Durante muchos años, y seguramente también hoy, la sociedad vienesa ha sido arrogante, vanidosa y esnob en gran medida, particularmente en todo aquello que tiene que ver con la música. En el siglo XIX, y según cuentan las crónicas de la época, lo era todavía más. Pues bien, en ese escenario, se desarrolló la carrera de Anton Bruckner, un música de origen humilde, rural y que, además, tenía un aspecto físico desgarbado, era torpe en sus maneras, no muy agraciado y con una preparación intelectual muy limitada, se dice de él que nunca leyó un libro. Un personaje que nunca cayó bien a la clase social más esnob de Viena. Tampoco él ponía mucho de su parte, nunca supo desenvolverse en la vida real, ni sacar partido al enorme talento que poseía.

Ninguna de todas estas circunstancias adversas supusieron obstáculo alguno para que ese talento que atesoraba se pusiera de manifiesta en sus partituras. Sus sinfonías soy hoy son equiparadas a las de Beethoven por su grandeza, por sus dificultades técnicas y su belleza.

Mozart llevaba más de tres años apartado de la ópera hasta que, su jefe, el emperador José II le encargó la composición de una ópera bufa. El problema era que debería ajustar muy mucho el presupuesto, las guerras contra los turcos habían dejado las arcas del tesoro en las últimas. Nuestro genio particular tuvo que reducir personajes y llevar la puesta en escena al mínimo posible. Pero claro, hablamos de Mozart. Lo que consiguió con estos escasos mimbres fue un cesto de dimensiones extraordinarias.

La obra, anunciada como bufa, lo es solo en la superficie. El fondo de la trama trata muy seriamente cuestiones tan importantes como la fidelidad conyugal.

Lorenzo Daponte entregó a Mozart un libreto amargo y desencantado donde bajo la belleza de la música, se está negando la posibilidad de disfrutar del verdadero amor y se aconseja a los amantes la resignación y lidiar como cada uno pueda con las pasiones de la vida.

Hablando, hablando, no nos hemos dado cuenta de que ya está la orquesta atacando los primeros compases de la obertura.

Hoy nos las veremos con un viejo conocido, Antonin Dvorak, músico posromántico Bohemio que fue uno de los primeros compositores checos en tener reconocimiento mundial, al igual que su compatriota Smetana, aunque hoy, en su país, éste sea reconocido como un héroe nacional en detrimento del recuerdo de nuestro invitado.

Y es que, aunque Dvorak creó un lenguaje nuevo y original en su música, su estructura formal estuvo siempre ligada a los usos tradicionales que ya se habían establecido en el Clasicismo, particularmente en las sonatas, rondós y variaciones. En pocas palabras, no fue un revolucionario.

El primer contacto que tuvo Schubert con el mundo de la Sinfonía fue a la edad de 14 años, en 1811 y, para no perder tiempo, en 1813, cuando tenía 16, compuso su Sinfonía núm. 1 en re mayor. Esta fue la primera de las seis que compuso en su juventud.

Ya desde estas primeras obras Schubert nos iba indicando que él no sería un músico más. El núcleo de su orquestación lo constituyen los instrumentos de metal, primero trompas y trompetas, agregando mas tarde los trombones. Schubert es un compositor melódico, pero en estas primeras sinfonías parece ser que los temas son lo que menos le interesa, e incluso, en ocasiones, los toma prestados. A partir de ellos crea las obras con su peculiar estilo.

Hoy nos acompaña nuevamente el compositor noruego Eduard Grieg. Bajo el brazo, nos trae las partituras de dos bellísimas obras, el concierto para piano en la menor, opus 16, y la suit Holberg, op. 40.

El concierto para piano fue compuesto en 1868 y se estrenó al año siguiente en Copenhague. Se trata del único concierto para piano y orquesta que llegó a finalizar.

Grieg fue siempre un ferviente admirador de Robert Schumann. Con 16 años, cuando todavía estudiaba en el Conservatorio de Leipzig, asistió a un concierto en el que se interpretó el Concierto para piano en la menor de su adorado maestro a cargo de su viuda, Clara Schumann. Desde este día, la devoción por la obra de Schumann no hizo más que crecer y le duró toda la vida.

Hola a todos. Hoy contamos con la presencia en nuestro programa de un virtuoso pianista, una auténtica leyenda adorada por el público y referencia para todos los instrumentistas que han querido ser alguien en el mundo de la música. Bien, pues a pesar de ello, Sergei Rachmaninov, nuestro invitado de hoy, nunca quiso ser considerado principalmente como un intérprete. El siempre se sintió compositor, incluso cuando con 12 años estudiaba en el Conservatorio de Moscú. Fue allí, a los 19 años, cuando con su trabajo de fin de carrera ganó la Medalla de Honor del centro.

Desgraciadamente su debut en la composición fue un fracaso rotundo. El estreno, en 1897, de su Primera sinfonía en re menor, op. 13, fue tan penoso que el autor quedó bloqueado durante tres años en los que no pudo escribir ni una sola nota.

Rachmaninov siguió desarrollando su carrera como pianista y director de orquesta hasta que en 1900 compuso su Concierto para piano, n.º 2 en do menor, op. 18. Este bellísimo concierto si que fue un éxito y esto le proporcionó la seguridad que le faltaba y sentó las bases de una brillante carrera como pianista, compositor y director de orquesta, una carrera que solo fue interrumpida por el inicio de la segunda guerra mundial.

El Concierto para piano n.º 3 en re menor, Op. 30, obra que escucharemos hoy, fue compuesta por Rachmaninov en 1909 y debía ser su tarjeta de visita en la primera gira del artista por los Estados Unidos. En esta gira estaban previstos recitales en solitario, conciertos y actuaciones al frente de diferentes orquestas del país.

El estreno se produjo el 28 de noviembre de 1909 con la Orquesta Sinfónica de Nueva York y el autor como solista.

Hoy nos las vamos a ver con un divo. Un divo genial, desde luego. Herbert Von Karajan, un personaje de lo más controvertido. Su pertenencia al partido nazi desde 1933, su falta de arrepentimiento abierto por su próspera carrera durante los años nazis y su personalidad imperiosa le granjearon muchos enemigos.

A pesar de todos los pesares, Karajan siempre fue muy respetado como director aunque sus últimos años, y debido a su especial carácter, estuvieran plagados de amargas batallas con la Filarmónica de Berlín de la que era Director Vitalicio desde 1955.

Hoy, nuevamente, vamos a prestar atención al instrumento más importante dentro de una orquesta. Ciertamente lo son todos, desde luego, pero el violín es la voz principal del conjunto, el que habitualmente lleva gran parte de la melodía y al que, por algo será, se le da el papel de concertino. En definitiva, un instrumento que siempre nos hace vibrar con su afinado timbre.

Si además, el arco está en las manos adecuadas, el gozo para nuestros oídos es inigualable.

Dos obras componen el programa de hoy: el Concierto para violín en E minor, Op. 64 de Mendelssohn y el también concierto para violín en A minor, Op. 53 de Dvorak. Ambas van a ser interpretadas por David Oistrakh, violinista y director de orquesta soviético, considerado, y con razón, como un de los mejores instrumentista del siglo XX.

Y, bueno, debo aclarar que he dicho soviético porque su carrera se desarrolló amparada en la Unión Soviética pero, realmente, nació en Odessa, Ucrania. Que cosas.

Como casi todos los genios comenzó sus estudios de violín a edad muy temprana, tenía cinco años. Sus logros llegaron enseguida. Su concierto de graduación en el conservatorio llamó tanto la atención que, al poco tiempo, fue seleccionado como solista para tocar el concierto para violín de Glazunov. Lanzada su carrera, fue invitado a tocar el Concierto para violín de Tchaikovsky en Leningrado junto a la Orquesta Sinfónica de la ciudad.

Sentados ya cómodamente en nuestro sillón preferido y a resguardo de los rigores de este verano, volvemos a retomar, si es que la hubiéramos dejado, nuestra vieja costumbre de escuchar música clásica, ¿por qué no?.

Hoy escucharemos una selección de zarzuela, nuestra música clásica más autóctona. Obviando todas las comparaciones a las que exponen algunos eruditos con la opera cómica o la opereta francesas, podríamos definir a la zarzuela como el arte lírico y escénico propiamente español.

Vamos a despedir esta temporada con un musical de Broadway, West Side Story.

Como todos sabéis, la obra, con la inmortal partitura de Leonard Bernstein, está inspirada en Romeo y Julieta, de Shakespeare y centra la acción en los años 50, en el Upper West Side de Manhattan, Nueva York, que por aquel entonces estaba ocupado por un vecindario multirracial y de clase obrera. Su argumento nos cuenta el drama ocasionado por la rivalidad de dos bandas callejeras integradas por jóvenes de distintos orígenes étnicos, los Sharks, inmigrantes recientes de Puerto Rico y los Jets, blancos estadounidenses que se disputan su predominio sobre el barrio.

Pero volveremos más tarde a esta romántica historia porque están sonando ya los primeros compases de la obertura de West Side Story.