Música y significado

Otra escisión del Yo en Schumann: su lado Florestán que grita, impulsivo o eufórico, y su lado Eusebius, que contempla, se lamenta, o ama a Clara poéticamente. De hecho el tema del Dooo-Si-La-La contiene las cifras secretas de Clara. Nunca veremos a Schumann tan desbordante, tan pleno de canciones, tan enamorado del universo y tan expansivo. Ese tema (con su continuación, La-Si-Do-Miii-Re) configura casi todas las fibras del Concierto. Y eso que lo completó después de su terrible crisis de 1844. Inolvidable y amado neurasténico... (Gracias a la actriz Maite Domínguez por los fragmentitos de El Diario de Clara Schumann).

El primer Óscar por banda sonora a una mujer compositora fue ¡¡en 1996!! a Rachel Portman. El segundo, al año siguiente, a Anne Dudley. Y pare usted de contar. Ya está. Ninguna más. Y en el panorama clásico las cosas no están mucho mejor. ¿Es que las mujeres no sabían hacer sinfonías?... Empezamos con la Sexta de Dvorak y la comparamos con la Sinfonía Gaélica de  Amy Beach (1896). ¡Las mujeres sí saben hacer sinfonías! ¿Entonces?... El caso de Rebecca Clarke en un mundo híper-masculinizado y su búsqueda de la "victoria interior": I'd bid my heart be still y Morpheus (1918), para viola y piano. La explicación de la musicóloga feminista Susan McClary: a las mujeres les ha sido "señalado" su puesto en la música: canciones, piececitas, cosillas sentimentales... La forma sonata incluso es patriarcal. Pero Clara Schumann desafió al patriarcado en su Trío (1846) por meter dos temas "femeninos". Y Fanny Mendelssohn compuso el Cuarteto en Mi bemol, que podría haberlo firmado su hermano. A ritmo de  Bel Ami de Rachel Portman comentamos la teoría de Helena Cronin sobre los diferentes intereses de hombres y de mujeres. Mientras nos lo pensamos, ¡¡viva Hiromi!!, viva la libertad... ¡¡Fuerza, amigas, compañeras de planeta, de existencia!! ¡¡Hasta la victoria final!! (Suena Old Castle by the River in the Middle of a Forest de Hiromi con sonidos de las manifestaciones del 8-M)

Una de las bandas sonoras más memorables de la historia, para la película de Sergei Eisenstein Alexander Nevsky (1938). En aquellos días el temor de que Hitler invadiese Rusia era muy real, y por ello Stalin, entre purgas y masacres propias, favoreció esta película, en la que se cuenta la historia del príncipe Alexander Nevsky en 1242, y su victoria sobre los cruzados alemanes, los teutones, en la famosa Batalla del Hielo, sobre el lago Peipus. Prokofiev trabajó de igual a igual con Eisenstein, y nos hizo sentir el frío, el pavor, la inminencia de la muerte, la brutalidad, la ironía, el heroísmo, el amor, la sangre rusa y una suerte de triunfalismo existencial. Además se metió con Stravinsky: atención a la explicación que damos sobre el surrealista texto de los cruzados: "Peregrinus expectavi pedes meos in cymbalis... EST". Felices batallas heladas, amigos-as...

Música para el despertar de Verona, para un pueblo que danza, y también para el bullicio, la burla, el conflicto, el "odio enmohecido" de dos familias. Música para la inocencia de una joven, para la ligereza de sus 14 años; música para la voz terrible del Príncipe de Verona, para el resentimiento y la violencia contenida en el altivo "Baile de los Caballeros". Música para las mascaradas de los Capuletos, para el bravucón Mercucio, para el gentil Romeo Montesco. Música/aura de plata bajo el balcón de Julieta. Música que flota, como el corazón de él en aquel jardín. Música para la sosegada celda de Fray Lorenzo, para el matrimonio secreto. Música para el infierno de un corazón vengativo: el provocador Tebaldo. Para la ira, para la espada, para la muerte como un rayo, para la Sombra que se instala en la escena. Música para la separación, la esperanza, el anhelo de amor... Y música para la tragedia final, la muerte de la inocencia, de la que emerge uno de los temas de amor más conmovedores de la historia. Felices amores no tan trágicos, amigas-os...

Vuelve Jaime Altozano para buscarle una cuarta dimensión o algo así a la banda sonora de La Guerra de las Galaxias, la inmortal saga de George Lucas con música de John Williams que ya lleva con nosotros 40 años obviando a Schoenberg y a ésos. A ver: Williams es un gran maestro que usa temas entre Bruckner y Chaikovski (el tema de Anakin, por ejemplo), o fugas (el tema de la Resistencia en 2015), o desarrollos entre Prokofiev y Mahler. Pero lo más importante es que todo lleva el sello de su personalidad. Pues bien, Jaime Altozano nos revela el sentido heroico de la quinta (Do-Sol) presente en el tema de Luke Skywalker, de la cuarta (Sol-Do) presente en todos los temas relacionados con la Fuerza (Qui-Gon, Anakin, Luke, Wan Kenobi...), y de la sexta mayor (Sol-Mi) en el idealizado tema de la Princesa Leia y el tema del amor, que ¡es una mixtura de Leia y de Han Solo!... Resulta que ¡¡todo está relacionado!! No es casual. Esas relaciones ocultas nos descubre Altozano, junto con el tema de otra mujer heroica, Rey, y el tema fantasmal del Emperador. Todo ello nos provoca gozo estelar, valor existencial, y otras formas de felicidad invencible. ¡Que la Fuerza os acompañe, amigos-as!

Hombre, no estaban las cosas tan tristes como ese comienzo del Concierto. En septiembre de 1850 le habían dado a Robert un cargo de Director en Düsseldorf, que no estaba nada mal. Él estaba eufórico (Finale de la Sinfonía Renana), y además recibieron a Clara y Robert con Orfeón y todo (Vida gitana). Pero Schumann era muy bipolar. Le aterrorizaba ver un sanatorio, como si fuese una profecía de su final... Eso pasaba en Düsseldorf. Su Concierto empieza triste, aunque con esa tirata impulsiva que dirigirá su camino; luego cita una frase "enamorada", secreta, procedente de su Sonata opus 22; y finalmente la tirata conduce el Concierto hacia el eufórico La mayor. Añadimos dos piezas de Bilder aus Osten y el Widmung (dedicatoria) por el Texas Boys' Choir nada menos: "Tú mi alma, tú mi corazón"... ¡Felices amores románticos!

Hoy estamos nietzscheanos, casi como Richard Strauss en 1896, en busca del Superhombre, con el "tema de la Naturaleza", el del "anhelo" (o la ansiedad), el "impulso vital" para sacarnos de esta "moral de esclavos" dominada por "los trasmundanos", el tema de la "pasión", cantando "la canción de los sepulcros" con la juventud enterrada, "la canción de la ciencia" con una fuga dodecafónica (que suena mucho mejor que Schoenberg, claro), el Si menor para los hombres arrastrados y sombreados por la cultura occidental, el Do mayor para los superhombres que vencen esas cosas (y super-mujeres, digo yo), la danza o tema de "el niño" y la "canción del noctámbulo" para elevarnos sobre esa religión débil que adora a  un Dios sufriente, etc. etc. Todo eso... o... ¿o no?...

Luminosidad, elegía, escisión del yo, sublimación del yo, espiritualidad, afirmación, fiesta pastoral, barcarola, felicidad desbordante... Hasta la penumbra es bella en este Concierto de 1806. (Sin olvidar el motivo de los cuatro golpecitos de timbal como "protagonista oculto".) Feliz fin de semana…

Desde el Prólogo ya nos advierte Fernando Velázquez que esto no va de adolescentes de excursión. Tampoco es terror exactamente. Es la frontera, el filo, el límite... y al otro lado el abismo. La canción de Laura (Belén Rueda) es familiar, cotidiana, con un deje melancólico, por cuyas rendijas asoma el horror. Velázquez, autor de la banda sonora, nos explica en persona el porqué del Mi-Fa-Mi, de la subida de notas, de las "sextas exacerbadas", de la bi-tonalidad cuando Geraldine Chaplin se interna en el mundo de los muertos, del descenso de las notas musicales con el desmoronamiento paulatino de Laura, de la emoción del tema cuando asciende finalmente, y suena esperanzador, pleno, aunque se sitúe "al otro lado". La música consigue una pirueta narrativa y consigue un final feliz. Celebramos el X Aniversario de la película El Orfanato (2007), de Juan Antonio Bayona, con la banda sonora recientemente grabada por el sello Quartet Records, con la Sinfónica de Euskadi y el Coro KUP Taldea. Finalmente, por encima de vivos y espectros, la película y la música tienen mucho de canto a la abnegación humana, o quizá la abnegación ¿femenina?... Feliz Aniversario, queridos-as...

 

Con nuestra invitada IRENE DE JUAN penetramos en aquella fría buhardilla poblada por el poeta Rodolfo, el pintor Marcello, el filósofo Colline y el músico Schaunard, en los días revolucionarios del París de 1830. París es frío en Navidades, pero el ánimo y la pasión de estos jóvenes bohemios es ardiente. La ópera La bohème (1896) de Giacomo Puccini, se basa en las Escenas de la vida bohemia (1848) de Merger. El idealista y vital poeta Rodolfo, con ese leit-motiv de arpegio ascendente, se enamora de la vecina que va a pedirle una cerilla (claro, están todos congelados por allí, y pobres de solemnidad), Mimí, cuyo leit-motiv frágil y delicado ya nos anuncia su enfermedad mortal, y la canción "Che gelida manina" (algo así como "Qué mano más fría tienes"). La ópera de este amor fugaz y poético se desarrolla en cuatro cuadros, coloreados por el leit-motiv del amor. Los bohemios tienen su leit-motiv despreocupado y entrecortado, que contrasta con el delicado de Mimí. En el segundo, los alrededores del Café Momus y el amor condenado entre Rodolfo y Mimí se distraen en la fiesta navideña y en el temperamento "carmenesco" de la cantante Musetta, liada con el pintor Marcello. En el tercero la diversión se diluye por París congelado, con fríos acordes sin tercera. Es la metáfora "paisajística" de la enfermedad gris de Mimí. El personaje de Mimí, sentenciado a muerte, crece por entre su desdicha y se alza como gran heroína. Y en el cuarto cuadro asistimos al descenso mortal de Mimí, incluso en su voz que baja a las profundidades del "mar profundo e infinito", cuando le dice a Rodolfo "Eres mi amor y toda mi vida". Rodolfo llora porque su pobreza le impide ayudar a Mimí. Ella se apagará, bellamente como vivió, y él gritará "¡Mimí! ¡Mimí!" en uno de los tuttis más bellos de la historia de la música... (A todo esto, mientras Irene de Juan cuenta muy bien estas cosas, yo digo muy bien "ajá" de vez en cuando.) La música, como dice Barenboim, llora y sonríe al mismo tiempo. La belleza nos redime de la propia tragedia que cuenta. Feliz Año Nuevo, amigos-as.