Música y significado

Revisitamos uno de los monumentos musicales más celebrados de la historia. Música para "hacer a las personas mejores", según su autor. Explicamos la solemnidad del inicio, los símbolos musicales de Händel (1741) para las tinieblas, los pasos vacilantes, las conciencias sacudidas, la ligereza, la gloria de Dios que desciende, la paz en la tierra, el fuego purificador, la burla al Crucificado, la resurrección, la catarata (se dice paranomasia) de Aleluyas y el reinado del Hijo de Dios para siempre jamás: "¡King of kings!... ¡Lord of lords!... ¡Forever! ¡And ever!... ¡¡Aleluya!!"... Feliz Navidad, queridas y queridos...

Música para días festivos e incluso desenfadados: además el Scherzo es el PUENTE entre movimientos más profundos. Antes, empezamos con la canción islandesa "Mis ojos y tus ojos" deÁsgeirsson/Jáuregui, interpretada por Gudrún Ólaffsdóttir y el propio Javier Jáuregui. Pues eso: Beethoven inventa el Scherzo sinfónico en su Primera Sinfonía (1799), aunque lo llama todavía menuetto para disimular. Pero el minueto era de aristócratas, para bailarlo sin que se te cayese la peluca. En su Tercera Sinfonía (1805) ya aparece el Scherzo beethoveniano propiamente dicho: arrojo, sarcasmo, fuerza desencadenada ... Mendelssohn es un "scherzista" fugaz que mete la ligereza de sus hadas y sus gnomos: Octeto (1825, con 16 años), Sinfonía Escocesa (1829) Scherzo opus 18 (1829, con las trompetitas de las hadas en aquel jardín de Gales). Chopin escribe Scherzos fantasmales: Sonata 2 (1837, con "criaturas malditas" saliendo de la tapa del piano). Y Scherzos con encantadoras barcarolas centrales: Sonata para Violonchelo y Piano (1846). Saltamos a Dvorak: Séptima Sinfonía (1885), el Scherzo como un tren portador de dulces y populares melancolías. Y su contemporáneo Bruckner: Novena Sinfonía (1896), con un excepcional frenesí diabólico, infernal. Repasamos el Scherzo de la Quinta Sinfonía de Shostakovich (1937), donde desfigura el solemne tema inicial para convertirlo en un valsecito sarcástico, probable piruleta a Stalin, como dijimos hace 5 años. Feliz puente y feliz Scherzo existencial, queridas y queridos…

La mejor música de cámara de todos los tiempos probablemente la escribió Johannes Brahms. Analizamos la Sonata para violín y piano nº3, y aderezamos todo con el Allegro alla Zingarese de su Cuarteto con Piano opus 25 (pero orquestado por Schoenberg, para que luego no digan que no hizo cosas útiles) y con el  Tema y Variaciones del Sexteto opus 18, que además se parece al tema de El Álamo (1960) de Dimitri Tiomkin.

Pues hoy nos hemos traído al mayor experto de Bach en lengua castellana: DANIEL VEGA. Lo introducimos con el coral para órgano In dulci iubilo y con el Concierto de Brandenburgo nº2. Enseguida abordamos la impresionante, poderosa y simbólica Cantata BWV 80 para el día de la Reforma, basada en el himno de Martín Lutero Una recia fortaleza es nuestro Dios. El primer número canta a la "recia fortaleza" que es Dios, con una contraposición entre los elevados oboes y el infernal bajo del órgano. Esa dialéctica dominará toda la Cantata. El segundo es un dueto en que el soprano canta el Coral mientras el bajo da vida a la plenitud de Dios (la palabra alles, "todos", se extiende en 29 notas, por ejemplo). El tercero es un recitativo en que sobresalen ciertas palabras clave: "¡Considera, pues!", "Dolor", etc. El cuarto es una plácida aria que reposa en "el refugio" divino. El quinto es el gran coro, firme, indestructible, que desafía a los demonios atacando en forma de síncopas y semicorcheas y dominantes no resueltas. Y, a partir de ahí, simetría: el sexto es un recitativo que da vida a la palabra freudig ("alegre"). El séptimo es otro dueto que prolonga la palabra bleibt ("permanece") sosteniendo la sílaba durante varios compases. Y el octavo es el coral de Lutero que representa al pueblo interviniendo y celebrando esta gratitud. Vuelve pronto, Daniel Vega, querido catedrático, musicólogo y autor de Bach, repertorio completo de la música vocal.

Pues celebramos el V Centenario de la Reforma de Martín Lutero, cuando clavó aquellas 95 tesis contra la venta de indulgencias en el Castillo-Iglesia de Wittenberg. Porque también fue ¡una revolución musical!... Nos introducimos con secuencias de la película Lutero (música de Richard Harvey). Lutero hizo cantar al pueblo ¡por fin!: el coral Ein feste Burg (1524) y cómo lo trato Bach en su Cantata 80 doscientos años después. Repasamos la música de otros reformadores antes de Lutero: los cátaros o albigenses (canción Lo boier) y los husitas de Praga (himno Vosotros los soldados de Cristo). La música oficial de la Iglesia hacia 1500: Ave Maris Stella de Dufay. Pero las cosas estaban empezando a cambiar: el auge de la música profana en Un cavalier di Spagna (1526) y en la divertida canción La scatola. Lo italiano influyó en el desarrollo de la canción luterana. Las fuentes del Coral Luterano: 1) el gregoriano (el Von Himmel Hoch viene del Puer Nobis est Nascitur; el Nun Komm der Heiden Heiland viene del Veni Redemptur Gentium, tratado en la Cantata 61 de Bach); 2) la canción profana (el coral "O cabeza cubierta de sangre y heridas" viene de "Mi corazón está conturbado" de Hassler; "Oh mundo, debo abandonarte" viene de la canción de Isaac "Innsbruck, debo abandonarte"); 3) las melodías de los propios compositores. Acabamos con el otro gran luterano de oro, Felix Mendelssohn: el coral como consolación en su Sonata para Violonchelo y Piano nº2, y el Ein Feste Burg en su Sinfonía de la Reforma. Felices revoluciones significativas (no como otras, "Ay que dolor" de Cererols).

El inolvidable himno de "Júpiter, el mensajero de la alegría" no es lo más plagiado de Holst: es "Marte, el portador de la guerra", que está en Star Wars de John Williams y en Gladiator de Hans Zimmer. ¡Qué sería de Hollywood sin Los Planetas! Repasamos los temas de "Marte", con el ángel destructor y la danza de la muerte. Resulta que estos Planetas no van de astronomía sino de ¡astrología! y teosofía. Holst estaba influido por Alan Leo, que era de Madame Blavatsky. Os lo contamos. "Venus" seduce y dulcifica desde la llamada de la trompa inicial. "Mecurio" concilia los opuestos Si bemol mayor y Mi mayor, tiene un tema/hilo de plata, y un tema-pensamiento que se origina en lo alto y va tomando cuerpo y solidez. "Júpiter" es "Júpiter", uno de los himnos más ennoblecedores de la historia. "Saturno, el portador de la antigua edad" es un lento reloj cósmico que oscila con acordes de tritono. "Urano el mago" incluye las letras de Gustav Holst. Y "Neptuno" es la ventana al misticismo mistérico, con ecos infinitos, que no se acaba nunca. Yo sí. Que los hados siderales nos sean propicios, amigos-as.

Franz Liszt vivió intensamente en varias fronteras: entre el aplauso universal y la intimidad (Cantata para el Monumento a Beethoven), entre sus admiradoras y su misticismoreligioso (Via Crucis), entre el exhibicionismo (Paráfrasis de "El Sueño de una Noche de Verano" de Mendelssohn) y la confidencia (Dúo S127 para Violín y Piano sobre una Mazurka de Chopin), entre sus lecturas deslumbrantes a primera vista (Fantasía Wanderer, sobre la obra de Schubert) y sus obras futuristas (Nubes Grises), todo ello sobre un trasfondo íntimo, doloroso, de padre fracasado. Cuando compuso su Concierto nº1, estaba inventando el poema sinfónico (fragmento de Prometeo). Este Concierto integra sus fronteras, sus personalidades, sus paradojas, e instaura la figura del pianista-héroe, por entre sus tópicos favoritos: el Eterno Femenino, la búsqueda, la interrogación lúgubre, el Dios libertador e incluso batallador... (según las investigaciones de Márta Grabócz y Míriam Gómez-Morán). Liszt y su idea "sacerdotal" del arte: su poema sinfónico Orfeo. La música como redentora y armonizadora de la humanidad. Las palabras póstumas de su hija Cósima, sobre "las aguas de la vida" (Al borde de una fuente). Felices artes redentoras y armonizadoras, queridos-as...

Los monstruos del mármol dominaron la humanidad en tiempos del Rey Sol, y se han reencarnado en los vanguardistas actuales. A Arvo Pärt y a Penderecki los han puesto finos por bajarse de la "modernez" (Kyrie de la Misa Germana, Réquiem Polaco) y por bajarse de la Santa Evolución que va desde Perotin hasta Tomás Marco. El asalto a la rancia consonancia burguesa estaría bien recogido en The Unanswered Question de Ives, aunque puede tener otro sentido. ¿Por qué no saltamos al siglo XVII? Allí está la explicación a todas las vanguardias inauditas e inaudibles: subvención, aristocratismo, desprecio por la plebe. Mirad si no a Lully (El burgués gentilhombre, Jerjes), o mirad el toque maestoso en el Te Deum de Charpentier. Sólo en Inglaterra se hacía un arte más cercano (Abdelazer de Purcell, canciones de Dowland, la invención del concierto por John Banister). Pero ¿habéis visto esa escena de Todas las mañanas del mundo en que se produce "la disolución del arte cortesano", de la pomposidad inútil, y viene un arte más humano?... Bueno, en España también teníamos los Canarios de Gaspar Sanz. Y, después ya vino el XVIII: Bach, Vivaldi, y La Follia de Corelli-Geminiani: arte no para imponer o subyugar, sino para encantar. ¿Por qué no aplicamos el cuento?... Terminamos con Andreas Prittwitz y verdadera la evolución según Pentatonix...

Antes de pasarse al lado oscuro, Schoenberg compuso en 1899 un espléndido poema para cuerda, "Noche Transfigurada", basado en un poema de Richard Dehmel sobre aquel paseo de una pareja, bajo una atmósfera nocturna y opresiva, en la que ella le hace una terrible confesión a él. Su respuesta y la respuesta de la noche, transfigura la atmósfera y la convierte en mágica. Nuestro invitado, el compositor y catedrático ENRIQUE RUEDA, expondrá la correspondencia de cada verso de Dehmel con las partes de la obra musical. Hay temas para los pasos, para la confesión de la mujer, para su anhelo de maternidad, y cuando estos temas son invertidos o retrogradados, surgen nuevos temas: la respuesta del hombre, la transfiguración de la noche... Y todo bajo el pesante tema de los pasos, que crecen hasta lo apabullante, y finalmente se tornan etéreos. Hermosísimo poema de redención por amor (bueno, y unos resquicios machistas decimonónicos, pero nadie es perfecto...). Escuchamos también la FANFARRIA y el CONCIERTO PARA VIOLONCHELO (II) de nuestro invitado Enrique Rueda. ¡Feliz puente transfigurado!...

¡¡Empezamos la Novena Temporada!!... con la voz de Greg Lake, acompañado de Emerson, anunciando nuestra gloriosa Promenade. Homenajeamos a Teresa Catalán y Rosa Torres-Pardo por su Premio Nacional, y suena casi en clave de proto-jazz el Carterpillar de Isaac Albéniz. Y nos metemos en los Cuadros de Mussorgski: la muerte de su amigo Hartmann en 1873, aquella exposición de 400 cuadros y bocetos impulsada por Stassov, las imágenes que laten en el alma de Mussorgski... La música tiene mucho de homenaje emocionado: grandeza de alma en la Promenade, humor en el Gnomo, pastoral oscura en El viejo castillo, empatía por los polacos en Bydlo (la esposa de Hartmann era polaca), aunque ese continuum, ese ostinato, esas ruedas fatídicas puede que digan más cosas... La Promenade va evolucionando durante el recorrido... Y en las Catacumbas, al borde del abismo, Mussorgski dialoga con el alma de Hartmann, con las calaveras brillando mediante esos agudos de las cuerdas. Lo cuenta él mismo. ¡El vaivén y los cacareos grotescos en el reloj de Baba-Yaga!... Todo culmina en La puerta de los héroes de Bogatyr, donde la Promenade alcanza su sublimación, donde se cita un himno ortodoxo, y donde la épica se eleva hasta la gloria, la gloria de una amistad no frustrada por la muerte. Felices épicas gloriosas, queridos amigos-as.