Música y significado

Después del exitazo del pasado programa, despedimos la temporada con nuestro invitado de lujo, el youtuber Jaime Altozano. Nos acompaña también la periodista/oboista Iria Porras. Altozano sigue hablándonos de las relaciones secretas entre los temas de Aragorn, Gandalf, la Dama Arwen, Elrond, el tema de la Esperanza (o la Eu-catástrofe, término tolkieniano), el tema del Árbol Blanco, la guerrera Eowyn, la criatura Gollum... Y nos cuenta cómo se entrelazan y cómo se transforman, como el terrible tema de Sauron (con la segunda aumentada de los días antiguos), que se transfigura en himno triunfal cuando cae la Torre de Barad-dûr, al ser absorbido su maléfico sonido por Ilúvatar el Único; o como el tema del Anillo, que pasa a modo mayor y se disuelve en la felicidad final, igual que se disuelve el anillo en las Grietas del Destino. Leemos muchos muchísimos mensajes de nuestros amigos-as (disculpad por esos casi ocho minutos de lectura, pero queríamos hacer un homenaje a nuestros oyentes). Y al final volvemos a reflexionar sobre los eternos arquetipos que desarrolla Tolkien: la maldición del poder que vampiriza, el viaje iniciático o viaje maravilloso, las montañas creadas por Melkor, el laberinto de Ella-Laraña, el combate en el seno de la madre tierra donde ocurren las transformaciones y los renacimientos, y la victoria tras el combate con las sombras (Gollum como sombra de Frodo). Felices combates existenciales. Felices arquetipos. Felices noches veraniegas, queridas y queridos. ¡¡Nos vemos en octubre!! ("Corred, insensatos-as"...)

Podemos sorprendernos del enigma, los mensajes ocultos, los parentescos wagnerianos... que contiene la partitura de El señor de los anillos, de Howard Shore. Hoy tenemos con nosotros al youtuber Jaime Altozano (450.000 views para sus tres vídeos en un mes), capaz de explicarnos por qué el Re-Do-Re es el "motivo del Bien", alojado en el "tema de la comunidad", y el Si-Do-Si es el "motivo del Mal", como parte del "tema de la historia del Anillo" y el terrible "tema de Sauron". También tiene explicación que los temas de Gondor y de Rohan sean hermanos secretos, e incluso con hipotiposis de caballo. Y tiene explicación la quinta justa que forma el "tema de la Dama Eowyn". Escuchamos páginas donde estos temas se confrontan, e incluyen momentos paradisíacos, como los temas de Rivendel y de la Dama Galadriel. Inolvidable creación de Tolkien, que todavía sigue habitando nuestros sueños y despertando arquetipos que duermen en lo más profundo de nuestras conciencias: la gruta, el héroe redentor, la mujer-guía, el combate con nuestros monstruos interiores, el viaje de transformación, etc. Felices arquetipos y felices transformaciones, queridos amigos-as..

"C'est l'Empereur!", parece que gritó un oficial francés en Viena tras su estreno en 1812. El Concierto para piano y orquesta nº5 de Beethoven, el "Emperador" de todos los conciertos, fue escrito durante días de guerra y de terrores íntimos. Abrimos con un "Beethoven céltico": la canción irlandesa "The kiss, dear maid, thy lip has left" (texto de Lord Byron) y "Sunset" (canción escocesa de Walter Scott). Beehoven sigue impactándonos por su sutileza, su enigma y su resolución. Este Concierto se abre con una quasi improvisación, y después sigue un tema triunfal, heroico, que lo domina todo con sus motivos de redoble, de fanfarria, de toque maestoso... y se iguala a su compañero, un Tema B de extracción popular. Nuevamente lo patricio y lo plebeyo cabalgan juntos. Cada motivo participa activamente en la aventura del Desarrollo. El Adagio es una especie de nocturno muy espiritual, muy consolador, de una paz casi sobrehumana en aquel contexto maldito. Y el Finale es un rondó italiano victorioso, guerriero. Beethoven eleva su alma y eleva las nuestras también durante cientos de años. Crear un sol triunfante para su vida (y para la de la Humanidad) y ponerle música. Ése es el Emperador de Beethoven.

Comenzamos con la Fanfarria para el hombre corriente (1942), un título/declaración de principios, y escuchamos la canción coral "At the River", todo haciéndose eco de aquel anuncio, "El siglo XX será el siglo del hombre corriente", que pronunció Henry Wallace. Así se movió Copland desde sus 30 años, como un autor para gente normal entre todos los traumas bélicos y estéticos que aquejaron a su generación. Junto a él había gente como Roy Harris, de quien escuchamos su Sinfonía nº3. Copland podría haber sido un revolucionario, como él mismo espetó a Boulez tocando sus Variaciones para piano (1930). Pero Hanns Eisler apareció por Nueva York arengando a los músicos para que dejasen de ser parásitos y se convirtiesen en luchadores. Copland creyó en una América encantada, pre-industrial, violentada por la política y la maquinística: Hear Ye (1934). Idealizó México en este plan: Salón México (1936). Idealizó la América de Billy el Niño (1938) como un Robin Hood, y también las llanuras y los collados eternos como un Edén: Primavera Apalache (1944), que reproducía la canción de los shakers "Simple Gifts". Fue acusado de pro-soviético por acercarse a Shostakovich (escuchamos un cachito de su Sinfonía nº11). Pero reprodujo desafiante su Fanfarria en su Sinfonía nº3, y se le vetó cuando se iba a tocar su Lincoln Portrait. Pero resulta que el pro-soviético fue adoptado por los rockeros (los Rolling Stones, Emerson, Lake & Palmer, Queen), por los anuncios de marines y por el propio Ronald Reagan, que tomó su Fanfarria también. Un triunfo de la concordia y la armonía entre contrarios: "Zion Walls". Nos acompaña nuestra periodista-oboísta Iria Porras comentando mensajes de nuestros oyentes. ¡Felices primaveras encantadas y pre-industriales!

La escala pentatónica todavía resuena como eco de culturas enigmáticas: la noche azteca en la película La otra conquista (Reyes y Zinman), esa postalita En el jardín de un templo chino (Ketelbey), la irlandesa "Oró sé do bheatha bhaile" (de la película El viento que agita la cebada), y la ecológica Y Dios creó a las grandes ballenas (Alan Hovhaness). Dvorak hizo temas pentatónicos para recrear la música de los iroqueses: analizamos el primer movimiento de su Quinteto "Americano" opus 97. Porque una de las tendencias de los compositores es evocar a los nativos americanos con música pentatónica: Xochipilli de Carlos Chávez, La noche de los mayas de Silvestre Revueltas. Pentatonismo ecológico: El hombre y la tierra (serie de TVE) de García Abril. Y la otra gran tendencia es lo africano o los espirituales negros: "Roll Jordan Roll" de la película Doce años de esclavitud; "Swing low, swee chariot" por los Fisk Jubilee en 1909; Sonatina de Dvorak. Explicamos técnicamente cómo se forma la escala pentatónica. Bartók la usó mucho: Atardecer en Transilvania. Y acabamos con la canción americana "Wayfaring stranger", que cita Donhányi en su Rapsodia Americana, y que versiona espléndidamente el Mormon Tabernacle Choir. Feliz primavera pentatónica...

Un Brahms cincuentón hechizado por el lago Thun, por el rumor de los Alpes y por la joven Herminie Spies, escribe una canción: "Como una melodía pasa suavemente…". La fugacidad o la fragancia de esos encantamientos, incluido el mismo tema musical, entran en su Sonata para Violín y Piano opus 100 (1886). Revisamos el mito de "Brahms, músico absoluto" analizando esa sonata y escuchando el Adagio de la Sonata para Violín nº3. Intermedio: el Scherzo de la Sonata F-A-E arreglada para violín y orquesta. Y analizamos otra obra de ese mismo verano: la Sonata nº2 para Cello y Piano. Es revolucionaria porque presenta un "tema sombra" en la zona del Tema B, y porque su Desarrollo no desarrolla nada, sino hace que el "paisaje de fondo", un deslizamiento de sombras, cobre protagonismo. Acabamos con su Canción de Cuna en jazz, por Leon Gurvitch.

Pues empezamos con Bobby McFerrin improvisando con su público en pentatónico. ¿Por qué el género humano tiene tan interiorizada la escala pentatónica?: África Central, China, América, Indonesia, Irlanda… Hay incluso una Misa Pentatónica del coreano Jung Pyo Hung. Pero los artistas formales europeos no la veían seria. Tres tendencias pentatónicas: 1) Imitar lo chino. El primer occidental pentatónico fue Joseph Marie Amiot (1751), porque se fue a Pekín: su Misa de los Jesuitas. Weber adoptó un orientalismo pentatónico un poco turístico en Turandot (1809). Cherubini también, pero en Alí Baba (1833), que no tenía nada que ver. Hasta Puccini no se tomó la cosa en serio: Turandot, 1926 (que recoge la canción china del jazmín, Moli Hua), y Madama Butterfly, 1907 (con el tema del destino en pentatónico). Debussy y sus Pagodas (1903). 2) Imitar lo escocés/irlandés: Haydn en sus Canciones escocesas: "Does Haughty Gaul" (1803). Max Bruch en su Fantasía Escocesa (1880) que cita "Through the wood, Laddie". 3) La "llamada de la naturaleza". La tenemos en la Fantástica de Berlioz (1830), en el Krakoviak de Chopin (1828), en Mireille de Gounod (1864), en el pájaro de Sigfrido (1871) de Wagner, y especialmente en la alondra de Vaughan Williams, The lark ascending (1920) como emblema de libertad. Aunque la pentatónica más conmovedora de Wiiliams quizá sea el lamento de la Tierra en su Sinfonía Pastoral (1921). ¿Será que la escala pentatónica es uno de esos -temidos por los musicólogos sesentayochistas- UNIVERSALES en la música?… Acabamos con la Marcha Turca/China de Mozart/Vladimir Sterzer. Felices amores pentatónicos...

¡Bienvenidos-as a la obra maestra de Maurice Ravel! ¡Con el Amanecer más sublime de la historia!… La Sinfonía Coreográfica Daphnis y Chloé la compuso en 1912 porque se la pidió Michel Fokine. Es un cuento mágico, un bosque sagrado, una gruta subconsciente, un múuu de los bueyes de Dorcon, una historia de amor por sobre los escollos (incluidos los piratas metimneos), y una alucinación de ninfas pétreas que cobran vida, con la terrible sombra del dios Pan amenazando desde las colinas. Todo hechizado por la orquesta transparente de Ravel. Además suena un coro onírico que no sabemos si canta en sueño o en vigilia (como una atmósfera de Delvaux), pero que se agiganta hasta simbolizar todos los espíritus del bosque, o de la tierra. Atención a esa cuarta/quinta descendente que domina toda la música. Y atención a ese vaivén de dos notas como un sortilegio, que empieza ondulado y se desborda en voluptuosas bacanales. Y atención a la pantomima (Pan-tomima,,,) con el solo de flauta más magistral del repertorio. Acabamos algo pícaros: On a clear day de Burton Lane (1965) que ¿plagia? el Amanecer, y Sleepy Lagoon de Harry James (1941) que ¡plagia! el Amanecer. Felices bosques sagrados.

Seguimos con música y totalitarismos. Después de la URSS de Stalin, hoy sobrevolamos la Alemania-Austria de Hitler. Empezamos con la Elegía Sinfónica de Krenek, en honor de Anton Webern, cuyo destino simbolizaría mil maldiciones colectivas. Los nazis conocían el potencial de la música para mover masas y conciencias: Sinfonía en Do de Hans Pfitzner. La música subrayaba ese "hipnotismo de la fuerza", con jerarcas nazis que eran asesinos y melómanos. El caso de Richard Strauss: Sinfonía Alpina. Aborrecía a los nazis, pero colaboró con ellos, y acabó con un profundo desengaño existencial: Metamorfosis. Las leyes de Nüremberg (1935): la expulsión y destitución de judíos, como Schoenberg y Schreker. La "música degenerada" (1938): Hindemith (Concierto para violín y orquesta). Los atonalistas fueron tolerados, gracias a Strauss: Die Verlobung in St. Domino de Zillig. El lado oscuro de Webern: los Moldenhauer en 1978 revelaron que era un hitleriano profundo a partir de 1940, cuando leyó el Mein Kampf. ¡¡Qué chasco!!… (y sin la ch también). Otro gran oportunista con los nazis (y con Mussolini): Igor Stravinsky, cuya única ideología era estrenar obras, doró la píldora a Hitler para conseguir audiencia: Juego de cartas. Y terminamos con la muerte de Webern: sí, el asustado soldado Raymond Bell le descerrajó tres tiros en 1945, pero ¿quién causó que estuviesen allí los americanos?… ¿Quién empezó aquella barbarie?… El nazismo fue un cruce de idealistas insensibles, megalómanos irresponsables, asesinos atroces, gente que miró para otro lado, y gente muy frágil. La muerte de Webern simboliza tantas cosas...

Comenzamos con la hechizante y sombría Saeta de José Peris, que marca el paso de los nazarenos portando todas las tinieblas de la humanidad en busca de su redención. Y de ahí nos transportamos al primer Viernes Santo de la historia, cuando Jesús fue entregado al tormento de la cruz, procurando tal Redención para el género humano. Peris revisó las Siete Últimas Palabras de Cristo en la Cruz de Haydn para soprano y cuarteto. Ofrecemos esa visión, junto con la modalidad para coro y orquesta, y la pianística. Explicamos la conexión gaditana de la obra, con la Hermandad de la Santa Cueva. Y repasamos musicalmente las expresiones de Aquél que fue crucificado por proclamarse Hijo de Dios: 1) "Padre, perdónalos…", 2) "Hoy estarás conmigo en el Paraíso", 3) "Mujer, he aquí a tu hijo", 4) "¡Dios mío! ¿Por qué me has abandonado?", 5) "Tengo sed", 6) "Consumado es", 7) "En tus manos encomiendo mi espíritu", más el agitado terremoto final. Las antítesis en Haydn: la violencia interior de los asesinos versus la dulzura de Jesús; la sed espantosa versus las aguas de la vida; el rostro de la muerte versus la visión del Paraíso. La música del perdón sincero, de la lealtad, de la madre, de la soledad cósmica… Todo ello transpira a través de las reverencias musicales "con peluca" de Haydn. Y acabamos con el final de la Saeta de Peris: la declamación del cantaor José Menese como voz que sintetiza toda la negrura y toda la esperanza del Viernes Santo. José Peris Lacasa, el gran maestro recientemente fallecido, y su legado. Descanse en -merecida y paradisíaca- Paz junto con su compañera y sus antepasados.