Hoy vamos a disfrutar de la opera, y lo haremos con el que es sin duda el compositor italiano más importante de la primera mitad del siglo XIX: Gioachino Rossini.

Rossini acumula un montón de cualidades, tantas, que si lo hubiera, estaría instalado en el Olimpo de los elegidos: precoz, velocidad y facilidad en la composición, audacia, profundidad en sus obras, en fin, un estilo inconfundible lleno de recursos, y tanto es así que, que al día de hoy, seguimos descubriendo siglo y medio después de su muerte, matices nuevos que nos obligan a llenar, una y otra vez, los teatros de ópera.

Hoy, sin abandonar la música clásica, nos ocuparemos de “otra música clásica”, española por excelencia, denostada en algún momento pero reivindicada definitivamente en nuestros días. La zarzuela es un género de música teatral surgido en España y que se confunde en ocasiones con la opereta, de origen francés, por contener partes habladas y números musicales (solos, dúos, coros…) pero que, en realidad, no tienen nada que ver.

Definitivamente, podemos definir que la zarzuela un arte lírico y escénico propiamente hispánico, pues aunque naciera en España, al poco tiempo de su aparición se extendió a la casi totalidad del mundo hispánico.

Hoy nos recrearemos con dos grandes obras de Mozart, escritas para clarinete. Concretamente el Quinteto para clarinete en la mayor, K 581 y el Concierto para clarinete y orquesta en la mayor, K 622.

El Quinteto para clarinete, o Quinteto Stadler fue escrito para un clarinete, dos violines, una viola y un violonchelo. Mozart lo compuso originalmente para clarinete di basseto, un instrumento de la época que hoy sería un clarinete bajo, y dedicado a su amigo el clarinetista Anton Stadler para que fuera interpretado por él mismo. En la actualidad es habitual utilizar para su interpretación un clarinete en la, otra rareza del genio ya que los clarinetes habituales están afinados en si b.

Hoy nos ocuparemos de una faceta muy interesante de Franz Liszt del que, creo, no habíamos hablado todavía. Vamos a escuchar esta tarde sus Poemas Sinfónicos.

Aclaremos en primer lugar que es un Poema Sinfónico. Se trata de una obra de origen extra musical, de carácter poético literario, cuya finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones, o describir una escena mediante la música y que generalmente consta de un único movimiento.

El término fue aplicado por primera vez por Franz Liszt que escribió trece composiciones de este género.

Hoy escucharemos cuatro de estas obras, todas ellas interpretadas por la Orquesta Filarmónica nacional de Hungría en una grabación de 2001.

Hoy nos visita Héctor Berlioz, compositor francés, nacido en 1803 y fallecido en París en 1869. Berlioz fue el paradigma del Romanticismo; su vida novelesca y apasionada y su ansia de independencia se reflejan en una música atrevida que no admite reglas ni convenciones y que destaca, sobre todo, por la inspiración extramusical, literaria. No en balde, junto al húngaro Franz Liszt, Berlioz fue uno de los principales impulsores de la llamada música programática, esa que tiene por objetivo evocar ideas e imágenes en la mente del oyente, y que representa musicalmente una escena, una imagen o un estado de ánimo.

Berlioz escribió su Sinfonía Fantástica, obra que escucharemos hoy, en los primeros meses de 1830 bajo la influencia del poema de Goethe, Fausto, y lo hizo, según sus propias palabras “con muchas dificultades en algunas partes, con una increíble facilidad en otras. Así, el adagio me fatigó durante más de tres semanas; lo abandoné y lo retomé dos o tres veces. Por el contrario, la Marcha al suplicio fue escrita en una noche”.

No vamos a descubrir nada si decimos que, con Bach, la música barroca llegó a la cima y que, si tuviéramos que llevarnos una grabación, solo una, a una isla desierta, esta sería de Bach, sin dudarlo. Y eso que, como ya hemos comentado en algún momento, ha tenido que ser el paso del tiempo el que finalmente le hizo justicia porque, en su momento, no fue valorado en su justa medida.

Nosotros sí lo haremos. Y por eso, hoy escucharemos dos de sus conciertos y una suit, concretamente el Concierto para dos violines en Re m, la Suitnº 1 en Do M y el Concierto para oboe y violín en Do m.

Hoy nos vamos a la ópera, ¿por qué no? Y hemos tenido suerte, porque está programada La Traviata, de la que podemos decir, sin temor a equivocarnos, que es la obra más popular del repertorio operístico, desde su estreno hasta hoy.

Con La Traviata, Verdi alcanzó un estilo maduro, con mayor hondura en la descripción de los personajes, mayor solidez en las construcciones dramáticas, y una orquestación más importante y rica.

Es una obra atípica dentro de la producción de Verdi, por su carácter realista. No nos cuenta grandes hechos históricos como Nabucco, ni está basada en tragedias como Macbeth, sino que es un drama psicológico de carácter intimista. Fue la primera ópera en la que los actores usaron trajes contemporáneos de la época (esmoquin y vestidos largos de dama, a la usanza francesa o inglesa), ya que hasta ese momento las óperas siempre usaban trajes históricos, correspondientes a siglos pasados o a otras civilizaciones (como ocurrió con Aida, en la que se usaron ropas del antiguo Egipto; Nabucco, del antiguo Israel, o Rigoletto, que evocaba la Italia del norte del siglo XVI). Fue, pues, una absoluta revolución.

Pero vamos a la sala que ya está sonando el Preludio del Acto I.

Hoy vamos a dedicar nuestro espacio al Vals. O lo que es lo mismo, a la saga de los Strauss, Johann padre, Johann hijo, Josef y Eduard. Había más hermanos, pero estos no siguieron los pasos de la música.

El más famoso, con gran dolor y celos de su padre, fue Johann Strauss hijo, y digo esto porque el padre descubrió muy pronto la potencial competencia que representaba su hijo y no quería, de ninguna manera, que se dedicara a la música. Evidentemente no lo consiguió y Johann hijo conquistó el mundo entero con su música. En su momento, fue el maestro indiscutible de la música de entretenimiento. Brahms dijo al escuchar “El bello Danubio azul”: “Por desgracia, esto no es de Brahms”.

Imaginad una sala de conciertos, el pública va ocupando poco a poco sus asientos y ojea el programa. ¿Qué tenemos hoy? Una integral de Tchaikovsky. La orquesta New Philarmonia, dirigida por nuestro viejo conocido Lorin Maazel, interpretará en la primera parte el concierto para piano número uno, en Si b m, Op. 23 y en la segunda el concierto para violín en Re M, Op. 35. Parece que se están apagando las luces, empieza la música.

Hoy hace 196 años, 1 mes y 19 días (el día que escribo ésto, calro) que se estrenó una de las más increíbles obras musicales de todos los tiempos: la Novena sinfonía de Beethoven, la Coral, porque no es sólo es una de las obras más conocidas y aclamadas del propio compositor, sino también de la historia de la música.

Seis años de duro trabajo fue lo que Beethoven, tardó en componer la sinfonía por la que más sería recordado, un encargo que la Sociedad Filarmónica de Londres le hizo en 1817 y para el que se puso manos a la obra al año siguiente. El poema de Friedrich von Schiller al que se conoce como Oda a la alegría fue publicado en 1786, y desde que Beethoven lo leyó, en 1793, quiso musicalizarlo, cosa que logró unos treinta años después en el famoso cuarto movimiento de esta sinfonía.