NADA MÁS QUE MÚSICA

Calle 54 es un documental dirigido Fernando Trueba en el que presenta a los mejores exponentes de la época del género del jazz latino o 'latin jazz', como se conoce en los Estados Unidos. El documental es una coproducción española, francesa e italiana y fue lanzado en el año 2000.

Se trata de un minucioso trabajo de investigación en el que se rinde homenaje a los artistas más destacados del Latin Jazz. Incluye, entre otros, artistas brasileños (como Eliane Elias), cubanos (como Paquito d’Rivera, Bebo Valdés y Chucho Valdés), españoles (como Chano Domínguez), dominicanos (Michel Camilo), venezolano (Aquíles Báez), puertorriqueños (Tito Puente o Jerry González) y argentinos (el Gato Barbieri). Con estos compañeros de viaje, Fernando recorre todos los lugares por los que se han desarrollado las diferentes ramas de este género, mezclando el ritmo y el sonido de la música latina (como la rumba, la samba, el joropo o el flamenco) con la armonía y la estructura del jazz.

Las grabaciones de la película dieron origen a un doble CD que tiene el valor de un documento histórico, el resumen de un festín musical del que ahora vamos a disfrutar nosotros.

Empezamos: Paquito d’Rivera y su Panamericana. Bueno, la pieza es larga, dura siete minutos, relajaos y disfrutad.

Panamericana es la canción principal de un trabajo homónimo que incluye otros números, formando realmente una suite que fue estrenada en el Jazz at Lincoln Center en el 2000. Sobre la obra, D'Rivera declaró: "Soy una persona ecléctica ... crecí hijo de un saxofonista clásico que amaba el jazz ... crecí en La Habana… la música latinoamericana estaba en el aire ".

Vamos ahora con una intérprete excepcional: Eliane Elias, una brasileña que a los trece años era alumna destacada del gran Amilton Godoy. Inició su carrera profesional acompañando a grandes intérpretes como Vinicius de Moraes y Toquinho pero fue en Nueva York donde, tras militar, como músico acompañante, en varias formaciones, empezó a liderar sus propios grupos.

En la actualidad, en su tercer trío, cuenta con la colaboración Marc Johnson al bajo y Satoshi Takeshi a la batería. Y es precisamente con este grupo con el que participa en la grabación de Calle 54.

A petición del propio Trueba, interpreta “Samba triste”, una versión del famoso tema del no menos famoso guitarrista Baden Powell.

Michel Camilo es un pianista dominicano que es la euforia hecha piano. Si habéis tenido el placer de verle en directo, ha estado varias veces en Zaragoza, sabréis que nadie, digo nadie, en el mundo mete más notas por segundo que él. Ah, y todas en su sitio, por supuesto.

Esto, que podría resultar negativo, la velocidad es muy llamativa pero no es un fin en sí misma, la melodía es la que debería mandar, bueno, pues en el caso de Camilo ambas van juntas: velocidad y melodía, brillantez y dulzura, técnica y belleza.

Para la ocasión, interpreta “From Within”, una obra que recoge todas su referencias musicales: nace como danza, sigue a ritmo de songo, todo tamizado por su sensibilidad jazzística para terminar con una variante del merengue que se conoce como pambiche.

Le acompañan Anthony Jackson al bajo y Horacio “El negro” Hernández a la batería.

En esta panoplia de músicos no podía faltar el rey del mambo, el amo de los timbales, el Sr. Tito Puente. No eligieron para este disco otro refrito de su famoso “Oye como va”. Por el contrario, se aportó a la obra al Tito más jazzero. “New Arrival”, del pianista Hilton Ruiz fue la obra elegida.

Lo más curioso es que, en esta ocasión, Tito Puente no está a cargo de los timbales sino del vibráfono, otra genialidad del gran percusionista. Le acompañan las Golden Latin Jazz All Stars, su combo habitual.

Bueno, pues hasta aquí el primer capítulo de los dos que vamos a dedicar a este histórico disco, Calle 54. La próxima semana seguiremos escuchando lo mejorcito que puede ofrecernos hoy el Latin Jazz.

Dice Fernando Trueba que la música latina, tan de moda últimamente, y la mayoría de las veces por las peores razones, encuentra a través del jazz su expresión más noble, sofisticada y exuberante y que estas cualidades le han permitido a él disfrutar de la vida de una manera especial. Calle 54 es su manera de saldar una deuda.

No os perdáis el siguiente capítulo. No lo hagáis porque os perderíais cosas como estas.

Hasta la semana que viene. Amigas, amigos, “Buenas vibraciones”.

Pedro Iturralde Ochoa, un músico con mayúsculas, saxofonista, clarinetista, pianista, compositor y catedrático profesor del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid donde ha estado enseñando saxofón desde 1978 hasta su jubilación en 1994. Pedro Iturralde falleció el pasado domingo a los 91 años de edad. Había nacido en Falces, Navarra, el 13 de julio de 1929 y ha sido, al día de hoy, el mejor músico de jazz español de la historia, de la mano, por supuesto, del maestro Tete Montoliu.

Pedro Iturralde es un fenómeno. Debutó como saxofonista con solo 9 años; a los trece ya era músico profesional, a los dieciséis, un contrato en un café de Logroño le permitió ampliar sus estudios de violín y piano para, un año más tarde, girar por toda España en la orquesta del pianista Francisco Manuel Allo. En fin, un niño prodigio.

Hoy vamos a escuchar una grabación del concierto que tuvo lugar el 18 de noviembre de 1987 en el Teatro Albéniz de Madrid con su formación favorita, el Pedro Iturralde Quartet, en el que militaban el pianista argentino Horacio Icasto, desgraciadamente también ya fallecido, con el también argentino Horacio Fumero al contrabajo y con el alemán Peer Wyboris a la batería. El concierto se inicia con un tema contundente: “Whole-Tone 12”, una de sus composiciones más arriesgadas cuyo tema principal e improvisaciones sobrevuelan en todo momento la estructura del blues.

“Old Friends” nos lleva a la década de los sesenta, cuando Pedro Iturralde la escribió para la película “Nuevas amistades”, de Ramón Comas. Es una melodía alegre y dinámica, pero me gustaría que os fijarais en el “diálogo” improvisado del saxofón con el bajo y la batería. Cada uno improvisa cuatro compases que se hilvanan con un resultado magistral.

Los tanteos de Iturralde con la música flamenca, y andaluza en general, datan de su juventud en Logroño, cuando realizaba interpretaciones de Falla, Turina, Albéniz o Granados, y cuando más tarde comenzó a improvisar sobre estilos andaluces con gran éxito. Estas composiciones se empiezan a escuchar en el Whiskey Jazz y en el programa “Club de Jazz” de Radio Nacional

En 1966, el Festival de Jazz de Berlín le reclamó para una actuación, sugiriéndole la incorporación a su, entonces quinteto, de una guitarra flamenca. En este festival actuó junto a los grupos de Miles Davis, Thelonious Monk y Baden Powell, entre otros.

A partir de esta fusión de estilos surge la posibilidad de realizar grabaciones, para las que se incorpora primero Paco de Antequera, al que luego sustituye Paco de Lucía, que firma con el pseudónimo de Paco de Algeciras. De estas sesiones, grabadas en Alemania en 1967 y 1968, se editan varios discos que publican primero Hispavox y luego Blue Note, bajo el título de "Jazz Flamenco". En España no se editarían hasta 1974. Y esta, es una de esas grabaciones: Pedro Iturralde, Paco de Lucia y Bulerias.

Pedro Iturralde había trabajado exhaustivamente el repertorio clásico español y, fruto de ese trabajo, es esta personal y soberbia versión del clásico “Orgia”, de Joaquín Turina. Esta conocida pieza del gran compositor sevillano se convierte, de pronto, en una explosiva interpretación, en una “orgía” jazzística rebosante de swing.

Recordando a Turina. Pedro Iturralde Quartet.

Y cerramos este concierto y nuestro programa de hoy con el único tema que no ha escrito nuestro protagonista, una extraordinaria versión del clásico “Oleo”, de Sonny Rollins.

La clase, el gusto y la técnica que atesora el Sr. Iturralde la podemos apreciar en toda su amplitud en esta obra que pone el más brillante punto final a un concierto memorable. Por supuesto, nos sumamos a los aplausos del afortunado público que asistió en directo a este despliegue de virtuosismo y talento. Unos aplausos que serán eternos, como su música. Gracias Sr. Iturralde.

Bueno amigos, hoy hemos conocido un poco más a un grande de la música española, desgraciadamente desaparecido. Un músico que, desde su cátedra virtual, seguirá dando clases al mejor presente y futuro de lo que son y serán los músicos del mañana, de ya.

Gracias por vuestra atención, nos vemos la próxima semana en “Siéntelo con oído.caster.fm”, nuestro nuevo punto de encuentro. Hasta entonces… “Buenas Vibraciones”.

¿Qué tal ha ido la semana? Vale, mejor no pregunto. Vamos a intentar, con la música, con la buena música, apañar los desperfectos. Así que, fuera problemas, fuera preocupaciones, fuera malos rollos, vamos a la música.

Hoy con un disco que se lanzó al mercado el 24 de octubre de 1971 y que a pesar del tiempo transcurrido no ha perdido ni un ápice de su frescura. Hablamos de American Pie, de Don Mclean, todo un clásico.

American Pie es el segundo álbum de estudio del cantante y compositor estadounidense Don McLean , en el que se aprecia un marcado estilo folk/rock, característico del autor y el disco está dedicado a Buddy Holly.

«American Pie» hace referencia a la historia del rock and roll, y comienza en el momento de la muerte de los músicos Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en un accidente aéreo en 1959. Por cierto, en esta canción fue donde se acuñó la frase “El día que murió la música”.

La letra de la canción es un poco desconcertante porque, aunque McLean dedicó el álbum American Pie a Buddy Holly, ninguno de los músicos que viajaban en el avión en el momento del accidente es mencionado por su nombre. Cuando se le preguntó a McLean el significado de "American Pie", él dijo: "Significa que jamás tendré que trabajar otra vez". Lógicamente se refería a la cantidad de pasta que le había proporcionado. Posteriormente, declaró de forma más trascendental: "Encontrarán muchas 'interpretaciones' de mi letra pero no les diré la mía... Lamento dejarlos a todos así, pero hace tiempo me di cuenta de que los compositores deben dar sus declaraciones y marcharse, manteniendo un silencio digno". Amen.

Otra de las canciones más famosas del álbum es este Vincent, un arrebatado homenaje a Vincent van Gogh

Vincent

Esta canción, "Vincent", alcanzó la decimo segunda posición en las listas de Estados Unidos y la primera en el Reino Unido en 1972,

Os voy a contar una curiosidad, de la que me acabo de enterar por otra parte. Un poema sobre McLean, «Killing Me Softly With His Blues» de Lori Lieberman, se convirtió en la canción “Killing me softly”, canción que la voz de Roberta Flack llevó al éxito en 1973. Hubo muchas versiones de esta canción pero todos recordamos la de Roberta Flack.

Seguimos con American Pie y escuchamos ahora Till Tomorrow, una canción compuesta al más puro estilo folk de los 60. Preciosa.

Till Tomorrow

En la carátula del disco, el coro final de "American Pie" está acreditado "Coro de West Forty Fourth Street Rhythm and Noise". Pero, por Ed Freeman, el productor del álbum, sabemos que en ese coro estaban también Pete Seeger, James Taylor, Livingston Taylor y Carly Simon. No son malos compañeros de coro, ciertamente.

Everybody loves me, baby.

Cuando se publicó este disco, la crítica le auguró un precioso “suicidio comercial”. Bueno, pues lejos de acertar, el álbum se convirtió en un fenómeno cultural. American pie pulsa la fibra sentimental de la generación del rock: se trata de una parábola donde se habla, sin mencionar sus nombres, de Elvis Presley, Bob Dylan, los Byrds, los Beatles, los Rolling Stones y, desde luego, del ya mencionado accidente de Buddy Holly. Las emisoras se dividieron: unas radiaban el tema completo, otras se conformaban con la versión del single, pero sobre todo,0 Y se multiplicaron las explicaciones de la letra, que enfrentaron a los que sólo veían nostalgia y los que creían reconocer allí la expresión de la frustración ante la impotencia del rock para transformar la realidad y, lo más inmediato, detener la guerra en Vietnam.

En un tomo muy intimista, esta canción: Empty Chairs, Sillas vacías, McLean se lamenta de no haber sabido entender los mensajes que su amada le envió antes de abandonarle.

“Me pregunto si sabes

Que nunca comprendí

Que aunque decías que te irias

Hasta que lo hiciste nunca pensé que lo harías.

Bueno, su amada era su esposa. Le había abandonado hacia poco.

Tras vender millones de copias de American pie, McLean recondujo su carrera. Su voz dulce no era la más adecuada para unos años en los que el rock duro campa a sus anchas, su voz era más adecuada para firmar rarezas como la pista final de nuestro disco de hoy, "Babilonia", que es una paráfrasis del 1er verso del salmo 137 y está basado en el canon "By the Waters of Babylon", Por las aguas de Babilonia, atribuido a Philip Hayes y compuesto aproximadamente en 1786 y que, aunque fuera de época, mantiene la tradición barroca y renacentista inglesa. Raro pero precioso

Babylon

Bueno amigos, hemos terminado por hoy. La próxima semana nos ocuparemos de otro disco insustituible. Os emplazo aquí para seguir disfrutando de la buena música. A fin de cuentas, escuchar música crea picos de emociones que incrementan la cantidad de dopamina, un neurotransmisor que ayuda a controlar los centros de recompensa y placer del cerebro. Además ayudan a procesar otras emociones como miedo, tristeza, resentimiento y dolor, aún cuando estén presentes a nivel subconsciente.

Eh¡¡¡ ¿A que no os esperabais esto? Lo acabo de leer en Wikipedia y me ha parecido un final muy chulo. Solo faltaría que fuera verdad.

Hasta la semana que viene, y como siempre… ¡¡¡Buenas vibraciones!!!

Hola amigos, una semana más a vueltas con los mejores discos que nunca hayamos podido escuchar. Hoy no será menos, vamos a repasar una grabación de 1966 que reunió a lo mejorcito del blues blanco de la época: John Mayall, The Bluesbreakers y Eric Clapton. Y el disco: Bluesbreakers With Eric Capton o también llamado The Beano Album porque en la portada aparece Eric Clapton leyendo un ejemplar de este famoso comic.

Bueno, pues el disco suena así.

Os acordareis que no hace mucho escuchamos otra espléndida versión de esta canción, All your love, a cargo de Gary More. Bueno, pues cuando Eric Clapton dejó a los Yardbirds fue para unirse, como invitado especial, a los Bluesbreakers, una banda con músicos de blues ya formados y liderados por John Mayall, justo el estilo y el lugar en el que Clapton buscaba seguir desarrollándose. La llegada de este guitarrista fenomenal, que se consumó con este trabajo, fue el elemento que necesitaban John Mayall y su banda para llegar a conseguir la popularidad tanto tiempo anhelada.

Porque, en fin, y con todo respeto, los Bluesbreakers son, han sido, un grupo de segunda fila, dentro de la notoriedad de legendarias bandas que se puede encontrar en los sesenta. Clapton no solo proporcionó al grupo la fuerza necesaria para distinguirse del resto, sino que consiguió que los Bluesbreakers firmaran su álbum de estudio históricamente más reconocido. Por algo el disco lleva el nombre de Eric como si tuviera un cartel luminoso.

Este disco ha sido catalogado como uno de los mejores discos de Blues Británico que se haya editado nunca. Lo que ocurre, como con todos los disco de blues, creo yo, es que ninguno llega a ser enteramente original. Pero lo que sí se puede decir de este The Beano Album es que es un disco que se destaca sobre el resto por lo entretenido que resulta su Blues.

Entretenido porque, en primer el virtuosismo de Clapton desparrama talento en todo momento marcando su superioridad sobre el resto y acaparando la atención del oyente y porque es un trabajo accesible y diverso, y en esto se lleva todos los meritos John Mayall por ser el principal compositor de la banda y porque ninguna de sus canciones aburre.

En esta diversidad, podemos encontrar temas en los que el papel protagonista lo tiene una extraordinaria armónica, a cargo de Mayall, como en este “Another Man”

Hemos escuchado una armónica tremenda, vamos a escuchar ahora un no menos tremendo solo de batería en la versión de un clásico: What’d I Say, una canción que popularizó en su día Ray Charles. Ah, por cierto, reconoceréis enseguida un pequeño homenaje de Clapton a su amigo Harrison. Atentos.

Clapton se unió a John Mayall & the Bluesbreakers en abril de 1965, pero ser marchó apenas unos meses después, para tocar con una banda inglesa llamada The Glands, en la que tocaba el piano un viejo amigo suyo, Ben Palmer pero volvió a la banda de John Mayall en noviembre. Fue durante esta etapa cuando se ganó el respeto unánime del circuito de clubes de Inglaterra. Y aunque, como hemos dicho, la aportación de Clapton al álbum fue determinante, el disco no se comercializó hasta después de su marcha definitiva de la banda.

Vamos a escuchar ahora un excelente tema, “Double Crossin’ Time”. Aquí, el piano de Mayall se une a la guitarra ultrablusera de Eric para hacer una de sus mejores combinaciones.

Por aquella época, 1967, apareció pintado un grafiti en la estación de metro de Islington, en Londres, que decía: “Clapton is God” (Clapton es dios). La frase, escrita por algún seguidor, fue captada en una famosa fotografía, en la que aparece un perro orinando en esa misma pared. Al respecto, Clapton dijo: “Nunca acepté que fuera el mejor guitarrista del mundo. Siempre quise ser el mejor guitarrista del mundo, pero eso es un ideal, y lo acepto como tal.”

Bueno, como siempre, para los gustos los colores. Es difícil decir que tal o cual es el mejor guitarrista del mundo. En cualquier caso, que Clapton es uno entre los mejores no lo duda nadie. Y si no, oigámosle en este fantástico Steppin’ Out

Clapton abandonó a los Bluesbreakers en julio de 1966 para formar Cream, uno de los primeros supergrupos y power tríos de la historia. Sus nuevos compañeros, Jack Bruce y Ginger Baker, bajo y batería respectivamente, venían ambos del grupo Graham Bond Organization.

Antes de la creación de Cream, Clapton era prácticamente desconocido en los Estados Unidos, ya que abandonó The Yardbirds antes de que el sencillo «For Your Love» entrara en el Top Ten US, y aún no había tocado allí. En su época en Cream, Clapton empezó a evolucionar como cantante, compositor y guitarrista, aunque Jack Bruce era la voz predominante y el compositor de la gran mayoría de los temas junto con el letrista Pete Brown. Su primer concierto fue en el Twisted Wheel de Mánchester en julio de 1966, antes de hacer su debut oficial con dos noches en el National Jazz and Blues Festival en Windsor. Pero volvemos a nuestros disco favorito de hoy: Parchman Farm.

The Bluesbreakers siguieron haciendo buenos discos en la década de los 60 después de la salida de Clapton. La historia que sigue la cuenta el propio propio Mayall: "Un día, teníamos un concierto y no teníamos guitarrista, entonces apareció Mick Taylor". Mayall quedó alucinado con el joven guitarrista, pero terminó el concierto y Taylor se marchó. John lo buscó por todos lados, hasta que consiguió localizar a Taylor y le ofreció el puesto de guitarra en su banda. Él y Taylor grabarían juntos el legendario Crusade, donde Taylor brilla con luz propia, y en 1969, el psicodélico Bare Wires. Taylor se marchó posteriormente a los Rolling Stones para a sustituir a Brian Jones.

La banda deja definitivamente a existir en el 2008.

Mayall estuvo en Zaragoza en febrero de 2017. Tocó en la sala Mozart del Auditorio de Zaragoza, acompañado por dos extraordinarios músicos: Greg Rzab, al bajo y Jay Davenport a la batería.

La crítica, en general, valoró muy positivamente el concierto pero, en mi opinión, fue un fiasco. He visto a Mayall en cuatro ocasiones, tres de ellas en Zaragoza y una en Madrid. En tres ocasiones salí de los conciertos levitando, en volandas de unas bandas que me dejaron traspuesto, habiendo disfrutado en los tres casos de unas guitarras bluseras inimitables.

No fue así en la última ocasión. Yo sé que, a estas alturas, el Sr. Mayall no tiene que demostrarme nada. Pero uno espera del artista una puesta en escena un poco más generosa que la que vimos en la Mozart. Baste decir que gran parte del peso del espectáculo estuvo, afortunadamente, a cargo del gran contrabajista Greg Rzab. Dicho esto, John Mayall me sigue pareciendo un artista excepcional y en particular, este disco.

Nos despedimos por hoy con un blues clásico en toda regla. Una muestra más de la calidad de este álbum. “Ramblin’On My Mind”

Amigas, amigos, ha sido un placer, como siempre, acompañaros un rato con buena música, blues de calidad a cargo de grandes músicos. Espero que os haya gustado y que no tengáis ningún reparo para, el próximo jueves, acudir a nuestra cita.

Aquí tendréis más música, más músicos y más historias. Entre tanto… ¡¡¡BUENAS VIBRACIONES!!!

El espacio de hoy está dedicado a un disco sin desperdicio. Todas y cada una de las notas que sonarán hoy son de una calidad incontestable. Un derroche de blues rock a cargo de un músico genial, de un guitarrista único: el Sr. Gary Moore.

El álbum, noveno de su carrera, Still Got the Blues se publicó en 1990 por el sello Virgin Records. Con este trabajo inicia una nueva etapa en su carrera, ya que retorna al blues rock y deja atrás su paso por el hard rock y el heavy metal, lo que generó muy buenos resultados a nivel comercial y personal.

Vamos a escuchar el primer corte. Se trata de Moving on, una grabación con la clásica formación de guitarra, piano, bajo y batería.

Para su grabación fueron convocados varios músicos como Bob Daisley y Don Airey quienes ya habían participado en algunos discos anteriores, pero a su vez Gary invitó a grandes leyendas del blues y del rock como Albert King y Albert Collins y al ex The Beatles, George Harrison.

En este nuevo corte, Oh pretty Woman, colabora a la guitarra el mítico Albert King.

Albert King, está considerado como uno de los Tres Reyes del Blues a la guitarra (junto a B.B.King y Freddie King). Le llamaban The Velvet Bulldozer, la apisonadorea de terciopelo, y es que el tipo medía 1,90 y pesaba 120 kilos.

Precisamente, una de las últimas grabaciones de Albert King sería en 1990 con Gary Moore en este álbum Still Got the Blues, con una nueva versión de Oh, Pretty Woman. Esta participación llevó a que King apareciera como invitado en los conciertos de la gira europea de Moore, junto a su otro invitado famoso, Albert Collins.

Por cierto, podréis apreciar una excelente sección de metales a cargo Raoul D’olivera a la trompeta, Franck Meat, saxo alto, Nick Pentelow, tenor y Nick Payn, barítono.

Dentro del listado de canciones del álbum, Gary incluyó algunas versiones de grandes temas del blues rock estadounidense, como este «Walking By Myself» de Jimmy Rogers, un guitarrista y cantante de blues estadounidense que se dio a conocer por su participación en los trabajos de Muddy Waters durante las décadas de 1950 y 1960. Siempre se le recuerda como uno de los mentores y precursores del blues de Chicago.

«Still Got the Blues fue el segundo sencillo del álbum y la canción que hizo que éste tuviera un éxito total en los principales mercados europeos. Número uno en toda Europa y disco de platino en el Reino Unido y de oro en los Estados Unidos.

La canción fue escrita por Gary Moore pero no estuvo exenta de problemas porque el 3 de diciembre de 2008 la Corte de Alemania determinó que el solo principal del tema era un plagio de una canción instrumental de 1974 llamada «Nordrach» de la banda de rock progresivo, Jud's Gallery. Gary se defendió diciendo que no había grabaciones en formato CD o vinilo del tema durante la grabación de su disco, sin embargo la Corte declaró que fácilmente la pudo oír en una radio o en una de sus tantas visitas a Alemania en el marco de sus giras en vivo.

A pesar que los jueces no pudieron determinar con pruebas palpables si Gary robó el solo de guitarra, finalmente declararon que era una violación a los derechos de autor. Como condena tuvo que pagar una cantidad no revelada de dinero al líder de Jud's Gallery, Jürgen Winter, por daños y perjuicios.

Albert Collins, el conocido guitarrista de blues estadounidense también colaboró en este disco. “The Ice Man”, que es como le llamaban en el mundillo de la música, participó en la grabación de este vibrante blues “Too Tired” aportando el peculiar sonido de su famosa “Telecaster”.

Collins fue un tipo peculiar. Cuentan de él una anécdota que lo retrata. Collins estaba tocando en un teatro cuando, de repente, abandona el edificio, con la guitarra todavía enchufada y tocando. Minutos después, regresa al escenario, seguido un repartidor de pizzas que le entrega a Collins la pizza que había solicitado cuando abandonó el edificio. Collins había ido a Milto´s Pizza & Pasta, ubicada en una avenida contigua, y había hecho el pedido mientras continuaba tocando.

El último famoso invitado a la grabación fue George Harrison. Cantó y toco la guitarra en That Kind Of Woman, una canción compuesta por el propio Harrison en la que describe como es el tipo de mujer que le gusta: “Ella es ese tipo de mujer, me gusta así”.

Harrison solo realizó dos giras en su carrera como artista en solitario después de la gira final de The Beatles en 1966. Pero si fueron frecuentes sus apariciones en conciertos solidarios, como la que protagonizó con nuestro invitado Gary Moore en el Concierto tributo a Bob Dylan. Interpretaron “While my guitar gently weeps” y, para la ocasión Moore se marcó un solo de guitarra absolutamente increíble. Más adelante, Harrison citaría en numerosas ocasiones a Moore como su guitarrista favorito, sin excepción.

Por cierto, esta canción no aparece en la edición de vinilo, solo en CD, para los interesados.

"All Your Love” es un estándar de blues escrito y grabado por el guitarrista de blues de Chicago Otis Rush en 1958. De todas sus composiciones, es la más conocida y ha sido versionada hasta la saciedad. Nos despedimos de este trabajo con la versión de Gary Moore. Estaremos de acuerdo en que el disco no tiene fisuras y que el artista consiguió con él el mejor trabajo de su carrera. Desgraciadamente, el músico falleció en Estepona, aquí, en España, el 6 de febrero de 2011 a la edad de 58 a causa de un ataque al corazón provocado por la alta concentración de alcohol en sangre. Lástima.

Hasta la próxima semana que traeremos más música, más músicos y más historias.

Hoy vamos a dedicar nuestro tiempo a escuchar un disco espectacular. Se trata del doble CD, Live in London, grabado obviamente en directo en Londres el 17 de julio de 2008, por nuestro héroe… Leonard Cohen.

Si, ya sé que aquí hemos dedicado algún programa al artista canadiense, pero, ¿creéis que no merece la pena invertir estos minutos, y más, en escuchar buena música? Pues eso, ya sabía que estaríamos de acuerdo.

Dance Me to the end of love

Hemos oído el primer corte del primer disco, Dance me to the end of love. Live in London se grabó en el concierto que Cohen dio en el O2Arena de Londres y que estaba incluido en la primera gira del músico en quince años. Los que tuvimos la suerte de verle en Zaragoza, dentro de esta gira, podemos asegurar que sus directos son, bueno, eran embrujadores.

El álbum incluyó veinticinco canciones interpretadas durante un concierto de dos horas y media, y supuso la primera publicación oficial en DVD de la carrera de Cohen.

Vamos a escuchar ahora Ain’t no cure for love, “No hay cura para el amor”, una canción en la que Cohen canta su amor indestructible a su amada a pesar de que todo haya salido mal, a pesar de haber hecho todo al revés, a pesar de todo… su amor no tiene cura.

Ain’t no cure for love

De las 25 canciones que atesora este disco es difícil, muy difícil, hacer una selección porque, seguro, te dejas algunas de las que no deberíamos prescindir. La elección del siguiente corte, Who by fire, está motivada porque, bueno, es buenísima y además tiene una participación estelar de nuestro vecino Javier Más que, como sabéis, hizo toda la gira con el maestro tocando la bandurria, el laúd, la guitarra de doce cuerdas y el archilaúd, un instrumento que viene a ser como un laúd bajo. Esta introducción no tiene precio.

Esta gira fue consecuencia de la lamentable salud financiera de Cohen. Su representante, Kelley Lynch, le había dejado sin un duro. Fue Lorca Cohen, hija del artista, la que descubrió irregularidades financieras, y cuando Cohen comprobó sus cuentas bancarias, observó que habían desaparecido más de cinco millones de dólares y que en su cuenta quedaban nada más que 150.000 dólares. Aunque ganó la demanda, al final no pudo cobrar absolutamente nada.

Y claro, así las cosas, no le quedó mas remedio que volver a la carretera.

Cohen es un maestro en lo que podríamos llamar la canción dislocada. Una que a primera vista va de chicas y da un quiebro y resulta ser un himno religioso o vete tú a saber. Un ejemplo es Suzanne. Porque vamos a ver, ¿de qué va Suzanne? Da para un comentario de texto. Veamos: comenzamos a escucharla y pensamos «Ah, Suzanne es una mujer, joven, atractiva, algo hippie, y Lennie anda detrás de ella, pero la cosa no sale, aunque duerme en su apartamento, quizá con ella, todo se deshace en una especie de malentendido erótico, y salen a pasear por el puerto de Montreal y comparten un momento mágico e intransferible y eso es todo». Y sabemos que algo de eso hay porque hemos leído aquí y allá que Suzanne es Suzanne Vaillancourt, una mujer de carne y hueso por la que Cohen sentía atracción, pero que era fruta prohibida porque era la mujer de un amigo. Pero entonces, ¿qué pinta la irrupción de Jesús en la segunda estrofa? … Eh?... A saber.

Suzanne

Cohen compuso Take this waltz a modo de versión en inglés del poema Pequeño vals vienés de Garcia Lorca, que pertenece a su poemario Poeta en Nueva York.

De todos es conocida la admiración que, por el poeta, profesó toda su vida, no en vano llamó Lorca a su hija.

Esta canción también ha sido versionada con la música de Cohen y la letra original de Lorca por Enrique Morente y Lagartija Nick en su disco Omega del año 1996, por Ana Belén en su Lorquiana de 1998, por Soleá Morente en 2013 y, últimamente, por Silvia Pérez Cruz con Raül Fernández Miró en su disco conjunto granada de 2014.

Esta es la versión de Cohen en directo.

Y nosotros, al compás del ¾ nos despedimos bailando este vals que nos ofrece Leonard Cohen, un músico y un poeta insustituible y, creo que, el álbum Live in London, también lo es.

Os espero a todos la semana que viene en la que estrujaremos, sin hacerle daño, un nuevo disco. Hasta entonces… BUENAS VIBRACIONES.

¿Qué tal amigos? Qué verano más raro ¿no? Bueno, en cualquier caso, parece que la rutina vuelve a apoderarse de nuestras costumbres y que, por fin, volvemos a oírnos en directo.

La temporada que hoy iniciamos va a ser un poquito distinta a las anteriores, vamos a dar una vuelta de tuerca a nuestro programa y en esta temporada, y ya veremos en las siguientes, vamos a escuchar mucho más detenidamente algunos de los artistas que han marcado hitos en la historia de la música.

Como siempre, el criterio de selección es absolutamente subjetivo, o sea, que son los que me gustan a mí pero espero y deseo que sean los que, también, os gusten a vosotros.

En cualquier caso, este nuevo contenido del programa, nos permitirá conocer un poco mejor a compositores, interpretes, músicos, en fin, a todos los partícipes de esas pequeñas y redondas obras de arte que son los discos.

Así que, empezamos.

Y lo haremos con una, según muchos, de las tres mejores voces del jazz. Con todos ustedes… Billie Holiday.

La canción que acabamos de escuchar, StrangeFruit (Fruta rara, en español) es una canción de 1939 que Billie Holidayhizo mundialmente famosa. La versión de hoy se grabó en Nueva York en junio de 1956. La letra y la música es de Abel Meeropol, y fue una de las obras de arte que predicó con más fuerza en contra de los linchamientos en los estados del sur de los EE. UU. y uno de los primeros lemas del movimiento por los derechos civiles estadounidenses. La expresión StrangeFruit se estableció como símbolo de los linchamientos.

En la canción se habla del cuerpo de un negro que cuelga de un árbol. La letra obtiene su fuerza emocional de confrontar la imagen bucólica del sur tradicional con la realidad de los linchamientos. En la segunda estrofa, por ejemplo, se dice: Pastoral escena del galante sur/los ojos abultados, la boca torcida/el aroma de las magnolias, dulce y fresco/y de pronto el olor de la carne quemada.

Tremenda. Pero seguimos.

Vamos a escuchar ahora WeI'll Be Together Again, una canción compuesta en 1945 por Carl Fischer y con letra de Frankie Laine. “Estaremos juntos de nuevo”.

Una pareja se está despidiendo por una separación temporal, o eso esperan.

Sin lágrimas, sin miedos

Recuerda que siempre hay un mañana

¿Y qué si tenemos que separarnos?

Estaremos juntos de nuevo.

Habrá momentos en que sé que estarás solo

Momentos en los que sé que estarás triste

Pero no dejes que la tentación te rodee

No dejes que el blues te haga malo.

Esta canción ha sido grabada por numerosas estrellas como Frank Sinatra , Louis Armstrong , o Tony Bennett . Pero nadie, nadie, lo ha hecho como Billie Holiday.

La inconfundible voz de Billie Holiday fue cambiando con el tiempo. Su primera grabación, realizada a mediados de 1930, mostró una voz infantil y llena de vitalidad. A principios de 1940, su forma de cantar comenzó a volverse más sugerente gracias a su gran capacidad interpretativa.

Muchos describían su voz como cariñosa, dulce, aunque desgastada, experimentada, triste y sofisticada.

De esta época es “Body & Soul” (Cuerpo y alma), una canción clásica del repertorio melódico estadounidense, compuesta en 1930 por Johnny B. Green y grabada en Los Angeles en 1957 por Billie Holiday.

A medida que fue creciendo, los efectos del abuso continuado de las drogas cambiaron considerablemente el registro de su voz, convirtiéndola en algo más roncay que nos descubría a una mujer con un registro limitado, pero con un fraseo y una emotividad maravillosa.

En 1958, un año antes de su muerte, grabó en Nueva Yorck con la orquesta de Ray Ellis “I’m a fool to want you”. El famoso director recodaba la grabación: “Puedo decir que el momento más emocionante que he vivido en un estudio fue cuando la escuché interpretar esta canción. Había lágrimas en sus ojos”.

La voz puede que no fuera la misma pero la pasión y la emotividad era la de siempre.

"These Foolish Things” es un estándar escrito por el músico inglés Jack Strachey.

La versión que hizo Billie Holiday de la canción con la orquesta de Teddy Wilson era una de las favoritas de Philip Larkin, el famoso crítico de jazz, quien dijo: "Siempre he pensado que las palabras eran un poco pseudo-poéticas, pero Billie las canta con una convicción tan apasionada que creo realmente que ellas las convierten en poesía".

La versión que escucharemos ahora es una grabación de 1952 y, para la ocasión, está acompañada nada menos que por el trio de Oscar Peterson, al piano, Ray Brown al contrabajo y Barney Kessel a la guitarra. Otro lujo.

Hoy hemos repasado un puñado de grandes baladas interpretadas por la genial Billie Holiday, otro día lo haremos sobre sus propias composiciones. Vamos a despedirnos de esta genial y desdichada mujer con otro de sus éxitos, una canción en la que nos cuenta como el dolor que siente en su corazón vuelve, día tras día cuando pensaba que, al pasar la noche, todo habría desaparecido. Una declaración de su propia vida. La grabación es de 1956.

Good morning, heartache. Buenos días, dolor de corazón.

Bueno amigos, pues esto ha sido todo por hoy. Creo que el formato monográfico nos va a permitir calar más hondo en la personalidad y en la música de nuestros artistas favoritos.

Así que, el próximo día, repasaremos la vida y milagros de algún otro personaje centrándonos en sus discos más emblemáticos.

Os espero a todos el próximo jueves, que no falte nadie. Hasta entonces… ¡¡¡Buenas vibraciones!!!

Como vimos la pasada semana, el éxito de Back in Black disparó las ventas de todos sus álbumes anteriores, desatando una «fiebre» por AC/DC.

En mayo de 1983, el batería Phil Rudd fue sustituido por Simon Wright. Tras ese relevo, en agosto vería la luz un nuevo LP: Flick of the Switch, que fue también el primer disco producido por Angus y Malcolm. El álbum hizo decaer el estatus comercial del grupo muy significativamente, aunque la canción «Flick of the Switch» tuvo alguna repercusión.

Con la publicación de este disco, “Flick of the switch”, comienza la etapa menos brillante de la historia del grupo. Los siguientes trabajos de la banda siguen con la línea descendente de ventas: “Fly on the wall” y el recopilatorio “Who made who” pertenecen a esta época.

Aunque en 1992 publicaron un disco en directo, “AC/DC Live”, no fue hasta 1995 que sacaron al mercado un trabajo nuevo: “Ballbreaker”, con Phil Rudd reincorporado al elenco. El disco fue un enorme éxito, se vendieron varios millones de copias y estuvo durante mucho tiempo entre los primeros puestos de las listas de Estados Unidos.

En 1997 publicaron una caja con cinco CD’s, como homenaje al fallecido Bon Scott. Bueno, el recopilatorio tiene un gran valor como objeto coleccionable pero no aporta nada nuevo a su carrera.

En el año 2000 publican el álbum “Stiff upper lip”, grabado en el estudio de Bryan Adams, en Canadá. Para promocionar este disco realizaron una gira por innumerables países, entre ellos España. Precisamente, los hermanos Young estuvieron en la localidad madrileña de Leganés, para inaugurar una calle que lleva su nombre. Se da la circunstancia de que la placa que lleva el nombre de la calle fue robada el mismo día de la inauguración. Bueno…. Cosas de frikis.

Esto es “Stiff upper lip”.

En Octubre de 2008, y después de 8 años de silencio, AC/DC regresa a los estudios de grabación para publicar un nuevo trabajo, titulado “Black ice”. El álbum contiene 15 nuevas canciones, entre las que destaca su primer single: “Rock’n roll train”.

Cuando todo estaba saliendo a la perfección y los premios y homenajes se multiplicaban, en septiembre de 2014, y luego de meses de hermetismo y sospechas en torno al grave estado de salud que padecía uno de los integrantes, la oficina de prensa de AC/DC confirma la retirada del guitarrista Malcolm Young debido a un cuadro de demencia. No obstante, y pese a la sensible baja de uno de los socios fundadores, la banda informó que continuaría haciendo música. Tanto para un nuevo disco, Rock or Bust, como para giras posteriores, la guitarra rítmica fue ocupada por el sobrino de los Young, Stevie Young.

Para aumentar la tensión, en febrero de 2016, Brian Johnson tuvo que retirarse de la gira ante el riesgo de una pérdida auditiva completa, por lo que fue temporalmente sustituido por Axl Rose, líder y cantante de Guns N' Roses, hasta el final de la gira Rock or Bust. Bueno, también el bajista de toda la vida, Cliff Williams dejó la banda al final de la gira.

Esto es Rock or Bust.

Con cuatro décadas de trayectoria, la banda ha superado todos los sinsabores que le han propiciado los numerosos cambios en su alineación, la pérdida de miembros históricos, la controversia sobre su imagen y letras, y el constante cambio de las tendencias musicales, pero, a pesar de todo, lo ciertos es que AC/DC es, en la actualidad, una de las bandas más importantes e influyentes de la historia, y con mayor capacidad de convocatoria. Hasta la fecha son uno de los grupos más taquilleros de todos los tiempos. Desde marzo del 2003, el grupo está incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Y aunque están comúnmente clasificados como hard rock, y se les ha considerado como uno de los grandes influyentes del heavy metal, ellos, siempre, han clasificado su música simplemente como rock and roll y eso, a mi entender es evidencia de una gran honradez.

Y aunque ya la pusimos la semana pasada, todos sabemos que lo mejor de las tentaciones es caer en ellas, asi que… vamos a escuchar, ¡otra vez!, Highway to Hell

Antes hemos pasado, como de puntillas, por un tipo que aportó mucho a la banda aunque fuera por poco tiempo y que, hasta ese momento, había sido un leal competidor dentro del género. Nos referimos a Axl Rose, líder carismático de otra de las bandas mas significativas del momento. Guns N' Roses .

Guns N' Roses es una banda estadounidense de hard rock formada en Hollywood, en la ciudad de Los Ángeles, California en 1985. El grupo fue fundado por el vocalista Axl Rose y el guitarrista Izzy Stradlin.

La formación actual cuenta con el vocalista Axl Rose, el guitarrista Richard Fortus, los teclistas Dizzy Reed y Melissa Reese, el batería Frank Ferrer, el bajista Duff McKagan y el guitarrista principal Slash. Estos dos últimos son miembros clásicos de la formación.

La banda ha vendido más de 150 millones de álbumes en todo el mundo, incluyendo más de 60 millones sólo en los Estados Unidos, lo que les coloca en el puesto n° 28 en la lista de los artistas con más ventas y éxito de todos los tiempos. En fin, lo que solemos llamar un “Super grupo”.

Su álbum debut, “Appetite for Destrucction” fue un bombazo que consiguió certificaciones de platino y diamante, y que vendió lo que no está escrito, vamos.

Sweet child o’mine, la canción que hemos escuchado es de este disco, igual que este You're Crazy que suena ahora.

Su fama de “chicos malos” se la han ganado a pulso y dedicación. En Dallas, y a modo de ejemplo, Slash destrozó la habitación de un hotel y Axl Rose le pegó a un agente de seguridad porque quería echar a un amigo suyo del concierto. Pero, bueno, aun así, todavía les quedaba tiempo para acercarse por los estudios de grabación y grabar su segundo álbum GNR lies, que incluye temas como este frenético Reckless Life

Este trabajo les proporcionó el prestigioso premio American Music Awart en la categoría de Mejor Álbum de Heavy Metal, premio que recibió Slash en un total estado de embriaguez.

Su siguiente trabajo, Use Your Illusion I, tuvo algunos retrasillos en la publicación habida cuenta de los problemas de drogadicción del batería Steven Adler que fue despedido de la banda por el resto.

En este disco se pueden escuchar joyas cono Live and let die

Este disco fue nominado al Grammy en la categoría de Mejor Presentación Vocal de Rock, pero la banda se fue del evento con las manos vacías. Mala suerte.

Poco tiempo después, el grupo presentó su Use your illusion II en el que agruparon un buen número de éxitos como este famosísimo Knockin' On Heaven's Door

El difícil temperamento de Axl Roses hizo que Slash, McKagan y Sorum dejaran el grupo, hecho que supuso la debacle de la banda.

Axl reunió a un grupo de buenos músicos para recomponer el proyecto y seguir con sus explosivos directos pero resultaba evidente que ya no era lo mismo. Buenos directos, buenos shows, pero ninguna novedad. Los años gloriosos quedaron atrás.

Tras muchos años de separación, tanto Slash como McKagan volvieron al grupo y ahí siguen, haciendo giras multitudinarias, sin aportar nada nuevo pero viviendo de las rentas de una época dorada que, por lo que parece, no volverá.

Pero no creáis que esto es una crítica negativa del grupo, yo creo que siguen siendo una banda extraordinaria, con unos directos contundentes y que podemos seguir escuchando “Sine die”

Bueno amigos, me parece que hoy terminamos temporada. Ha sido para mí un verdadero placer acompañaros durante todo este tiempo y espero poder seguir haciéndolo a la vuelta de verano.

Disfrutad de estas extrañas vacaciones y os deseo como siempre, ¡¡¡Buenas vibraciones”, aunque, la verdad, no sé cómo puede hacerse a dos metros de distancia. Ya me contaréis.

Hace 150 millones de discos, AC/DC era un grupo de jóvenes australianos desconocidos con ganas de devolverle a la música rock su espíritu proletario. Desde entonces hasta hoy han pasado 46 años, cuatro décadas y media, el tiempo suficiente para convertirles en una de las bandas más veteranas del panorama internacional.

Vamos a intentar repasar, con todas nuestras limitaciones, y aunque sea brevemente, la vida de la formación australiana liderada por los hermanos Young, desde su formación en los años 70 hasta la actualidad. Una historia que recoge las aventuras y tragedias vividas por la banda con la muerte de su emblemático cantante Bon Scott y el posterior fichaje de Brian Johnson que hasta hoy está al pie del cañón. Realmente, la historia de toda una vida llena de excesos y aventuras.

¡¡¡Vamos allá!!!

AC/DC se formó en Australia en 1973, gracias al empeño de los hermanos escoceses Malcolm y Angus Young. El nombre del grupo, y esto ya dice mucho de ellos, son las iniciales en inglés de Corriente alterna/ Corriente continua.

Angus era apenas un adolescente cuando decidió formar el grupo. A pesar de su corta edad y presunta escasa madurez, este chico tenía grandes aspiraciones en la música inspirado en su hermano George Young, integrante de la banda Easybeats, que había cosechado un gran éxito con el tema Friday OnMyMind.

Esto pasaba en 1966 pero fue en 1963 cuando los padres de los hermanos Young deciden abandonar Gran Bretaña para iniciar una nueva vida en Sidney, Australia. Los dos chicos crecieron en esta ciudad y desde muy pronto quedaron fascinados por el blues, el rock’n’roll de Chuck Berry y bandas como los Rolling Stones, los Who y los Kinks. Al terminar los estudios primarios, los hermanos deciden mudarse a Melbourn, donde conocen al batería Colin Burgess, y al bajista Larry Van Kriedt y les plantean la idea de unirse como grupo. Casi al mismo tiempo se les une Dave Evans como vocalista. Y ya está formado el grupo.

La primera actuación en directo se produjo el día de fin de año de 1973 en el ChequersNightclub, en donde interpretaron con su toque musical temas de Chuck Berry, Elvis Presley y Rolling Stones, además tocaron sus primeras composiciones, como The Old Bay Road o SunsetStrip. Vamos a escuchar esta última.

Con la banda ya consolidada y con nueva compañía, realizan su primera gira por Australia y empiezan a trabajar en el primer álbum. Tras la gira, AC/DC realizó algunos cambios en su formación, retirándose del grupo Larry Van Kriedt y Colin Burgess, que fueron sustituidos por Rob Bailey y Ron Carpenter respectivamente. La última baja fue la del vocalista Dave Evans que fue sustituido por Ronal Belford, más conocido como Bon Scott. Esta última incorporación fue importantísima porque aportó un estilo particular, un estilo agresivo de chicos inadaptados que les acompañó a lo largo de su carrera. AC/DC no valoró la importancia de Scott hasta que, gracias a sus letras empapadas de sarcasmo y erotismo, de tendencia combativa, y su presencia en escena, junto a los hermanos Young, le convirtió en uno de los líderes de banda más magnánimos de la historia del rock.

En 1975, aparece en Australia el primer álbum internacional de AC/DC, titulado High voltage.

Alto voltaje, en español, fue lanzado al mercado en mayo de 1976. De este trabajo, vamos a escuchar dos cortes. En primer lugarTNT

El otro corte del álbum, y que da nombre al disco, es High Voltage.

Un año más tarde firman contrato con la discográfica Atlantic Records, y organizan una gira por Europa, con la que fueron adquiriendo una valiosa experiencia, tocando junto a grandes del hard rock, como Kiss, Aerosmith o CheapTrick. Ese mismo año publican su primer trabajo de estilo británico: Dirtydeeds done dirtcheap, un disco minimalista de rock clásico que fue recibido con entusiasmo por los amantes del rock, aunque todavía no alcanzaba un público masivo.

En español: Actos Sucios Se Hacen Muy Baratos, es el tercer álbum de estudio de la banda australiana y el segundo lanzado internacionalmente en diciembre de 1976 en Europa y en abril de 1981 en Estados Unidos. A la fecha ha vendido alrededor de seis millones de copias en todo el mundo. De este álbum destacan las canciones "DirtyDeeds Done DirtCheap", cancion que da título al disco y "RideOn" un extraordinario blues que no deja a nadie indiferente. Vamos a escuchar la dos. DirtyDeeds Done DirtCheap.

Esta es la otra: “RideOn”

Evans es sustituido por Cliff Williams en 1977 y enseguida éste aporta a la banda su primera creación: Letthere be rock. La acogida fue asombrosa y ocupó el número uno de las listas americanas de inmediato.Y es esta.

Lo que realmente les abrió las puertas al éxito fue HighwaytoHell (1979), producido por Mutt Lange, para muchos su mejor álbum y que alcanzó el puesto número 17 en las listas estadounidenses, y el número 8 en las británicas; fue el primero de sus trabajos en conseguir un millón de copias vendidas y figura en la lista de los 500 álbumes indispensables, elaborada por la revistaRolling Stone. El tema principal del LP, la canción «Highwaytohell», acabaría convirtiéndose para muchos en todo un himno del rock and roll, de finales de los 70.

Este disco es un trabajo completo, con un montón de buenas canciones, pero a mí me gustaría resaltar nuevamente ese lado blusero de la banda. Entre todas ellas, además de la ya citada Autopista al infierno, nos encontramos con un oscuro blues que me parece buenísimo: NightProwler.

1978 fue su año de ventas millonarias y de los discos de oro. Poco después, cuando se encontraban en su mejor momento, la desgracia llegó al grupo, Bon Scott fue hallado muerto el 19 de febrero de 1980, ahogadoy con intoxicación etílica, tras una borrachera descomunal que se cogió en una desenfrenada fiesta nocturna en un bar de Sidney, el Music Machine. Tenía 33 años en el momento de su muerte.

Su lugar lo ocupó Brian Johnson, ex vocalista del grupo Geordie, que se acomodó rápidamente al estilo de la banda. EL siguiente trabajo de AC/DC, ya con su nuevo vocalista, fue Back in black, en 1980, y llegó al número uno en Inglaterra y Estados Unidos, vendiendo más de 10 millones de copias. Actualmente se calcula que se han vendido 44 millones de copias del álbum, lo que, de ser cierto, lo coloca como uno de los más vendidos de la historia de la música.

Back in Black

Vamos a dejar aquí la historia de este legendario grupo hasta la próxima semana. Así que, de momento nada más, volveremos con ellos y con su música. Hasta ese anhelado momento en que volveréis a conectar vuestro receptor, o lo que sea, con esta emisora en el 102.1 de FM, Radio La Granja, os deseo a todos… ¡¡¡BUENAS VIBRACIONES!!!

Aunque todos los grupos venían de cobijarse debajo de las más diversas etiquetas, quien quería significarse debía aparecer como singular, o sea, sin etiquetas. Y, bueno, hubo algunos que lo consiguieron. Un claro ejemplo lo tenemos en Pretenders, con Chrissie Hynde como cantante y guitarra. Ella era periodista del New Musical Express, muy unida al movimiento Punk (aquí está su anterior etiqueta) antes de probar suerte con el nuevo grupo. Uno de sus éxitos: I’m not in love.

Pretenders inició su andadura en 1978. Venía huyendo del Punk para echarse a los brazos de la new wave. La banda se componía originalmente de su fundadora, compositora, guitarrista y vocalista Chrissie Hynde, el guitarrista James Honeyman-Scott, el bajista Pete Farndon y el batería Martin Chambers. Las muertes de Honeyman-Scott y Farndon por consumo de drogas malograron la formación, y los múltiples cambios de músicos en los años posteriores han dejado a Chrissie Hynde como único miembro permanente y referente absoluto del grupo. Además, su actividad en diversos frentes a favor de causas humanitarias la mantiene en el candelero permanentemente.

Su primer gran éxito: Don't get me wrong.

A finales de 1981, cuando el grupo triunfaba musicalmente, comenzaron los problemas personales. Las relaciones de Pete Farndon con el resto de sus compañeros se fueron deteriorando durante la gira mundial que siguió a Pretenders II, a causa de la adicción del bajista a la heroína. Cuando terminó la gira, decidieron despedir a Farndon, que se había vuelto intratable. Chrissie Hynde, que esperaba ya un hijo de Ray Davies, comunicó a su ex novio Pete la decisión de expulsarle del grupo.

Sin embargo, fue Honeyman-Scott, también enganchado a todo tipo de sustancias, el que repentinamente murió el 16 de junio de 1982, tan sólo dos días después de la expulsión de Farndon. El guitarrista fue hallado muerto por paro cardíaco en casa de un amigo, a causa de una sobredosis de cocaína. Meses más tarde, y en pleno proceso de recomposición de la banda, recibirían la noticia del fallecimiento de Pete Farndon. El bajista se ahogó en la bañera tras inyectarse heroína y perder el conocimiento el 14 de abril de 1983.

Con el tiempo, la crítica ha reconocido de forma unánime la importancia de ambos músicos en el sonido de la banda y su influencia en el rock. Amen.

I’ll stand by you, una bonita canción de amor, “Estaré a tu lado”… y otro gran éxito del grupo.

Al éxito del grupo contribuyó, sin duda, el hecho de que la banda estuviera liderada por una mujer de apariencia dura y «cuya sexualidad está totalmente en sintonía con una magnífica sensibilidad rockera». Con su característico flequillo, sombra de ojos y vaqueros oscuros y ajustados, lo cierto es que resulta atractiva a ambos sexos al tiempo que ha sido capaz de zafarse de muchos de los clichés asociados a las mujeres en la música pop. A diferencia de otras cantantes solistas, Chrissie adapta a su propia personalidad algunos de los roles tradicionalmente masculinos del rock en su papel de líder del grupo.

Los dejamos con otro de sus grandes éxitos: Brass In Pocket.

Otra inclasificable que mencionar es Kate Bush.Tenía una voz única y, a todas luces, ajena al mundo del rock, pero los designios del Señor son inescrutables.Descubierta en 1978 gracias al respaldo de David Gilmour, de Pink Floyd, llegó a lo más alto con esta canción: Wuthering heights.

El video empezaba a adueñarse de la escena musical. Una canción que tuvo un gran éxito y que pretendía ser premonitoria fue “Video killed the radio star” (El video mató a la estrella de la radio). Evidentemente su profecía quedó en nada, pero la canción estaba bien. Los culpables del bombazo fueron los Buggles, un dúo formado por Trevor Horn y Georr Downes, aunque su carrera no dio para más,

“Video killed the radio star”

Sin embargo, Trevor Horn, cuando el dúo dejó de funcionar, creó un nuevo sello con el que lanzó al estrellato a Frankie Goes to Hollywood y su famoso “Relax”.

Seguramente el artista más inclasificable y personal fue Ian Dury. Nació en 1942. Después de terminar el instituto, estudió arte y mientras daba clases de pintura decidió que dejaba el pincel, por lo menos profesionalmente, para intentar buscarse un hueco en el mundo de la música. Y lo hizo.Tetrapléjico desde los siete años, el hombre actuaba con muletas, aunque esta circunstancia nunca le supuso ningún problema. A él se debe el famoso eslogan “Sexo, drogas y rock and roll”. Y esta es la canción.

En los EEUU varios músicos de estudio, cansados de grabar para los demás, se unieron para formar Toto. En mi opinión son buenos, muy buenos, un poco tiernos quizá, pero como músicos no tienen precio. Esta opinión está enfrentada a la de grandes especialistas del género, pero… allá cada uno con sus opiniones. Este es su super éxito África.

Los integrantes de TOTO, en su calidad de músicos de estudios, han tocado en miles de discos, Jeff Porcaro (baterista) registra más de 1050 álbumes (pese a su prematura muerte); Steve Lukather (guitarrista) más de 1530; David Paich (tecladista) más de 1720, y así.

Frente a esto no es exagerado decir que gran parte del sonido pop/rock de la década de los ochenta fue generado por los músicos de la banda. Sin embargo, pese al éxito mundial y a la notable contribución de la agrupación a la industria musical, el grupo se considera,así mismo, como la “banda la más incomprendida del mundo" debido a las críticas negativas que ha tenido en el transcurso de los años en los medios estadounidenses e ingleses.

El rechazo que ha generado la banda en estos medios, especialmente en la prestigiosa Rolling Stone, está basado en la falta, según su criterio, de una propuesta estética y porque sus especialistas jamás han concebido ni han aprobado que una agrupación mezcle tantos estilos musicales como lo hace Toto. Cosa que, a mí, me parece genial.

Pero no todo son críticas: el extraordinario guitarrista Steve Vai dijo una vez que fue a verlos a Milán: "Esta banda creó un sonido propio y único. Es la perfecta mezcla de rock, pop, fusión y un poco de jazz, todo en un paquete totalmente armonizado", o Eddie Van Halen, que se refirió a la agrupación como "colectivamente, compuesta por los mejores músicos del planeta". Pues eso.

No faltaron en la época los grupos de un solo éxito, como los Knack y su eficaz “My Sharona”.

Al parecer, Doug Fieger, guitarrista de Knack, se enamoró como un loco de una dependienta de una tienda de ropa llamada Sharona y se puso a escribir frenéticamente canciones dedicadas a tan bella señorita. No sé como acabó el asunto, pero la canción no está mal.

Tom Waits, el músico y actor californiano, tiene predilección por las canciones de tono áspero, generalmente inspiradas en escritores como Charles Bukowski y algunos de la generación beat, en especial Jack Kerouac.

Waits tiene una voz distintiva, bueno ya lo veréis, tanto que se ha escrito de él que “su voz suena como si el tipo hubiese sido sumergido en un depósito de bourbon, ahumado durante unos meses, y luego llevado afuera y aplastado por un coche». En fin, algo de razón llevan.

Su música, basada en el blues, el jazz y el vodevil, ha conseguido construir un personaje musical singular y sus canciones de representan complejos retratos de lugares y personajes muy variados y nada convencionales. Dada su poca repercusión mediática en televisión y radio, algunas de sus canciones son más conocidas a través de versiones hechas por otros artistas: tal es el caso de «Jersey Girl», interpretada por Bruce Springsteen.

Pues muy bien, ya hemos terminado por hoy. Estoy seguro que la selección ha sido de vuestro agrado. En cualquier caso, nos ha servido para constatar que “la estrella de la radio” no ha sido asesinada por nadie, que sigue viva y que lo seguirá estando mientras vosotros… estéis ahí. Así que, gracias por seguirnos.

Viva la radio y viva el rock and roll.

Amigos, amigas, hasta la semana que viene y mientras tanto…

¡¡¡BUENAS VIBRACIONES!!!