NADA MÁS QUE MÚSICA

Aquí estamos nuevamente disfrutando de la compañía de uno de los mejores grupos de rock de todos los tiempos: Dire Straits.

Love over Gold es el cuarto álbum de la banda británica Dire Straits, lanzado en 1982. Debido a su espesa atmósfera instrumental, algunos críticos lo clasifican como el único álbum del grupo que se acerca al rock progresivo.

Durante la grabación, Dire Straits se convertiría en un quinteto, por la incorporación de un teclista a la formación del grupo y varios colaboradores, a tiempo completo, entre los que figuraban un técnico de sonido y un xilofonista. Por otro lado, también fue el último álbum en el que participa Pick Withers como batería.

El origen del título procede de un grafiti visto por Mark Knopfler en las calles de Londres.

Industrial Disease es uno de los cinco cortes de este disco.’

A pesar de contener cinco canciones, las sesiones de grabación de Love Over Gold incluyeron otros temas. "Private Dancer" fue grabada por el grupo, a excepción de las voces. Mark Knopfler decidió que una voz femenina sería más apropiada para el tema y la cedió a Tina Turner para su álbum Private Dancer. Otra canción escrita durante las sesiones de grabación, "The Way It Always Starts", acabaría siendo publicada en la banda sonora de la película Local Hero, compuesta por Knopfler. Asimismo, "Badges, Posters, Stickers and T-Shirts" fue eliminada del álbum y posteriormente publicada en la edición estadounidense de ExtendedancEPlay.

La que sí llegó al disco fue It Never Rains

Otra que llegó al disco, para nuestro bien, fue “Love Over Gold”

Brothers in Arms (Compañeros de armas) es el quinto álbum deDire Straits, que se publicó en 1985. En los casi tres años que separan este trabajo de su anterior álbum de estudio, la banda había publicado un disco en directo y un EP con tres canciones. Asimismo, en este periodo la banda había sufrido varios cambios: la alineación final quedaría fijada en seis miembros (dos teclistas, dos guitarristas, un bajo y un batería), con una lista de músicos de estudio que apoyarían la grabación, entre los que, por cierto, figuraba Sting. Esta estructura se mantendría constante en los posteriores trabajos de la banda, así como en los discos de Mark Knopfler en solitario. Durante la posterior gira del grupo en 1988, también Eric Clapton colaboraría como guitarra rítmica.

El sonido de Brothers In Arms es, en principio, más sencillo que el de su anterior trabajo, Love Over Gold, pero mucho más elaborado que en sus primeros álbumes. Con el lanzamiento de esta obra el grupo alcanza el estatus de superestrellas del rock, no por nada el disco figura como decimo segundo álbum más vendidos de toda la historia.

Walk Of Life fue inicialmente rechazado por el productor porque pensaba que no estaba a la altura del resto de canciones que iban en el álbum Brothers in Arms, sin embargo, fue finalmente incluido en el disco por expreso deseo de los componentes de la banda.

La pieza es unrock and roll sencillo, compuesto por Knopfler como homenaje al cantante Johnny Mathis con una introducción muy pegadiza interpretada con un sintetizador. El tema fue ganando popularidad hasta el punto de ser lanzado como sencillo el 30 de diciembre de 1985, alcanzando el puesto número 2 de las listas de éxitos británicas, el puesto más alto alcanzado por Dire Straits en el Reino Unido.

Del tema Brothers in arms, canción que da nombra a este álbum, existen dos versiones de estudio: la versión del álbum, que dura 6:55, y otra versión más corta que dura 6:05 y cuenta con solos ligeramente distintos (y más cortos) al principio y al final de la canción. Bueno… rarezas de las estrellas.

On Every Street es el sexto y último álbum, lanzado en 1991.

Tras la gira llevada a cabo como promoción del anterior álbum de estudio, Brothers In Arms, el grupo llevó a cabo la misma fórmula en la elaboración de su nuevo disco: un sexteto básico (dos teclistas, dos guitarras, un bajo y un batería), y el consabido grupo de músicos de estudio.Quizá aquí, en este punto de su carrera, empezó la despersonalización de la banda como tal para pasar a ser un grupo que acompaña a una estrella.

Vamos a escuchar uno de los cortes del álbum: Calling Elvis.

A estas alturas, Dire Straits, estaba lejos de la banda cohesionada que fue en los años 70. La verdad era que se había transformado en una marca a través de la cual Mark Knopfler, rodeado de una serie de músicos que más o menos colaboraban con él de forma asidua, publicaba sus canciones. Mark Knopfler se encontraba cansado del estilo que la gente esperaba de Dire Straits tras su éxito en los 80 y en este álbum trató de experimentar con otros estilos como el country o el blues.

Otro corte del álbum: When it comes to you

Durante los seis últimos años los miembros del grupo continuaron con sus trabajos en solitario. Tan solo rompieron el silencio con la exitosa aparición en el concierto de celebración del 70º aniversario de Nelson Mandela junto a Eric Clapton (Wembley Stadium, Londres, 18 de junio de 1988). Su último álbum de estudio, On Every Street, del que estamos escuchando sus temas principales fue recibido con división de opiniones y un éxito moderado. Las crónicas dicen que la gira consiguiente no tuvo el éxito esperado. Bien, pues nosotros podemos asegurar que, en lo que a Zaragoza se refiere, el último concierto de Dire Straits, que tuvo lugar el 9 de octubre de 1992 en esta ciudad, en el estadio de La Romareda, ante unas 40.000 personas, fue todo un éxito. Y lo sabemos porque estábamos allí.

Más adelante, publicarían los directos On The Night (de la gira 1991-92) y Live at the BBC (con temas en directo grabados en la emisora pública inglesa en los primeros años de actividad de la banda) en los años 1993 y 1995, respectivamente. Y después… el silencio.

Finalmente, en 1995, la banda anunció su disolución. Mark Knopfler se concentró en proyectos en solitario y bandas sonoras para películas; muchas de ellas, en colaboración con el tecladista de Dire Straits, Guy Fletcher. El bajista John Illsley, el único miembro junto a Mark Knopfler que se había mantenido desde los inicios, pasó a dedicarse a la pintura, aunque en 2008 regresó al panorama musical con un álbum titulado Beautiful You y en 2010 publicó Streets Of Heaven. Otros antiguos miembros continuaron sus carreras musicales, como David Knopfler o el bateria Pick Withers, que pasó a trabajar en bandas de jazz.

En 2008, John Illsley anunció la posible vuelta de la banda para el Festival Rock In Rio. La noticia fue desmentida en repetidas ocasiones, y desde entonces Mark Knopfler ha expresado su rechazo a una reunión siempre que se le ha preguntado.11 En 2012 se formó la banda tributo The Straits formada por antiguos miembros de Dire Straits, como Alan Clark, Chris White o Phil Palmer, aunque este último abandonaría la banda poco después.

The Straits, el septeto liderado por Alan Clark y Chris White, pues que queréis que os diga… no es lo mismo.

Y esto ha sido todo por hoy. Otro día hablaremos de la carrera en solitario de Mark Knopfler, de sus colaboraciones y trabajos con guitarristas míticos y grupos de virtuosos. Dire Straits marcó un hito en la historia de la música rock, nada ha sido igual desde que lo dejaron.

Pero bueno, vinieron y vendrán otros grupos, otros músicos que, cada uno con sus méritos, nos harán la vida un poco más fácil.

Chicas, chicos, me despido hasta la próxima semana. No dudéis en ser felices y, ya sabéis…!!!BUENAS VIBRACIONES¡¡¡

Y después de tantos avatares, de tantos grupos, de tantos artistas, unos buenos y otros muy buenos, llegaron Dire Straits y pusieron a todos en su sitio. Dire Straits.

Dire Straits grabaron seis discos de estudio. Creo que es una buena idea repasarlos todos, uno por uno, para poder valorar en su justa medida la calidad de este grupo, o lo que es lo mismo, de Mark Knopfler.

Dire Straits (apuros económicos, en inglés) es el álbum homónimo de la banda británica lanzado en 1978. Marca el debut de la banda en el mundo musical y uno de los mayores éxitos del grupo con el single "Sultanes del Swing" que acabamos de escuchar.

El disco se completó a partir de una serie de maquetas que el grupo había conseguido grabar de su propio bolsillo, e incorporaba prácticamente todo el repertorio de la banda. Es curiosa la imagen de la portada del disco. Está extraída de una pintura de Chuck Loyola.

El álbum fue grabado por la formación inicial de la banda, esto es: Mark Knopfler, voz y guitarra, John Illsley, bajo, David Knopfler, guitarra y Pick Withers, batería.

De este trabajo vamos a escuchar ahora “Water of Love”

"Water of Love"fue escrita por Mark Knopfler.

Esta es una de las cuatro canciones del álbum Dire Straits que trata de relaciones infelices, y según Michael Oldfield cree que la canción está basada en la ruptura del matrimonio de Mark Knopfler. Knofler describió "Water of Love" como una de sus canciones que venían enteramente de su interior en lugar de ponerse en los zapatos de otra persona, que la escribió porque "estaba tan harto que sentí que no iba a ningún lado. Podía ver mi futuro extendiéndose frente a mí largo y sombrío.

En lo que hace referencia a la música y, sobre todo, a la interpretación, seguro que os recuerda elestilo de blues de J. J. Cale.

Otra de las canciones de este disco es Setting Me Up.

"Setting Me Up" también esta escrita por Mark Knopfler. Cuando se lanzó el disco, la revista Rolling describió la canción como un "número celestial" que combina el humor con la amargura, a pesar de tener un típico tema romántico desordenado y que el impacto de la canción se ve reforzado por el tono de gruñido en la voz de Knopfler y por el solo de guitarra al estilo de la música country de la canción.

Como curiosidad, la canción apareció también en el doble álbum en directo que Eric Clapton grabó en 1980.

También de este disco es Six Blade Knife

Dire Straits grabó este álbum homónimo entre el 14 de febrero y el 8 de marzo de 1978 en los Basin Street Studios, un tiempo muy escaso para un disco medianamente cuidado que supieron administrar bien, porque ya empezaban a sentir la presión comercial. La grabación costó doce mil quinientas libras.

En este trabajo, el grupo muestra su agradecimiento a dos figuras importantes para ellos hasta ese momento: Charlie Gillet, a quien está dedicado, y el abogado Robert Allan, quien les asesoró en la firma de su contrato.

Vamos a escuchar ahora un último corte del álbum: In the gallery.

Communiqué es el segundo álbum de la banda y fue lanzado en 1979. Las sesiones de grabación de Communiqué fueron rápidas, tras el éxito del single "Sultans of Swing", extraído del álbum anterior. Para ello, se emplearon maquetas que el grupo tenía grabadas de anteriores sesiones. Barry Beckett, productor del álbum, estaba convencido de que la falta de teclados había dotado al álbum anterior de un sonido duro y de una producción pobre, de modo que decidió colaborar como teclista en algunas canciones, aunque firmando con el pseudónimo B. Bear.

Durante la grabación de Communiqué, el grupo coincidió con Bob Dylan en los estudios y Mark Knopfler aprovechó la ocasión para colaborar en la grabación de algunos temas del disco de Dylan.

Esta es la canción que da nombre al disco: Communiqué.

Por fin, tras varias semanas de espera el 21 de mayo de 1979 se pone a la venta el nuevo álbum Communiqué. El 8 de junio la banda inicia una nueva gira por su país que se extenderá nuevamente a Estados Unidos, en septiembre, por Europa Occidental, en noviembre y terminó en diciembre de ese año en Irlanda y Londres. Dire Straits completan un año 1979 realmente triunfal en todos los sentidos, aunque el nivel de exigencia hace que acaben física y mentalmente agotados y se tomen un respiro de seis meses. A ello contribuyen también los primeros síntomas de desavenencias internas protagonizados por David Knopfler, el hermano de Mark, disconforme con la presión que el entorno musical ejerce sobre el ya famoso grupo.¡¡¡Ya empezamos!!!

Estos dos primeros trabajos son los que configuraron definitivamente el sonido de la banda, y en ellos se encuentran algunos de los temas más emblemáticos, como el ya mencionado «Sultanes del Swing», en el álbum Dire Straits o “News”, que acabamos de escuchar o este “Lady Writer” que escuchamos ahora.

Otra de las canciones de este disco en la que merece la pena detenerse es “Single Handed Sailor”. Es esta.

Making Movies fue su tercer álbum y salió a la calle en 1980. Figura en el puesto 52 de la lista de los 100 mejores álbumes de los 80 elaborada por la revista musical Rolling Stone.

El álbum supone la partida de David Knopfler, sustituido durante la grabación por Sid McGinnis. Asimismo, supone el segundo álbum en el que el grupo incorpora un teclista, posteriormente ligado de forma permanente a la formación. En Making Movies, el teclista sería Roy Bittan de la E Street Band.

Durante las sesiones de grabación se desecharon dos canciones: "Suicide Towers" y la canción que da nombre al título del álbum, "Making Movies", posteriormente introducida como un párrafo en la letra de la canción "Skateaway". La producción corrió a cargo de Jimmy Iovine, también productor de algún trabajo de Bruce Springsteen.

De este album, “Tunnel of Love”

Romeo and Julliet es la segunda canción del disco Making Movies. La letra de la canción describe la experiencia de los dos amantes del título, haciendo alusión a una situación en la que Julieta abandona a su Romeo al encontrar la fama.La canción escrita por Mark Knopfler está inspirada en su fallo de relación con Holly Vincent. La canción habla de un Romeo que aún ama con locura a su Julieta pero, que ella lo trata ahora como otra de sus cargas.

Mark Knopfler es zurdo, pero diestro tocando la guitarra, y es uno de los relativamente pocos guitarristas de rock que utiliza frecuentemente una técnica de mano abierta para pulsar las cuerdas, prescindiendo del uso de una púa. Esta técnica le permite producir el sonido rítmicamente percusivo que le caracteriza. No obstante, Knopfler utiliza púa en ocasiones, especialmente en los temas donde predomina el acompañamiento rítmico, como por ejemplo en este “Solid Rock.”

Bueno Señoras y Señores, hasta aquí hemos llegado por hoy. ¡No ha estado mal eh! Bueno, pues mañana más, más música, músicos y más historias.

Hasta entonces… podéis hacer lo que os dé la gana, pero el jueves, aquí os quiero. Chicos… Chicas…

¡!!BUENAS VIBRACIONES¡¡¡

Hoy vamos a detenernos en la figura de uno de los mejores guitarristas de rock instrumental estadounidense, concretamente nacido en Nueva York el 15 de julio de 1956, ha sido nominado en 15 ocasiones a los premios Grammy y ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo. Según sus colegas guitarristas dicen de él que ha conseguido dominar todas las técnicas de ejecución de la guitarra, lo que le convierte en un virtuoso de su instrumento. Es maestro de maestros. Es Joe Satriani.

Hemos escuchado War, el tercer corte de The Extremist, el disco que vamos a disfrutar hoy y que es el cuarto álbum de rock instrumental grabado por Joe Satriani. Fue lanzado el 21 de de julio de 1992 y reeditado en el año 1997 con el catálogo entero de Epic Records.

Este es su álbum de más éxito hasta la fecha. La canción "Summer Song" fue un bombazo en la época, porque es muy buena y porque fue utilizada por Sony en uno de sus anuncios. "Cryin", "Friends" y la canción homónima del álbum también lograron conquistar las emisoras de radio.

Este trabajo es clave en la carrera de Joe Satriani porque con él fue nominado por primera vez, luego vendrían otras, a los premios Grammy en la categoría mejor disco instrumental a principios de los años 1990.

Vamos ahora con la citada Summer Song, rock and roll en estado puro.

Satriani inició su carrera tocando con The Squares, para pasar posteriormente por la banda de Greg Kihn. Tras el fiasco de su primer trabajo, bueno, hasta tal punto fue un fiasco que sus amigos tuvieron que sufragar los costes del estudio, en 1987 grabó su segundo álbum, Surfing with the Alien, con el que consiguió, ahora ya si, un gran reconocimiento, tanto de la prensa especializada como de público, algo poco común tratándose de un álbum completamente instrumental.

En 1989 lanzó el álbum Flying in a Blue Dream, al parecer inspirado en la reciente muerte de su padre, que había fallecido en 1989 durante la grabación del disco.

Y por fin llegó The Extremist, y con él se aupó a la cresta de la ola. Friends.

A finales de 1993, Joe se unió temporalmente a la legendaria banda Deep Purple, sustituyendo al guitarrista Ritchie Blackmore durante una gira del grupo por Japón. Los conciertos fueron un éxito, así que le ofrecieron ser un miembro permanente de la banda, pero Satriani rechazó la oferta porque ya había firmado un contrato con Sony para la grabación de varios álbumes más. El guitarrista Steve Morse fue el que ocupó finalmente el puesto que dejó vacante Satriani en Deep Purple.

En 1996 fundó el G3, un proyecto que constaba de tres guitarristas virtuosos. La formación original incluía a Satriani, Steve Vai (por cierto, alumno aventajado de Satriani) y Eric Johnson. El G3 ha continuado de forma periódica desde su creación, aunque Satriani es el único músico que ha permanecido inamovible en el proyecto. Entre otros, han participado gente como John Petrucci, Kenny Wayne, Robert Fripp, Andy Timmons, Adrian Legg, Paul Gilbert o Steve Morse.

Esto que está sonando es Cryin.

Joe Satriani ha sido reconocido, de siempre, como un músico de elevadísimo nivel instrumental. Disfruta de una versatilidad pasmosa, y además, su limpieza y su creatividad a la hora de tocar y componer le han hecho ganarse los elogios de parte de un sin fin de músicos famosos, en su mayoría colaboradores que han compartido escena con él. Por ejemplo, Sammy Hagar, ex vocalista de Van Halen, se refirió a él como el mejor guitarrista con el que he tocado alguna vez, refiriéndose a su versatilidad para tocar hard rock, heavy metal, jazz y blues con igual facilidad y destreza.

Pero no solo destaca con la guitarra, Satriani atesora una gran calidad como multiinstrumentista. Armónica, teclado, bajo, canto e incluso banjo.

En fin, un personaje que ha influido en casi tres generaciones de músicos y que es respetado internacionalmente hasta el día de hoy.

Pero… no siempre fue así. De hecho, Ritchie Blackmore, guitarrista al que Satriani sustituyó en Deep Purple, dijo de él: “es un gran guitarrista” pero que “nunca busca las notas ni pulsa ninguna equivocada”. “Si siempre tocas las notas correctas, hay algo que va mal, no estás buscando, no intentas alcanzar nada”. ¿Celos?. Quien sabe.

Motorcycle Driver.

Y vamos a despedirnos ya de Joe Satriani con el tema que da nombre al disco The Extremist.

Os espero a todos la semana que viene en la que estrujaremos, sin hacerle daño, un nuevo disco. Hasta entonces… BUENAS VIBRACIONES

En 1979, un periodista musical llamado Nik Cohn escribió un artículo en el New York Magazine titulado: “Los ritos tribales del sábado por la noche”, y en él hablaba de la locura desatada en las pistas de baile los fines de semana. El productor Robert Stigwood, famoso por haber hecho las versiones teatrales de Jesús Christ Superstar y Hair o la película Tommy, adivinó la mina de oro que había en ese mundo. En las calles había crisis, parados y problemas, pero las discotecas eran las burbujas en las que los jóvenes se refugiaban para olvidarlo todo. Así fue como planificó una película que reflejara ese ambiente. Necesitaba un actor y la música. El actor lo encontró en un semidesconocido John Travolta. La música la aportaron los nuevos Bee Gees. Nuevos porque se habían reciclado sabiamente y ya hacían discos claramente discotequeros.

Y así fue como nació Tony Manero.

Bee Gees

Stayin' Alive

Travolta había jugado al rugby semiprofesional, estudió baile, hizo anuncios y actuó en la versión teatral de Grease. Su mejor papel lo tuvo en Carrie, una película basada en la novela de Stephen King. Pero a la historia pasará como el gran Tony Manero de Saturday night fever (Fiebre del sábado noche), la película más arrolladora de su tiempo. Su pose con el brazo en alto es ya todo un icono.

De esta película es este “How deep is your love”, algo así como “Cuan profundo es tu amor”. Los Bee Gees.

Tony Manero es un muchacho neoyorquino italo-estadounidense, que tiene un trabajo intrascendente como dependiente de una tienda de pinturas, pero que se transforma los sábados por la noche bailando en la discoteca Odisea 2001, donde es una estrella. Ahí conoce a Stephanie Mangano, que se convierte en su pareja de baile para participar en un campeonato que se realizará en la discoteca. Él intenta iniciar una relación amorosa, pero ella, con más preparación que él, lo rechaza, a pesar de sentirse atraída, porque sus planes son cambiarse de barrio para buscar mejores oportunidades. No obstante, acepta ser su compañera de baile. Entre otras muchas vicisitudes de la trama, Tony tiene un hermano, Frank que es sacerdote, pero que abandona los hábitos, Tony también tiene su propia pandilla, que mantiene peligrosas disputas con otras pandillas... En fin, conflictos familiares, amorosos y juveniles se entrecruzan para que, algunos, terminen en tragedia. Llega el momento del campeonato de baile y él y su pareja son los ganadores, pero Tony ha madurado y decide que debe tomar una decisión. FIN.

Esta película no sólo fue un éxito en taquilla, sino que impulsó el movimiento Disco por todo el mundo. En la película se sugiere un estilo diferente de vivir la vida a través de la cultura Disco, como, sobre todo, la forma de vestir (uso de plataformas, camisas de cuello en V, pantalones de campana) y el baile, e influyó enormemente a la generación de la década de 1970. También destaca el papel de los DJs y los decorados, muy luminosos gracias al uso de la Disco ball, luces estroboscópicas y pistas de luces.

De nuevo los Bee Gees, “Night fever”.

Y así, mientras en las discotecas la gente bailaba como locos, la música inglesa, siempre imaginativa y pionera, se individualizaba todavía más al acabar los setenta y comenzar los años ochenta. Los new romantics eran los herederos póstumos del Glam: maquillaje, disfraces, color, todo era estético y la música un pop atractivo y comercial. En nuestro repaso rápido por esta época, nos detendremos en unos cuantos grupos de contrastada calidad. Calidad como la tenía OMD, “Maniobras orquestales en la oscuridad” y su éxito “Enola gay”.

Uno de los versos de la letra dice: “Enola gay, tenías que haberte quedado ayer en casa”

El 24 de octubre de 1980, la banda publicó su segundo álbum de estudio, Organisation, producido por OMD y Mike Howlett. Fue grabado en Adivision Studios en 1980. Este disco continúa con el experimentalismo que los caracterizará en sus primeros trabajos.

En Organisation se incluye una de sus canciones más exitosas, el tema antibelicista «Enola Gay», único sencillo del álbum y que ocupa los primeros puestos de las listas durante mucho tiempo, tras su puesta a la venta el 26 de septiembre de 1980.

En España alcanzó el nº 2 de los 40 Principales. Sobre sus conciertos en España, declararon:

"Cómo la gente canta a voz en grito la melodía de «Enola Gay», algo que no pasa en otros países, y que demuestra que no hace falta saberse la letra para cantar ni saber inglés para comunicarse."

Tras el gran éxito de «Enola Gay» y con la banda subida en la cresta de la ola, publican su tercer álbum de estudio, Architecture & Morality, el 8 de noviembre de 1981, que contenía el éxito «Souvenir», sencillo que se publicó el 4 de agosto

Otro de los grandes grupos del momento fue Spandau Ballet, una banda británica de los años 80, pioneros del New Romantic que, aunque brevemente, también triunfaron en Estados Unidos.

Es curioso el revuelo que se formó a cuenta del nombre del grupo. Spandau es un barrio de Berlín conocido por la Prisión de Spandau, donde se alojó a los condenados tras los Procesos de Núremberg.

En pleno apogeo de su éxito, surgió una leyenda urbana, la cual, afirmaba que el grupo tomó su nombre directamente de la prisión y que el significado del "ballet" al que se refiere, era en realidad el efecto de los espasmos de los cuerpos ahorcados en la prisión por los nazis. Al parecer, el controvertido nombre lo propuso el promotor discográfico del quinteto: Robert Elms, quien afirmó que leyó Spandau ballet en una pintada plasmada sobre la pared de unos lavabos de Londres. Aquellas palabras le parecieron "comerciales, misteriosas y pegadizas". Los cinco miembros del grupo, tras consultarles, estuvieron de acuerdo en llamarse así, sin ver mayores problemas. Bueno pues, cierto sector de la prensa les acusó de ser afines a ideologías nazis, sin embargo, los artistas lo negaron rotundamente cuando fueron consultados acerca de la cuestión.

Este es uno de sus éxitos: Gold

Como casi todos los grupos, por no decir todos, la banda pasó por muchas desavenencias. La mayor dificultad a la que se enfrentaron fue una batalla legal en la que Kemp, cantante y compositor, se enfrentó al resto de componentes del grupo por los derechos de autor de las canciones de Spandau Ballet, unos derechos que finalmente le fueron concedidos por la Justicia en 1999.

En 2009 reaparecieron sobre los escenarios, con un disco y una gira, "Reformation Tour", aunque no recuperaron el éxito de antaño, cuando el grupo consiguió ser un fenómeno de fans en Europa.

En cualquier caso, el estilo y la clase de este grupo, no deja lugar a dudas. Otro éxito de Spanday Ballet: “True”

Duran Duran, con Simon Le Bon de solista y líder de la banda, es un grupo británico de estilo new romantic, cuyo sonido combina básicamente la new wave y el funk, popularizando ese estilo en la década de los 80. Su fama inicialmente estuvo fundada en sus videoclips, en los que mostraban un estilo desenfadado y glamuroso. Fueron una de las bandas con más éxito comercial de los 80, compitiendo cuerpo a cuerpo con Spandau Ballet, así como el grupo líder en la «Segunda Invasión Británica» de los Estados Unidos iniciada por la MTV. Todavía son identificados a veces como una banda con aires de la década de 1980 a pesar de seguir grabando con gran éxito treinta años después

El canal por cable MTV y la banda empezaron su andadura casi al mismo tiempo, y cada uno de ellos ayudó a lanzar al otro. La MTV necesitaba videos con artistas carismáticos, y el trabajo videográfico de la banda era una gran influencia - casi revolucionaria - para la cadena. Primero, Duran Duran filmaba en lugares exóticos como Sri Lanka y Antigua, creando imágenes memorables que eran radicalmente opuestas a los videos de bajo presupuesto que se hacían hasta entonces de bandas simplemente tocando sus instrumentos en el escenario. En segundo lugar, en vez de simplemente tocar, la banda participaba en una trama, una narración (a menudo tomadas de películas contemporáneas. Los videos obviamente iban en esta dirección, pero Duran Duran lo hicieron con un estilo que atrajo la atención de los comentaristas de la cadena y que creó una armada de imitadores. También fueron precursores por su estilo de editar los videos y de su diseño gráfico. Además de esto, fueron los primeros en filmar con cámaras de cine de 35mm, en sustitución de las más baratas videocámaras. Así, Duran Duran cambiaron la forma de ver de las discográficas los videoclips y la visión de otras bandas sobre lo que tenían que conseguir de un videoclip.

A cambio de esto, la MTV le dio a Duran Duran el acceso al mercado estadounidense, tan reacio a la música británica, New Wave.

Pero bueno, no todo el mundo admiraba sus videos. Morrissey, cantante de The Smiths y fan de su música, dijo en una publicación de la revista musical Smash Hits de 1984: "Una cabra borracha sobre la Torre Eiffel podría dirigirle muchos mejores videoclips a Duran Duran".

¿Un poquito de envidia?... Seguramente.

The Human League es un grupo británico de música synth pop formado en 1977. Iniciadores de este estilo y pioneros en el uso de los sintetizadores en el Reino Unido, lograron gran popularidad en la década de 1980 después de varios cambios en sus integrantes. El único miembro original de la banda, que continúa hasta la fecha, es el vocalista y compositor Philip Oakey. La agrupación ha continuado grabando álbumes y presentándose en vivo, con un moderado éxito comercial, durante los años 90 y los años 2000. Su mayor éxito lo obtuvieron con la canción “Don’t you ant me”, hoy todo un clásico

Culture Club es una banda británica de new romantic que fue muy popular a principios de los años 1980, liderada por Boy George (vocalista), quien se destacaba por su estética glam y sexualmente ambigua; Roy Hay (guitarra), Mike Craig (bajo) y Jon Moss (batería). El sonido de la banda se caracteriza por combinar new wave, pop y soul, con otros estilos como el reggae, calypso, salsa o country.

El grupo triunfó en los años 1980 con temas al mismo tiempo sensuales, alegres y creativos, siendo considerados un fenómeno de la música pop. En sus inicios, Boy George creó un gran revuelo en sus apariciones en televisión, por sus maquillajes coloridos, ropa femenina y trenzas con las que se presentaba, mostrando un aspecto inequívocamente travestido. La banda destacó y compitió junto a otros grupos de new romantic como nuestros viejos conocidos Duran Duran o Spandau Ballet.

En 1985 aparecen noticias graves para el grupo, ya que el alma de la banda, Boy George, confiesa su adicción a las drogas y, principalmente, a la heroína. Este hecho hace que el trabajo en general de la banda resulte bastante irregular y su calidad descienda enormemente; no obstante lo anterior, el grupo publica el álbum From Luxury To Heartache, con el que intentan redimirse ante sus fans, algo que logran a medias. El disco permanece varias semanas en las listas, pero la sintonía de la banda con su público ya no es la misma.

Pocos días después de la publicación del álbum, el teclista Michael Rudetski, que co-escribió y tocó en la canción Sexuality del álbum From Luxury to Heartache, aparece muerto por sobredosis de heroína en la casa de George. Fue el golpe definitivo para la banda, del que no se supo sobreponer y terminó desapareciendo

A pesar de todo, en 2018, la banda publica un nuevo álbum de estudio titulado "Life", después de varios años de ausencia, pero el nombre de la banda ha cambiado a "Boy George and Culture Club". Hasta hoy.

Y tampoco faltó la habitual banda “maldita”. Joy Division fue una banda de post-punk inglesa, formada en 1976 en Salford, Gran Mánchester y en un principio la banda estuvo formada por Ian Curtis, Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris.

Joy Division evolucionó de sus influencias punk rock iniciales, para posteriormente desarrollar un sonido y un estilo del cual fue pionero, llamado post-punk, junto con bandas como Siouxsie o The Cure, y es que no solo poseían un sonido siniestro, sino que sus letras estaban obsesionadas con la desesperación y la muerte, todo esto producto, seguramente, de la epilepsia que padecía su vocalista Ian Curtis.

El álbum debut de Joy Division, Unknown Pleasures, fue lanzado en el sello discográfico Factory Records, y provocó la aclamación de la crítica británica. El vocalista, Ian Curtis, fue afectado por la depresión y por problemas personales, incluyendo la disolución de su matrimonio y sus agudas crisis de epilepsia. Lo cierto es que Curtis encontraba cada vez más difícil presentarse en vivo y a menudo tenía convulsiones durante sus espectáculos.

En mayo de 1980, en la víspera de la primera gira de la banda por los Estados Unidos, Ian Curtis, abrumado por sus problemas, se suicidó ahorcándose en la cocina de su casa, mientras escuchaba el disco The Idiot de Iggy Pop. Joy Division lanzó póstumamente su segundo álbum, titulado Closer (1980) y el sencillo «Love Will Tear Us Apart», se convirtió en su lanzamiento más exitoso en los rankings. Después de la muerte de Curtis, los miembros restantes de la banda formaron un nuevo grupo al que llamaron New Order.

Y por hoy nada más. Nos hemos dejado para un próximo programa a muchos más artistas de entre los que destacan dos de los mejores grupos de la época: Simple Minds y Depeche Mod.

Lo dicho, nos oímos la próxima semana. Hasta entonces… ¡!!BUENAS VIBRACIONES¡¡¡

¡¡¡Hola y adiós!!! El 10 de abril de 1970, el Daily Mirror publicó en primera página: “Paul quits the Beatles”, Paul deja los Beatles. Un mes después el grupo más grande de la historia de rock se había separado. Un feo final. ¡Hello, Goodbye!

Nunca se hizo una rueda de prensa para anunciarlo, solo mensajes entre líneas, manipulaciones periodísticas y el ventilador de viejos rencores repartiendo inquina por todo y para todo el mundo.

Lennon se enfadó muchísimo y dijo: “Está adjudicándose el mérito de romper el grupo cuando yo lo dije en septiembre”. ¡Menudo mérito! Pero era cierto, porque en esas fechas ya había manifestado su deseo de dejar el grupo y si no lo hizo fue porque estaba en marcha su último proyecto como banda: Let it be.

Fuera como fuese, el grupo se disolvió y nunca más volvieron a tocar todos juntos. Pero durante los diez años que lo hicieron, dejaron perlas que la historia de la música guardará para siempre. Hoy vamos a recorrer todos los LPs de estudio que grabaron en ese periodo.

I Saw Her Standing There aparece en el primero de ellos: Please, please me. Fue escrita principalmente por Paul McCartney. Según el biógrafo de los Beatles Mark Lewisohn, McCartney trabajó los acordes y los cambios para la canción. La completó un mes más tarde trabajando conjuntamente con Lennon.

Una curiosidad, en los títulos de crédito de la composición aparece "McCartney-Lennon", algo diferente al más familiar "Lennon-McCartney" que aparece en los lanzamientos posteriores.

I saw her stanting there

Don't bother me (no me molestes) no es una gran canción, pero viene a colación porque fue la primera canción escrita por George Harrison estando en The Beatles. Realmente la escribió cuando estaba molesto por tener un resfriado, pero le cambió la letra para que tuviera un sentido amoroso y fue incluida en el álbum "With The Beatles"

«If I Fell» se publicó en 1964 en el álbum A Hard Day's Night. Se publicó, asimismo, como lado B del sencillo «And I Love Her» y formó parte de la banda sonora de su primera película “Que noche la de aquel día”. La canción fue escrita principalmente por John Lennon, pero se acreditó, siguiendo la costumbre, como Lennon/McCartney.

«If I Fell» fue parte del repertorio en vivo de la banda durante su gira por Estados Unidos y Canadá en 1964. En general, el grupo interpretó la canción más rápido que la versión de estudio, y Lennon y McCartney casi siempre la cantaban con una risa apenas contenida. Ahora bien, no se por qué.

If I fell.

Beatles for Sale es el cuarto álbum de estudio de la banda y se publicó el 4 de diciembre de 1964.

Este álbum marcó un momento decisivo en la evolución de Lennon y McCartney como letristas, particularmente en Lennon, que estaba cada vez más interesado en componer canciones de naturaleza autobiográfica.

La cara dos del disco se abría con «Eight Days a Week», un tema que para muchos es uno de los primeros ejemplos de experimentación en el estudio que la banda repetiría en el futuro. En dos sesiones de grabación del 6 de octubre de ese año 1964, que totalizaron cerca de siete horas, y que estaba dedicado exclusivamente a este tema, Lennon y McCartney intentaron una técnica de grabación tras otra antes de que pudiesen fijar el arreglo definitivo. Tras numerosas probatinas, por fin, la introducción de la guitarra al principio de la canción sería grabada en una sesión diferente e incorporada al resto de las grabaciones más tarde. «Eight Days a Week» fue inicialmente compuesta por Lennon , aunque la idea era de Paul, a quien le llamó la atención una frase de su chófer —«trabajando siempre, trabajando ocho días a la semana»— cuando lo llevaba a casa de John. Con ese punto de apoyo, compuso la canción inmediatamente

Eight Days a Week (Beatles for Sale)

«I Need You» (Te necesito) está incluida en el álbum Help! de 1965. Esta es la segunda canción escrita por George Harrison que es grababa, después de un largo paréntesis de dos álbumes. La canción forma parte de la banda sonora de la película ¡Help!.

La canción, con una letra simple y melancólica, se refiere al enamoramiento, quizás no correspondido, de una persona hacia otra, así como al deseo de que sea parte de su vida. En esta canción, Harrison graba por primera vez con un pedal de efectos (más específicamente, el pedal de volumen de un órgano eléctrico, menudo derroche). La letra es personal y está relacionada con Pattie Boyd, actriz que Harrison conoció durante el rodaje de A Hard Day's Night, y con quien se casó en enero de 1966. Como sabéis, más adelante se haría muy amiga de Eric Clapton.

«In My Life» está incluida en el sexto álbum de estudio, Rubber Soul, que fue lanzado el 3 de diciembre de 1965. Fue escrita principalmente por John Lennon y, como siempre, acreditada a Lennon/McCartney. También, como casi siempre, el álbum fue producido por George Martin, que también toca el teclado en el solo de «In My Life».

Según Lennon, escribió la canción en forma de un largo poema evocando su infancia. Al no estar conforme con esta primera versión, volvió a trabajar la letra, reemplazando los recuerdos específicos con una meditación generalizada sobre su pasado.

La música la terminó con Paul McCartney. Lennon dijo que la contribución de McCartney fue la armonía de los ocho compases centrales o sección del puente musical de la canción (aunque esa es la parte en la que el productor George Martin toca el solo de teclado).

Paul McCartney aclaró en una entrevista que él puso música a la letra de Lennon de principio a fin. Hay que ver… ya empezamos.

La canción fue grabada el 18 de octubre de 1965, y finalmente fue George Martin el que compuso e interpretó, con un sonido “barroco”, el solo de piano. En un primer momento, Martin vio que su solo, tal y como lo había compuesto, no se podía reproducir en el tempo de la canción, así que, volvió a grabar el solo una octava por debajo del anterior y la velocidad de la cinta fue doblada para su grabación, resolviendo el problema del rendimiento y dándole al solo de piano un timbre único, parecido al de un clavecín. Un gran profesional este George Martin.

«She Said She Said», que forma parte del álbum Revolver, apareció en 1966, fue escrita por John Lennon inspirándose en los comentarios del actor Peter Fonda durante un "viaje" de LSD en 1965, acompañado por todos los miembros del grupo.

Los Beatles, que se encontraban de gira por Estados Unidos en 1965, estaban en una casa alquilada en California con el actor Peter Fonda tomando LSD. Cuando George le dijo al actor que se moría, el actor le dijo que cuando tenía 10 años se había disparado accidentalmente en el estómago a sí mismo, y que su corazón se paró tres veces: “sé cómo es estar muerto”, a lo que John respondió: “me estás haciendo sentir como si no hubiera nacido nunca. ¿Quién te ha metido toda esa mierda en la cabeza?”. Bueno pues, fruto de la psicodelia y de este trajín que se llevaban, salió She Said She Said.

Otra curiosidad, esta es una de las pocas canciones en las que Paul no participa, porque se negó a tocar después de una discusión. El bajo lo toca Harrison.

«A Day in the Life», «Un día en la vida», es el último tema del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, de 1967 y también una de las últimas veces en que realizaron una canción juntos como en sus primeros años. Mientras la letra de Lennon estaba inspirada en artículos periodísticos de aquella época, McCartney se inspiró en su juventud.

Inicialmente la BBC prohibió la difusión de la canción porque uno de sus versos, “Me encantaría excitarte” se suponía que hacía referencia a las drogas.

Las dos secciones de la canción fueron divididas por un puente de 24 compases. Al principio, no estaban seguros sobre cómo unir estas transiciones. Así, que al terminar la grabación de las pistas base, la canción solamente consistía en una simple repetición de cuerdas de piano y la voz del asistente Mal Evans contando los compases. La voz de Evans iba aumentando gradualmente en eco.

Esta canción está considerada por muchos como una de las obras maestras de la banda de Liverpool y como una de las mejores canciones de la historia. De hecho, ocupa el puesto 28 de las 500 más grandes canciones de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone.

The fool on the hill es una canción compuesta e interpretada por Paul McCartney, y está incluida en el álbum de 1967 Magical Mystery Tour y , por supuesto, en la película del mismo título de ese mismo año.

La grabación de la pista de ritmo base empezó el 25 de septiembre y fue resuelta en una sola sesión. Más tarde se añadieron sucesivas pistas, la de bajo, flautas, John y George tocaron la armónica y Paul grabó una flauta dulce doblada. La batería y la voz principal se agregaron más tarde en una cuarta toma.

Por cierto, ese mismo 25 de septiembre también estuvo presente en la sesión, Yoko Ono, en la que fue, probablemente, la primera visita de la futura esposa de John a las sesiones de The Beatles.

While My Guitar Gently Weeps», "Mientras mi guitarra llora suavemente", está escrita por George Harrison e incluida en The White Album.

La composición interesó poco en los otros tres Beatles. La grabaron varias veces, pero no parecía funcionar.

Ninguna de las tomas que se hicieron dejaban satisfecho a Harrison hasta, casi aborrecido de la canción, que pidió a Eric Clapton que grabara con ellos y tocara él el solo de guitarra.

Clapton se resistía, pero Harrison lo convenció y al final Eric tocó. Harrison dijo más tarde que, además de su solo, la presencia de Clapton tenía otro efecto sobre la banda: ". Los hizo esforzarse más, sacar lo mejor de sí.

Clapton quería un sonido "Beatle", por lo que el solo se ejecutó a través de un circuito ADT, -un artilugio que genera artificialmente una segunda pista, para doblar el instrumento. Y esto fue porque Eric no quería un sonido Clapton en un disco de los Beatles.

De esta grabación nació la leyenda urbana de que Paul está muerto. Y es que, durante el solo, se escucha la voz de Harrison diciendo una frase que suena como "Oh Paul, Oh Paul".

“Mientras mi guitarra llora suavemente”

«Come Together», “Juntémonos”, fue escrita por John Lennon. La canción es la primera en el álbum de septiembre de 1969, Abbey Road. Es curioso pero esta canción comenzó como un intento de Lennon por escribir una canción para Timothy Leary en su campaña electoral por ser el gobernador de California en donde compitió contra Ronald Reagan.

"Come Together" fue demandada por plagio en 1973 por la editora musical de Chuck Berry, porque una línea en "Come Together" tiene parecidos con una línea de "You Can't Catch Me" de Chuck Berry. Después de solucionarlo en el juzgado, Lennon prometió grabar otras canciones pertenecientes a Chuck Berry, las cuales fueron lanzadas en su álbum de 1975, Rock 'n' Roll.

Come together.

Let It Be es el último álbum de estudio lanzado por la banda, a pesar de que fue grabado antes que Abbey Road. El disco salió al mercado el 8 de mayo de 1970.

Se trata de un álbum controvertido desde su concepción. Se habían propuesto grabar un álbum para tocar un último concierto en vivo, tal vez en un barco o en un lugar público. Por tanto, las sesiones de grabación deberían ser filmadas. Los ensayos fueron tensos, muy tensos y por primera vez el trabajo en el estudio fue más una labor individual que colectiva, por cuanto la mayoría de las canciones no requerían que toda la banda grabara al mismo tiempo o estuviera incluso a la vez en el mismo estudio, sino que cada compositor fuera grabando individualmente en múltiples sesiones, y utilizando a los otros miembros como músicos de estudio.

Las sesiones empezaron el 2 de enero de 1969, y enseguida se vio que aquello no funcionaba.

Solo Paul McCartney mostraba interés por sacar el grupo hacia delante y ofrecer un producto de calidad; John Lennon (acompañado por la inseparable Yoko Ono) pasaba por una etapa de adicción a las drogas que redujeron al mínimo su interés por la música de la banda, mientras que George Harrison, consciente de su valía como músico y compositor, se consideraba menospreciado por sus compañeros.

El resultado fue que para el 10 de enero, y tras una agria discusión con McCartney, George Harrison anunciara su decisión de dejar el grupo. Aunque un sarcástico Lennon propuso sustituirlo por Jimi Hendrix o Eric Clapton y seguir como si nada importara, finalmente la situación se recompuso y fue cuando se sumo al grupo el pianista Billy Preston.

La cuestión acerca de dónde, cuándo y cómo se iba a hacer el concierto se debatió desde los primeros días de las sesiones. Después de barajar ideas descabelladas (tocar en un hospital rodeados de niños enfermos, a bordo de un barco con multitud de admiradores, o frente a las pirámides de Egipto con un público formado por beduinos del desierto), se optó finalmente por una idea ingeniosa que a todos satisfizo: Nos subimos al tejado del edificio, enchufamos los instrumentos y nos ponemos a tocar allí mismo. Dicho y hecho. A la hora de la comida del 30 de enero, The Beatles tocaron el que era el primer "concierto" desde la gira americana de 1966 y el último de su carrera. The Beatles tocaron hasta que las quejas de los vecinos de la zona llevaron a la policía a poner fin al concierto. Varias de esas canciones terminaron por incluirse en el disco Let It Be.

¿Get Back? ¿Volver?, volver a los inicios para acabar.

Y final del cuento. Así termina, en el tejado, la historia de una banda que cambió el devenir de la música popular, que influyó en numerosos artistas y que acompaño, nos acompañó, a muchos en nuestra andadura vital. Sin su aportación nuestra vida habría sido de otra manera.

¿mejor?, no creo, ¿peor?, seguro que no.

Hasta la próxima semana amigos, hola y adiós.

Luis Eduardo Aute Gutiérrez, músico, director de cine, actor, escultor, pintor y poeta, que había nacido en Manila el 13 de septiembre de 1943, falleció el pasado día 4 de abril.

Aute no tenía nada claro que realmente supiera escribir canciones. De ahí que dedicara tanto tiempo a prepararlas y que sólo entrara en el estudio cinco años más tarde.

De todos sus trabajos, hemos querido hacer una pequeña selección, a modo de homenaje, pero con grabaciones en las que, o bien cantaba con amigos, o amigos que cantaban sus canciones o Aute cantando canciones de sus amigos. Todo ello reflejo de la generosidad y el buen talante de este artista polifacético.

Mira que eres canalla Aute es una grabación que, como homenaje, sus compañeros de profesión hicieron en el año 2000. En ese disco, Silvio Rodríguez canta “Me va la vida en ello”.

Cuando Aute grabó un disco tan particular como Sarcófago, comentó: “Llegué a un acuerdo con la discográfica, yo hacía un par de discos de los que les gustaban a ellos, y ellos a cambio me dejaban hacer uno de los que me gustaban a mí».

Esta frase define perfectamente el carácter de un creador indómito que se ha paseado por casi todas las disciplinas del arte sin perder el norte (o haciéndolo sólo en determinadas ocasiones y, siempre, muy a propósito) ni descuidar un ápice las dosis de locura y curiosidad que hacen falta para continuar, pese a todo, persiguiendo la belleza, algo que nunca dejó de hacer. Siempre tuvo en su interior un poco de aquel niño que, recién terminada la II Guerra Mundial, se ensimismaba contemplando el océano desde un malecón del puerto de Manila.

Pedro Guerra canta, “Pasaba por aquí”.

Buscando siempre lo cotidiano, quiso trasladar su realidad al lienzo antes de ponerla sobre partituras —Aute fue pintor antes que cantautor—, escribió versos, perfiló dibujos, dirigió películas y apadrinó o acompañó a todos aquellos a los que, de un modo u otro, su talento servía de acicate. Se conoce mucho al Aute cantautor, como es lógico, pero se conoce menos a todos los demás, que al fin y al cabo no dejan de completar las distintas vertientes de una personalidad tan compleja como inquieta.

Pablo Milanés canta “Libertad”.

También se embarcó en aventuras comprometidas como la que le llevó a dirigir el largometraje de animación Un perro llamado Dolor (un delicado y sutil homenaje a referentes como Luis Buñuel, Francisco de Goya, Frida Kahlo, Pablo Picasso o Salvador Dalí). También fue una aventura, o atrevimiento, no sé, su afición a ilustrar las portadas de sus discos con cuadros pintados por él mismo que, a priori, podían resultar poco o nada comerciales —ahí están ejemplos como los de Cuerpo a cuerpo o Nudo— o esa querencia por osadías tales como proyectar, antes de los conciertos de su última gira, un cortometraje “de veinte minutos” en torno a Van Gogh.

José Mercé canta “Al alba”

Al principio, nuestro aspirante a pintor empezó a estudiar la carrera de aparejadores sin éxito. Estuvo en Francia a partir de 1963 y tuvo la habitual educación intelectual de la burguesía culta de esa generación: cine de la Nueva Ola, canción francesa, filosofía post marxista... El clic que cambió su vida llegó un poco después, en un viaje a Brasil como pintor. En América descubrió a Bob Dylan y el hallazgo dirigió a Aute hacia la canción. ¿Qué fue lo que hizo distinto a Aute entre tantos admiradores de Dylan? EL amor y más concretamente, el sexo. Hasta su irrupción, el sexo que cantaban y practicaban los cantautores españoles olía a pana mojada. En España se hacía el amor contra algo: contra la Iglesia, contra el franquismo, contra la generación precedente. Todo formaba parte de una lucha por algo más importante: la libertad, el cambio, el futuro. Pero, ¿qué hay más importante que el sexo, que la vida, que el arte? Aute lo tuvo claro, si nos fijamos en su obra, vitalista, hedonista, erótica y admiradora de la belleza. Todo sin grandes aspavientos, despacito, Slowly.

Duncan Dhu cantan “Slowly”.

Aute era inquieto y andaba preocupado porque se le acabase el tiempo. En una reciente entrevista, con motivo del concierto de celebración de sus 50 años en la música, en 2016, lo explicaba mientras fumaba un cigarrillo tras otro. "El tiempo empieza a existir a partir de una edad. Hasta, digamos, los 50, no es un tema que te ocupe, porque te queda todo el tiempo. Pero llega un momento en que se convierte en algo presente y preocupante. Me preocupa la falta de tiempo y tengo la angustia de aprovechar al máximo el que me queda. Por eso no tengo móvil ni Facebook ni Twitter. Porque soy muy adictable y si me meto ahí me hago adicto. Me aterra esa posibilidad".

Mónica Molina canta “Las cuatro y diez

Por esa época, en 2016, su carrera ya terminaba. Entre 1968 y 2012, Aute publicó 25 discos, además de los singles y las recopilaciones, pero en 2016 empezó a marcharse y el cuatro de abril de 2020 se fue para siempre.

Serrat canta “De alguna manera”.

El mundo de la música, de la cultura, ha expresado abiertamente su dolor.

Alejandro Sanz ha recordado una frase de Aute que es toda una declaración vital: "Quien no tenga sueños, que se disponga a tener dueños. Descansa maestro", ha escrito el cantante.

Loquillo ha compartido un dibujo de Aute en el que el rock y la poesía se besan. "La música pierde a un referente de varias generaciones", ha escrito Loquillo, mientras que Pancho Varona ha calificado a Aute de "imprescindible", lamentando no poder ir a despedirle.

"Pasábamos por aquí, pero tú te quedarás para siempre", ha escrito el cantautor canario Pedro Guerra bajo una foto tocando la guitarra con Aute. También Amaral han compartido parte de la letra de La belleza, una de las canciones de Aute: "Reivindico el espejismo de intentar ser uno mismo, ese viaje hacia la nada, que consiste en la certeza de encontrar en tu mirada la belleza". Y el dúo remata: "Gracias Luis Eduardo Aute por crear y cantar tanta belleza en este mundo".

Miguel Poveda canta “Prefiero amar”

En los 90 habían caído los bloques y se hablaba de un nuevo orden mundial. Bush padre iniciaba la primera guerra del Golfo y el mundo dejaba de ser como hasta entonces se había conocido. Encontraba sin sentido cantar Al Alba en ese momento y siempre la cambiaba por La Belleza.

Cuando una noche se la oyó cantar a Rozalén, una cantautora más joven que su propia hija, en la madrileña sala Libertad 8, Aute no pudo contener las lágrimas. Una jovencísima fan que tenía casualmente sentada a su lado esa noche, le contó después que de pequeña ella se escondía debajo de la tabla de planchar de su madre, se hacía su casa imaginaría, mientras en el tocadiscos sonaban esa y otras canciones suyas. “¿Así te torturaban tus padres de pequeña?”, fue la respuesta del propio autor entre las risas cómplices de los testigos.

Rozalen canta “La belleza”.

Su sentido del humor no le permitía tomarse en serio, pero sin embargo tampoco le permitió desaprovechar su enorme talento creador. Casi como un hombre del renacimiento, además de cantar y escribir, Aute pintaba, dibujaba, exponía, y hacía cine. Prefería reconocerse en el significado más francés de “creador de canciones” que de cantautor, para así sentirse más amateur que otra cosa. Y es que no le gustaba el término ni su significado al completo. Lo expresó en ese genial Autotango del cantautor, donde venía a suplicar a los que sí que lo eran, que no le vinieran a contar sus penas. Él nunca contó las suyas, pero sí supo expresar el sentimiento más íntimo y pasional para dar sentido a una existencia. Ni creía en dios, ni dejaba de creer: “no hay pruebas de una cosa ni de la otra”, solía decir, pero en todas sus venas creativas, sí trascendió un sentido espiritual y sacro pero alejado de lo religioso o litúrgico. Cigarro tras cigarro, amaba la vida y su erótica, pero sabía que en los últimos años, él y su mundo, estaban muy desamparados.

Amigo Aute, gracias y buen viaje, allá donde vayas. Ah, y espéranos todo lo que puedas.

Hoy os presentamos a Sos LeBlack y TsO, dos jóvenes raperos zaragozanos que están aprovechando muy pero que muy bien el confinamiento de estos días, pues con muy pocos medios y mucho talento, acaban de editar un EP del que escucharemos el corte 6, de los 7 que consta. No olvidéis su nombre: "Pantano Clicka", pues estan dando mucha caña. Les deseamos todo el éxito que merecen.

Así se presentan ellos mismos:

"Nuestra corporación se llama Pantano Clicka y llevamos trabajando proyectos juntos desde hace un año. Ambos tenemos una larga trayectoria por detrás en otras formaciones como @TROIKADEDRA, @2KILLERS o @TORDOGORDO. También TsO Realiza sesiones de DJ que amenizamos con rapeos; la última fue en el pub @ELZORRO. La canción YO ME QUEDO EN CASA HASHTAG 2 pertenece a un EP de 7 cortes realizado con motivos de la actual cuarentena, titulado #YOMEQUEDOENCASA. La mayoría de los cortes musicales son beata de libre uso sacados de YouTube. Las voces están grabados con iPhone. Escribimos, grabamos y se lo mandamos a nuestro colaborador en la sombra @LMP aka @BURKINAFASO que le aplica una mezcla y un máster. Las condiciones de la mezcla y el máster también son algo no previsto ya que nada de esto había sido calculado con lo que @BURKINAFASO no dispone del equipo habitual para esta clase de cirugía; trabaja con el portátil y auriculares. El tema en cuestión es el corte 6 del ep. Es un trabajo en progresión ascendente. Todas las canciones tienen una portada individual de la del EP en general y son lanzadas a las redes sociales con un montaje de vídeo que hace alusión al tema tratado. Es un trabajo crítico con aspectos de la situación vigente, perspectivas de la afectividad bajo el sometimiento del Covid-19 y alguna que otra pincelada de humor; mucha ironía y algo de sarcasmo escondido. Lo que empezó como una observación de algunos detalles concernientes a la cuarentena, concluye en ese neurótico grito final de "no lo soporto más" con el que manifestamos querer volver a la monotonía de nuestra imperfecta y resquebrajado sociedad libre del virus. El EP ha sido realizado en la primera treintena. Hemos ido colgando un tema cada 4 días más o menos. En un principio teníamos la ilusión de que esto duraría un mes tal y como dijo el gobierno pero al complicarse la situación broto de nuestra represión instintiva ese "YO ME QUEDO EN CASA HASHTAG 2". Seguiremos dando caña.

¿Que no podemos salir a la calle? Vale. ¿Qué nos agobian con cifras en la tele? Vale. ¿Que estamos un poquito acojonaditos? Vale. ¿Y qué? ¿Vamos a estar así hasta que se acabe la reclusión? Pues no. Se acabo. Vamos a ver, todo el mundo se me levanta ahora mismo del sillón, apaga la tele y pone la radio a toda marcha y abren las ventas porque empieza… ¡¡¡“LA VERBENA EN LA GRANJA”!!!.

Bueno Señoras y Señores, hasta aquí hemos llegado. ¿Que no podemos salir a la calle? Vale. ¿Qué nos agobian con cifras en la tele? Vale. ¿Que estamos un poquito acojonaditos? Vale. ¿Y qué? ¿Vamos a estar así hasta que se acabe la reclusión? Pues no. Se acabo. Vamos a ver, todo el mundo se me levanta ahora mismo del sillón, apaga la tele y pone la radio a toda marcha y abren las ventas porque empieza… ¡¡¡“LA VERBENA EN LA GRANJA”!!!.

La Orquesta Platería, la mejor orquesta de verbenas que he visto nunca. Esta orquesta, que nació en 1974 con el fin de dar un solo concierto en la mítica sala barcelonesa Zeleste y que se mantuvo hasta el 2014, con altas y bajas claro, ha sido un referente de la salsa y la música de baile en España y nos ha dado a todos diversión a raudales.

Y a otra cosa, que siga la fiesta.

El viejo Chuck Berry, con su mala leche proverbial, y su maestría con la guitarra y el rock and roll. Johnny B. Goode.

Vamos ahora con otro éxito, mambo número 5 de Pérez Prado pero en la versión de Lou Vega.

¿Eh, quién se ha sentado? Señora, que la veo.

El Combo Belga: Abusadora.

¡Joer! ¡Estoy agotao!

El combo Belga fue un grupo de cachondos que yo descubrí hace… un tiempo. Estos payos han dado noches y noches de verbenas inolvidables. Aquí se mezclan músicos caribeños y de Castilla la Vieja con el denominador común del buen compás y el mejor cachondeo.

Y ahora, imaginaros que tenéis en el comedor, en lugar de una lampara de Ikea, una bola de cristales. Pues eso.

Sway, un clásico que nos trae Michael Buble 00’04’’

Bueno parejas, ha llegado vuestro momento. Señora, saque a su marido al pasillo y que no le pase nada. A él, por supuesto. “El Choclo”

’

Brasil, samba, carioca, caipiriña, piña colada, … BRASIL

¡No quitéis, no quitéis la bola de cristales¡, que nos va a hacer falta. Donna Sumer.

Bueno, a ver, uno de tras de otro, las manos en los hombres del de delante y a recorrer la casa. Ah, si llaman los de abajo por el ruido, como no podrán subir a unirse a la fiesta, que sintonicen Radio La Granja, 102.1 del dial FM y que se lo monten.

Esto ha sido una dedicatoria de Amparonoia al corona virus. QUE TE DEN. Pues eso, que le den. Bueno, pero por si acaso, no salgáis de casa, vale?

¿Una rumbita? Bamboleo, los Gipsy Kings.

Bueno, ¿qué tal un poquito de calma? Pues nada, de eso nada. Tomad aire, porque nos va a hacer falta. Llegan Ixo Rai.

Y fin de fiesta. Nos vamos con nuestra abuelita favorita. Ahora, si tenéis, lo que sea, probada a seguirla.

Nos despedimos de Tina Turner y del programa de hoy. Chicos, esto pasará y todos volveremos a nuestras rutinas. Ni el confinamiento ni el virus podrá con nosotros. Sed prudentes y seguid en casa, si podéis hacerlo. Y recordad que tenemos una cita la semana que viene para seguir bailando en esta “Verbena en la Granja”.

Habíamos dejado a Radio Futura disfrutando de las mieles del éxito de ventas de su trabajo “De un país en llamas”. La actividad del grupo en directo se detuvo durante 1986 para, según sus palabras: "depurar el sonido, los arreglos y el nuevo estilo que pretendíamos tener al alcance de la mano".

Cuando tuvieron diez temas listos para grabar viajaron a Nueva York para hacer lo opuesto a lo que hicieron en Londres: grabar un disco con la mínima tecnología posible y siempre con sonidos naturales y clásicos. El proceso duró cinco semanas entre noviembre y diciembre, y se realizó en los estudios Sigma Sound, en la calle 53. Para introducir la percusión contrataron a Daniel Ponce, percusionista cubano y para los metales al grupo que, por aquel entonces, trabajaba con James Brown.

El proceso de grabación se caracterizó por el perfeccionismo, revisando los arreglos compás por compás, así como las interpretaciones de cada miembro del grupo.

La banda volvió a España con un trabajo sólido y depurado, volcado principalmente en los ritmos caribeños: La canción de Juan Perro se publicaría en 1987.

Según Kike Sierra, “La canción de Juan Perro supuso un punto de inflexión en nuestra carrera. Aprendimos que, si nos empeñábamos, podíamos conseguir lo que imaginábamos y que la música no se acotaba a la frontera de la península ibérica”.

(Radio Futura - 37 grados)

Aunque las ventas acompañaron, consiguiendo cifras similares a las de anteriores trabajos no compensaba el desembolso realizado para grabar en Nueva York. Además, el nuevo disco no acabó de convencer a la crítica. Sin embargo, el álbum iría ganando su favor con el tiempo y actualmente se reconoce como el mejor de la banda.

El último sencillo que se editó fue “La negra flor”, un tema que se plantea como un homenaje a la ciudad de Barcelona, con cuyo público el grupo mantenía una relación especialmente buena, y en especial a la conocida Rambla.

El título del disco surgió de una conversación de Santiago Auserón con Ricardo Teixidó, batería de Danza Invisible:

“Estábamos una noche de juerga por La Coruña y él me dijo que yo era un Juan Perro, un don nadie sin casa. Me gustó la imagen literaria. Todos somos Juan Perro”.

(Radio Futura - Negra Flor)

La gestación del siguiente disco, un directo, no estuvo exenta de polémica. La idea original era grabar diferentes conciertos durante toda la gira de 1988 para reunir, entresacando de ellos los cortes, el material del álbum. Sin embargo, el elevado coste y la complejidad técnica del proyecto hicieron que se descartase. Finalmente fueron solo los dos últimos conciertos, celebrados el 28 y 29 de octubre en un abarrotado Arena Valencia Auditórium, los que se editaron.

Se editó un doble LP únicamente con once temas en una maniobra comercial que encarecía el producto y que sería una de las polémicas que acompañaría al disco.

La otra polémica se refería a los arreglos de estudio. El sonido fue reprocesado, mezclado y producido por el propio grupo. La opinión generalizada fue que se había desvirtuado innecesariamente la frescura y naturalidad de los directos de Radio Futura.

Con el título de Escuela de calor - El directo de Radio Futura, el disco salió al mercado a principios de 1989. Las ventas respondieron, y dieron un respiro a la compañía de discos que, después de Nueva York estaba de los nervios

(Radio Futura - Escuela de calor)

Radio Futura volvió al estudio en noviembre y en enero de 1990 se realizaron las remezclas. El nuevo disco de estudio se llamó Veneno en la piel. Para su grabación se buscó, una vez más, una nueva formación que arropase al trío principal, y que incluía a Ollie Halsall y a Antonio Moreno "El Tacita", un reputado batería del pujante nuevo flamenco.

Santiago Auserón comentó en la rueda de prensa de la presentación: “Hemos estado reestudiando todo el Soul, el reggae y toda la aportación del Bob Dylan músico. Estos tres elementos son los pivotes fundamentales sobre los que descansa Veneno en la piel, independientemente, claro, de la influencia de la música latina”.

(Radio Futura - Veneno en la piel)

El álbum, en el apartado artístico, no estaba a la altura de anteriores trabajos. Las canciones no le hacían justicia a la carrera musical del grupo, mostrando en ocasiones rasgos "comerciales" bastante alejados de lo hecho hasta ese momento. Sin embargo en el apartado comercial fue un éxito completo, así como la gira subsiguiente, llenando plazas como la Monumental de Barcelona o Las Ventas en Madrid.

Se trataba de la cuarta gira en cuatro años, y a la postre se convertiría en la última. Realizaron un total de treinta y seis actuaciones en dos meses. Cinco días después del concierto de Las Ventas, el 30 de septiembre de 1990, Radio Futura se subió por última vez a un escenario en Las Rozas, en Madrid, tras haber ofrecido 439 conciertos en once años.

(Radio Futura - Corazón de tiza)

Nos hemos fijado detenidamente en este grupo, Radio Futura, porque a mi juicio no es solo que fuera el mejor de la Movida, es que ha sido uno de los mejores grupos de la historia de rock español.

Pero hubo más, hubo algunos más, como, por ejemplo, Ejecutivos Agresivos.

(Ejecutivos agresivos - Mari Pili)

Desde Torremolinos, de la mano de Ramón Texidó, llegaron Danza invisible

(Danza Invisible - A este lado de la carretera)

También llamaron la atención, y bastante, Aviador Dro y su música electrónica, reconvertidos posteriormente en compañía discográfica.

(Aviador Dro - Nuclear si)

Parálisis Permanente, la banda más oscura de la movida y con una carrera truncada por la desgraciada muerte de su líder Eduardo Benavente. Como siempre, estas bandas malditas, hoy son bandas de culto.

(Parálisis permanente - Heroes)

Rubi y los Casinos fue un grupo de pop español que se formó en Madrid en 1980. Estaba liderado por la vocalista argentina María Teresa Campilongo, conocida en el mundillo como "Rubi" y que hacían cancioncillas como ésta.

(Rubi y los casinos - Yo tenía un novio)

Los Coyotes, una banda de rockabilly acelerado que siempre dejó claro, desde el primer acorde, que iba a su bola en el efervescente panorama musical de la movida. Genio y figura el Sr. Victor Coyote.

(Los Coyotes - Esta noche me voy a bailar)

Y si, hubo muchos más, pero vamos a dejar a dos de ellos para el próximo programa. Uno es “Burning”.

(Burning - Esto es un atraco nena)

Y el otro, los ínclitos “Gabinete Caligari”

(Gabinete Caligari - Cuatro rosas)

Bueno, pues así quedamos, la próxima semana especial Gabinete y Burning. Muy prometedor.

Amigas y amigos, ha sido un placer, nuevamente. Nos oímos la próxima semana en este punto del dial y en el mejor programa de música de Radio La Granja de los viernes a las 7 de la tarde.

Para que nos vamos a engañar.

Os deseo a todos unas … ¡BUENAS VIBRACIONES!