NADA MÁS QUE MÚSICA

Concha Buika es una de las grandes cantantes españolas del momento, que nos sorprende con su voz violenta y suave a un tiempo, capaz de conjugar los registros del jazz, el flamenco o la copla. Nació en Palma de Mallorca, ciudad a la que llegó su familia huyendo de Guinea Ecuatorial. Su padre, Juan Balboa Boneke, político y escritor, tuvo que salir por piernas de su país por incompatibilidad de caracteres con el poder establecido.

Concha se crio en la comunidad gitana de Palma que se convirtió en su segundo hogar. Allí conoció el flamenco y el flechazo fue automático.

Hoy escucharemos algunas canciones de su disco Mi niña Lola, segundo de su producción del que se vendieron 80.000 copias y que fue Disco de Oro, Mejor álbum de canción española en los Premios de la música en 2007, Mejor Productor Artístico a Javier Limón por este trabajo y Premio de la crítica fonográfica Alemana. Casi nada!

Vamos a empezar con la canción que da título al álbum: Mi niña Lola, compuesta por Molina, Torres y Rivas y que popularizó el cantaor sevillano Pepe Pinto.

Buika conoció el gran éxito con este disco en el 2006. Fue el primero que le produjo Javier Limón y en él se repasan títulos clásicos de la copla como “Mi niña Lola”, que acabamos de escuchar, “Ojos verdes” o “Te camelo” aportándoles un aire nostálgico y racial con novedosos arreglos de jazz. También se rescata algún clásico latinoamericano como “Nostalgias” o flamencas obras inéditas del estilo de “Triunfo”, “Ay de mi primavera”, “A mi manera” o “Bulería alegre”, todas ellas impregnadas de su aprendizaje anterior, lleno de música negra.

La crítica recibió el álbum muy positivamente. Se dijo: “África, América y Andalucía nutren la voz de Buika haciendo de ella un maravilloso instrumento musical con el que nos roba el alma. Buika combina el ritmo africano y su sentido primitivo del arte con la armonía y la modernidad del jazz más vanguardista, además una infancia junto al pueblo gitano dota a sus composiciones de un sabor flamenco y racial.”

Ojos Verdes.

Acerca de este genero, la copla, Carlos Cano, tristemente desaparecido, decía: “Quien pudiera decir que la copla, manchada del estigma del franquismo era una manera de resistencia, pero lo fue”. Este “periodista con guitarra”, como se veía a si mismo “dio voz a los desfavorecidos y contó las historias de quienes no podían hacerlo”, como recuerda su hijo Pablo.

Otros artistas han recogido el testigo y han dado a la copla, una música que muchos hemos tenido como banda sonora de nuestra infancia, una vuelta de tuerca. Serrat, Estrella Morente, Rozalén, Miguel Ríos, Miguel Poveda y tantos otros.

Lo cierto es que, por parte de muchos, intelectuales de izquierdas incluidos, se ha considerado la copla como un vehículo de exaltación de valores patrios dándoles además un componente de arte degenerado (por franquista).

Bueno, quizá hayamos entrado en razón.

Nostalgias, un tango que en las manos de Buika adquiere un tono flamenco inigualable.

Hemos comentado antes, como de pasada, a Javier Limón, productor de este álbum. Bueno, el Sr. Limón merece un capítulo aparte.

Javier Limón, es un músico y productor con un dilatada carrera. Ha compuesto y producido más de 100 discos para artistas como Paco de Lucía, Wynton Marsallis, Joan Manuel Serrat, Caetano Veloso, Juan Luis Guerra, Alejandro Sanz, Enrique y Estrella Morente, José Mercé, … en fin.

Su discográfica, Casa Limón, desarrolla proyectos especiales y de vanguardia y se ha convertido en un sello de calidad reconocida en todo el mundo. Realmente, un productor de referencia.

Buika y Loca.

Chavela Vargas fue crucial en la carrera de Buika por América Latina. Pero la cosa había empezado mal. Sucedió en Madrid cuando Chavela se negó a dejar cantar a Buika con ella en el escenario. Tras este amargo desencuentro, las cantantes se hicieron amigas y Vargas declaró que en Buika había descubierto a “su hija negra” y a “la voz más asombrosa y personal que había escuchado en muchos años”. Por su parte, Buika homenajeó a la cantante mexicana con un álbum en el que reinventa el repertorio que Vargas ha interpretado a lo largo de toda su carrera.

Escuchamos ahora Bulería alegre.

A Concha Buika, según ella misma ha declarado, le importan pocas cosas en esta vida pero una de ellas es la música. Se sabe dependiente de aspectos de su vida muy específicos pero al mismo tiempo admite que no quiere ser libre, solo tener el control de la celda en la que se encuentra.

Buika es una negra gitana que pregona con rabia y, a la vez, nos acurruca con personal manera de entender el flamenco, el soul, el bolero, la copla…

Concha Buika. Jodida pero contenta. Otro guiño a su personalidad.

Con este 'Jodida pero contenta' nos despedimos por hoy. Os espero a todos la próxima semana. Hasta entonces... ¡Buenas Vibraciones!

Recordareis que hace unas semanas empezamos una mini serie de programas dedicados al blues. Hoy seguiremos ahondando un poco más en el tema y repasaremos la nómina de los mejores representantes del género.

Empezamos con uno de los míticos: Robert Johnson, nacido en 1911 en el estado de Missisipi, cantante, compositor y guitarrista de blues. Sus grabaciones de 1936 a 1937, escasamente 29 temas, nos lo muestran como un músico de especial talento que influyó extraordinariamente en un buen número de músicos.

Su corta vida, murió a los 27 años, está escasamente documentada y esta circunstancia ha dado lugar a la circulación de numerosas leyendas.

La más conocida es la que cuenta que Johnson no era un guitarristas especialmente bueno en sus inicios y, por eso, decidió desaparecer por un tiempo, más o menos un año y medio, para volver como la figura que hoy conocemos. Al instante empezaron a circular rumores, alentados por él mismo, según los cuales Johnson habría vendido su alma al diablo a cambio de recibir dotes extraordinarias como músico.

Le escuchamos en una de escasas grabaciones, Love in vain.

Little Walter, que había nacido en 1930, revolucionó en blues con la habilidad incomparable de su armónica. Miembro principal del club de los “grandes”, dio vida a lo que vino a llamarse sonido Chicago.

Su habilidad a la hora de tocar la armónica es comparada con la Jimi Hendrix con su guitarra o con la de Charlie Parker con su saxo. Algo fuera de lo normal para la época.

Desgraciadamente, Walter era alcohólico y esto siempre le acarreó un gran número de problemas personales. Se veía obligado a aceptar giras que no quería dar con el fin de conseguir dinero para pagar sus deudas de juego. Murió de una trombosis cerebral en el año 1968 después de una pelea callejera.

Vamos a escucharle interpretar My Babe.

Huddie Willian Ledbetter, más conocido como Leadbelly fue un músico folclorista y de blues. Nacido en 1888, destacó por su virtuosismo al tocar la guitarra de 12 cuerdas y como compositor de canciones convertidas hoy en clásicas.

Su vida fue, por decirlo suavemente, movida. Se sabe que estuvo una temporada en una cárcel de Texas, condenado por una agresión pero se escapó a los dos años. Nuevamente volvió a la cárcel pero esta vez con una condena de 20 años por asesinato.

Y aunque esta condena le fue reducida por buena conducta, nuevamente volvió a prisión, esta vez por intento de asesinato. Todo cambió cuando, en 1933, visitaron la prisión los folcloristas John y Alan Lomax con la intención de grabar música folk negra. Los Lomax quedaron tan impresionados por Leadbelly que, con un equipo de grabación portátil, en la misma cárcel, grabaron un tema en el que pedía perdón por su fechorías. Los Lomax presentaron la grabación al gobernador de Lousiana y éste, no sabemos muy bien por qué le concedió el indulto definitivo.

Le escuchamos en The midnight special.

Rocket 88 es un canción de R&B que fue grabada por primera vez en Memphis, Tennessee, en marzo de 1951. La grabación fue acreditada por Jackie Brenston y sus Delta Cats, pero que en realidad eran Ike Turner y su Kings of Rhythm. El sencillo alcanzó el número uno en la lista Bilboard R&B.

Son muchos críticos los que piensan que esta canción es fundamental en el desarrollo de la música de rock and roll, e incluso se dice que, éste, podría ser el primer disco de rock and roll.

Esta es la versión original a cargo Jackie Brenston & Ike Turner.

Dale Hawkins fue la oveja blanca del blues y el autor del éxito internacional Susie Q. Dale había empezado a grabar en 1956 y estaba tocando en el circuito de clubs de Luisiana, y aunque su música estaba muy influenciada por el rock and roll de Elvis Presley, no lo estaba menos por el sonido de blues auténtico de los artistas negros. De la fusión de estas dos tendencias, nació Susie Q.

George “Buddy” Guy es uno de los mejores guitarristas de blues, en especial del denominado Blues de Chicago, y una referencia para numerosos guitarristas actuales.

Buddy empezó tocando en bandas de la zona de Baton Rouge, en Luisiana para posteriormente marcharse a Chicago a colaborar con el maestro Muddy Waters. Y de allí… a la fama.

En el año 2004, Buddy, ocupó el puesto número 30 en la lista de los 100 guitarristas más importantes en toda la historia, todo esto según la revista Rolling Stone.

Buddy Guy y su Money.

Volvemos, como no, a encontrarnos con B.B.King, el rey. Un hombre que llegó a dar hasta 300 conciertos al año y que recibió más premios Grammy que ningún otro músico de blues. Y todo ello a pesar de que sufría una diabetes crónica y unos graves problemas en las rodillas que no le permitían, en los últimos tiempos, tocar de pie. Un gran músico y un gran tipo.

Recessión Blues y B.B.King.

A Willie Dixon le han llamado “el poeta laureado del blues”, … y con razón. Fue el compositor de blues más importante en su época y se le reconocen, como autor, más de 500 canciones. Bajista de formación, tocó como músico de estudio con gente como Chuck Berry, Muddy Waters y otros muchos. De alguna manera, fue el eslabón necesario entre el blues y el rock and roll.

Y todo esto a pesar de que Willie Dixon fue un hombre controvertido. Tubo problemas con la justicia en su adolescencia, de físico corpulento, practicó el boxeo llegando a ganar el título Golden Gloves de los pesos pesados en 1936, y fue encarcelado durante diez meses por negarse a alistarse en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial.

Todo un personaje.

Walking the blues.

De nuevo Albert King. Un músico un poco menos sofisticado que su contemporáneo B.B.King pero más cerca de las raíces del blues rural, su estilo se caracterizaba por una voz profunda, suave y matizada. Modernizó la aspereza de sus primero maestros y a finales de los años 60 puso el blues al alcance de los nuevos grupos, gente como Fleetwood Mac, liderado por Peter Green o los Cream, con Eric Clapton al frente y éstos, a su vez, lideraron una nueva tendencia dentro del rock: la que se inspiraba en las raíces más profundas de la música negra renegando del pop que tenía en los Beatles su punto de referencia.

Albert King y Bad luck blues.

Bueno, pues no tenemos tiempo para más. Como muestra no ha estado mal pero nos queda mucho por oír así que, en los próximos días, volveremos a la carga con una nueva entrega de este interesante repaso de la música de blues.

Hasta ese momento,y como siempre… ¡Buenas Vibraciones!

Bueno amigos, hoy tenemos un programa que no vais a olvidar fácilmente. Tenemos como invitados a dos monstruos de la historia de la música, con mayúsculas: Stephane Grappelli y Cole Porter.

Grappelli es uno de los más grandes violinistas de jazz del siglo XX que creó, junto con Django Reinhardt el mítico Quinteto del Hot Club de France y que llevó al género gypsi jazz a lo más alto donde, por cierto, sigue. Nació en París el 26 de enero de 1908 y murió en la misma ciudad el 1 de diciembre de 1997.

El pequeño Stephane quedó huérfano muy pronto y a los 12 años empezó a tocar el violín en las calles para llevar algo de dinero a casa y a los 15 comenzó su carrera profesional como violinista y pianista en cines, acompañando las películas mudas.

La primera canción que vamos a escuchar de este trabajo, es, como todas las que escucharemos hoy, de Cole Porter.

It’s All Right with me, creada originalmente para el musical Can-Can aunque también se utilizó en otro musical de Broadway de 1998, Alta Sociedad.

Esto es pues “It’s all right with me”, “A mi, me parece bien”

En 1931 se produjo el encentro que marcaría un antes y un después en la música jazz europea. Django Reinhardt se acercó a Grappelli en el club en el que estaba tocando y le dijo que necesitaba un violinista que tocara “hot” para una nueva banda que estaba formando. En un principio Grappelli no consideró la oferta a la vista de la diferencia de las personalidades de los dos músicos: un gitano y un bohemio parisino. Pero la casualidad hizo que coincidieran un par de veces sobre el escenario y pudieron tocar juntos por primera vez. De esta manera pudieron comprobar la gran afinidad de estilos de ambos músicos.

Así, en 1934, fundaron el mítico Hot Club de Francia, una extravagante (para la época) formación de tres guitarras, bajo y violín.

El genio gitano de Django y el swing de Grappelli se hicieron uno durante cinco años y dejaron para la posteridad unas cuantas grabaciones inmortales.

Como con casi todo, la segunda guerra mundial, acabó con la formación y dejó a Grappelli descolocado. Durante la guerra sobrevivió haciendo de todo: radio, variedades, televisión, … y cuando acabó la guerra se centró en tocar en salas de baile y cabarets. Había que comer.

You’re the top es una canción de Cole Porter que formaba parte del musical de 1934 Anything Goes.

En aquel momento, al final de la guerra, el “Gypsy jazz” de Grappelli ya no estaba de moda. Durante los años 50 y buena parte de los 60 el genero estaba casi olvidado. Volvió con un poco de fuerza a la muerte de Reinhardt, por aquello de valorar a los muertos. Desde entonces, Grappelli ha trabajado con un montón de gente, incluso con Duke Ellington en el año 1963.

A partir de 1969 fue definitivamente reconocido como lo que hoy es, una estrella del Jazz internacional.

El famoso violinista Yehudi Menuhin dijo de él: “Es un hombre al que envidio casi tanto como quiero, puede tocar cualquier tema para expresar cualquier matiz, nostalgia, brillantez, agresividad, desprecio, con una velocidad y precisión increíbles”.

Miss Otis regrets es otra composición de Porter de 1934 y fue interpretada por primera vez en la revista Hi Diddle Diddle. En su versión cantada, trata del linchamiento de una mujer de clase alta después de ella asesinara a su amante infiel.

Stephane Grappelli murió el día 1 de diciembre de 1997 y, a pesar de haber tocado con los mejores, siempre estuvo buscando un nuevo Django que le impulsara a seguir progresando en su mejor estilo y que no le permitiese acomodarse en su depurada técnica.

Un compañero que, si bien no lo fue como instrumentista, si lo fue como compositor de sus mayores éxitos. Hablamos, claro está, de Cole Porter.

Cole Albert Porter nació en Perú, Indiana, el 9 de junio de 1891, era hijo de un empresario farmacéutico. Su madre estaba decidida a que su único hijo se convirtiera en un artista creativo, mientras que su millonario abuelo del Medio Oeste, estaba decidido a que se dedicara a los negocios o a la agricultura. La influencia de la madre fue más fuerte, y Porter recibió una importante formación musical cuando era un niño. Comenzó a tocar el violín y el piano a los seis años.

Aún con esta disposición, inició sus estudios en la Facultad de Derecho de Harvard pero enseguida la abandonó para centrarse en la música.

Uno de sus grandes éxitos, que aquí interpreta Stéphane Grappelli, fue You’d be so nice to come home to, una canción de la película musical de 1943 “Something to Shout About”

En 1937, Porter sufrió un grave accidente montando a caballo que le costó perder su pierna derecha. Muró el 15 de octubre de 1964 en Santa Mónica, California.

Porter es el fiel reflejo excto de la sofisticación de los años 30. Poseedor de un talento extraordinario, creo melodías inolvidables, saliéndose de los cánones que marcaba la moda. Habrá que volver otro día sobre Cole Porter. Tiene mucho que decir.

Hoy nos despediremos de nuestros dos genios con My heart belongs to daddy, una canción escrita para el musical de 1938 Leave It to me! y que reconoceréis enseguida por la versión que de esta canción hizo Marilyn Monroe.

Y se acabó por hoy. Nos vemos la semana que viene que, como siempre, tendremos más música, más músicos y más historias. Hasta entonces… ¡Buenas Vibraciones!

Andrés Calamaro es tan buen músico como bocazas. Esto le ha conferido siempre un gran poder de atracción, para bien o para mal. En mi caso para bien, siempre que haga oídos sordos a sus aleatorios desvaríos.

Tengo que reconocer, aunque para hacer este programa he escuchado algo, que casi desconozco por completo su etapa anterior a los Rodríguez, etapa genial por otra parte.

De su etapa en solitario, si hacemos una excepción con su quíntuple disco de rarezas, caprichos y alguna gran canción, un disco que no entendí y que me dejo una profunda sensación de tomadura de pelo, me quedo con todo lo demás.

De esta época en solitario, vamos a escuchar hoy uno de sus mejores trabajos. Se trata de “Alta suciedad”.

Tras la etapa de los Rodríguez, Calamaro quiso dar una vuelta de tuerca a su creatividad y se fue a Nueva York para grabar sus nuevas canciones con un profundo sabor americano. Se rodeo de grandes músicos, gente como Steve Jordan o Chuck Rainey que habían grabado con mitos de la talla de Lennon o Tom Waits.

Músicos muy buenos pero también muy caros, por lo que Calamaro grabó el album en dos semanas y se ahorró una buena cantidad de dólares y el resultado como comprobamos después no se resintió en absoluto.

Las canciones rompen con su antiguo sonido y se abren a muchos otros: rock, funky, beatles, rancheras, sabinadas, soul, pop, baladas y deliciosas frikadas... En fin… Calamaro en estado puro.

El disco da su pistoletazo de salida con un gran riffs, contundente y sin florituras. "Alta Suciedad", un tema rock increíble y que acabamos de escuchar.

Otro de los grandes temas que nos guarda es disco es "Donde manda marinero", el único que, tal vez, recupera claramente el toque "Rodríguez".

Alta suciedad fue un éxito de ventas, vendió más de 500.000 en todo el mundo y esto le permitió realizar una gran cantidad de conciertos, compartiendo escenario con músicos como Fito Páez y Joaquín Sabina, entre otros. Diez años después, en 2007, Alta suciedad fue colocado en el décimo puesto en la lista de Los 100 mejores álbumes del rock argentino, y lo bueno fué que lo hicieron 180 músicos y periodistas musicales, y eso si que tiene mérito.

Bueno, pues ahora llega el subidón del disco, una canción que derrocha clase por todos sus poros. "Loco", un tema sencillo con unos arreglos, unos coros y un bajo descomunal... puro single radiofónico

Por cierto, la letra produjo una cierta polémica entre la gente de bien, concretamente el verso «Voy a salir a caminar solito, sentarme en un parque a fumar un porrito». Bueno...

Flaca es una especie de himno al desamor, un tema precioso.

Sobre la canción, Calamaro dijo: “Flaca es una canción que tiene un desarrollo instrumental con muy pequeños movimientos, porque gira sobre la misma armonía, es monótona y al final tiene un cambio en la armonía que se vuelve un poco más compleja. Para mí es una canción que tiene más importancia en lo musical que en lo lírico. Flaca puede entenderse como la sarta de mentiras 'inocentes' que uno dice por amor, querer decir una y terminar diciendo todo lo contrario: no me mientas, no me digas la verdad”.

Flaca.

Imbuido del mejor espíritu sabiniano, Calamaro compone "El tercio de los sueños". También es verdad que esta canción, con otra música y otra letra, ya la hemos escuchado antes, y según opiniones, más y mejor, tal vez, pero bueno, es curioso ver con que facilidad puede sacarse de la manga, con los ojos cerrados, un tema de Sabina.

El punto más alto del disco y tal vez de Calamaro se encuentra aquí en “Crímenes Perfectos” una balada autodestructiva que emociona sin culpa alguna hasta a personas que dicen ser difíciles de emocionar. El estribillo de este tema es perfecto, hecho a medida de lo que viene siendo el tema, en uno de esos perfectos equilibrios que le hacen crecer en suspenso para dar lugar al solo, EL SOLO, precioso, por lo menos para los que nos gusta la expresividad antes que los solos cargados de distorsión y de velocidad que muchas veces nada tiene que ver con la canción. Creo que el tema es minimalismo puro pero tan bien hecho que no se le puede reprochar nada, tal vez la obra maestra de Calamaro.

Crimenes perfectos

Y nos vamos. Con todas sus luces y sus sombras, Calamaro es un gran artista. Y como tal, un poquito suyo.

Queridos, hasta la próxima semana. Pasadlo bien y, como dirían los romanos, carpe diem, que son dos días. Como siempre… ¡Buenas Vibraciones!

Hoy vamos a ocuparnos de un disco mítico, objetivo número uno de todos los coleccionistas de vinilos que se precien. Se trata del doble álbum Made in Japan del no menos mítico grupo Deep Purple.

El disco se publicó en diciembre de 1972 y se grabó durante su primer gira por Japón en ese mismo año, recibiendo las mejores críticas tanto del público como de la prensa especializada.

La banda ya había grabado de forma privada algunos conciertos pero la verdad es que no estaba nada entusiasmada con este proyecto más profesional y más comprometido y, sobre todo, hacerlo en directo con los riesgos que conlleva semejante trabajo. Se impuso la opinión de la compañía discográfica y el disco salió adelante.

Aighway Star, registrado en Osaka el 16 de agosto de 1972

En aquel momento la nómina de Deep Purple estaba formada por los fundadores Richie Blackmore, a la guitarra, Ian Paice, a la batería y Jon Lord al órgano. Para la gira contrataron a Ian Gillan (voz) y Roger Glover, bajo. Pensaron que debían orientar su sonido psicodélico hacia el Hart rock, y así lo hicieron.

La extensa gira fue un éxito de público pero el grupo seguía con su idea inicial de no publicar un álbum en directo porque creían que era imposible reproducir en un LP la calidad y la experiencia de sus conciertos. Lamentablemente, las grabaciones se retransmitieron por radio, ocasionando la aparición de numerosas grabaciones piratas. Una de estas, distribuida por Virgin Records llegó incluso a los tribunales.

Al final, los acontecimientos convencieron a la banda de que el lanzamiento de un álbum en directo sería un éxito comercial.

Child in time, grabado en Osaka el 16 de agosto de 1972.

Deep Purple ya eran conocidos en Japón por los sencillos que se habían publicado anteriormente, así que tenía todo el sentido la realización de la gira. Esta se concretó en los días 15, 16 y 17 de agosto de 1972 y las entradas se agotaron nada más salir a la venta. Como ya habían aceptado la grabación, el grupo insistió en que, por lo menos, el trabajo se realizara de la forma más adecuada. Gillan, el cantante, comentó al respecto. “Dijimos que elegiríamos el equipo, los ingenieros y que tendríamos la última palabra sobre que cintas se publicarían y cuales no.”

Así que, el grupo contrató al productor Martin Birch, que ya había trabajado en sus anteriores álbumes de estudio, para que grabara las actuaciones con una mesa de ocho pistas y poder, posteriormente, hacer las mezclas los propios músicos.

Deep Purple llegó a Japón el 9 de agosto, una semana antes del primer concierto, pero para entonces, su productor Birch ya no estaba tan seguro de que la calidad de la grabación fuera buena, y es que el equipo que le habían suministrado no tenía ningún control de balance y era, además, demasiado pequeño. La banda optó por no interesarse por el resultado final del proyecto y se concentró simplemente en realizar unas buenas actuaciones.

Smoke on the water, grabada en Osaka el 15 de agosto de 1972.

El segundo concierto en Osaka, fue considerado como el más sólido de los dos que se dieron en esta ciudad y, de hecho, la mayoría de las pistas provienen de él. Solo se utilizó una canción del concierto del día 15, “Smoke on the water”, la que acabamos de oír. Parece ser que fue la única ocasión en la que Blackmore ejecutó correctamente el riff inicial.

A pesar de estas pequeñas minucias, la banda disfrutó con la gira. Glover comentó: “Que trece o catorce mil chicos japoneses estuvieran cantando con nosotros “Child in time” fue algo muy emocionante”. El bajista siempre consideró esta gira como el punto álgido de su carrera.

Bueno, también es verdad que algún miembro del grupo no se lo pasó tan bien. En los estadios, la banda contaba con una fila de guardaespaldas situados frente al escenario. Cuando, en uno de estos conciertos, Blackmore destrozó su guitarra al final de «Space Truckin'» y la lanzó al público, varios de estos guardaespaldas saltaron sobre los aficionados para hacerse con ella como un preciado trofeo. El incidente molestó mucho al guitarrista, pero el resto del grupo lo encontró divertidísimo. Escucharemos ahora “The Mule”, grabada en Tokio el 17 de agosto de 1972

A pesar de su planteamiento inicial, y como la banda no consideraba el álbum de vital importancia, solo Glover y Paice se presentaron para las mezclas. El resto parece ser que nunca escucharon el resultado final y además no querían que el disco saliera a la venta fuera de Japón y exigían tener plenos derechos sobre las cintas, sin embargo, quien manda manda, o se la compañía discográfica, el álbum fue publicado mundialmente de todos modos.

Made in Japan fue lanzado en el Reino Unido en diciembre de 1972, con el diseño artístico del propio Glover, os acordareis, la famosa fotografía de la banda a todo color en la portada y contraportada.

Rápidamente se convirtió en un éxito comercial y llegó a la sexta posición de Billboard 200, la mejor en la carrera del grupo.

Escucharemos ahora “Strange kind of women”, registrada en Osaka el 16 de agosto de 1972

Recientemente Ian Gillan ha declarado que, aún a la edad que tienen, sienten mucha energía para continuar pisando los escenarios durante muchos años más, y que, desde luego, no piensan disolver Deep Purple. Según él, podría seguir tocando hasta los 90 años.

El pasado 26 de febrero de 2020, Deep Purple anunció el lanzamiento de un nuevo álbum para el mes de abril de ese año. Posteriormente tuvieron que aplazarlo, con motivo de la pandemia del Coronavirus, y fue lanzado definitivamente en el mes de agosto.

Si les hacemos caso, tenemos Deep Purple para rato. Que así sea. Lazy, grabada en Tokio el 17 de agosto de 1972.

Y ya nos vamos. Ha sido un placer, otro día más, escuchar buena música en vuestra compañía. Nos oímos nuevamente la próxima semana. Que no falte nadie.

Hasta entonces… ¡Buenas Vibraciones!

Hoy vamos a repasar uno de los mejores, si no el mejor, disco de U2. Hablamos, claro, de The Joshua Tree.

Este trabajo es el quinto álbum de estudio grabado por la banda irlandesa. Fue lanzado al mercado el 9 de marzo de 1987 y según opinión generalizada, y como hemos dicho ya, es uno de los mejores y más exitosos discos de la banda. De hecho, en 2003 fue colocado en el número 27 en la Lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. El nombre y las fotos del álbum son el del Parque nacional de Árboles de Josué. La foto del que acabaría siendo icónico árbol de Josué de la contraportada y otras fueron tomadas en los alrededores del Parque nacional del Valle de la Muerte.

La grabación comenzó en enero de 1986 en Irlanda, y se completó en noviembre de ese mismo año.

The Joshua Tree recibió elogios de la crítica, encabezó las listas en más de 20 países y se convirtió en el álbum más vendido en la historia británica. Según Rolling Stone, el álbum aumentó la estatura de la banda "de héroes a superestrellas".

Where the streets have no name es uno de sus famosos temas.

Antes de The Joshua Tree, U2 había lanzado cuatro álbumes de estudio, ya era una banda de éxito internacional, y la expectación del público era grande, así que, a mediados de 1985, el grupo estaba trabajando en material nuevo.

El mánager de U2, Paul McGuinness, contó que The Joshua Tree se originó a partir del "enamoramiento" de la banda con los Estados Unidos, y es que el grupo había recorrido el país durante cinco meses al año durante la primera mitad de la década de 1980.

“Todavía no he encontrado lo que estoy buscando” es el título en español de la segunda canción del disco y es una de las más populares del grupo y la que más veces han interpretado en directo en sus conciertos.

La letra incluye referencias bíblicas: “He hablado con la voz de los ángeles” (Primer libro de los Corintios), y también al Padre Nuestro y a la Pasión de Cristo.

Con la intención de lanzar un álbum a fines de 1986, U2 montó un estudio en enero de ese año en una casa georgiana de un suburbio de Dublín, en una zona montañosa. Su plan era encontrar inspiración en una atmósfera apropiada.

Se instaló una sala de control improvisada, con una mesa de mezclas y otros equipos en el comedor de la casa, y utilizaron la sala adyacente para grabar.

La estrategia de los técnicos era alentar a los miembros de la banda a que prepararan sus partes por adelantado y así fue, se grabaron cada instrumento por separado y luego se les fundió en la mezcla.

El 3 de julio, la banda experimentó una tragedia cuando Greg Carroll, el asistente personal de Bono, murió en un accidente de motocicleta en Dublín. La muerte del joven de 26 años abrumó a la organización U2, y la banda viajó a Nueva Zelanda, de donde era originario Greg, para asistir a su funeral tradicional maorí; esta experiencia inspiró la letra de "One Tree Hill".

A U2 se le atribuye la composición de toda la música de The Joshua Tree. El sonido de este álbum está basado en la música de raíz estadounidense e irlandesa, de forma mucho más explícita que en los álbumes anteriores del grupo, siguiendo, parece ser, el consejo y la influencia de Bob Dylan, Van Morrison y Keith Richards. Por ejemplo, la lenta balada, basada en el piano, "Running to Stand Still” tiene rasgos de música folclórica y blues acústico en la guitarra y en la armónica.

También podemos apreciar que la guitarra tiene en esta grabación un estilo minimalista que contrastaba de forma evidente con el énfasis puesto en el virtuosismo y la velocidad por el heavy metal en la década de 1980. The Edge considera que las notas musicales son "caras", y prefiere tocar la menor cantidad posible de ellas y, en cambio, enfocarse en partes más simples que sirvan al estado de ánimo de las canciones. Un punto al que han llegado un gran número de buenos intérpretes.

With or Without You» (en español: «Contigo o sin ti») fue lanzada como sencillo el 16 de marzo de 1987 y alcanzó el número 1 en los EEUU, donde se mantuvo durante tres semanas.

Bono es el autor de todas las letras de este álbum. Temáticamente, antepone dos sensaciones enfrentadas: la antipatía que le inspira la codicia del gobierno de Ronald Reagan y su política exterior en América Central y la fascinación profunda de la banda con el país, sus espacios abiertos, libertades e ideales. Bono dijo: "Empecé a ver dos Américas, la América mítica y la América real". Después de recorrer los Estados Unidos ampliamente en el pasado, el grupo se inspiró en la geografía del país. El desierto, la lluvia, el polvo y el agua aparecen como motivos líricos en todos los textos. En muchos casos, el desierto se usa como una metáfora de la "sequía espiritual": "El desierto fue inmensamente inspirador para nosotros como una imagen mental para este disco. La mayoría de la gente tomaría el desierto al pie de la letra y pensaría que es una especie de lugar árido, lo que por supuesto es cierto. Pero en el estado de ánimo correcto, también es una imagen muy positiva, porque en realidad puedes hacer algo con un lienzo en blanco, que es efectivamente el desierto".

"Running to Stand Still", “Correr para quedarse quieto”, en español, es una balada lenta basada en el piano y la guitarra , describe una pareja adicta a la heroína que vive en los pisos Ballymun de Dublín; las torres se han asociado desde entonces con la canción.

Justo antes del lanzamiento de The Joshua Tree, Bono sufrió un repentino ataque de pánico sobre la calidad del álbum al completo. Dijo que iba a llamar a la compañía para que parasen la producción de los plásticos. No lo hizo, afortunadamente. Porque, de haberlo hecho, nos habríamos quedado, el resto de los mortales, sin disfrutar de un trabajo sencillamente hermoso.

Nos despedimos de U2 con "Trip Through Your Wires" “Viaje a través de sus cables”, una canción con ritmo de blues y en la que Bono se hace cargo de la armónica.

Se nos hace corto, se nos hace corto el programa. Bueno, lo solucionaremos la próxima semana con una nueva entrega de Nada más que música, tu programa favorito, lo sé.

Aquí, en internet, siénteloconoído.caster.fm,. Hasta entonces… Buenas Vibraciones.

Que tal amigos, como ha ido la semana. Bueno, esto es una pregunta retórica, no espero contestación, por si acaso.

Hoy vamos a hablar de otro gran grupo, Texas, y de uno de sus discos más importantes: White on blonde.

Texas es una banda escocesa, de Glasgow, que practica un pop rock de calidad. Lo fundaron Johnny McElhone y Sharleen Spiteri. Debutaron en marzo de 1988 en la Universidad de Dundee y habían tomado el nombre de la película de Wim Wenders, París, Texas.

Su álbum debut fue Southside, de 1989, y lo cierto es que consiguieron un éxito considerable, pero fue en 1997, cuando lanzaron su álbum White on Blonde del que hoy nos ocupamos, cuando consiguieron el reconocimiento internacional.

“Say what you want”, “Di lo que quieras”, es el primer corte del álbum. 00’51’’

Hasta la fecha, este disco ha sido certificado seis veces platino en el Reino Unido. Y la verdad, eso no pasa todos los días.

Esta canción, Say what you want, fue lanzada el 6 de enero de 1997 y se convirtió, inmediatamente, en el sencillo de más éxito de la banda hasta ese momento.

De la misma manera, White on Blonde, también es el álbum más exitoso de la banda hasta la fecha. Hasta un total de cinco sencillos fueron sacados del álbum, y todos ellos estuvieron entre los diez primeros puestos de las listas del Reino Unido. Sencillos como este "Halo", lanzado en abril de 1997 y que alcanzó el puesto núm. 10

Como hemos dicho, fueron dos los fundadores del grupo:

John Francis McElhone, hijo de diputados laboristas, y uno de los fundadores de la banda, nación el 21 de abril de 1963 en Glasgow, Escocia. Es el bajista del grupo y compositor de numerosos éxitos de Texas.

Y Sharleen Eugene Spiteri, también nacida en Glasgow el 7 de noviembre de 1967. Sharleen se crió en un ambiente musical ya que sus padres eran semi-profesionales. Antes de dedicarse a la música trabajó como peluquera y, quizá por esto, siempre se ha encargado de la imagen de sus compañeros.

Persona muy comprometida con la sociedad, colabora estrechamente con una fundación de niños con cáncer.

Otro de los cortes del disco, "Black Eyed Boy", “Chico de ojos negros”, lanzado como sencillo en julio de 1997, también alcanzó el Puesto núm. 5 de las listas. 00’54’’

Por el grupo han pasado numerosos músicos pero el único que ha estado siempre, bueno casi siempre como luego veremos, al pie del cañón es el guitarrista Alistair Manson McErlaine, en el grupo desde 1988. Ally es un músico prolífico y ha compuesto y colaborado con un gran número de grupos y artistas de diversas índoles.

El 8 de septiembre de 2009, McErlaine fue hospitalizado después de que se derrumbara con un aneurisma cerebral masivo a la edad de 41 años. Sus posibilidades de recuperación no estaban claras al principio, estuvo en coma durante nueve semanas y pasó seis meses y medio en el hospital, antes de ser dado de alta para continuar recuperándose en casa. En julio de 2010, ya se había recuperado lo suficiente como para actuar en el escenario y tuvo la oportunidad de unirse a Texas para su gira en 2011.

Vamos a escuchar ahora otro tema de este álbum es Insane, que también fue el quinto y último sencillo lanzado de White on Blonde. También la podemos encontrar en su álbum recopilatorio del año 2000, un Grandes Éxitos.

Las influencias que admite el grupo son de lo más variopintas: The Clah (pare ser que es el motivo por el que Spiteri toca una Fender Telecaster negra), Blondie, pasando por Marvin Gaye y Prince. Incluso Spiteri se reconoce como una fan declarada de Diana Ross.

Postcard, otro corte de White on Blonde.

Spiteri inició, paralelamente al grupo, una carrera en solitario. Así, el 6 de julio de 2008 entró en el número 47 de las listas de Reino Unido con su primera grabación sin el grupo "All the Times I Cried". La semana siguiente a su lanzamiento el sencillo subió hasta el puesto número 26.4

Su álbum debut en solitario, Melody salió a la venta el 14 de julio de 2008. Inmediatamente alcanzó el puesto 3 en las listas de Reino Unido.

También ha tenido algún coqueteo con el cine.

Pero Texas sigue adelante. La banda lanzó su noveno álbum de estudio en mayo de 2017 con muy buenas críticas y una gran acogida por el público y el 28 de febrero de 2020, anunciaron en Twitter que su próximo álbum, llamado Hi, será lanzado a finales de ese año.

Así que, tenemos Texas para rato.

Nos despedimos con la canción que título al álbum: White on Blonde.

Pues esto ha sido todo por hoy, nos emplazamos para un nuevo programa la próxima semana, aquí, en internet, siénteloconoído.caster.fm, y mientras tanto… Buenas Vibraciones.

Hoy vamos a tener un programa relajado, con una música elegante y ensoñadora, una extraordinaria selección de estándares de jazz interpretados por el guitarrista y cantante estadounidense Jhon Pizzarelli.

Pizzarelli, nacido el 6 de abril de 1960 en Nueva Jersey, posee una voz cálida y suave y junto a su presencia siempre elegante, se ha convertido en uno de los principales exponentes del jazz tradicional.

Siguiendo los pasos de su padre, el también guitarrista Bucky Pizzarelli, empezó a cantar a los 20 años y siempre ha destacado entre sus influencias a la hora de tocar la guitarra las de músicos como Les Paul y Django Reinhardt.

En esta ocasión vamos a disfrutar repasando su disco Let there be love, que, como hemos dicho, selecciona una preciosa colección de estándares de jazz.

Empezamos por el primer corte, la canción que da título al disco: “Let there be love”, “Que haya amor”.

Esta canción se publicó por primera vez en 1940, escrita por Lionel Rand y con letra de Ian Grant. La canción siempre ha sido muy popular y ha tenido infinidad de versiones. Escucharemos ahora la de Jhon Pizzarelli.

En 1993 el John Pizzarelli Trio hizo de telonero en una de las últimas giras de Frank Sinatra, y participó en la celebración del 80 cumpleaños de este en el Carnegie Hall. En 1997 participó también en la producción de Broadway Dream, un homenaje al compositor Johnny Mercer.

En 1998 grabó un disco, Meets The Beatles, donde reinterpreta canciones clásicas del grupo de Liverpool, tamizadas por su voz y por el jazz.

Al año siguiente, en 1998, rindió homenaje a una de sus más grandes influencias en la canción, Nat King Cole, con P.S. Mr. Cole.

Pizzarelli firmó en 1999 con el sello Telarc y grabó dos discos de estándares, Kisses in the Rain y Let There Be Love, en 2000, disco del que nos estamos ocupando.

Escuchamos ahora “I’m putting all my eggs in one basket”, “Estoy poniendo todos los huevos en una cesta”, una canción escrita por Irving Berlin para la película de 1936 “Follow the fleet”, interpretada por Fred Astaire y Ginger Rogers.

Desde entonces, ha grabado numerosos trabajos; un disco con el pianista George Shearing, otro para celebrar sus diez años de música con su trío, grabado en directo: Live at Birdland en 2003. Apartándose por un momento del swing, Pizzarelli grabó Bossa Nova en 2004, cantando composiciones de Antonio Carlos Jobim como "The Girl from Ipanema" y "Aguas de Marco". Ya en 2005 presentó nuevos estándares en Knowing You y, respaldado por la Clayton-Hamilton Jazz Orchestra, le ha rendido homenaje a Sinatra en 2006 con Dear Mr. Sinatra.

Seguimos con nuestro disco de hoy. Vamos a escuchar una cadenciosa versión de These foolish things, “Estas cosas tontas”, otro estándar con música de Jack Strachey y letra Eric Maschwitz, ambos ingleses y que se publicó en 1935.

En este disco colaboran músicos de gran talento y muy reconocidos en el mundo del jazz. Al saxo tenor Harry Allen, un estadounidense que fue niño precoz y que destacó desde niño por poseer un talento excepcional para la música. Antes de trabajar con Jhon Pizzarelli ya lo hizo con su padre, Bucky Pizzarelli.

Dominic Cortese, acordeonista, un músico versátil y quizá el más grabado de toda la historia de la música debido a sus innumerables participaciones, como músico de estudio, en sesiones de grabación de otros artistas, incluido, a modo de ejemplo, el trepidante “Viva las Vegas”, del Elvis.

Ray Kennedy, pianista, compositor y arreglista, fue miembro del trío de John Pizzarelli durante más de una década aunque también grabó más de 10 álbumes bajo su propio nombre.

Seguiremos con los músicos de la sesión pero, ahora, volvemos a la música: “Stompin’at the Savoy”, otro estándar de jazz de 1933, compuesto por Edgar Sampson y su título hace referencia al famoso local nocturno de Harlem, el Savoy Ballroom de Nueva York. Y aunque fue Benny Goodman el que llevó al éxito la composición y la acreditó como propia, el auténtico autor fue el citado Sampson. Dicho queda.

Ken Peplowski, clarinetista y saxo tenor, otro de los músicos acompañantes de este disco, conocido principalmente como músico de swing. En algún momento ha sido comparado con Benny Goodman, con quien toco durante algún tiempo. Ambos fueron virtuosos en su instrumento.

También toco en la orquesta Tommy Dorsey y ha colaborado como clarinete primero en orquestas sinfónicas.

Y para que todo quedara en casa, nuestro artista invitado contó para este trabajo con la familia, su padre Bucky, a la guitarra y su hermano Martin al bajo, ambos músicos reconocidos en el mundillo del jazz.

Más música: “I Don’t Know Why”, “No se por qué”, una canción publicada en 1931 y compuesta por Fred E. Ahlert.

La canción ha sido grabada por muchos artistas (que van desde leyendas del country-blues como Moon Mullican y Jerry Lee Lewis hasta Dean Martin). Todos ellos la han convertido en lo que es hoy, un estándar.

Y todavía nos queda un poco de tiempo para otra joya del álbum: “Just one more chance”, “Solo una oportunidad”, una canción de Arthur Johnston, compositor muy conocido en su época (1898/954) que trabajó con todos los grandes del momento: Irving Berlin, Sam Coslowy y Bing Crosby, entre otros. También fue nominado para el premio de la academia en 1936 a la mejor canción original por “Pennies from heaven”, otro de sus éxitos.

Esta es la versión de Pizzarelli de “Just one more chace”.

Os propongo una gratificante actividad para la que no tenéis que salir de casa. Volved a escuchar el podcast con los ojos cerrados. Estamos en un club de jazz, en Nueva York, en el Blue Note o en el Birdland, es igual, en buena compañía, con una copa en la mano y dejándonos llevar por la cadencia y la elegancia de la música… ¿Ya?... pues a vivir que son dos días.

Bueno, para cuando os despertéis y ya me habré ido, así que, hasta la semana que viene… Y no, no se me olvida, …¡Buenas Vibraciones!.

Así lo cuentan Kike Babas y Kike Turrón, en la biografía que han escrito de Los Rodríguez y que se ha publicado recientemente: “La historia de Los Rodríguez lo tiene todo: fue breve (de 1990 a 1996), potente y trufada de mucho sexo, drogas y rock and roll”

En 1990, Julián Infante y Germán Vilella tenían juntos una banda. Infante decide llamar a Ariel Rot, con el que había coincidido en Tequila, para incorporarlo a la banda. Rot, a su vez, se comunica con Andrés Calamaro, con quien ya había tocado en Argentina, para llevarlo al grupo.

Los cuatro comienzan sus ensayos y van dando pequeños conciertos por Madrid. La banda fue liderada por Julián Infante en los comienzos y posteriormente por Ariel Rot, manteniendo ambos un marcado estilo roquero. Aunque se mantuvo siempre una unión muy clara de todos sus integrantes, la posición de Calamaro fue creciendo año a año, lo que terminaría acabando con la banda seis años después.

Cuando todo esto estaba pasando, o sea, cuando ya se estaban separando, editaron un disco recopilatorio que recoge la que sería su última gira, en 1996. El álbum es un recorrido por los temas imprescindibles del grupo, con canciones en directo y algunos inéditos en forma de maqueta.

Vamos con el primero: Mi enfermedad.

Al principio la banda se iba a llamar Los Locos, pero se enteraron de que ya existía un grupo asturiano con ese nombre. El nombre definitivo se debe a que a Calamaro le resultó ingenioso el significado que tiene en España la expresión estar de Rodríguez, pues él mismo estaba de Rodríguez, ya que había dejado a su novia en Argentina.

Una de las peculiaridades de la banda fue la de no tener un bajista fijo. El primer músico en ocupar este puesto, entre 1990 y 1991, fue Guille Martín, guitarrista por entonces de Desperados, al que Julián Infante conocía de la breve etapa en la que tocó con esa banda madrileña.

Tras componer algunas canciones sacan en 1991 su primer disco: Buena suerte, que gozó de una gran aceptación en Argentina y en gran parte de Latinoamérica pero que en España, sin embargo, no llegó a ser muy conocido, ya que la discográfica que lo editó (Pasión) quebró al poco tiempo y la venta de sus discos se detuvo.

De este disco es la canción anterior y esta otra que escuchamos ahora: Engánchate conmigo.

El verano de ese mismo año, Televisión Española escoge precisamente esta canción “Engánchate conmigo” para utilizarla como banda sonora promocional. Este suceso dio al grupo un pequeño impulso hacia la fama antes del empujón definitivo. Por aquel entonces Guille Martín decidió quedarse como guitarrista en Desperados, de modo que fue sustituido como bajista de Los Rodríguez por Candy Caramelo Avelló, con quien el grupo salió de gira.

Canal 69, todo un catálogo de intenciones. La canción fue grabada en Caracas, durante un concierto en un directo.

De esta gira se editó en 1992 Disco pirata, un disco de temas en directo grabados en Madrid, Barcelona y Caracas

En 1993 la banda vuelve al estudio, esta vez con Daniel Zamora en el puesto de bajista, puesto que ya ocuparía hasta la disolución del grupo y lanzan un nuevo disco de estudio, Sin documentos, cuyo tema homónimo —compuesto por Calamaro— alcanza gran popularidad en España e Hispanoamérica, además de ser utilizado en la banda sonora de la película Caballos salvajes de Marcelo Piñeyro, banda sonora que corrió a cuenta del compositor argentino. Este LP fue el que asentó a la banda, definitivamente, como uno de los grandes conjuntos de rock en castellano

En la biografía del grupo que hemos comentado al principio, la escrita por Kike Babas y Kike Turrón se cuenta una, digamos “anécdota” poco edificante para el Sr. Calamaro, si bien es cierto que el hombre se ha disculpado en repetidas ocasiones.

Antes de entrar a grabar su tercer y último disco, Palabras más, palabras menos, el cantante obligó a modificar el reparto del dinero que ganaban con los conciertos, o abandonaba la banda. Si hasta ese momento el reparto era a partes iguales entre los cuatro “rodriguez”, ahora sería un 40% para él mismo, el 30% para Ariel Rot, otro 20% se llevaría el batería Germán Vilella y el 10% restante se lo quedaría Julián Infante.

Calamaro quería dejar claro su liderazgo y su mayor aportación creativa.

“Fue un gran marrón”, asegura hoy Ariel Rot. “Tengo un espina clavada desde aquello”, sentencia Vilella. Infante no dice nada porque murió en el año 2000 a causa del sida.

Pelillos a la mar, disculpas y a lo nuestro.

Con esta canción, parece que el divo nos piede una segunda oportunidad: Dulce condena.

En 1995 lanzaron su último disco de estudio, titulado Palabras más, palabras menos, con temas como Mucho mejor (donde contaron con la participación de Coque Malla) o la Milonga del marinero y el capitán, ambos compuestas por Ariel Rot. Este álbum fue un éxito de ventas en España, y aunque la decisión de disolver la banda ya estaba tomada, el interés de Joaquín Sabina les hizo lanzarse a una gira conjunta por el territorio español.

El grupo inicia así pues lo que sería su última gira en 1996 antes de la salida al mercado este disco recopilatorio Hasta luego, que sería el disco más vendido de su carrera y que escenificaba la disolución del grupo, sobre todo por desavenencias económicas y la incipiente carrera en solitario de Calamaro. Dichas desavenencias fueron superadas con el tiempo y entre los integrantes de la banda continuó una amistad que aún hoy perdura, o bueno, eso dicen.

Desde la separación del grupo, Andrés Calamaro y Ariel Rot continuaron sus carreras en solitario, que ya habían comenzado antes de deshacerse la formación.

Cada uno por separado ha cosechado éxitos en mayor o menor medida pero siempre han dejado constancia, ambos, de la calidad técnica y musical que atesoran.

Nos vamos a despedir del grupo con una preciosa balada que nos refleja: Me estás atrapando otra vez. “Hasta luego” Rodríguez.

Y hasta siempre queridos oyentes.

Hoy volveremos a escuchar música de jazz, y para ello, nada mejor que marcharnos a la cuna, al lugar donde todo nació, a Nueva Orleans.

Si paseamos por sus calles escuchando con atención, vamos a descubrir que el corazón de esta ciudad está instalado en la música. Se dice que el Jazz nació aquí, pero la ciudad es hogar de una variedad de estilos: Gospel, Cajun, Latino, R&B, Country, Blues y, alternativamente, Reggae y buen Rock n’ Roll. Guiados por su creativa atmósfera, numerosos cantantes y compositores han hecho de la ciudad, su hogar, incluyendo músicos notables como Louis Armstrong o Ellis y Wynton Marsalis.

Aquí, la música está viva cada día, ya sea en los clubs nocturnos, en las salas de conciertos o en la calle, y para conocer los entresijos de la ciudad contamos con unos guías turísticos de excepción: Preservation Hall Jazz Band

Preservation Hall Jazz Band es una banda de jazz de Nueva Orleans fundada en esta ciudad por el tuba Allan Jaffe a principios de la década de 1960. El nombre de la banda viene del local, ubicado en el centro del famoso barrio francés, donde empezaron a tocar, El Preservation Hall, una antigua galería de arte reconvertida en club de jazz por el matrimonio Allan y Sanda Jaffe.

Contrataron a músicos locales, con edades que iban desde los 60 a los 90 años, y casi todos ellos en un estado lamentable debido al racismo y la pobreza.

Al principio, los Jaffes no servían alcohol pero el local fue creciendo, la banda fue ganando adeptos y empezaron las giras, primero por otros estados para más tarde dar el salto a Europa. La banda se consolidó, y su jazz tradicional conquistó a la audiencia.

En 1987, Allan Jaffe murió de cáncer a la edad de cincuenta y un años y fue su hijo Ben el que se convirtió en director artístico.

Por la orquesta han pasado más de 150 músicos, africanos, americanos y europeos. En esta grabación, su disco “Because of you”, el grupo está compuesto por:

• Wendell Brunious, Trompeta

• David Grillier, clarinete

• Frank Demond, trombón

• Narvin Kimball, banjo

• Benjamin Jaffe, bajo

• Joseph Lastie, percusión

• Rickie Monie, piano.

Les escuchamos ahora en otro corte de esta conseguida grabación, Coquette.

Habréis podido observar la evidente influencia que en la música de Nueva Orleans han tenido las de afroamericana, francesa y norteamericana.

Y es que, en su personalidad, Nueva Orleans ha adaptado la música más diversa.

A las ya citadas, debemos añadir la de las bandas militares que ha dejado su impronta en los funerales. Cuando el cortejo acompaña al difunto dicha música se mezcla a himnos religiosos y música triste. Tras el entierro, los dolientes regresan del cementerio al son del jazz, más alegre. Los funerales con jazz son una atracción turística inevitable.

Petite Fleur, la preciosa canción de Sidney Bechet nos da pie para una curiosidad: el origen de la palabra Dixieland. Vereis: Francia poseía la región comprendida el rio Mississippi y las Montañas Rocosas. En 1803 Napoleón, que estaba con su guerras y sus cosas y necesitaba pasta, vendió las tierras a Estados Unidos por una cantidad irrisoria.

El idioma francés que se hablaba en la región, hizo que en esa época los billetes de diez dólares emitidos en Louisiana, llevaran impresa la palabra Dix, diez en francés, en lugar de Ten en inglés. Poco tiempo después, se comenzó a llamar de forma coloquial a esa región Dix Land o "la tierra del Dix", palabra que por un proceso de transformación, pasó a ser Dixie Land, y posteriormente Dixieland.

Pues nada más camaradas, al compás de este precioso tema de Ray Gilbert nos despedimos por hoy hasta la próxima semana en esta vuestra emisora Radio La Granja, donde encontrareis, completamente gratis, más música, más músicos y más historias. Hasta entonces… ¡¡¡Buenas Vibraciones!!!