PuroJazz

BILLY DRUMMOND QUINTET NATIVE COLOURS - Englewood Cliffs, N.J., March 15, 1991 - 8/4 beat, Native colours, Ruby my dear - Steve Wilson (as,sop) Steve Nelson (vib) Renee Rosnes (p) Ray Drummond (b) Billy Drummond (d)

El baterista Billy Drummond, destacado por la revista *DownBeat* como uno de los líderes más interesantes de su generación, ha construido una carrera sólida tanto como sideman —con más de 350 grabaciones— como al frente de sus propios proyectos. Formado junto a figuras como Horace Silver, Joe Henderson, Bobby Hutcherson y Sonny Rollins, su estilo combina energía, precisión y gran musicalidad.

En Native Colours, su álbum debut como líder, Drummond reúne un quinteto de alto nivel y un repertorio que mezcla originales de la pianista Renée Rosnes, estándares y clásicos del jazz, ofreciendo un equilibrio atractivo entre tradición y novedades.

Drummond muestra su versatilidad en formatos variados, incluyendo tríos sin instrumento armónico en piezas de Thelonious Monk y Ornette Coleman. Rosnes, por su parte, destaca con solos elegantes y composiciones como “Lexicon”. El resultado es un debut sólido que confirmó a Drummond como un músico clave de su generación.

Gracias por leer Roberto Barahona Puro Jazz! Subscríbete gratis aquí:

AARON DIEHL THE VAGABOND - New York, February 4 & 6, 2019 - The Vagabond, March from ten pieces for piano, Piano etude no 16 - Aaron Diehl (p) Paul Sikivie (b) Gregory Hutchinson (d)

Aunque “The Vagabond” es, en esencia, un disco de jazz que mira a la tradición —con ecos de pianistas como Art Tatum, Mary Lou Williams y Ahmad Jamal, —, también deja claro que la música clásica forma parte del lenguaje de Aaron Diehl.

En este álbum, el pianista se mueve con soltura entre ambos mundos. Junto a un trío explora puntos en común entre compositores como Philip Glass y George Gershwin, encontrando afinidades rítmicas y armónicas que encajan de manera fluida en el contexto del jazz.

El repertorio incluye, además, versiones de “March” de las 10 piezas para Piano, Op. 12* de Prokofiev y el “Piano Etude No. 16” de Glass, piezas que refuerzan esa conexión.

TERELL STAFFORD BROTHERLEE LOVE: CELEBRATING LEE MORGAN - Brooklyn, NY, May 19, 2014 - Candy (tw out), Favor - Terell Stafford (tp,comp) Tim Warfield (ts) Bruce Barth (p) Peter Washington (b) Dana Hall (d)

“BrotherLee Love” encuentra al trompetista Terell Stafford rindiendo homenaje a Lee Morgan, no solo como ícono del hard bop, sino también como compositor, un aspecto a veces menos valorado, el disco pone el foco en ese repertorio: siete de los nueve temas son de Morgan.

Stafford y el saxofonista Tim Warfield se entienden muy bien.

Stafford no imita sino que recoge la energía de Morgan, pero con un sonido propio, más cálido y abierto. Se luce especialmente en “Candy”, donde usa sordina, y en “Favor”, su única composición en el disco, con un aire relajado y un toque bluesero.

Es un tributo sin vueltas: directo, bien tocado y con espíritu de banda. Justo lo que Morgan hacía.

THE DAVE BRUBECK QUARTET W/BILL SMITH BRUBECK A LA MODE - New York, May-June, 1960 - Dorian dance, Invention, Lydian dance, Frisco fog - Bill Smith (cl) Dave Brubeck (p) Eugene Wright (b) Joe Morello (d)

Brubeck à la mode es un disco del cuarteto de Dave Brubeck pero con el clarinetista Bill Smith en el instrumento principal. Smith, un amigo suyo desde los años de universidad y parte del grupo original conocido como The Brubeck Octet a fines de los 40, era un gran técnico del clarinete, pero también un innovador, que experimentó con recursos poco comunes como el uso de computadores y sordinas.

Este es el segundo de tres que Brubeck grabó con Smith. La base rítmica de siempre —Joe Morello y Eugene Wright— mantiene todo en movimiento, con ese pulso tan característico del cuarteto. Los temas son composiciones de Smith, y queda la curiosidad de imaginar qué habría hecho Paul Desmond con este material modal, construido a partir de una sola escala. Por su parte, Brubeck cambia bastante de un tema a otro, ajustando su forma de tocar al estilo y las ideas de Smith.

Gracias por leer Roberto Barahona Puro Jazz! Suscríbete gratis aquí.

VICTOR FELDMAN THE ARRIVAL OF VICTOR FELDMAN - Los Angeles, January 21 & 22, 1958 - Serpent’s tooth, Waltz, S’posin’, Be-bop - Victor Feldman (vib,p) Scott LaFaro (b) Stan Levey (d)

Victor Feldman fue un niño prodigio que ya trabajaba como músico profesional desde los siete años. Nació en Inglaterra, estuvo muy activo durante la era del bebop, sobre todo como baterista, y debutó como líder en 1948. A comienzos de los 50 empezó a destacar cada vez más en el vibráfono.

Después de salir de gira con la banda de Woody Herman entre 1956 y 1957, decidió mudarse a Estados Unidos. Ya instalado en la Costa Oeste, tocó en el Lighthouse junto a Howard Rumsey. Entre 1957 y 1961 grabó tanto en vibráfono como en piano para varios sellos y se convirtió en un músico de estudio muy solicitado. También pasó por el quinteto de Cannonball Adderley, principalmente como pianista, y en 1963 grabó con Miles Davis, quien incluso le ofreció sumarse a su nuevo grupo (incluso registró su tema “Seven Steps to Heaven” con Miles). Aun así, Feldman prefirió quedarse en Los Ángeles, enfocado en el trabajo de estudio.

En *The Arrival of Victor Feldman*, su segundo disco en EE.UU., lo acompañan el gran contrabajista Scott LaFaro y el baterista Stan Levey. Su repertorio be bop como muestra a un Feldman todavía en pleno desarrollo, pero ya con mucho que decir. La Faro, como siempre, no deja de sorprender.

LEE KONITZ WITH THE GERRY MULLIGAN QUARTET:

- The Haigh, Los Angeles, late January 1953 - Too marvellous for words, Sextet, Broadway, These foolish things - Chet Baker (tp) Lee Konitz (as) Gerry Mulligan (bar) Carson Smith (b) Larry Bunker (d)

- Phil Turetsky’s House, Los Angeles, late January o February 1, 1953 - Lady be good, I can’t believe that you’re in love with me - Chet Baker (tp) Lee Konitz (as) Gerry Mulligan (bar) Joe Mondragon (b) Larry Bunker (d)

Lee Konitz Plays with the Gerry Mulligan Quartet

Cuando apareció por primera vez en 1952, el cuarteto de Gerry Mulligan —saxofón barítono, trompeta, contrabajo y batería— introdujo una idea poco habitual en el jazz de posguerra: un grupo sin instrumento armónico. En una época en que el piano o la guitarra parecían indispensables, este ensamble prescindía de ellos.

A comienzos de 1953, Mulligan invitó a Lee Konitz, entonces un músico poco conocido de la orquesta de Stan Kenton. Con Carson Smith o Joe Mondragon en contrabajo y Larry Bunker en batería, registraron diez temas: cinco en vivo en el club The Haig el 25 de enero, y otros pocos días después en el estudio casero de Phil Turetsky.

Más que “cool jazz”, este cuarteto desarrolló un lenguaje propio. La ausencia de piano abría el espacio y favorecía un diálogo en contrapunto entre Mulligan y Chet Baker. Aquí la interacción pesa tanto como los solos, y la incorporación de Konitz aporta una voz nítida que refuerza ese delicado equilibrio.

GREGORY HUTCHINSON KIND OF NOW – THE PULSE OF MILES DAVIS - Lanzamiento 3 de abril, 2026 - AhLeuCha, FranDance, Seven Steps To Heaven, Circle In The Round - Ambrose Akinmusire (t) Ron Blake (st/bcl) Gerald Clayton (p) Jakob Bro & Emmanuel Michael (g) Joe Sanders (b) Gregory Hutchinson (dr).

Con motivo del centenario de Miles Davis, el baterista Gregory Hutchinson lanzó el 3 de abril Kind Of Now, The Pulse of Miles Davis. Hutchinson, a quien Jazz Magazine definió como “el baterista de su generación”, se mueve con soltura entre el respeto por los grandes bateristas que tocaron con Davis y una voz propia bien definida.

A lo largo de varias décadas, Miles Davis estuvo siempre al frente de distintos momentos clave del jazz—del bebop al hard bop, pasando por el modal, el post bop y la fusión. Parte de su genio como líder fue saber armar y transformar sus grupos según lo que la música pedía en cada etapa.

Para este proyecto, Hutchinson reunió un conjunto de primer nivel que recorre distintas facetas de ese legado: cuenta con la participación del notable Ambrose Akinmusire, una elección muy natural para asumir el rol de trompeta que marcó Miles, Ron Blake en saxo tenor y clarinete bajo, Jakob Bro y Emmanuel Michael en guitarras, Gerald Clayton en piano, Joe Sanders en contrabajo, y el propio Hutchinson en batería.

¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.

DAYNA STEPHENS HOPIUM - Brooklyn, NY., 2024 - Jump start, Trust, Hopium - Dayna Stephens (as,ts) Aaron Parks (p) Charles Altura (g-1) Ben Street (b) Greg Hutchinson (d)

El saxofonista Dayna Stephens lleva tiempo dándole vueltas a una especie de contradicción que aparece tanto en lo personal como en lo social. De ahí surge Hopium, un disco que se mete de lleno en ese tira y afloja entre la esperanza de que las cosas mejoren y la duda de que eso realmente vaya a pasar. Es una tensión bastante reconocible.

El grupo que lo acompaña tiene aire de reencuentro: Aaron Parks en el piano, Ben Street en el contrabajo y Greg Hutchinson en la batería. Ya habían tocado juntos antes, es el mismo grupo de su aclamado álbum de 2021, Right Now!, y eso se nota. Hay confianza, las cosas fluyen sin forzar, y la música respira de manera natural. Más que una suma de grandes músicos, suena como un grupo que realmente se entiende.

El álbum incluye siete temas originales. Todos son de Stephens, salvo el sexto, que está firmado por Parks.

HARISH RAGHAVAN CALLS FOR ACTION - Brooklyn, NY, December 15-17, 2018 - Newe, Los Angeles, Sangeet, Lunatico - Immanuel Wilkins (as) Joel Ross (vib) Micah Thomas (p) Harish Raghavan (b) Kweku Sumbry (d)

El contrabajista Harish Raghavan debuta como líder con Calls for Action, un disco que muestra el jazz como un lenguaje vivo, siempre en movimiento.

Instalado en New York desde 2007, ha trabajado con músicos como Ambrose Akinmusire, Vijay Iyer y Charles Lloyd. Aquí se rodea de una generación más joven pero muy sólida: Immanuel Wilkins, Micah Thomas, Joel Ross y Kweku Sumbry.

El grupo nació de forma bastante natural, a partir de un proyecto de Ross, y terminó de afirmarse tras un tiempo tocando juntos. Esa química se nota en estas composiciones originales, muchas surgidas de ideas e improvisaciones del propio Raghavan que luego crecieron en formato de quinteto.

El título apunta a ese impulso de cambio: una especie de llamado a moverse, a transformar la música desde dentro. El disco, en esa línea, busca capturar la energía directa de la banda tocando en vivo, con cambios de clima y momentos de gran intensidad.

Esta publicación es pública, la puedes compartir.

MONIKA HERZIG “TRANSPARENT” - Lanzamiento Marzo 6, 2026 - Look out, Please forget, Invincible - Tom Clark y Joe Donnelly (st y fl) Ted Nash (saxos) Monika Herzig (p/tecl) Peter Kienle (g/bnj) Jeremy Allen (b) Karina Colis (dr)

El álbum “Transparent” se plantea como un retrato familiar sonoro: una exploración íntima de lo que implica acompañar a un joven en un proceso de transición de género. Para darle forma, Herzig reunió a un grupo cercano de colaboradores, entre ellos su esposo y también padre trans, el guitarrista Peter Kienle, con la idea de abrir espacios de escucha, diálogo y empatía.

Como punto de partida, organizó encuentros con otros padres de personas trans que atravesaban situaciones similares. En esas conversaciones surgieron relatos sobre transformación, construcción de identidad, prejuicio social, conflicto y también redes de apoyo. Nada quedó fuera. “Lo trans es parte de la naturaleza —como una variación en los cromosomas de género—”, reflexiona Herzig. “Tenemos que apoyar a cada persona para que pueda ser quien es, de la forma más auténtica posible”.

¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.

HANK ROBERTS CONGERIES OF ETHEREAL PHENOMENA - New York, 2018 - Welcome, Necklace, Evidence, Cayuga - Jacob Sacks (p) Hank Roberts (cello) Vinnie Sperrazza (d)

El violonchelista Hank Roberts es una figura clave del jazz creativo, reconocido por llevar su instrumento a territorios poco convencionales dentro del avant-garde. Nacido en 1955 en Indiana, comenzó con formación clásica, pero desde joven amplió su interés a otros instrumentos y estilos.

Su paso por Berklee, a los 19 años, fue decisivo para desarrollar un lenguaje propio que combina jazz, blues, folk y música clásica, con un uso característico de dobles cuerdas es decir tocar dos notas al mismo y y acordes, tres o más notas simultáneas. No fue hasta los años 80 que se instaló en Nueva York, donde rápidamente se integró a la escena downtown, colaborando con músicos como Bill Frisell y Tim Berne, quienes participan en su debut como líder, *Black Pastels* (1987).

Desde entonces, Roberts ha mantenido una carrera consistente, alternando proyectos personales y colaboraciones, siempre con un enfoque abierto y exploratorio que lo distingue dentro del jazz contemporáneo.

VIJAY IYER BLOOD SUTRA - New York, February 21, 2003 - Brute facts, Ascent, Stigmatism, Because of guns (Hey Joe redux) - Rudresh Mahanthappa (as) Vijay Iyer (p) Stephan Crump (b) Tyshawn Sorey (d)

*Blood Sutra*, el impactante trabajo de 2003 del pinista Vijay Iyer que siguió a *Panoptic Modes*, —incluida una mención de *JazzTimes*— entre los mejores discos del año. Más que una simple continuación, el álbum consolida una de las asociaciones más fértiles del jazz reciente: el diálogo entre Iyer y el saxofonista Rudresh Mahanthappa.

El cuarteto lo completan el contrabajista Stefan Crump, colaborador habitual de Iyer, y marca además el debut discográfico del baterista Tyshawn Sorey. Aunque entonces llevaba poco tiempo en la escena, Sorey ya mostraba un estilo singular: potente pero preciso, siempre en movimiento, lleno de texturas cambiantes que ampliaban el lenguaje de la batería en el jazz contemporáneo.

Con excepción de “Because of Guns (Hey Joe Redux)”, que alude a la canción de Jimmi Hendrix, todas las composiciones son de Iyer. El resultado es un disco intenso y abierto, que funciona casi como una señal de rumbo para el jazz del siglo XXI.

Esta publicación es pública, la puedes compartir.

BOOKER ERVIN THAT’S IT ! - New York, January 6, 1961 - Poinciana, Booker’s blues - Booker Ervin (ts) Felix Krull (p) [aka Horace Parlan (p) ] George Tucker (b) Al Harewood (d)

Asociado sobre todo a Charles Mingus —con quien grabó cerca de diez discos entre 1958 y 1961—, Booker Ervin fue uno de los grandes saxofonistas tenores de su generación, aunque no tan reconocido como varios de sus contemporáneos.

*That’s It!* es su tercer disco como líder, y se nota la influencia de su paso por el Jazz Workshop de Mingus. De hecho, el propio Mingus aparece citado varias veces en las notas del álbum, elogiando con entusiasmo a Ervin.

Aquí lidera un cuarteto muy sólido, con Horace Parlan al piano, George Tucker en contrabajo y Al Harewood en batería. Como pasó con muchos músicos que grabaron para Candid Records en esos años, el grupo suena especialmente inspirado, con más libertad y creatividad de lo habitual. Y eso ya es decir bastante en el caso de Ervin, que casi nunca hacía discos flojos.

¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.

TOMMY FLANAGAN JAZZ POET : THE SUPER JAZZ TRIO - Englewood Cliffs, NJ, January 17 & 19, 1989 - Raincheck, Willow, weep for me, Caravan - Tommy Flanagan (p) George Mraz (b) Kenny Washington (d)

Con una carrera de décadas —en gran parte como acompañante de figuras como Miles Davis, J. J. Johnson o Sonny Rollins—, el pianista Tommy Flanagan se ganó un lugar privilegiado por su estilo elegante, preciso y siempre discreto. El álbum Jazz Poet, probablemente sea una de las mejores muestras para conocer su música.

En un trío de alto nivel, junto a George Mraz y Kenny Washington, Flanagan aborda un repertorio de estándares con un enfoque fresco y muy cuidado. El sonido es cálido y equilibrado, y la interacción entre los músicos —en especial entre contrabajo y batería— suma matices y profundidad. Lejos de cualquier rutina, estas versiones muestran cómo, en manos de Tommy Flanagan, el material más conocido puede sonar vivo y renovado.

MAKANDA KEN MCINTYRE / ERIC DOLPHY LOOKING AHEAD - Englewood Cliffs, N.J., June 28, 1960 - Lautir (2,5), They all laughed (2,5), Dianna (1,4) - Makanda Ken McIntyre (fl-1,as-2) Eric Dolphy (b-cl-4,as-5) Walter Bishop, Jr. (p) Sam Jones (b) Art Taylor (d)

Era bastante lógico que Ken McIntyre -también conocido como Makanda Ken McIntyre- tuviera la oportunidad de grabar en quinteto junto a Eric Dolphy: ambos compartían un enfoque multi-instrumentista, aunque con voces muy distintas. Publicado en el sello New Jazz Records, el disco reúne a un McIntyre de 24 años, recién salido del Conservatorio de Boston y lleno de ideas, con un Dolphy en pleno ascenso, ya reconocido por su trabajo con Chico Hamilton y, poco después, con Charles Mingus. En esta reedición, McIntyre toca saxo alto en cuatro temas y flauta en dos; sus incursiones en fagot, oboe o clarinete bajo vendrían poco después. Dolphy, por su parte, se mueve principalmente en el alto, pero también pasa por la flauta en un tema y utiliza el clarinete bajo en otro.

El grupo lo completan Walter Bishop Jr., Sam Jones y Art Taylor, quienes aportan solos precisos y un acompañamiento con mucho swing. En ese contexto, McIntyre logra sostenerse con soltura frente a la personalidad fuerte y creativa de Dolphy, a lo largo de varios temas originales y una composición de George Gershwin.

THE DAVE BRUBECK QUARTET JAZZ AT OBERLIN - Oberlin, Ohio, March 2, 1953 - The way you look tonight, How high the moon - Paul Desmond (as) Dave Brubeck (p) Ron Crotty (b) Lloyd Davis (d)

Jazz at Oberlin, del cuarteto de Dave Brubeck, es un disco clásico que captura muy bien la energía y la creatividad del grupo. Fue grabado en 1953 en Oberlin College (Ohio) y muestra por qué este cuarteto fue tan influyente en la historia del jazz.

Desde el comienzo se siente la conexión entre los músicos. Brubeck, en piano, destaca por su estilo original y por usar ritmos poco comunes. El saxofonista Paul Desmond aporta un sonido suave, cálido y muy melódico. La base rítmica —Ron Crotty en contrabajo y Lloyd Davis en batería— sostiene todo con solidez.

Más allá del concierto, el disco ayudó a llevar el jazz a salas de concierto y a que se estudiara en universidades. Sigue siendo un álbum clave: accesible, innovador y muy accesible.

KENNY BURRELL LIVE “VILLAGE VANGUARD”, New York, September 16 & 17, 1959 - All night long, Trio, Broadway, Soft winds - Kenny Burrell (g) Richard Davis (b) Roy Haynes (d)

En su disco A Night at the Vanguard, el guitarrista Kenny Burrell toca con gran fluidez, combinando líneas melódicas y acordes con naturalidad. Lo acompañan dos músicos también de primer nivel: el contrabajista Richard Davis y el baterista Roy Haynes. Juntos logran un sonido muy equilibrado.

El repertorio se basa en estándares. Hay momentos muy expresivos como “Will You Still Be Mine” y y otros más relajados como “Soft Winds” o la balada “I’m a Fool to Want You”. También destaca el blues “All Night Long” y un guiño al estilo de Duke Ellington en “Just A’Sittin’ and A’Rockin’”.

CHET BAKER IN NEW YORK - New York, September, 1958 - Hotel 49, Soft winds, Solar - Chet Baker (tp) Johnny Griffin (ts) Al Haig (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)

Chet Baker in New York muestra al trompetista en un contexto poco habitual. Conocido por su sonido suave, sus baladas, aquí se mueve hacia un terreno más directo y enérgico, cerca al estilo asociado a Miles Davis.

Grabado en Nueva York, el disco reúne a Baker con un grupo de primer nivel: el saxofonista Johnny Griffin, la única vez que Baker y Griffin grabaron juntos. El pianista es Al Haig y la espectacular sección rítmica de Paul Chambers y Philly Joe Jones.

Con esta alineación, el sonido es más intenso y con mayor empuje que el habitual en Baker. Sin dejar su lirismo, se adapta a un entorno más duro, con un enfoque más cercano al bebop y al jazz de la Costa Este, es decir Nueva York.

La figura de Bill Savory (1916–2004) resulta fundamental para la historia del jazz grabado. Ingeniero de sonido, trabajó en cadenas radiales como NBC y CBS en los años 30 y 40. En una época dominada por grabaciones comerciales de apenas tres minutos, Savory captó actuaciones en vivo mucho más extensas y espontáneas. Gracias a ello, hoy podemos escuchar a músicos en un contexto más libre, cercano a la experiencia real del directo.

JOHN KIRBY AND HIS ORCHESTRA “FLOW GENTLY, SWEET RHYTHM” - CBS STUDIOS, NYC, June - July, 1940 - From A Flat To C, Blues Petite, Front And Center, Effervescent Blues , Minnie The Moocher’s Wedding Day - Charlie Shavers (tp), Buster Bailey (cl), Russell Procope (as), Billy Kyle (p), John Kirby (b), O’Neil Spencer (d), Canada Lee (narrator).

Entre estos registros destacan emisiones del programa “Flow Gently, Sweet Rhythm”, con la banda de John Kirby. Ninguna banda se benefició tanto —en cuanto a reputación— con la publicación de la Savory Collection como el sexteto de John Kirby Sextet. La razón se entiende de inmediato en los primeros compases de “From Ab to C”: suena como un tema de bop de fines de los cuarenta, pero en realidad fue escrito por el pianista Billy Kyle y grabado por el grupo en 1938.

Kyle venía de la escuela de Earl Hines, pero tenía un estilo propio: mano izquierda muy medida, mano derecha suelta y rítmica, y un sentido armónico que llamó la atención de pianistas más modernos, especialmente Bud Powell.

Después de ese arranque tan inusual —que no se parece mucho a nada típico del swing— la música se vuelve más reconocible. Ahí aparecen los solos: primero una trompeta con sordina de Charlie Shavers, y luego un coro compartido entre Buster Bailey y Russell Procope.

Thanks for reading Roberto Barahona Puro Jazz! This post is public so feel free to share it.

LIONEL HAMPTON JAM SESSION “MAKE BELIEVE BALLROOM” - WNEW STUDIOS, NYC, December 28, 1938 - Star Dust, Chinatown, My Chinatown (1), Blues (LH-vcl), Rosetta - Charlie Shavers (tp), Vernon Brown (tb), Dave Matthews (as), Herschel Evans (ts), Lionel Hampton (vib, p-1, vcl), Howard Smith (p), Milt Hinton (b), Cozy Cole (d), Martin Block (announcer).

En el largo recorrido de Lionel Hampton (1908–2002), hay varios hitos que ayudan a entender no solo su energía inagotable, sino también su capacidad para reunir músicos y generar momentos únicos. Hampton vivió hasta los 94 años y mantuvo su big band activa por más tiempo que cualquiera de sus contemporáneos.

Después que dejó la orquesta de Benny Goodman en 1940, sus grupos y big bands funcionaron durante más de seis décadas.

Pero antes de consolidarse como líder, ya estaba en el centro de la escena. Un buen ejemplo es la sesión registrada el 28 de diciembre de 1938 en los estudios de WNEW en Nueva York, para el programa radial “Make Believe Ballroom”. Más que una grabación formal, se trata de una auténtica jam session: Hampton reunió a ocho músicos de primera línea que, aunque probablemente nunca habían tocado juntos en esa combinación exacta, compartían trayectorias cercanas.

La base rítmica incluía a Milt Hinton y Cozy Cole, ambos pilares de la sección de Cab Calloway. En trombón está Vernon Brown, y en alto Dave Matthews y el propio Hampton en vibráfono, todos ellos con experiencia en la banda de Goodman. En piano seleccionó a Howard Smith, que venía de tocar más de un año con Tommy Dorsey.

Dos figuras destacan especialmente en esta reunión. Por un lado, el tenor Herschel Evans, en una de sus últimas apariciones: le quedaban menos de dos meses de vida, y el más joven del grupo, con 21 años, el brillante trompetista, arreglista y compositor Charlie Shavers, cuya presencia anticipa el salto hacia una nueva generación.

Count Basie And His Orchestra CBS remote broadcast, Famous Door Jazz Club, NYC, August 31, 1938 Ed Lewis, Buck Clayton, Harry Edison (tp), Bennie Morton (tb), Dicky Wells, Dan Minor (tb), Earle Warren (as), Lester Young, Herschel Evans (cl, ts), Jack Washington (as, bari), Count Basie (p), Freddie Green (g), Walter Page (b), Jo Jones (d), Helen Humes, Jimmy Rushing (vcl), Eddie Durham, Andy Gibson,Don Redman (arr).

COUNT BASIE AND HIS ORCHESTRA CBS REMOTE BROADCAST, FAMOUS DOOR JAZZ CLUB, NYC, August 31, 1938 - Honeysuckle Rose, Stop Beatin’ Around The Mulberry Bush (JR, ens.-vcl), Texas Shuffle, Alexander’s Ragtime Band, St. Louis Blues (JR-vcl - Ed Lewis, Buck Clayton, Harry Edison (tp), Bennie Morton (tb), Dicky Wells, Dan Minor (tb), Earle Warren (as), Lester Young, Herschel Evans (cl, ts), Jack Washington (as, bari), Count Basie (p), Freddie Green (g), Walter Page (b), Jo Jones (d), Helen Humes, Jimmy Rushing (vcl), Eddie Durham, Andy Gibson,Don Redman (arr).

A lo largo de más de cuatro décadas, Count Basie (1904–1984) dirigió una de las grandes orquestas del jazz. Su apodo, “Count”, resume bien su estilo: economía, precisión y un sentido del swing basado en la elección exacta de cada nota. Desde el piano, Basie definió una elegancia relajada que se convirtió en marca registrada de su música.

No es exagerado decir que, sin la radio, su historia habría sido distinta. En los años 30, el mundo de la radiodifusión vivía una etapa de experimentación, con avances en calidad de sonido que permitían transmitir música con mayor fidelidad. Fue en ese contexto que el productor John Hammond, figura clave en la difusión del jazz, descubrió a la banda de Basie.

En 1935, Hammond escuchó por radio las emisiones regulares desde el Reno Club de Kansas City, donde los Barons of Rhythm tocaban seis noches a la semana. Impresionado por ese sonido flexible y con un sólido swing, gracias a su apoyo, la orquesta ampliada de Basie debutó en el Roseland Ballroom de Nueva York.

Así, de un circuito local en Kansas City, Basie pasó rápidamente a convertirse en una figura central del jazz, en buena medida gracias al poder de la radio para amplificar su música.

Thanks for reading Roberto Barahona Puro Jazz! This post is public so feel free to share it.

HERBIE HANCOCK QUARTET - Tokyo, Japan, July 28, 1981 - Well you needn’t, The eye of the hurricane - Wynton Marsalis (tp) Herbie Hancock (p) Ron Carter (b) Tony Williams (d)

El 28 de junio de 1981, Herbie Hancock ingresó al estudio con el mismo núcleo que grabó el día anterior el disco Trio. Agregó a Wynton Marsalis para registrar Quartet. El repertorio combina estándares —incluidos dos de Thelonious Monk— con material asociado al segundo quinteto de Miles Davis y composiciones más recientes de Ron Carter y Tony Williams.

El grupo toca con una energía que nos recuerda al espíritu del grupo V.S.O.P. a fines de los setenta. Tras un inicio relativamente convencional, el discurso se desplaza hacia el territorio post-bop de mediados de los sesenta, donde Carter y Williams empujan con pulso firme a Marsalis y Hancock, generando una tensión sostenida. Hancock, por su parte, confirma aquí su vigencia como pianista acústico: complejo, inventivo y siempre estimulante.

Quartet fue clave en el despegue de Marsalis, al darle una plataforma de mayor visibilidad en la escena del jazz. Para Hancock, además, marcó la reactivación del concepto V.S.O.P. con la misma base rítmica y distintos invitados: en 1983 aparecería V.S.O.P. II, con Wynton y su hermano Branford Marsalis, seguido poco después por V.S.O.P. III.

¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.

BILLY BANG THE FIRE FROM WITHIN - New York, September 19 & 29, 1984 - The glow of awareness, The nagual Julian (1), The mold of man - Ahmed Abdullah (tp) Billy Bang (vln) Oscar Sanders (elg) William Parker (b) John Betsch (d,cowbell) Thurman Barker (marimba) Charles “Bobo” Shaw (cowbell1)

Inspirado en un libro de Carlos Castañeda, el violinista neoyorquino Billy Bang reúne en The Fire From Within el fuego interno a un grupo poco convencional —trompeta, guitarra y marimba— para dar forma a un sonido atractivo, de textura ligera y muy abierto.

Las siete composiciones originales recorren distintos climas con naturalidad: desde el swing ágil y luminoso de “The Glow of Awareness”, pasando por el pulso polirrítmico con acento africano de “The Nagual Julian”, hasta el aire blusero de “The Mold of Man”.

El estilo de Bang siempre ha estado más cerca de una expresividad libre, casi “gitana”, que de una formación académica estricta. Aunque sus compañeros no alcanzan del todo la fluidez de sus solos, el trabajo de conjunto resulta tan disfrutable que The Fire From Within termina funcionando como una lograda síntesis entre tradición y búsqueda experimental.

AL COHN/BILL PERKINS/RICHIE KAMUCA THE BROTHERS ! - New York, June 24, 1955 - Rolling stone, Siouxzan, The walrus, Blue skies, Gay blade, Hags !, Proex - Al Cohn, Bill Perkins (ts,arr) Richie Kamuca (ts) Hank Jones (p) Barry Galbraith (g) John Beal (b) Chuck Flores (d) Bob Brookmeyer, Nat Pierce (arr)

El álbum The Brothers! reúne a tres tenores muy afines —Al Cohn, Bill Perkins y Richie Kamuca— en una sesión tan disfrutable como reveladora de una época. A mediados de los años 50, la influencia de Lester Young estaba en su punto más alto, y aquí se siente con claridad: fraseo relajado, sonido ligero y una forma de balancear precisión con naturalidad que hace que, por momentos, los tres resulten casi indistinguibles.

Los músicos venían de la emblemática sección de vientos de Woody Herman, y este encuentro en formato reducido traslada esa lógica de conjunto a un contexto más íntimo. El repertorio combina originales de los propios integrantes y colaboradores cercanos como Nat Pierce, Bill Potts y Bob Brookmeyer, junto al estándar “Blue Skies”. Todo está tocado con soltura y swing, sin buscar grandes rupturas, pero con una cohesión notable.

El grupo se completa con Hank Jones en piano, guitarra a cargo de Jimmy Raney (acreditado como “Sam Beethoven”) o Barry Galbraith, más John Beal en contrabajo y Chuck Flores en batería. Un disco que fluye con elegancia y espíritu de época.

Esta publicación es pública, la puedes compartir.

IMMANUEL WILKINS QUARTET LIVE AT THE VILLAGE VANGUARD - mayo de 2025 - Charanam - Immanuel Wilkins (sa) Micah Thomas (p) Ryoma Takenaga (b) Kweku Sumbry (dr)

El saxofonista alto Immanuel Wilkins presenta un registro en vivo directo desde el histórico Village Vanguard. Junto al pianista Micah Thomas, el contrabajista Ryoma Takenaga y el baterista Kweku Sumbry, el cuarteto muestra una música intensa pero siempre flexible, con un fuerte sentido de grupo.

El repertorio alterna momentos de gran energía con otros más contenidos. Hay pasajes extensos y encendidos, como “Composition IX”, y otros donde el cuarteto se mueve con mayor sutileza. Se notan influencias claras —John Coltrane o McCoy Tyner—, pero sin caer en la imitación: aquí hay una voz propia, actual y bien enfocada.

El disco se siente en diálogo con la tradición del Vanguard pero con un pulso contemporáneo. Más que mirar hacia atrás, el cuarteto suma una nueva página a esa historia.

The Immanuel Wilkins Quartet: Live At The Village Vanguard fue grabado en mayo de 2025, durante dos noches.

¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.

LIAM SILLERY PRIORITE - Riveredge, N.J., December 17 & 22, 2009 - A priori, Remoulade - Liam Sillery (tp) Matt Blostein (as) Jesse Stacken (p) Thomas Morgan (b) Vinnie Sperrazza (d)

El trompetista Liam Sillery presenta en “Priorité” (2011) un trabajo sólido dentro del post-bop, junto a un quinteto bien ensamblado que privilegia el trabajo colectivo. A su lado destacan el saxofonista Matt Blostein, el pianista Jesse Stacken, el contrabajista Thomas Morgan y el baterista Vinnie Sperrazza.

El disco se apoya en la interacción entre la trompeta y el saxo alto, que desarrollan líneas paralelas, se alternan en los solos y construyen un diálogo constante a lo largo del repertorio. Esa dinámica le da unidad al álbum y permite que cada tema se conecte con el siguiente de manera natural. La base rítmica, siempre atenta, aporta movimiento y matices, con un enfoque más colectivo que individual.

Musicalmente, “Priorité” propone estructuras algo complejas, con cambios de ritmo y armonías poco habituales, lo que le da un carácter más bien reflexivo. Hay momentos logrados, como “Remoulade”, uno de los pasajes más accesibles, o el aire más introspectivo de otras piezas.

RONNIE BOYKINS THE WILL COME, IS NOW - New York, February, 1975 - The will come, is now, Dawn is evening, afternoon - Daoud Haroon (tb) Joe Ferguson (sop,fl,ts) Jimmy Vass (as,sop,fl) Monty Waters (as,sop) Ronnie Boykins (b,sousa) Art Lewis (perc) George Avaloz (cga)

El contrabajista Ronnie Boykins, conocido por su trabajo con Sun Ra, lidera en “The Will Come, Is Now” su único disco como solista. Aunque fue invitado por ESP-Disk en 1964, la grabación recién se concretó en febrero de 1974, cuando Boykins decidió que era el momento adecuado.

El álbum muestra con claridad sus cualidades como contrabajista, incluyendo un notable uso del arco, además de su faceta como compositor y arreglador. Destaca también el sonido natural del instrumento, poco habitual en esa época.

En formato de septeto, seis composiciones originales recorren distintos climas y texturas. La música evoca por momentos el universo de Sun Ra, pero mantiene una identidad propia, revelando la sensibilidad y el enfoque personal de Boykins como artista.

Esta publicación es pública, la puedes compartir.

CURTIS AMY / FRANK BUTLER GROOVIN’ BLUE - Los Angeles, October 10, 1960 & January 10, 1961 - Gone into it, Bobblin’, Groovin’ blue - Carmell Jones (tp) Curtis Amy (ts) Bobby Hutcherson (vib) Frank Strazzeri (p) Jimmy Bond (b) Frank Butler (d)

El saxofonista tenor Curtis Amy, nacido en Houston, Texas, llegó a Los Ángeles a mediados de los años 50, donde se integró de lleno a la escena del West Coast Jazz. A partir de 1960 comenzó a grabar para el sello Pacific Jazz. Su segunda sesión para la compañía fue Groovin’ Blue, un disco de potente impulso swing, codirigido junto al baterista Frank Butler, que además tiene el atractivo de ser una de las primeras grabaciones en incluir al vibrafonista Bobby Hutcherson, quien tenía 19 años.

El grupo lo completan el trompetista Carmell Jones —en su debut discográfico—, junto al pianista Frank Strazzeri y el contrabajista Jimmy Bond. En este sólido programa de seis composiciones de Amy destacan la energía de “Gone Into It”, y la balada “Beautiful You”, que funciona como vitrina ideal para el lirismo notable de Hutcherson.

¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.

PHINEAS NEWBORN, JR. A WORLD OF PIANO:

- Los Angeles, October 16, 1961 - Cheryl, Manteca, Daahoud - Phineas Newborn, Jr. (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)

- Los Angeles, November 21, 1961 - Oleo - Phineas Newborn, Jr. (p) Sam Jones (b) Louis Hayes (d)

Phineas Newborn Jr. fue un pianista extraordinario. Cuando irrumpió a mediados de los años 50, su dominio del instrumento llevó rápidamente a comparaciones con Art Tatum y Oscar Peterson. Sus discos, en su mayoría en formato de solo o trío, han hecho que incluso hoy muchos pianistas vuelvan a pensar su manera de abordar la improvisación en el jazz.

Sus primeras experiencias profesionales incluyeron presentaciones en clubes del área de Memphis junto a su padre y su hermano, además de su paso por la banda de Lionel Hampton. En 1955 se trasladó a Nueva York, donde comenzó a trabajar en clubes y a grabar para sellos importantes.

El álbum en trío A World of Piano, registrado en noviembre de 1961, suele considerarse uno de sus trabajos más logrados e influyentes. Allí está acompañado con gran nivel por Paul Chambers y Philly Joe Jones en una de las sesiones, y por Sam Jones junto a Louis Hayes en la otra. En este notable recital interpreta cinco estándares y tres piezas menos conocidas de compositores de jazz; entre los momentos más destacados están “Cheryl”, “Manteca”, “Daahoud” y “Oleo”.

PHILLY JOE JONES SHOWCASE - New York, November 17, 1959:

- Minor mode (2), Joe’s debut (1) (bm out), Gone, gone, gone (1)(bm out) - Blue Mitchell (tp) Julian Priester (tb) Bill Barron (ts) Pepper Adams (bar) Dolo Coker (p-1) Sonny Clark (p-2) Jimmy Garrison (b) Philly Joe Jones (d)

- Gwen (1) - Dolo Coker (p-1) Jimmy Garrison (b) Philly Joe Jones (d)

Showcase es un disco especialmente interesante dentro del hard bop, liderado por el baterista Philly Joe Jones. Bien pensado y variado, funciona como una carta de presentación tanto para su líder como para el grupo que lo acompaña.

Es, sin duda, un verdadero lucimiento para la batería de Jones —por entonces, en 1959, un talento en pleno ascenso—, pero también un trabajo colectivo muy sólido, a cargo de una formación de hard bop con inquietudes modernas y una instrumentación poco habitual: Bill Barron en saxo tenor y Julian Priester en trombón. A ellos se suman Pepper Adams en barítono, Jimmy Garrison en contrabajo, y en el piano alternan Charles Coker o Sonny Clark. Un elenco de alto nivel que mantiene el disco en constante ebullición de ideas.

Entre los momentos más inmteresantes destaca “Gwen”, una balada compuesta por Jones en la que el propio líder se encarga tanto del piano como —mediante sobregrabación— de la batería, en formato de trío junto a Garrison. También sobresale su intervención en “Gone”, inspirada en la lectura que hicieron Miles Davis y Gil Evans de Porgy and Bess.

Esta publicación es pública, la puedes compartir.