PuroJazz

NEBBIA / BANNER / ANDREZEJEWSKI “PRESENCIA”

- Berlin, Germany, October 17, 2024

Choco, Arid, Meander, Sad song #1

Camila Nebbia (ts) James Banner (b) Max Andrzejewski (d)

El título Presencia juega con dos ideas: por un lado, las “presencias” que nos acompañan —personales, históricas, ancestrales— y que moldean nuestra identidad; por otro, la importancia de estar realmente presentes en el momento. Para el trío compuesto por Camila Nebbia (ts) James Banner (b) Max Andrzejewski (d), eso significa atención absoluta a la música y un compromiso total con su interpretación.

El grupo nació del interés de volver al espíritu de las bandas adolescentes: crear juntos, compartir ideas muy abiertas o muy detalladas, y dejar espacio para que cada integrante aporte algo propio. No hay líder; el funcionamiento es completamente democrático. Aun así, los tres comparten una inclinación natural por desarrollar ideas, tanto en la composición como en la improvisación. Por eso el disco combina piezas breves, otras más extensas y estructuradas, y momentos totalmente improvisados.

La grabación se hizo en un solo día en Bonello Studio, en Berlín, después de una serie de conciertos europeos donde el trío afinó este material. Más que buscar “tomas perfectas”, quisieron capturar la energía de actuaciones en vivo.

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RUSS LOSSING “PROXIMITY ALERT”

- April, 2024

Incommunicado, Boodda, Emphasis my own

Russ Lossing (p) Mark Helias (b) Eric McPherson (d)

Russ Lossing es un pianista que siempre ha trabajado con tríos que funcionan como equipos bien ensayados. A lo largo de su carrera ha tocado con figuras como Paul Motian, experiencia que marcó su gusto por esa mezcla de disciplina y espontaneidad: música donde hay estructura, pero también espacio para el shock, el empuje y la sorpresa.

Proximity Alert es su segundo disco junto al bajista Mark Helias y el baterista Eric McPherson. Desde el comienzo, el trío muestra una energía vibrante. En temas como “Incommunicado” el grupo avanza y retrocede con cambios de dirección y ritmo, siempre manteniendo la idea central.

También hay momentos más concentrados, casi “de laboratorio”, además de piezas más suaves como “Lamento” o el toque bebop de “Rhythmique”.

BOBBY BRADFORD “THE BOTTLE TAPES”

- Chicago, October 28, 1998

Comin’ On

Bobby Bradford (t) Fred Anderson (st) Harrison Bankhead (b) Chad Taylor (dr)

The Empty Bottle Jazz & Improvised Music Series

The Bottle Tapes es un album de seis CD que incluye música selecta interpretada en el legendario club Empty Bottle de Chicago en el apogeo de la música creativa de la década de 1990. De 1996 a 2005, el escritor y productor John Corbett y el músico y compositor Ken Vandermark se unieron para curar una serie de conciertos. Junto con festivales internacionales anuales, la serie comprendió más de 500 actuaciones a lo largo de sus nueve años. Las actuaciones de la música presentada en el Empty Bottle Jazz están dispuestas en secuencia cronológica, desde el jazz libre más duro hasta la improvisación libre microscópica y otros tipos de música experimental. La alineación incluye a casi 100 músicos.

Hoy oiremos al trompetista Bobby Bradford quien nació en Mississippi, creció en Texas pero fue en Los Ángeles donde puso raíces a principios de la década de 1950, e hizo conexiones con la entonces desconocido compañero tejano Ornette Coleman ( con quien Bradford aparece en Ciencia Ficción, de 1971). Algunas de sus otras principales alianzas de Los Ángeles han sido con el clarinetista John Carter, con quien Bradford actuó y grabó durante décadas y el saxofonista David Murray, uno de sus estudiantes protegidos.

FRANK BUTLER WHEELIN’ AND DEALIN’”

- Los Angeles, October 22, 1978

Wheelin’ and dealin’ Four

Teddy Edwards, Joe Farrell (ts) Dolo Coker (p) Monty Budwig (b) Frank Butler (d)

El baterista Frank Butler comenzó su carrera durante la Segunda Guerra Mundial, tocando en los espectáculos del USO que entretenían a las tropas estadounidenses. A fines de los años setenta grabó dos excelentes discos como líder, trabajos que mostraron un músico muy respetado incluso por figuras exigentes como Miles Davis. Su técnica precisa se formó durante un largo período junto al pianista Edgar Hayes y luego con artistas tan distintos como Duke Ellington, Pérez Prado y el contrabajista Curtis Counce.

Wheelin’ and Dealin’ fue su segundo y último álbum como líder, grabado menos de un año después de The Stepper. Mantiene la misma base rítmica —Dolo Coker al piano y Monty Budwig en el contrabajo— pero esta vez suma a dos tenores de lujo: Joe Farrell y Teddy Edwards. El protagonismo recae justamente en ellos. Edwards aporta el tema que abre el disco, un blues rápido que da pie a un duelo de tenores a la antigua, del que ambos salen brillando. Butler, siempre elegante y exacto, tiene su momento al frente en una versión ágil y con buen swing de “Four”.

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BEHN GILLECE “PIVOT POINT”

- May 19, 2023, Brooklyn, NY

Haymaker (1), Beyond the veil (1), Pivot point (2)

Willie Morris (ts,sop) Behn Gillece (vib) Jon Davis (p) Boris Kozlov (b) Rudy Royston (d1) Jason Tiemann (d2)

El vibrafonista Behn Gillece, inspirado por maestros como Milt Jackson, Gary Burton y Bobby Hutcherson, ha desarrollado un lenguaje propio que hoy lo identifica de inmediato. Desde su llegada a Nueva York en 2006, Gillece se ha convertido en un sideman muy solicitado y en un líder sólido, con una impresionante discografía.

En su álbum Pivot Point, Jon Davis en el piano aporta un toque firme, nuevas ideas rítmicas y un fraseo muy personal, enriqueciendo el sonido del grupo. El saxofonista Willie Morris, destaca por su tono expresivo y lleno en el tenor y con el soprano muestra un sonido flexible y transparente que dialoga de manera ideal con el vibráfono de Gillece.

La base rítmica —el experimentado Boris Kozlov en el contrabajo y los bateristas Rudy Royston o Jason Tiemann— sostiene el álbum con solidez y sensibilidad. Su larga historia tocando juntos se nota en la precisión, las respuestas intuitivas y la facilidad con que Tiemann quien trabajo con ellos por primera vez aqui participa en algunos surcos en los que entra y mantiene el pulso sin alterar la fluidez del grupo.

STEVE SLAGLE “NASCENTIA (BIRTH)”

- New York, October 6, 2020

Nascentia suite : All up in it (1,2), Drum interlude, Agarna (1,2), Bass interlude, Nascentia (1)

Jeremy Pelt (tp1) Clark Gayton (tb2) Steve Slagle (as,fl3,comp) Bruce Barth (p) Ugonna Okegwo (b) Jason Tiemann (d)

La música del saxofonista Steve Slagle, cuya trayectoria abarca varias décadas y estilos dentro del jazz, tiende hacia la tradición. Es integrante de la Mingus Big Band desde 1993, también ha participado en proyectos de figuras como Joe Lovano y Carla Bley. Nascentia es la entrega más reciente de una discografía que ya suma 17 álbumes como líder.

Para este trabajo, Slagle compuso una suite con tres movimientos principales que se conectan mediante dos interludios: uno por el contrabajista Ugonna Okegwo y el otro del baterista Jason Tiemann. El comienzo es un contundente tema que avanza con un swing firme y recuerda por momentos el espíritu de los Jazz Messengers de Art Blakey. El trompetista Jeremy Pelt, siempre inspirado, y el trombonista Clark Gayton, de sonido sólido, aportan sus propias perspectivas ampliando el carácter y la energía de la suite.

ART PEPPER “THURSDAY - SATURDAY NIGHT AT THE VILLAGE VANGUARD”

- New York, July 28, 1977

A Night In Tunisia, Scrapple From The Apple

Art Pepper (as,ts,cl) George Cables (p) George Mraz (b) Elvin Jones (d)

El saxofonista alto Art Pepper tocaba con una intensidad emocional que terminó definiendo el llamado “estilo de la Costa Oeste”. Desde sus primeras grabaciones con la orquesta de Stan Kenton (entre 1943 y 1952), y en las jam sessions de la Central Avenue de Los Ángeles, Pepper siempre mostró un estilo apasionado y directo.

Las grabaciones legendarias que hizo en 1977 en el Village Vanguard fueron la primera vez que Pepper se registró en vivo, algo sorprendente considerando todos los años que ya llevaba tocando. Este concierto lo muestra en un momento de verdadero renacimiento artístico: más libre, más inspirado y con un sonido muy distinto al de los años 50 y 60. Lo acompañan George Cables en piano, George Mraz en contrabajo y Elvin Jones en batería. Pepper también se anima al saxofón tenor, donde suena igual de brillante.

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DENNY ZEITLIN “LIVE “MEZZROW JAZZ CLUB”

- New York, May 3 & 4, 2019

Echo of a kiss, Isfahan, Intimacy of the blues

Denny Zeitlin (p) Buster Williams (b) Matt Wilson (d)

Después de casi veinte años trabajando juntos, el trío del pianista Denny Zeitlin, con Buster Williams en contrabajo y Matt Wilson en batería, sigue siendo uno de los más sofisticados y creativos del jazz actual. Este álbum, grabado durante dos noches de su residencia en mayo de 2019 en el club Mezzroow de Nueva York, el grupo suena en un nivel altísimo, con una flexibilidad y frescura increíbles. Lo ilstran en la versión de “The Man I Love” de Gershwin, donde cada músico aporta algo especial. Zeitlin mezcla distintos lenguajes musicales con gran naturalidad, Williams ofrece un sonido profundo y flexible, y Wilson aporta color, carácter y un sentido del tiempo impecable.

RICH PERRY “GONE”

- New York, January, 2008

Gone with the wind, Don’t blame me

Rich Perry (ts) Harold Danko (p) Jay Anderson (b) Jeff Hirshfield (d)

El saxofonista tenor Rich Perry —miembro de la Thad Jones/Mel Lewis Orchestra y de muchas otras bandas— lidera aquí un cuarteto formado por colaboradores habituales: Harold Danko en piano, Jay Anderson en contrabajo y Jeff Hirschfield en batería. El disco se basa en estándares muy conocidos, pero Perry los aborda desde ángulos poco habituales.

“Gone with the Wind”, que suele interpretarse de manera ligera, aquí toma un rumbo distinto: Perry lo transforma en un extenso viaje post-bop, lleno de matices y una energía más contenida pero intensa. Todo el álbum suena tan natural y fluido que perfectamente podría haberse grabado en una o dos tomas, con los músicos saliendo del estudio antes de lo previsto.

Entre 1943 y 1949, el Departamento de Guerra de EE. UU. produjo discos especiales —los V-Discs— destinados exclusivamente a las tropas estadounidenses en Europa, el Pacífico y en bases en otros países. Participaron músicos que normalmente no grababan juntos, ya que las sesiones estaban financiadas por el gobierno y no se aplicaban las restricciones comerciales habituales.

Permitieron grabar durante la huelga de músicos (1942–44) impuesta por el sindicato AFM, que prohibía grabar para sellos comerciales. Como los V-Discs no se vendían, el sindicato los autorizó: esto hizo que muchos artistas siguieran activos en estudio únicamente en este formato.

Registraron versiones únicas y a veces irrepetibles de grandes figuras: Louis Armstrong, Duke Ellington, Count Basie, Coleman Hawkins, Benny Goodman, Billie Holiday, Lester Young, Art Tatum, entre muchos otros en discos de 12 pulgadas, de vinilo. Los originales fueron destruidos cuando concluyó el programa, pero muchas copias sobrevivieron entre coleccionistas y archivos. Tego acceso a un album de 12 CDs esta noche compartiré algunos.

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SIDNEY BECHET & HIS NEW ORLEANS FEETWARMERS

- V- Disc Nueva York, December 8, 1943

After you’ve gone (1) blues [Bugle call rag] (&) [Ole Miss] (1), Bechet parades the blues

Vic Dickenson (tb) Sidney Bechet (sop) Don Donaldson (p) Ernest Myers (b,vcl) Wilbert Kirk (d)

Cuando estaba rodeado de músicos más tímidos, el saxo soprano y clarinetista Sidney Bechet dominaba el escenario y no soltaba el protagonismo. Pero con el trombonista Vic Dickenson (1906–84) la cosa era distinta: se llevaban bien, y Vic era un acompañante ideal, siempre en su lugar, sin entorpecer a Bechet. Entre ambos construían líneas y colores que parecían un maravilloso contrapunto improvisado. Los dos “cantan” a través de sus instrumentos, algo que se siente desde las primeras notas de “After You’ve Gone”,.

MUGGSY SPANIER AND HIS V-DISC ALL-STARS

- V Disc Nueva York, 17 de octubre de 1944

That’s a plenty, Squeeze me, Pats me blues

Muggsy Spanier (cnt) Lou McGarity (tb) Pee Wee Russell (cl,vcl) Boomie Richman (ts) Jess Stacy (p) Hy White (g) Bob Haggart (b,whistling) George Wettling (d)

Francis “Muggsy” Spanier (1901–67), nacido en Chicago, veneraba a King Oliver. Su estilo dependía mucho de un pequeño repertorio de frases, lo que a veces hacía que su toque resultara predecible. Por eso, el mayor atractivo de estas sesiones viene de los músicos capaces de aportar ideas frescas y sorpresas: el exuberante Lou McGarity, el siempre chispeante Bud Freeman, un Jess Stacy radiante, el enérgico y explosivo George Wettling, el ágil Boomie Richman y, sobre todo, Pee Wee Russell, que gruñe sus propias líneas de blues con un carácter inolvidable y alcanza un punto casi surrealista en “Pat’s Blues”.

WILD BILL DAVISON

- V Disc Nueva York, March 12, 1944

Honeysuckle Rose, I Ain’t Gonna Give Nobody None O’ This Jelly-Roll

Wild Bill Davison (cor), George Lugg (tb), Pee Wee Russell (cl), Joe Bushkin (p), Eddie Condon (g), Pops Foster (b), Kansas Fields (d), Jimmy Rushing (vcl).

Comienza con “Honeysuckle Rose”, una miniatura encantadora. Nadie intenta hacer historia y el resultado es de una utilidad espléndida. Las discografías acreditan a Bushkin en el piano, pero aquí suena como James P. Johnson. Esto tiene sentido: Johnson fue maestro de Fats Waller y además grabó este clásico de Waller varias veces ese mismo año.

“Jelly Roll” destaca por Hall, fogoso y elegante, mientras Eddie aporta una urgencia amable y contundente.

JACK TEAGARDEN / LOUIS ARMSTRONG V-DISC ALL STAR JAM SESSION

- Nueva York, December 6, 1944

“Jack-Armstrong” Blues [Play Me The Blues] Miss Martingale, Can’t We Talk It Over?, The Sheik Of Araby

Jack Teagarden y Lou McGarity tbn; Billy Butterfield, Bobby Hackett cor, Billy Butterfield, Lous Armstrong t; Ernie Caceres bari , Nick Caiazza st, Johnny Guarnieri (p); Cozy Cole (dr)

En la madrugada del 6 de diciembre de 1944 ocurrió un momento único en la historia del jazz. Louis Armstrong, que esa noche tocaba con su poco inspirada big band en el Club Zanzibar, decidió pasar sin aviso por el Estudio 8-H de la cadena NBC, donde se preparaba una sesión para los V-Discs. En el estudio estaban Jack Teagarden, Billy Butterfield, Bobby Hackett, Lou McGarity, Cozy Cole y el pianista Johnny Guarnieri, ensayando un blues rápido antes de grabarlo.

Apenas alguien vio entrar a Louis, todo se detuvo. Los músicos, sorprendidos, lo saludaron mientras él se quitaba el abrigo, abría el estuche y comenzaba a calentar la trompeta. Nadie tocó una nota: todos simplemente esperaron, atentos, como si supieran que estaban a punto de presenciar algo especial.

Cuando Armstrong se unió al grupo, el ambiente cambió de inmediato. Según el productor George T. Simon, fue la primera vez que escuchó al “verdadero Armstrong” tan de cerca. Su sonido —la fuerza, el sentimiento, el tono, el fraseo— dejó a todos completamente asombrados. Era una energía que no podía venir de ningún otro músico.

Al terminar, Louis salió apurado de vuelta al Zanzibar. En el estudio quedó una sensación compartida: todos habían sido testigos de algo irrepetible.

MILES DAVIS QUINTET “SORCERER”

- New York, May, June, 1967

The sorcerer, Masqualero, Vonetta

Miles Davis (tp) Wayne Shorter (ts) Herbie Hancock (p) Ron Carter (b) Tony Williams (d)

El tercer álbum del legendario quinteto de Miles Davis con Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams, Sorcerer es una respuesta más oscura y enigmática al fuego de Miles Smiles. Grabado en mayo de 1966, toma su nombre de “The Sorcerer”, pieza de Hancock dedicada a Miles.

El corazón del disco está en las composiciones de Shorter —“Prince of Darkness”, “Masqualero”, “Limbo” y “Vonetta”—, todas llenas de formas elásticas y cambios de ritmo imprevisibles. En “Masqualero”, por ejemplo, Miles y Shorter tocan líneas casi al unísono, creando un efecto de eco, mientras Hancock y Carter improvisan caminos paralelos. Shorter juega con intervalos amplios y silencios expresivos, dejando que la música respire y se transforme con cada interpretación.

El resultado es un álbum lleno de misterio, equilibrio y libertad creativa, donde cada músico parece hechizar al otro. En la portada, aparece la actriz Cicely Tyson, nueva pareja de Miles, símbolo de un periodo de cambio y sofisticación.

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OWL TRIO FEATURING KURT ELLING “LIFE OF THE PARTY”

- New York, April 11 & 12, 2019

French song, Life of the party, Struggle session

Will Vinson (ts) Lage Lund (g) Orlando le Fleming (b) Kurt Elling (voice)

Cuando los músicos comparten años de amistad, confianza y complicidad, el resultado adquiere otra profundidad. Eso es lo que ocurre entre el OWL Trio —Orlando le Fleming, Will Vinson y Lage Lund— y el cantante Kurt Elling.

Los tres instrumentistas se conocieron en Nueva York a comienzos de los 2000 y forjaron su sonido en clubes pequeños como Smalls o el 55 Bar. Su primer disco nació casi por accidente, grabado sin ensayo en una iglesia abandonada. Esa mezcla de riesgo y confianza definió su química.

Kurt descubrió al trío en un diminuto bar de Brooklyn y quedó fascinado por su inteligencia musical y naturalidad. Años después, se unió a ellos en una colaboración íntima. Es música hecha desde la confianza, la amistad y carreras compartidas.

HAROLD LAND “THE FOX”

- Los Angeles, August, 1959

The fox, One second, please, Little Chris

Dupree Bolton (tp) Harold Land (ts) Elmo Hope (p) Herbie Lewis (b) Frank Butler (d)

Aunque el tema más conocido del álbum The Fox es precisamente “The Fox”, una carrera a toda velocidad, el verdadero encanto del disco está en “One Second, Please”, composición del pianista Elmo Hope. En ella, el saxofonista Harold Land muestra su estilo elegante y medido, con frases que fluyen sin alejarse demasiado de la melodía y un fraseo controlado y preciso. Su sonido combina lirismo y firmeza con una naturalidad que lo distingue.

El trompetista Dupree Bolton, poco conocido pero brillante, deja aquí una actuación memorable, recordando por momentos a Clifford Brown y Kenny Dorham por su energía y articulación precisa. Hope, autor de la mayoría de las piezas, aporta composiciones llenas de humor rítmico y acentos fuera de tiempo, cercanos al espíritu de Thelonious Monk.

El resultado es un disco perfectamente equilibrado de un encuentro afortunado entre grandes músicos.

KRIS DAVIS “RUN THE GAUNTLET”

- January 14, 2024 at Brooklyn NY

Run the gauntlet, Coda queen

Kris Davis (p) Robert Hurst (b) Johnathan Blake (d)

En Run the Gauntlet, su primer álbum en trío como líder desde Waiting For You To Grow (2014, Clean Feed Records), la pianista Kris Davis rinde homenaje a sus mentoras e inspiraciones —Geri Allen, Carla Bley, Marilyn Crispell, Angelica Sanchez, Sylvie Courvoisier y Renee Rosnes—. Acompañada por el baterista Johnathan Blake y el bajista Robert Hurst, Davis despliega su característico universo sonoro: audaz, cinematográfico y de una imaginación inagotable.

El tema que da nombre al disco abre con fuerza explosiva, situando a Davis en el nivel de sus mejores trabajos, como Diatom Ribbons o Save Your Breath. Su piano guía un torbellino rítmico que Blake y Hurst moldean con maestría. La intensidad cede paso a pasajes más introspectivos como Softly, As You Awake, de tono etéreo, o First Steps y Little Steps, inspirados en la infancia de su hijo.

En Heavy-Footed, Davis se acerca al formato de canción tradicional con un toque personal, mientras Beauty Beneath the Rubble y su Meditation revelan la sensibilidad de Blake. El cierre, con piezas como Knotweed o Dream State, reafirma a Davis como una artista sin fronteras, capaz de unir riesgo, lirismo y audacia en un mismo gesto musical.

JAMES BRANDON LEWIS “CODE OF BEING”

- Winterthur, Switzerland, May 16 & 17, 2021

Resonance, Every atom glows, Code of being

James Brandon Lewis (ts) Aruan Ortiz (p) Brad Jones (b) Chad Taylor (d)

El carismático saxofonista y compositor James Brandon Lewis se ha convertido en los últimos años en una de las figuras más emocionantes del jazz actual. Es un músico apasionado, sin límites estilísticos, lleno de ideas que filtra e integra dentro de su propio lenguaje musical.

Cuando se le pide ubicarse dentro de la historia de la música estadounidense, Lewis responde sin titubeos: “John Coltrane, Albert Ayler, Cecil Taylor, Eric Dolphy, Ornette Coleman, Sonny Rollins... me veo, de muchas maneras, como parte de esa tradición, y espero, con toda humildad, poder contribuir a ella.” Con su voz de saxo profunda, expresiva y versátil, James Brandon Lewis tiene claro de dónde viene y hacia dónde va. Su arte, como su sonido, vibra con el pathos de lo existencial.

Code of Being es una obra poderosa compuesta por ocho temas originales de Lewis. Junto a Aruán Ortiz, Brad Jones y Chad Taylor —tres músicos excepcionales con personalidades bien definidas— el cuarteto construye un sonido urgente y lleno de energía, que transita por una amplia paleta de colores, ritmos y climas. Con un agudo sentido de la melodía, la forma y la dinámica, el grupo desarrolla un diálogo vivo, reaccionando con precisión a las mínimas variaciones del ambiente, tanto en el sonido como en el pulso.

El resultado es una música cautivadora, difícil de resistir, en especial por sus melodías de gran belleza temática. Son puntos de partida para vuelos improvisados y tramas colectivas de gran complejidad, melodías que son el alma de un arte sonoro que refleja la intuición musical entre la tensión y la disolución.

PETER EVANS “BEING & BECOMING”

- Brooklyn, NY, April 15, 2019

Malibu, Pulsar

Peter Evans (tp,pictp,comp) Joel Ross (vib) Nick Jozwiak (b) Savannah Harris (d,perc)

El trompetista y corneta piccolo Peter Evans presenta Being & Becoming, el primer disco de su nuevo cuarteto junto a Joel Ross (vibráfono), Nick Jozwiak (contrabajo) y Savannah Harris (batería). El grupo reúne a cuatro figuras destacadas de la nueva generación del jazz creativo, moviéndose con naturalidad entre la escritura precisa y la improvisación libre.

El álbum combina pasajes con textura de música de cámara, secciones abiertas y grooves profundos, todo bajo una comunicación casi telepática. A diferencia de sus proyectos previos con electrónica, Evans opta aquí por un sonido completamente acústico, apostando por la interacción pura entre los músicos.

Formado en Nueva York en 2017, el cuarteto fue puliendo su concepto antes de entrar al estudio. El resultado es un trabajo que confirma el compromiso de Evans con la composición contemporánea y la improvisación creativa en formato pequeño, uniendo tradición, riesgo y libertad.

FELIPE SALAS “VAQNO QUARTET”

- enero de 2025 Estudios de Pez Records, Santiago, Chile

Nooo, Mente

Juan Pablo Salvo (trompeta) Felipe Salas (órgano, piano eléctrico) Christian Galvez (bajo, contrabajo) Sebastián Acevedo (batería)

Felipe Salas se inició en el piano, pero optó fue el órgano Hammond para definir su identidad musical. De niño aprendió descifrando obras clásicas y solos de Led Zeppelin o Deep Purple, antes de descubrir el jazz via Bill Evans. A fines de la década de 2010 comenzó a frecuentar las jam sessions del club Thelonious, donde conoció al trompetista Juan Pablo Salvo, con quien grabó dos discos.

Acaba de lanzar el album VaQno Quartet, una síntesis de rock, psicodelia y jazz donde cristaliza su búsqueda: borrar las fronteras entre estilos para afirmar una voz propia.

ROXY COSS “RESTLESS IDEALISM”

- Brooklyn, NY, November 10 & 20, 2014

Don’t cross the Coss, Waiting, Push, Breaking point

Jeremy Pelt (tp) Roxy Coss (ts,sop) Chris Pattishall (p) Alex Wintz (g) Dezron Douglas (b) Willie Jones, III (d)

Roxy Coss es una de las saxofonistas innovadoras de su generación. Ganadora del premio ASCAP Herb Alpert Young Jazz Composer en 2016, y reconocida como Rising Star estrella en ascenso del saxofón soprano en las encuestas de críticos de la revista DownBeat entre 2014 y 2016.

Originaria de Seattle y figura destacada de la escena neoyorquina, ha tocado junto a leyendas como Clark Terry, Louis Hayes y con la Mingus Big Band. También integró la Diva Jazz Orchestra y conocida por su trabajo junto al trompetista Jeremy Pelt, desarrolló las composiciones y el concepto de Restless Idealism Idealismo incansable su segundo álbum durante una residencia de tres años con su quinteto en el club Smoke Jazz. Acompañada por Pelt, el guitarrista Alex Wintz, el pianista Chris Pattishall, el bajista Dezron Douglas y el baterista Willie Jones III, Coss entrega una obra reflexiva, emotiva y audaz. Inspirada por los Jazz Messengers, Wayne Shorter y Mark Turner, reafirma aquí su voz distintiva a través de diez composiciones originales.

GREG BURROWS “LET’S NOT WAIT: THE MUSIC OF ED BONOFF”

- ca 2025

Piazza Navona, Meatloaf and Margaux, Shout ‘Em, Aunt Tillie

Tim Armacost (st/ss), Gary Smulyan (bari), John Fumasoli (tbn), Hiroshi Yamazaki (p), Al Orlo (g) Rich Zurkowski (b) Greg Burrows (dr).

El baterista Greg Burrows lidera Let’s Not Wait, un tributo al compositor, arreglista y baterista neoyorquino Ed Bonoff, figura esencial del jazz moderno y aún activa en la escena de Manhattan.

Para esta grabación de 2024, Burrows reunió a destacados músicos de Nueva York: Tim Armacost (saxo tenor y soprano), Gary Smulyan (barítono), John Fumasoli (trombón), Hiroshi Yamazaki (piano), Al Orlo (guitarra) y Rich Zurkowski (contrabajo). El resultado es un repertorio que celebra la elegancia, el swing y la sensibilidad melódica de Bonoff.

Con el propio Bonoff involucrado en los arreglos y la producción, Let’s Not Wait: The Music of Ed Bonoff rinde homenaje a su legado creativo y a su inquebrantable espíritu de colaboración. Lanzamiento: 31 de octubre de 2025.

MICHAEL FORMANEK “NATURE OF THE BEAST”

- Brooklyn, NY, March 31 & April 1, 1996

Don’t go there ..., Emerger, The dry season

Dave Douglas (tp) Steve Swell (tb) Chris Speed (cl) Tim Berne (as) Tony Malaby (ts) Michael Formanek (b) Jim Black (d)

Nature of the Beast nació del núcleo formado por Dave Douglas, Steve Swell, Jim Black y el contrabajista y líder del grupo: Michal Formanek. Su idea inicial era alejarse del sonido habitual centrado en saxofones y maderas, buscando en cambio una sonoridad más seca y percusiva. Tras componer varias piezas para esa instrumentación, decidió incorporar uno o dos saxos en el resto de los temas para obtener un color más rico y equilibrado. La participación de Chris Speed surgió de manera fortuita durante los ensayos en la casa de Jim Black que comparten. Speed estaba practicando clarinete en el piso de arriba, y fue invitado a tocar en una tema. Ambos ya habían trabajado juntos durante años en Bloodcount, por lo que la colaboración resultó natural e inmediata. Curiosamente, este álbum terminó siendo la única grabación de estudio en la que participaron todos los integrantes de Bloodcount.

MARK TURNER “FLY”

- New York, June 1618, 2003

Fly Mr. Freakjar, JJ

Mark Turner (ts,sop,bcl) Larry Grenadier (b) Jeff Ballard (d)

En una época dominada por los solistas y figuras individuales, el trío FLY —formado por el saxofonista Mark Turner, el bajista Larry Grenadier y el baterista Jeff Ballard— reivindica la fuerza del trabajo colectivo. Más que acompañarse mutuamente, los tres dialogan con igual protagonismo, fusionando personalidades distintas en un sonido común, equilibrado y flexible. Su música, libre de jerarquías, celebra tanto la individualidad como la cohesión del grupo.

El proyecto nació a fines de los noventa, cuando Turner, entonces un saxofonista en ascenso, coincidió con sus viejos amigos Grenadier y Ballard en un trabajo con Chick Corea. De esa colaboración surgió el trío que representa la esencia del trío cooperativo.

NASHEET WAITS’ EQUALITY “BETWEEN NOTHINGNESS AND INFINITY”

- Solignac, France, May, 2016

Snake hip waltz, Story line, Kush

Darius Jones (ts) Aruan Ortiz (p) Mark Helias (b) Nasheet Waits (d)

Hijo del legendario percusionista Frederick Waits, Nasheet siguió los pasos de su padre. AL egresar de la Universidad de Long Island, fue invitado por Max Roach a integrar M’Boom, un conjunto formado exclusivamente por bateristas y percusionistas. Después trabajó con el saxofonista Antonio Hart y en el nuevo milenio, fue miembro habitual de los grupos de Andrew Hill y Jason Moran. Con este último y el bajista Tarus Mateen formó una de las secciones rítmicas más destacadas del jazz contemporáneo.

Su proyecto Equality, en el álbum Between Nothingness And Infinity - entre la nada y la infinidad- editado en 2016 por el sello francés Laborie Waits equilibra tradición y modernidad con un estupendo cuarteto que incluye a Darius Jones, Aruán Ortiz y Mark Helias— tenor piano y bajo. Con el repertorio que combina composiciones originales y versiones de Andrew Hill, Sam Rivers y Charlie Parker, el grupo despliega un lenguaje libre, intenso y sofisticado, fiel al espíritu exploratorio de Nasheet Waits.

DAYNA STEPHENS “MONK’D”

- Englewood Cliffs, NJ, March 24, 2022 October 10, 2025 2024

Coming on the Hudson, Just you and me smoking the evidence, Monk’d

Stephen Riley (ts) Ethan Iverson (p) Dayna Stephens (b) Eric McPherson (d)

El aclamado saxofonista Dayna Stephens soprende al optar por el contrabajo acústico en Monk’D, un homenaje íntimo y minimalista a Thelonious Monk, grabado en el legendario Rudy Van Gelder Studio. Stephens como bajista ha trabajado con Roy Hargrove, Eric Harland y Joshua Redman— y ofrece una mirada al universo de Monk desde la perspectiva del acompañamiento rítmico. Stephens lidera un cuarteto de luijo con Ethan Iverson en piano, Stephen Riley en saxo tenor y Eric McPherson en batería. el repertorio incluye piezas menos conocidas de Monk.

MAL WALDRON “FREE AT LAST”

- Ludwigsburg, Germany, November 24, 1969

Rat now, Balladina, 13234

Mal Waldron (p) Isla Eckinger (b) Clarence Becton (d)

Waldron fue uno de los mejores pianistas de su generación, aunque algo pasado por alto después de su traslado a Europa. Grabó música clásica, partituras de películas, rhythm & blues, música de fondo y casi todos los subgéneros de jazz. Waldron trabajó en Nueva York con el saxofonista Ike Quebec en el Café Society a principios de la década de 1950 y fue parte del conjunto de de Charles Mingus, aparece en varios de sus discos; aunque no estaba cómodo con el estilo de composición de Mingus y se sentía intimidado por él, pero la experiencia abrió los instintos creativos de Waldron.

En 1956 grabó y lanzó su primera fecha de líder, Mal/1 (Prestige Records) con el trompetista Idrees Sulieman y Gigi Gryce en saxo alto; al año siguiente lanzó Mal/2 con John Coltrane, Jackie McLean. A finales de la década de 1950, fue el acompañante de Billie Holiday y, después de su muerte, con Abbey Lincoln y su marido, Max Roach, y en 1969, Waldron grabó Free at Last el primer disco editado por el sello ECM junto al bajista Isla Eckinger y el baterista Clarence Becton.

CHARLIE HADEN “QUARTET WEST”

- Los Angeles, December 22 & 23, 1986

Passport (1,2), Bay City, The blessing

Ernie Watts (ts,as1,sop2) Alan Broadbent (p) Charlie Haden (b) Billy Higgins (d)

El Quartet West de Charlie Haden lanzó el conjunto que se convertiría en su agrupación más popular a lo largo de los años 80 y 90. Haden, que se había hecho un nombre como bajista de vanguardia en la banda de Ornette Coleman y en otros lugares, incluida la influyente Orquesta de Música de la Liberación, volvió a un sonido más convencional influenciado por el bop con esta agrupación. Si bien el álbum puede no estar ampliando muchos límites estilísticamente, este formato hace poco para diluir las impresionantes actuaciones de Haden, y su amor por este material se hace obvio con sus intrincados arreglos, especialmente en las dos melodías de Ornette Coleman, “The Good Life” y “The Blessing”. Tal vez lo más destacado del álbum, sin embargo, es una versión del “Passport” de Charlie Parker que reúne a toda la banda en una exuberante expresión de energía.

JEROME SABBAGH “STAND UP!”

- New York, November 7, 2024

Lone Jack (for Ray Charles and Pete Rende), Lunar cycle (for Sam Rivers), Unbowed (for Kenny Barron)

Jerome Sabbagh (ts,comp) Ben Monder (g) Joe Martin (b) Nasheet Waits (d)

El saxofonista francés radicado en Nueva York Jérôme Sabbagh vuelve a reunir a su cuarteto estable por primera vez en más de una década. Acompañado por el guitarrista Ben Monder, el contrabajista Joe Martin y el baterista Nasheet Waits —quien reemplaza a Ted Poor—, Sabbagh entrega un versátil álbum de postbop dedicado a sus primeros maestros. Cada una de las ocho composiciones originales es un homenaje personal a quienes marcaron su camino musical.

El resplandor casi etéreo de “Lone Jack”, dedicado a Ray Charles, evoca la música de raíces estadounidenses con un aire entre blues y country que suena a la vez terrenal y moderno. El solo sinuoso de Monder, las líneas melódicas y radiantes del saxo de Sabbagh y el impulso del ritmo abierto en el hihat de Nasheet conducen la pieza con elegancia y propósito. “Lunar Cycle”, inspirada en “Cyclic Episode” de Sam Rivers (Fuchsia Swing Song, 1965), irradia energía postbop. El tema, tocado al unísono con Monder, abre paso a solos intensos y deja espacio a Waits para aportar un vibrante contrapunto rítmico.

SHEILA JORDAN “PORTRAIT OF SHEILA”

- Englewood Cliffs, N.J., September 19 & October 12, 1962

Falling in love with love, If you could see me now, Am I blue ?, Dat dere (bg,db out), When the world was young Sheila Jordan (vcl) acc by Barry Galbraith (g) Steve Swallow (b) Denzil Best (d)

Sheila Jordan – Discípula de Lennie Tristano y exesposa del pianista Duke Jordan, Sheila había llegado a Nueva York en los cincuenta, donde absorbió la esencia del bebop. Sin embargo, su originalidad jugó en su contra: tras este álbum histórico, pasaría más de diez años sin grabar. En los setenta trabajó con Carla Bley, Roswell Rudd y Steve Kuhn, y a partir de los ochenta consolidó su merecido reconocimiento como una de las voces más creativas y personales del jazz moderno.

Portrait of Sheila, el debut de Sheila Jordan fue uno de los pocos discos vocales publicados por Blue Note durante la gestión de Alfred Lion, y sigue siendo una joya única del sello. Acompañada por Barry Galbraith en guitarra, Steve Swallow en contrabajo y Denzil Best en batería, Jordan despliega una voz pequeña pero intensamente expresiva, capaz de combinar elegancia, swing y riesgo. Sus versiones de “Hum Drum Blues”, “Baltimore Oriole”, “Dat Dere” o “I’m a Fool to Want You” revelan una cantante distinta: fresca, introspectiva y con una afinación impecable.

La reciente edición de Tone Poet Vinyl que vamos a escuchar fue masterizada a partir de las cintas maestras analógicas originales.

MARIO PAVONE “DANCERS TALES”

- New York, February 23, 1996

Dancers tales, Lunch with Julius (for Julius Hemphill), Alberta clipper

Peter McEachern (tb) Marty Ehrlich (as,cl) Thomas Chapin (as,bar,fl,saxno reed) Peter Madsen (p) Mario Pavone (b) Steve Johns (d)

Dancers tales es un disco desafiante pero acogedor del contrabajista Mario Pavone, con un elenco excepcional: Thomas Chapin y Marty Ehrlich en cañas, Peter McEachern en trombón, Peter Madsen al piano y Steve Johns en batería. Pavone despliega una escritura amplia y cambiante, que va del bop enérgico a la oscuridad más abstracta.

Su álbum Dancers tales se distingue por la riqueza de los arreglos de Chapin, Ehrlich y McEachern— que extraen combinaciones sonoras inesperadas. En el tema que le da título al disco, Chapin abre con un pasaje intrincado de cuatro partes, y el uso de barítono y clarinete aporta una textura insólita. Ehrlich, por su parte, convierte “Roma” en una exploración de registros graves, mientras McEachern introduce “Recovery” con un aire casi barroco. Con Madsen brillante al piano y un grupo totalmente compenetrado, el disco irradia frescura, riesgo y una inusual intensidad colectiva.