🔗 POUR ALLER PLUS LOIN

🎥 Découvrir le reportage Elles Dansent, réalisé auprès de femmes touchées par la maladie et mentionné dans cet épisode :

👉https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/episode-special-octobre-rose-elles-dansent-quand-la-vie-fait-un-pas-de-cote

Un épisode qui interroge la danse hors des théâtres, la place du corps vulnérable dans l’histoire de la danse, et ce que le mouvement peut encore transmettre dans des contextes où rien n’est acquis.

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Créé en 1994 pour le Ballet de l’Opéra de Paris, Le Parc est l’une des œuvres les plus emblématiques du chorégraphe Angelin Preljocaj. Une pièce entrée au répertoire, régulièrement reprise depuis plus de trente ans, et qui sera à nouveau présentée à l’Opéra Garnier du 3 au 25 février 2026.

Dans ce pas de côté, nous prenons quelques minutes pour éclairer cette œuvre majeure : son contexte de création, ses thèmes, et les raisons pour lesquelles Le Parc continue de nous parler aujourd’hui.

Inspirée de l’imaginaire des jardins à la française et portée par la musique de Mozart, la pièce explore les jeux de séduction, le désir, le regard et la relation à l’autre.
Loin d’un récit amoureux idéalisé, Le Parc propose une véritable cartographie du désir : un désir observé, retenu, négocié, inscrit dans les corps et dans le temps.

À travers des scènes devenues iconiques — notamment celle du baiser suspendu — Le Parc interroge la confiance, le consentement et l’abandon, avec une écriture chorégraphique où la lenteur et la précision font émerger une tension rare.

Pourquoi cette œuvre traverse-t-elle les époques ? Parce que notre regard sur l’amour, sur les relations et sur les corps a changé — et que Le Parc change avec nous. Un éclairage sensible et accessible, pour mieux entrer dans l’univers d’Angelin Preljocaj et dans la conversation qui suit.

🎙️ Les Sens de la Danse — le podcast qui explore ce que la danse fait à nos vies.

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Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Angelin Preljocaj pour une conversation au long cours sur la danse comme langage du vivant, du temps et de la relation à l’autre.

Il revient sur son enfance, l’exil de ses parents albanais, et la manière dont ces histoires ont façonné son rapport au corps, à la rigueur et au cadre.

Au fil de l’entretien, il évoque sa formation — de Karin Waehner à Merce Cunningham — et la construction d’une écriture chorégraphique exigeante et profondément structurée. Une danse où la contrainte n’enferme jamais le geste, mais crée les conditions de son surgissement. Il parle de la danse comme d’un art « très puissant », capable de dire ce que les mots ne savent pas formuler, et de relier les corps à l’espace et au temps.

L’épisode explore son processus de création, la place du collectif, les collaborations artistiques, et la transmission de la danse dans des contextes variés : prisons, hôpitaux, écoles, espace public. Une conviction traverse tout l’échange : la danse est un acte de relation, profondément ancré dans le réel, et une manière d’aller vers l’autre.

Angelin Preljocaj aborde également le temps long, la finitude, et son rapport à la mort à travers Requiem(s), une pièce pensée non comme une représentation de la disparition, mais comme une manière de réaffirmer le vivant.

Alors que la pièce Le Parc, créée en 1994, sera reprise à l’Opéra Garnier du 3 au 25 février 2026, cet épisode propose un retour sur Angelin Preljocaj, en explorant l’origine du geste, la pensée du corps et ce que la danse permet de dire.

Un épisode dense pour entrer au cœur de l’œuvre d’un chorégraphe majeur — au plus près de ce qui le met en mouvement.

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Cet épisode a été enregistré au Théâtre des Champs-Élysées, que je remercie chaleureusement pour son accueil et la mise à disposition d’un espace de travail, propice à cet échange.

Photo: Julien Bengel

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Dans cet épisode, Les Sens de la Danse fait un pas de côté vers l’une des institutions majeures du ballet mondial : l’American Ballet Theatre.

Compagnie mythique basée à New York, l’American Ballet Theater incarne une vision du ballet à la fois exigeante, vivante et profondément ouverte, où les traditions classiques dialoguent avec la création contemporaine, les identités multiples et le monde d’aujourd’hui.

À travers ce détour, l’épisode interroge ce que représente une grande institution chorégraphique : un lieu de transmission, de renouvellement, mais aussi de mouvements intérieurs, de choix artistiques et de chemins singuliers.

Un pas de côté pour regarder la danse autrement. Pour comprendre comment une maison emblématique peut devenir un espace de respiration, d’évolution et de liberté du corps.

🎙️ Un épisode qui s’adresse autant aux passionnés de ballet qu’à celles et ceux qui aiment explorer ce que la danse raconte du monde.

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Dans cet épisode de Les Sens de la Danse, Myriam Sellam reçoit Thibaut Eiferman, danseur et chorégraphe contemporain au parcours international, passé par certaines des institutions les plus prestigieuses du monde de la danse.

Formé à l’American Ballet Theatre à New York, puis au San Francisco Conservatory of Dance, Thibaut Eiferman a construit son langage chorégraphique entre rigueur classique et recherche contemporaine. Il a dansé au sein de compagnies majeures comme Ballet BC au Canada, Ate9 à Los Angeles, avant de rejoindre Batsheva en Israël, la compagnie mythique dirigée par Ohad Naharin.

Dans cette conversation au long cours, il revient avec sincérité sur son parcours non linéaire, les déplacements géographiques, les remises en question, et la manière dont la danse est devenue pour lui bien plus qu’un métier : une nécessité vitale. Il évoque sa découverte du Gaga, ce langage du mouvement fondé sur la sensation, l’écoute du corps et la vérité du geste, qu’il enseigne aujourd’hui en France et à l’international.

Thibaut parle aussi de sa pièce HHH (Hand, Heart, Head), création primée à l’international, née d’un geste presque punk, interrogeant les normes du corps, la masculinité et le rapport à l’autorité. Il partage enfin sa recherche actuelle, au croisement de la danse et des arts visuels, menée dans le cadre d’une résidence à la Cité internationale des arts et à l’Académie des Beaux-Arts, autour de la gravité, de la matière et de la fragilité.

Un épisode  sur le pouvoir de la danse, le corps comme lieu d’ancrage, et le mouvement comme espace de vérité.

🎧 Les Sens de la Danse, le podcast qui explore le pouvoir du mouvement.

Photo: Quentin Chevrier

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Dans ce pas de côté, on s’attarde sur un détail discret du monde de l’Opéra, souvent invisible pour le public, mais profondément révélateur : la loge.

À travers ce détour par les coulisses, il ne s’agit pas d’expliquer, ni de commenter, mais de déplacer le regard. De s’interroger sur ce que certains espaces racontent d’un métier, d’un statut, d’un passage.

La loge n’est pas ici un lieu anodin. Elle dit quelque chose du rapport au corps, au temps, à l’attente.
Elle marque une frontière, un avant et un après.

Ce pas de côté invite à écouter autrement l’épisode, à prêter attention à ce qui ne se voit pas sur scène et à ce que ces zones silencieuses disent de la danse, de l’engagement, et de la place que l’on occupe.

Un moment à part, pour rappeler que dans la danse, ce sont parfois les marges qui éclairent le centre.

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En mars 2024, Roxane Stojanov acceptait de répondre à mes questions pour la toute première fois dans Les Sens de la Danse.

C’était le premier épisode du podcast. Elle était alors Première danseuse à l’Opéra national de Paris.

Quelques mois plus tard, le 28 décembre 2024, à l’issue d’une représentation de Paquita sur la scène de l’Opéra Bastille, son nom est prononcé devant le public.

Roxane Stojanov est nommée Danseuse Étoile.

Un an après cette nomination, je la reçois à nouveau. Pour prendre le temps. Faire un point.
Et regarder ce que devenir Étoile change vraiment — et ce que cela ne change pas.

Dans cet entretien, Roxane Stojanov parle du travail, du corps, des rôles qui comptent, du regard qui évolue.
Et elle fait une confidence, rare, intime, qui éclaire autrement son parcours et cette année charnière.

👉 Retrouvez ici le premier épisode avec Roxane Stojanov (mars 2024) :
https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/roxane-stojanov-premiere-danseuse-de-l-opera-national-de-paris

Si cet épisode vous a touché, interrogé ou accompagné, pensez à vous abonner aux Sens de la Danse sur votre plateforme d’écoute ou sur YouTube et à partager vos impressions.

Un podcast de Myriam Sellam.

Photo: © James Bort

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Dans ce pas de côté, Les Sens de la Danse propose un éclairage historique sur la danse, envisagée comme pratique collective et espace de rassemblement à travers différentes époques et contextes.

De l’Afrique de l’Ouest aux Amériques,
des danses sociales afro-américaines aux cultures urbaines,
ce segment replace certaines formes de danse dans une histoire plus large, souvent peu visible : celle de pratiques développées en dehors des institutions, dans des lieux accessibles, temporaires, partagés.

Sans interprétation ni conclusion,
ce pas de côté apporte des repères factuels pour comprendre comment la danse s’est transmise par les corps, le mouvement et l’expérience collective, bien avant d’être codifiée ou institutionnalisée.

Un temps de contextualisation pour mieux saisir ce que la danse met en jeu lorsqu’elle devient un lieu de rencontre, de continuité et de transmission.

🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des parcours, des pratiques et des regards croisés sur la danse aujourd’hui.
Disponible sur toutes les plateformes d’écoute.

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