Quando il colore nel tubetto diventa troppo impersonale, l'arte contemporanea decide di attingere direttamente alla fonte. In questo episodio esploriamo l'uso dei fluidi corporei nella storia dell'arte recente, un percorso estremo alla ricerca di un'autenticità viscerale e totale.

Come accennato nell'episodio, ecco l'approfondimento tecnico e storico di queste opere controverse, per capire non solo il gesto, ma anche la materia.

Partiamo dall'azionismo viennese. A partire dagli anni sessanta, Hermann Nitsch, all'interno del suo teatro delle orge e dei misteri, teorizza e realizza gli schuttbilder, ovvero la pittura a getto. Il sangue non è usato solo per il suo forte impatto cromatico, ma viene versato sulla tela per rievocare antichi riti sacrificali e innescare una catarsi psicologica profonda, superando la rappresentazione pittorica classica.

Passando alla chimica applicata all'arte, nel 1977 Andy Warhol inizia la serie delle oxidation paintings. La tecnica è precisa: Warhol prepara tele coperte con una speciale vernice a base di polvere di rame. Su questa superficie, la pipì, ricca di acido urico, innesca una reazione di ossidazione immediata. Il rame si trasforma, creando patine cromatiche astratte che variano dal verde smeraldo al marrone ruggine. È la biologia che si sostituisce al pennello per gestire le reazioni chimiche dei pigmenti.

Il caso di Marc Quinn è invece una vera e propria sfida alla conservazione museale e alla termodinamica. La serie di autoritratti self, iniziata nel 1991, è composta da sculture per le quali Quinn preleva dal suo stesso corpo circa quattro litri e mezzo di sangue. Il fluido viene poi colato in uno stampo di silicone e congelato. L'aspetto tecnico cruciale è che l'opera, per esistere e non decomporsi liquefacendosi, necessita di una teca refrigerata a una temperatura costante di meno quindici gradi centigradi. L'opera è letteralmente dipendente dalla rete elettrica per sopravvivere.

Opere limite, come traces of sperm di Liu Ding del 2001, chiudono questo cerchio concettuale portando all'estremo il concetto di firma e traccia personale.

Questo bisogno di abbattere la barriera tra il creatore e il materiale utilizzato ci riporta alla necessità di sfidare il limite visivo. Come diceva Marcel Duchamp, il buon gusto è il più grande nemico dell'arte. L'artista del novecento smette di voler compiacere l'occhio e decide di aggredire la mente, mettendo letteralmente se stesso nell'opera.

Cosa definisce un'opera d'arte? Nel 1926, non era una domanda per filosofi, ma per i giudici della corte doganale di New York. In questo episodio di Pitturil, ripercorriamo l'incredibile vicenda giudiziaria che ha visto protagonista Constantin Brancusi e la sua scultura "Bird in Space".

Spedita da Parigi su invito di Marcel Duchamp, l'opera fu bloccata alla dogana americana. Il motivo? Per i funzionari non era un uccello, né tantomeno arte, ma un "utensile da cucina" o una "fornitura ospedaliera". Questa classificazione comportava un dazio del 40%, poiché solo le opere d'arte originali godevano dell'esenzione fiscale.

Approfondiamo i dettagli tecnici e storici di questa battaglia legale:

• L'opera: "Bird in Space" (Uccello nello spazio) è una serie di sculture realizzate da Brancusi tra il 1923 e il 1940. L'esemplare del processo era in bronzo lucidato a specchio, privo di ali o piume, volto a catturare l'essenza del volo piuttosto che la forma dell'animale.

• La normativa: Il Tariff Act del 1922 permetteva l'ingresso libero per le sculture originali, ma la definizione legale era ancora ancorata a canoni ottocenteschi che richiedevano una somiglianza realistica con l'oggetto rappresentato.

• La sentenza: Solo nel novembre 1928, il giudice J. Waite emise una sentenza storica. Riconobbe che, sebbene l'opera non somigliasse a un uccello, era "bella e simmetrica nelle linee" e che una nuova scuola d'arte "astratta" era ormai una realtà consolidata.

Questa causa non fu solo una questione di soldi, ma il momento in cui l'astrattismo venne legalmente "sdoganato" negli Stati Uniti, aprendo le porte alla modernità.

Ascolta l'episodio per scoprire come il genio di Brancusi ha cambiato per sempre le regole del gioco.

Benvenuti a un nuovo episodio di Pitturil.

Oggi parliamo del verde viridian, un ossido di cromo idrato che a metà dell'Ottocento ha mandato in pensione tinte estremamente tossiche e mortali come il famigerato verde di Parigi. Scoperto e brevettato nel 1859 dal chimico francese Guignet, questo colore non è solo un pezzo di storia della sicurezza sul lavoro per gli artisti, ma un alleato insostituibile e versatile sulla tavolozza.

Come da tradizione, ecco il manuale tecnico delle mescolanze esplorate in questo episodio, da tenere a portata di mano per i vostri esperimenti.

Per la pittura di paesaggio:Viridian e giallo di cadmio scuro: crea un verde realistico e terroso, perfetto per il fogliame naturale.Viridian e giallo di cadmio limone: genera un verde acido, freddo e molto luminoso.Viridian e nero d'avorio: produce un tono scuro, ombroso e profondo, fondamentale per i contrasti boschivi.Viridian, un blu a scelta e bianco di titanio: la ricetta perfetta per coprire l'intera gamma cromatica delle onde nei paesaggi marini.

Per il ritratto e l'incarnato:Essendo il verde complementare del rosso, è la chiave per spegnere i toni carne e creare ombre complesse.Viridian, rosso veneziano e bianco di titanio: produce grigi caldi e ricchi di sfumature. Il rosso veneziano ha un alto potere colorante, quindi va dosato con parsimonia per non sovrastare il verde.Viridian, lacca di garanza e bianco: genera una mescola più sanguigna e leggermente trasparente, ideale per le aree dell'incarnato in mezzombra, chiare ma non colpite dalla luce diretta.

Perché la pittura ci insegna che un tubetto di verde, in fondo, non serve solo a colorare noiosi fili d'erba, ma nasconde il segreto per dare profondità e vita a un volto umano.

Buon ascolto e alla prossima pillola.

Se quando senti "pastello" pensi alla lavagna di scuola o ai colori sbiaditi, è il momento di resettare tutto. In questo episodio entriamo nel mondo della tecnica più fragile e pura che esista: il Pastello Secco (Soft Pastel).

Non è un gesso (che contiene solfato di calcio), ma pigmento puro al 95% tenuto insieme da un soffio di legante. È polvere che si appoggia sulla carta, instabile e vibrante, capace di una saturazione straordinaria.

In questa pillola analizziamo:

• La Chimica: La differenza sostanziale tra pastelli a cera, a olio e soft pastels.

• La Storia: Dagli studi preparatori rinascimentali (trois crayons) all'esplosione impressionista con Degas, fino al virtuosismo di Boldini.

• La Conservazione: Il paradosso della fragilità. Perché fissare un pastello significa "ucciderlo"?

• La Lezione di Guccione: L'aneddoto personale sul maestro di Scicli e il suo segreto per mantenere intatta l'anima del colore (spoiler: niente spray, solo vetro).

Nota tecnica per i puristi:Il pastello secco non va confuso con le crete. La sua morbidezza dipende dalla minima quantità di legante (solitamente gomma adragante o metilcellulosa) rispetto al pigmento. È "pittura a secco" vera e propria. Maneggiare con cura (e mani pulite).

Segui Pitturil sui social per vedere i video delle opere citate:IG: @alessandromarziano

L’ocra gialla è la bisnonna di ogni quadro che ami… e probabilmente non la stai usando come dovresti.

Il pigmento più “noioso” della storia dell’arte? È quello senza cui i tuoi quadri crollano.

Trentamila anni. Dalle grotte di Lascaux alla tua tavolozza. E ancora regge tutto.

Se pensi che l’ocra gialla sia solo un giallo spento, questo episodio ti farà cambiare idea.

È la farina della pittura: non la noti… finché manca.

Vuoi paesaggi con quella foschia nostalgica che sa di Cézanne? Parti da qui.

Il colore più stabile del mondo è anche il più sottovalutato nel tuo studio.

Con blu oltremare, con nero d’avorio, nella tavolozza di Zorn… l’ocra è sempre lì. Un motivo c’è.

Prima di comprare l’ennesimo tubo “speciale”, guarda cosa può fare questo ossido di ferro.

Non è solo un pigmento. È la struttura segreta dietro l’armonia dei tuoi colori.

Esiste un momento in cui il pennello smette di essere uno strumento di lavoro e diventa un prolungamento del pensiero. In questo episodio di Pitturil, esploriamo quel confine sottile tra l’impegno tecnico e il piacere puro di tracciare un segno sul foglio, senza l’ansia del risultato finale.

Parliamo di come il disegno e la pittura possano trasformarsi in una forma di meditazione attiva, capace di svuotare la mente dopo una lunga giornata. Dalle sfumature di grafite alle velature ad acquerello, ogni gesto diventa un’occasione per rielaborare versi di poesie, frammenti di canzoni e vecchi pensieri che tornano a trovarci sotto una luce diversa.

Come ricordava Goethe, la vera gioia risiede nell’agire senza un fine preciso. È quell’ozio creativo che non è perdita di tempo, ma la madre di tutte le invenzioni. Preparate un foglio, una luce morbida e la vostra musica preferita: riscopriamo insieme il gusto di disegnare o dipingere solo per il piacere di farlo.

Arrivederci al prossimo Pitturil.

Dimenticate il "rosa carne". In questo episodio di Pitturil, Oggi vi porto lontano dalle banalità cromatiche per esplorare la complessità viscerale della pelle umana. L'incarnato non si compra in un tubetto preconfezionato: è un equilibrio instabile di calore, struttura e profondità che richiede una sensibilità quasi chirurgica.

Scopriremo insieme come una mescola apparentemente insolita possa dare vita a un'ombra che vibra, evitando l'effetto "personaggio di Barbie" o, peggio, quello di una Peppa Pig pronta per Halloween.

In questo episodio:

• Oltre il pregiudizio: Perché non esiste un colore predefinito per la pelle.

• La nobiltà del Rosso Veneziano: Un ossido di ferro che possiede la densità del sangue.

• L’Ocra Gialla: Il segreto per una luminosità solida e mai gessosa.

• La Terra Verde come neutralizzatore: Come spegnere il rosso in modo controllato e creare ombre profonde e violacee, attingendo alla tecnica rinascimentale del verdaccio.

• Pelle, muscoli e sangue: La filosofia dietro la ricerca di una carnagione viva.

L'incarnato è una narrazione di vita e di ombra. Sei pronto a far vibrare le tue tele o preferisci restare nel rassicurante mondo dei pastelli confetto?

Per i dettagli precisi sulle percentuali delle mescole e gli step pratici per applicare la tecnica del verdaccio, leggi la caption del video sui miei canali social!

Arrivederci al prossimo Pitturil.

In questo episodio di Pitturil, vi porto alla scoperta di un vero e proprio caso risolto della storia dell’arte: il giallo del giallolino.

Protagonista indiscusso delle tavolozze tra il xiv e il xviii secolo, il giallo di piombo e stagno ha dato luce ai capolavori di maestri come Van Eyck, Vermeer e Tiziano, prima di svanire misteriosamente nel nulla intorno al 1750, soppiantato dal giallo di napoli. Una ricetta dimenticata per secoli, fino alla riscoperta quasi fortuita avvenuta nel 1941 grazie alle analisi chimiche di Richard Jacobi.

Tra una riflessione sulla malinconia degli amici perduti e un’incursione tecnica sulle proprietà di questo ossido sofisticato, esploriamo come un colore possa definire un’epoca e poi sparire, lasciandoci a interrogarci su quante altre sfumature della storia abbiamo lasciato per strada.

I riferimenti tecnici e storici di questa puntata attingono a testi fondamentali come artists' pigments di aa.vv., il manuale dell'artista di Ralph Mayer e i lavori di Philip Ball sulla storia dei colori.

Capitoli dell’episodio:

• il mistero del colore dimenticato

• da Van Eyck a Vermeer: l’epoca d’oro del giallorino

• la chimica del pigmento: piombo e stagno

• 1750: l’avvento del giallo di napoli e l’oblio

• la riscoperta di Richard Jacobi e il ritorno alla luce

Arrivederci al prossimo Pitturil.

Spesso ci accontentiamo delle tele bianche già pronte, ma esistono scenari in cui "manomettere" la preparazione industriale non è solo utile, è necessario per ottenere l'effetto desiderato.

Esploreremo le diverse tipologie di tele disponibili sul mercato — dalle trasparenti alle nere a base di nero di carbonio — e capiremo quando intervenire con strati extra di gesso acrilico o preparazioni a olio. Vi spiego come trasformare una trama media in una superficie "effetto velluto" attraverso la stratificazione e la carteggiatura fine.

Ma attenzione: modificare l'imprimitura è come cambiare l'accordatura di uno strumento musicale. Ha senso se sai cosa stai facendo, altrimenti rischi di creare un disastro tecnico. Una guida pratica per chi vuole padroneggiare il supporto prima ancora di poggiare il pennello.

In questo episodio scoprirai: Dettagli Tecnici

• Tele trasparenti e nere: cosa sono e quando usarle.

• L’effetto velluto: come eliminare la trama della tela con gesso acrilico e carta abrasiva.

• Imprimiture a olio: i passaggi per i puristi che cercano superfici non assorbenti.

• Alternativa Vegan Friendly: un accenno alle opzioni etiche rispetto alle colle animali.

• Il consiglio dell'esperto: quando è meglio affidarsi alla tela moderna e quando invece è il momento di osare.

Ricorda: intervieni sulla tela solo se hai un obiettivo tecnico preciso. Altrimenti: "Take it easy, baby" e dipingi tranquillo.

In questo episodio di Pitturil cerchiamo di sfatare un mito molto diffuso tra chi dipinge: e' davvero necessario preparare la tela prima di iniziare a lavorare?

Un tempo la preparazione era un rito complesso e decisamente poco profumato. Si utilizzava la colla animale (spesso colla di coniglio) sciolta a bagnomaria, gesso di bologna e molta pazienza. Questa procedura serviva a isolare le fibre naturali del tessuto dall'acidita' dell'olio, evitando che marcissero nel tempo, e a creare una superficie adatta a ricevere il pigmento.

Oggi le tele che acquistiamo in negozio sono gia' dotate di una imprimitura industriale, solitamente a base acrilica o vinilica, arricchita con biossido di titanio. Questo strato assolve gia' perfettamente a tutte le funzioni protettive e meccaniche necessarie. Aggiungere ulteriore gesso sopra una preparazione industriale spesso non fa altro che creare una superficie irregolare che modifica l'assorbenza del supporto in modo imprevedibile, rendendo piu' difficile il controllo della pennellata.

Invece di concentrarvi sulla preparazione, imparate a scegliere la tela in base alla grana. La grana grossa e' perfetta per lavori materici e per la pittura a spatola. La grana media e' la scelta piu' versatile per ogni soggetto, mentre la grana fine e' indispensabile per chi cerca la massima resa dei dettagli e sfumature sottili.

Esistono comunque dei casi specifici in cui preparare la propria tela e' ancora una scelta sensata, ne parleremo presto in un nuovo episodio.

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