PuroJazz

WADADA LEO SMITH / SYLVIE COURVOISIER “ANGEL FALLS”

- October 12, 2024, at Oktaven Audio, Mount Vernon, NY

Naomi Peak, Whispering Images, Sonic Utterance Wadada Leo Smith (tp) Sylvie Courvoisier (p)

Angel Falls es el álbum que reúne por primera vez en formato de dúo a la pianista suiza Sylvie Courvoisier y al trompetista estadounidense Wadada Leo Smith, dos figuras que han llevado la improvisación contemporánea a territorios profundamente personales. Aunque ambos habían coincidido antes en ensambles más amplios —incluido un cuarteto con Satoko Fujii y Natsuki Tamura—, este encuentro a solas revela una química distinta: más atenta y cargada de detalles.

Los dúos de piano y trompeta tienen una larga tradición, desde el histórico “Weatherbird” de Armstrong y Hines, pero equilibrar el ataque del piano con el soplo de la trompeta sigue siendo un desafío. Courvoisier y Smith lo resuelven con una estética cercana a la pintura abstracta: cada gesto es un trazo, cada silencio un espacio deliberado.

Smith aporta su lirismo inconfundible, forjado desde los años sesenta en colaboraciones con pianistas tan disímiles como John Tilbury, Anthony Davis o Vijay Iyer. Courvoisier, casi tres décadas menor, responde con un piano que combina rigor, imaginación y una capacidad única para moldear el tiempo.

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JACOB GARCHIK “YE OLDE 2: AT THE END OF TIME”

- Brooklyn, NY, June, 2023

One can only go up, Floating brain, Dyson spheres

Jacob Garchik (tb,comp) Brandon Seabrook, Mary Halvorson (g) Jonathan Goldberger (g,barg) Vinnie Sperrazza (d)

El trombonista y compositor Jacob Garchik vuelve con Ye Olde 2: At The End of Time, una década después de su primer álbum con este colectivo futurista y guitarrístico. El proyecto —inspirado en la ciencia ficción, la ciencia real y el compositor György Ligeti— mezcla la energía del rock, la lógica de la música contemporánea y el riesgo del jazz de vanguardia.

El disco abre con “One Can Only Go Up”, construido sobre una escala ascendente tocada por Brandon Seabrook en guitarra eléctrica de 12 cuerdas. Las capas se acumulan con potencia y claridad estructural, mientras Mary Halvorson improvisa sobre un pulso rockero. Es una fusión auténtica, cercana a Mahavishnu Orchestra pero con un sello propio.

En “Transcending Time”, los giros armónicos y el patrón de diez tiempos evocan un folkrock medieval al estilo King Crimson, que desemboca en un clímax casi metal gracias a la barítono de Jonathan Goldberger. “Exo Microbiology” ofrece un tema punk y bailable, con improvisaciones feroces, mientras que “Dyson Spheres” cierra en modo chillout, sostenido por un ritmo downtempo y un solo de Halvorson que privilegia la emoción por sobre la técnica.

DAVE LIEBMAN “BEINGNESS” - LIVE “THE STONE”

- New York, March 31 & April 1, 2023

Transmutation, Beingness, Transparent to transcendence, Mystique

David Liebman (sop,woodfl) Billy Hart (d) Adam Rudolph (kongos,djembe,tarija,piano,thumbp,keyboards,gongs,dakha de bello,perc,live electronic processing)

Grabado en vivo en The Stone en Nueva York el 2023, Beingness reúne al saxofonista Dave Liebman, al percusionista Adam Rudolph y al legendario baterista Billy Hart, quien se sumó a última hora tras la ausencia de Tyshawn Sorey. Liebman y Hart comparten una historia que se remonta a On the Corner de Miles Davis, mientras que Rudolph aporta su amplia experiencia en tradiciones rítmicas globales.

“Unfolding”, establece el tono con ritmos complementarios: los colores de platillos y patrones geométricos de Hart dialogan con la percusión manual y los procesos electrónicos de Rudolph, mientras Liebman cubre el espacio con frases filtradas en delay.

DONALD BYRD LIVE “THE HALF NOTE”

- New York, November 11, 1960

Jeannine, When Sunny gets blue

Donald Byrd (tp) Pepper Adams (bar) Duke Pearson (p) Laymon Jackson (b) Lex Humphries (d)

Donald Byrd llevaba solo dos años grabando para Blue Note cuando, en noviembre de 1960, entró con su quinteto al Half Note Café de Manhattan para registrar este set en vivo: un hard bop con soul, mucho swing y una banda afiatada con Pepper Adams (barítono), Duke Pearson (piano), Laymon Jackson (contrabajo) y Lex Humphries (batería). Byrd venía en plena racha creativa, tras discos como Off to the Races, Byrd in Hand, Fuego y Byrd in Flight. At the Half Note Café, Vol. 2, en versión audiófila de Tone Poet recién lanzada, abre con una versión vibrante de “Jeannine” de Pearson e incluye dos temas del propio Byrd: una toma extendida del blues “Pure D. Funk” y el enérgico “Kimyas”, además del estándar “When Sonny Gets Blue”. Pearson brilla como improvisador más que en cualquier sesión de estudio. Un quinteto animado, con swing, lirismo y un sentido del tiempo impecable.

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BRIAN MARSELLA “BUER : BOOK OF ANGELS VOLUME 31”

- Brooklyn, NY, January 18 & 19, 2017

Akzariel, Palalael, Camael, Sennoi, Gehuel

Brian Marsella (p,arr) Trevor Dunn (b) Kenny Wollesen (d) John Zorn (comp,arr)

En el álbum “Buer : Book Of Angels Volume 31” , el pianista Brian Marsella se sumerge en la música del Book of Angels de John Zorn, un extraordinario conjunto de 300 piezas inspiradas en el klezmer que Zorn compuso en 2004. Marcella con Trevor Dunn en el bajo y Kenny Wollesen en batería, una base rítmica habitual en el universo Zorn— aborda 16 composiciones y las lleva a un nivel deslumbrante. La técnica, el estilo y la imaginación de los tres músicos es sorprendente.

Hay espacio de sobra para disfrutar tanto de las interpretaciones como de la riqueza del material. “Palalael” avanza con una belleza claramente klezmática, mientras que “Parymel” simplemente vuela, con Marsella recorriendo el teclado a toda velocidad. “Zagin” toma motivos de la tradición judía y los pone de cabeza al estilo inconfundible de Zorn, y Marsella los ejecuta con soltura total. El disco pasa de lo más tradicional a lo más libre, como el brevísimo “Avial”. Todo el álbum es un impulso vital, a veces (Usar: “Sennoi)” estalla en energía contagiosa mientras que en otras ( “Diniel” ) mezcla lo antiguo y lo nuevo. El album {“Gehuel”} cierra con un guiño swing a la conexión entre el jazz y la música judía.

JOHNATHAN BLAKE PENTAD “HOMEWARD BOUND”

- Paramus, NJ, c. 2021

In the beginning was the drum, Homeward bound (for Ana Grace), Steppin’ out

Immanuel Wilkins (as) Joel Ross (vib) David Virelles (keyboards) Dezron Douglas (b) Johnathan Blake (d,comp)

El baterista Johnathan Blake, figura en ascenso con una larga lista de colaboraciones y grabaciones propias, debuta en Blue Note con Homeward Bound, un disco concebido como un homenaje luminoso a uno de sus mentores, el recientemente fallecido Dr. Lonnie Smith, y también como un tributo íntimo a Ana, la hija del saxofonista Jimmy Greene. Lejos de ser un réquiem, el álbum celebra la vida con energía, imaginación y un sentido de comunidad musical muy fuerte.

El quinteto —Immanuel Wilkins (alto), Joel Ross (vibráfono), David Virelles (piano y teclados) y Dezron Douglas (contrabajo)— responde con soltura a la dirección rítmica de Blake. El breve solo inicial “In the Beginning Was the Drum” abre paso al tema central, marcado por un groove en 5/8 que enciende diálogos veloces entre Wilkins y Ross, y un solo reflexivo de Virelles.

El disco ofrece momentos delicados como y cierra con una relectura sorprendente de “Steppin’ Out”, que Virelles, Wilkins y Blake transforman en un cierre expansivo y vibrante.

JOHN COLTRANE QUARTET “COLTRANE PLAYS THE BLUES”

- New York, evening session, October 24, 1960

Blues to Bechet, Blues to you John Coltrane (ts,sop-2) McCoy Tyner (p-1) Steve Davis (b) Elvin Jones (d)

Las sesiones que John Coltrane grabó para Atlantic a fines de octubre de 1960 fueron extraordinariamente productivas: de ellas surgieron My Favorite Things, Coltrane Plays the Blues y Coltrane’s Sound. Entre estos discos, My Favorite Things sería el más influyente y recordado, pero Coltrane Plays the Blues sigue siendo una sesión muy potente, aunque menos famosa o arriesgada en su material.

El título nos lleva a pensar en blues tradicionales, pero no es el caso. Más bien alude a una sensibilidad bluesera que atraviesa todo el disco, ya sea cuando Coltrane toca el saxo tenor o cuando recurre al saxo soprano —en ese entonces todavía poco común— en temas como “Blues to Bechet” y “Mr. Syms”. El baterista Elvin Jones, que llevaba poco tiempo en la banda, se luce especialmente en los temas más rápidos aportando una energía que guía y empuja al cuarteto hacia adelante.

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KURT ROSENWINKEL “THE NEXT STEP BAND”

- Live At Smalls, 1996

A shifting design, The next step (1)

Mark Turner (ts) Brad Mehldau (p-2) Kurt Rosenwinkel (g,p-1,comp) Ben Street (b) Jeff Ballard (d)

Una grabación recién descubierta de Heartcore Records presenta al cuarteto Next Step de Kurt Rosenwinkel en plena creatividad durante su residencia en el club Smalls en 1996. Este registro captura al guitarrista, junto al saxofonista Mark Turner, el bajista Ben Street y el baterista Jeff Ballard, interpretando seis composiciones originales que más tarde darían forma al influyente álbum The Next Step, considerado por JazzTimes como la grabación de jazz más importante del siglo XXI.

El disco presenta al grupo explorando nuevas ideas con una química profunda e improvisaciones notables. La sesión abre con una introducción solitaria de Rosenwinkel en “A Shifting Design”, antes de que la banda entre con energía y precisión. Destaca el diálogo entre guitarra y saxo, especialmente en los pasajes más intrincados, así como el soporte rítmico flexible y siempre atento de Ballard y Street.

PHAROAH SANDERS GROUP HEART IS A MELODY”

- Live “Keystone Korner”, San Francisco, CA, January 23, 1982

On a misty night, Heart is a melody of time [Hiroko’s song] (1), Naima

Pharoah Sanders (ts) Bill Henderson (p) John Heard (b) Idris Muhammad (d) Flame Braithwaite, Janie Cook, Deborah McGriff, Andy Bey, Kris Wyn, Cort Cheek, Jes Muir, Mira Hadar (vcl-1)

El saxofonista Pharoah Sanders fue uno de los últimos grandes íconos de su generación cuando falleció en 2022. Elegido personalmente por John Coltrane, participó en las obras maestras de la última etapa del legendario e innovador saxofonista y luego desarrolló una carrera propia con una serie de discos expansivos para el sello Impulse!. Esos trabajos influyeron profundamente en artistas tan diversos como Prince, Marvin Gaye e incluso Iggy Pop. Durante cinco décadas, Sanders grabó algunos de los álbumes más admirados —y también más polémicos— de la historia del jazz, abrazando un sonido salvaje y libre que marcaría a múltiples géneros. En los años ochenta obtuvo finalmente un GRAMMY, coronando una trayectoria única.

El sello Mosaic ha reeditado todo el catálogo de Sanders grabado para el sello. De ese álbum de 7 CD escucharemos hoy selecciones del CD Heart Is a Melody, registrada en vivo en el Keystone Korner de San Francisco, en 1982. Muchos de sus solos en este registro mantienen una fuerte conexión con la tradición de Coltrane, mostrando la intensidad y profundidad que definieron su estilo.

BOBBY HACKETT “AND HIS DIXIELANDERS”

- New York, June 22, 1948

Oh baby, On the sunny side of the street, My honey’s lovin’ arms

Bobby Hackett (tp) Cutty Cutshall (tb) Peanuts Hucko (cl) Ernie Caceres (bar) Charlie Queener (p) Eddie Condon (g) Irv Manning (b) Morey Feld (d)

Bobby Hackett nació en 1915 dejó el colegio a los 14 años para tocar guitarra y violín en un restaurante. Influenciado por Louis Armstrong decidió aprender corneta y trompeta. Tocó en varias bandas locales hasta que una buena crítica lo llevó a Nueva York en 1937. Aunque admiraba a Armstrong, se hizo conocido por su estilo cercano a Bix Beiderbecke, al punto que Benny Goodman lo invitó a recrear un solo en el concierto del Carnegie Hall en 1938.

En las sesiones de VDisc realizadas en junio y octubre de 1948, grabadas en el Wor Guild Theater and Playhouse de Nueva York, la figura central es sin duda Hackett. Diez años antes se le consideraba un cornetista de sonido delicado y rango limitado, pero para entonces había estudiado a fondo su instrumento y alcanzado una potencia y seguridad notables. Eso se siente de inmediato en “Oh, Baby!”, donde su forma de tocar aparece firme, equilibrada y con un poder sonoro nuevo en él. Su trabajo en “Struttin’ with Some Barbecue” es igual de llamativo: en sus improvisaciones mezcla fraseos melódicos con ideas basadas en acordes que avanzan con naturalidad y elegancia. También destaca la energía de la banda con un un ritmo vertiginoso en “My Honey’s Lovin’ Arms”; el empuje del baterista Morey Feld, resulta en una versión arrolladora.

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FATS WALLER “V DISC SESSION RCA VICTOR STUDIOS”

- New York City, September 16, 1943

Ain’t misbehavin’, Two sleepy people, (Medley : Slightly less than wonderful (1,2)

There’s a gal in my life), (Medley : This is so nice it must be illegal, Martinique)

Waller jive, A birdie’s lament

Fats Waller (p,vcl)

Thomas “Fats” Waller es recordado sobre todo por su sentido del humor y su formidable personalidad, pero fue muchísimo más que eso. Fue uno de los grandes pianistas del estilo stride, el primer organista del jazz, un excelente cantante y un compositor notable. De su pluma salieron clásicos como Honeysuckle Rose, Ain’t Misbehavin’, Black and Blue (la primera canción en denunciar el racismo). SU vida fue una fiesta constante con comida, whisky, mujeres y música en cantidades industriales.

En la sesión VDisc del 16 de septiembre de 1943, grabada en los estudios RCA Victor de Nueva York, Waller relajado y satisfecho, alimentado por generosas dosis de whisky Cutty Sark, abre con Ain’t Misbehavin’ y Two Sleepy People, mezclando éxitos y temas de su musical de Broadway Early to Bed. En There’s a Gal in My Life recuerda lo dulce que podía cantar, mientras que en This Is So Nice It Must Be Illegal -esto es tan agradable que debe se ilegal- el whisky claramente toma el control, aunque mantiene sólido control en el piano.

PEANUTS HUCKO AND HIS MEN

- New York, April 10, 1947 Sweet Georgia Brown, Blintzes bagel boogie

Bobby Hackett (tp) Fred Ohms (tb) Peanuts Hucko (cl) Cliff Strickland (ts) Charlie Queener (p) Jack Lesberg (b) Morey Feld (d)

- New York, May 14, 1947 Stealin’ apples

Peanuts Hucko (cl) Lou Stein (p) Mundell Lowe (g) Jack Lesberg (b) Dave Tough (d)

- New York, June 6, 1947 Peanut butter, Someday sweetheart, Stolen peanuts

Peanuts Hucko (cl) Lou Stein (p) Mundell Lowe (g) Jack Lesberg (b) Dave Tough (d)

Michael “Peanuts” Hucko fue un clarinetista que casi siempre sonó demasiado como Benny Goodman. Se movía con gran soltura tanto en el swing como en el dixieland. Al principio se concentró principalmente en el saxo tenor especialmente en las bandas de Jack Jenney, Will Bradley (1939–41), Joe Marsala, Charlie Spivak (1941–42) y Bob Chester.

Su verdadera voz como clarinetista apareció cuando formó parte de la Glenn Miller Army Air Force Band (1943–45), donde era uno de los solistas principales. Después del ejército, trabajó con las orquestas de Goodman (volviendo al tenor en 1945–46) y Ray McKinley (1946–47), lideró sus propios grupos y colaboró con Eddie Condon.

En la década de los años cincuenta, se dedicó más al trabajo de estudio, pero continuó haciendo giras, una europea en 1957 con Jack Teagarden y Earl Hines, y entre 1958 y 1960 fue parte de los AllStars de Louis Armstrong. Después, entre 1964 y 66, trabajó como músico freelance —incluyendo la banda de la casa del Condon’s Club.

CHAD TAYLOR “SMOKE SHIFTER”

- New York, May 9, 2024

Avian shadow, October 26th, Paradise lawns/October 29th Jonathan

Finlayson (tp) Bryan Rogers (ts) Victor VieiraBranco (vib) Matt Engle (b) Chad Taylor (d)

En Smoke Shifter, el baterista y compositor Chad Taylor ofrece una música que suena a la vez retro y contemporánea. Retro porque recuerda a los grupos sin piano de mediados de los años 60, como los liderados por Chet Baker y Gerry Mulligan. Contemporánea por su belleza austera y la intensidad serena con la que tocan sus integrantes.

Taylor, como muchos músicos de sección rítmica, ha grabado mucho más como acompañante o colíder que como líder absoluto. Pero cuando lo hace, su enfoque es particular: es un baterista cuya música atrae por su sutileza, no por la fuerza bruta.

Con Smoke Shifter, Taylor amplía su paleta sonora. Trabaja con un quinteto que lo componen el trompetista Jonathan Finlayson, el bajista Matt Engle, el saxofonista Bryan Rogers y el vibrafonista Victor VieiraBranco, todos aportando solos breves y un intercambio musical tan atento como elegante.

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DENA DEROSE “MELLOW TONES”

- C. 2024 In a mellow tone (1), Maybe September, My frame for the blues (1)

Dena DeRose (vcl,p) acc by Ed Neumeister (tb-1) Martin Wind (b) Matt Wilson (d)

En su álbum Mellow Tones, Dena DeRose demuestra nuevamente que es una pianista y cantante de talento notable, buen gusto que hace que la músicafluya con un swing suave y discreto. Al abrir con “In a Mellow Tone” y cerrar con “My Frame for the Blues”, Dena también demuestra un impecable sentido de la simetría. Aquí, la idea de “marco” musical se vuelve literal: no solo son los hitos principales de este viaje sonoro tan especial que nos propone, sino que además transmiten una sensación de cierre al presentar al veterano trombonista Ed Neumeister —junto a su impecable bajista Martin Wind y el brillante baterista Matt Wilson— tanto al comienzo como al final.

“In a Mellow Tone” es uno de los clásicos de Duke Ellington.

Y aunque “My Frame for the Blues” funciona como un cierre perfecto, es “Maybe September” la canción que tiene la carga emocional más profunda. A pesar de formar parte de uno de los discos más celebrados del jazz, *The Tony Bennett / Bill Evans Album*, sorprende lo poco que se interpreta. Aquí, Martin aporta un solo notable y la voz de Dena resulta más conmovedora y sutil que nunca.

BABY FACE WILLETTE “FACE TO FACE”

- Englewood Cliffs, N.J., January 30, 1961

Goin’ down, High and low

Fred Jackson (ts) Baby Face Willette (org) Grant Green (g) Ben Dixon (d)

Baby Face Willette aportó un sonido propio y una energía distinta al jazz, antes de desvanecerse en la oscuridad. Apodado “Baby Face” por su rostro juvenil, el organista Roosevelt Willette tocaba con un fervor casi religioso, heredado de sus raíces en la música gospel.

Su debut, Face to Face (1961), llegó justo cuando muchos jóvenes organistas intentaban hacerse un lugar tras el impacto que Jimmy Smith había tenido a fines de los años 50. El éxito de Smith legitimó al órgano como instrumento de jazz y abrió la puerta a una oleada de músicos que buscaban convertirse en nuevas figuras del Hammond. Willette fue uno de los más prometedores.

Nacido en 1933, empezó a tocar piano a los cuatro años y, ya en la adolescencia, trabajaba profesionalmente en grupos de gospel y rhythm and blues. Totalmente volcado en la música, recorrió Estados Unidos como acompañante contratado, tocando con figuras como Johnny Otis, Guitar Slim y Big Jay McNeely, absorbiendo influencias y puliendo una voz musical que, en su breve momento, fue tan personal como poderosa.

DON CHERRY “COMPLETE COMMUNION”

- Englewood Cliffs, N.J., December 24, 1965

Complete Communion

Don Cherry (cnt) Gato Barbieri (ts) Henry Grimes (b) Ed Blackwell (d)

Los tres discos que Don Cherry grabó para Blue Note quizá no fueron tan revolucionarios como sus proyectos posteriores de fusión y world music, donde encontró plenamente su voz y visión. Aun así, son excelentes ejemplos del free jazz energético y explosivo que exploró después de dejar el grupo de Ornette Coleman, y que lo consolidaron como compositor, líder más allá de ser el fiel compañero de Ornette.

El sello Mosaic reunió estos trabajos en The Complete Blue Note Recordings of Don Cherry, que incluye Complete Communion, Symphony for Improvisers y Where Is Brooklyn. El primero y el último son sesiones en cuarteto, con Gato Barbieri y Pharoah Sanders, respectivamente. Symphony for Improvisers, en cambio, reunió un poderoso septeto con ambos saxofonistas. Este disco y Complete Communion resultaron los más logrados, gracias a largas suites que enlazaban piezas originales sin cortes, manteniendo la energía de la improvisación. Como siempre en Mosaic, el sonido y las notas son excelentes, aunque las ediciones fueron muy limitadas.

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RODRIGO AMADO “BEYOND THE MARGINS”

- Warsaw, Poland October 3rd, 2022

Personal mountains, (Visiting) Ghosts

Rodrigo Amado (ts) Alexander von Schlippenbach (p) Ingebrigt Haker Flaten (b) Gerry Hemingway (d,voice)

Las formaciones que reúnen a músicos de diferentes países y generaciones suelen nacer con las mejores intenciones, pero pocas veces cumplen con las expectativas. Una excepción notable es The Bridge, el cuarteto del saxofonista portugués Rodrigo Amado. El nombre alude al célebre disco de regreso de Sonny Rollins de 1962, pero también sugiere la voluntad del grupo de tender puentes y crear vínculos sólidos más allá de los distintos orígenes de sus integrantes. Y lo cierto es que esta banda sí cumple: destaca el nivel de interacción, la plasticidad sonora que los cuatro construyen, la libertad con que se mueven y ese impulso constante por ir más allá. A eso se suma la gravitas palpable de un conjunto que sabe exactamente lo que quiere decir. Amado, desde luego, sabía perfectamente en qué se estaba metiendo.

Con el tiempo, Amado se ha consolidado como uno de los improvisadores más significativos de la escena europea. Puede forcejear y medirse con cualquiera, incendiar el ambiente con una energía abrasadora y no reservarse nada cuando la música exige empuje y decisión.

STEVE LACY “MONK’S DREAM”

- Paris, France, June 21 & 22, 1999

Monk’s dream, The rent

Roswell Rudd (tb) Steve Lacy (sop) Jean-Jacques Avenel (b) John Betsch (d) Irene Aebi (vcl)

El Steve Lacy Trio con Roswell Rudd es una formación de larga data, integrada por el contrabajista Jean-Jacques Avenel y el baterista John Betsch, y es uno de los grupos más cohesionados de la escena. Que Rudd encaje de inmediato en esa química no sorprende: su historia compartida con Lacy se remonta varias décadas. Cuando se conocieron, en los años cincuenta, ambos venían de largas temporadas en conjuntos de Dixieland y estaban iniciando un periodo de estudio intensivo de los grandes maestros modernos: Thelonious Monk, en el caso de Lacy, y Herbie Nichols, en el de Rudd. A comienzos de los sesenta formaron un cuarteto dedicado a la música de Monk, hoy considerado legendario pero que en su momento no logró sostenerse. Desde entonces han colaborado esporádicamente.

SONNY ROLLINS ROLLINS IN HOLLAND”

- Academie voor Beeldende Kunst”, Arnhem, the Netherlands, May 3, 1967

Blue Room, Four, Love walked in

Sonny Rollins (ts) Ruud Jacobs (b) Han Bennink (d)

Rollins in Holland reúne tres grabaciones inéditas de mayo de 1967, en la Arnhem Academy of Visual Arts y una presentación televisada en el GoGo Club de Loosdrecht, donde el saxofonista Sonny Rollins toca con el bajista Ruud Jacobs y el baterista Han Bennink.

Rollins ya dominaba el formato de trío mucho antes de llegar a Holanda. Sus discos Way Out West (1957), Freedom Suite (1958) y A Night at the Village Vanguard (1958) lo habían mostrado en diálogo intenso con distintos bajistas y bateristas, explorando una libertad rítmica y melódica que marcaría su estilo.

Aun así, en 1967 era la primera vez que trabajaba con Jacobs y Bennink, dos jóvenes músicos holandeses con trayectorias distintas pero muy respetados por los artistas estadounidenses que pasaban por el país. Ambos admiraban profundamente a Rollins y conocían bien su obra.

Rollins recordó luego la riqueza del sonido de Jacobs —dueño de un contrabajo europeo de gran proyección— y su experiencia acompañando figuras como Louis Armstrong. Sobre Bennink, dijo que era considerado el más “avantgarde”, pero eso nunca fue un problema: podía tocar con ambos sin restricciones. Para Rollins, la energía combinada de Jacobs y Bennink hizo de estas sesiones un encuentro afortunado y memorable.

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JIMMY ROWLES “THE SPECIAL MAGIC OF JIMMY ROWLES”

- New York, April 7, 1974

Grooveyard, Rockin’ in rhythm, Sunday, Monday or always / Prelude to a kiss (jr psolo), It don’t mean a thing, The peacocks

Jimmy Rowles (p,vcl) Rusty Gilder (b)

The Special Magic Of Jimmy Rowles es un disco poco conocido que muestra a Jimmy Rowles, un pianista excepcional que nunca recibió el reconocimiento merecido. Grabado en la primavera de 1974 en un departamento de Nueva York —mientras Rowles tocaba regularmente en el Cookery— el álbum captura su arte en un ambiente íntimo, con varias piezas junto al bajista Rusty Gilder.

El set abre con una versión animada de “Grooveyard”, el clásico bop de Carl Perkins, donde Rowles despliega swing y soltura. Luego sorprende con una introducción casi percusiva a “Rockin’ in Rhythm”, de Duke Ellington. También deja ver su humor, citando un fragmento de “Tico Tico” en medio de “It Don’t Mean a Thing”.

La joya del álbum es otra versión de “The Peacocks”, una de sus composiciones más bellas y hoy un estándar grabado frecuentemente.

BILLY HART QUARTET “MULTIDIRECTIONAL”

- New York, 2025

Song For Balkis; Giant Steps

Mark Turner (ts) Ethan Iverson (p) Ben Street (b) Billy Hart (d)

El Billy Hart Quartet lleva más de veinte años tocando junto, algo excepcional en el jazz moderno. Aunque habían grabado varios discos de estudio, les faltaba un registro en vivo. Multidirectional llena ese vacío: es el primer álbum que muestra al cuarteto en plena acción en el escenario del Smoke Jazz Club. El resultado captura la energía del grupo y confirma la vitalidad de Hart, que celebra sus 85 años, junto a tres músicos que han crecido a su lado: Mark Turner, Ethan Iverson y Ben Street.

El disco refleja la mezcla de tradición, búsqueda y libertad que caracteriza al cuarteto. Hart, también conocido como Jabali, ha pasado toda su vida musical explorando caminos abiertos, influido profundamente por John Coltrane y la estética “multidireccional” que aprendió observando al baterista Rashied Ali. Temas como “Song for Balkis” y “Amethyst” muestran esa flexibilidad rítmica y expresiva, mientras que piezas más conocidas, como “Giant Steps”, revelan cómo el grupo transforma un clásico desde la experiencia y la escucha mutua.

CHET BAKER QUINTET “GROOVIN’” Y “COMIN’ ON”

- Englewood Cliffs, N.J., August 23, 25 & 29, 1965

Cherokee, When you’re gone, Go-go, Pot luck

Chet Baker (flhrn) George Coleman (ts) Kirk Lightsey (p) Herman Wright (b) Roy Brooks (d)

Five From ’65: The Quintet Summer Sessions reúne cinco álbumes de Prestige que Chet Baker grabó en una sola y sorprendentemente inspirada semana de agosto de 1965 en Nueva York: Groovin’, Smokin’, Boppin’, Cool Burnin’ y Comin’ On. Los títulos evocan deliberadamente la famosa serie que Miles Davis grabó para el mismo sello a mediados de los cincuenta, cuando Prestige descubrió que largas sesiones “en vivo” en estudio podían convertirse en material muy vendible.

La comparación, sin embargo, tiene matices. Davis estaba en ascenso y a punto de irse a Columbia. Baker, en cambio, regresaba a Estados Unidos tras cinco años erráticos en Europa, entre grabaciones desiguales, problemas de drogas y un periodo en prisión. Para muchos, el antiguo ídolo de principios de los cincuenta ya era cosa del pasado.

Prestige lo rodeó aquí de músicos de primera: George Coleman en tenor, Roy Brooks en batería, el debutante Kirk Lightsey al piano y Herman Wright en contrabajo. Coleman suena especialmente sólido y relajado junto a Chet. El propio Baker destaca tocando exclusivamente flugelhorn, sin cantar, con un sonido cálido y un fraseo melódico lleno de elegancia. Alguna nota perdida aparece, pero su toque inspirado compensa cualquier imperfección.

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AARON PARKS “BY ALL MEANS”

- New York ?, c. 2024

A way, Parks lope, Raincoat

Ben Solomon (ts) Aaron Parks (p,comp) Ben Street (b) Billy Hart (d)

En By All Means, el pianista y compositor Aaron Parks reafirma su talento para la melodía y la imaginación con un programa de siete piezas originales —algunas nuevas, otras revisitadas— interpretadas junto a sus habituales compañeros del trío Find the Way, el bajista Ben Street y el baterista Billy Hart, ahora reforzados por el joven saxofonista Ben Solomon, exmiembro de la banda de Wallace Roney.

El álbum arranca en un tono introspectivo con “A Way”, una balada rubato de gran refinamiento armónico donde destacan las escobillas de Hart, las líneas abiertas de Street y el fraseo elástico de Solomon, creando un clima que recuerda por momentos al lirismo de Keith Jarrett. En “Park’s Lope”, el cuarteto se mueve con soltura dentro de un postbop elegante, favoreciendo solos cálidos y fluidos.

Más cercano a la tradición que su proyecto Little Big, Parks explora aquí la forma canción con una sensibilidad reposada. Los homenajes familiares —“For Maria José” y “Little River”— añaden una nota íntima y afectuosa, mientras que “Anywhere Together”, compuesto en su adolescencia, aporta frescura y swing juvenil. El cierre, “Raincoat”, introduce un suave pulso latino que redondea un disco equilibrado, lírico y luminoso.

PAUL WINTER “JAZZ MEETS THE FOLK SONG”

- New York, December 5, 1963

Repeat, Guantanamera, Aruanda, John Henry

Dick Whitsell (tp) Paul Winter (sop,as) Jeremy Steig (fl) Jay Cameron (bar) Warren Bernhardt (p) Sam Brown (g) Cecil McBee (b) Freddie Waits (d) Jose Cingo (perc)

Paul Winter, nacido el 31 de agosto de 1939 en Altoona, Pennsylvania, comenzó estudiando piano y clarinete antes de enamorarse del saxofón. Tras terminar el colegio en 1957, pasó el verano tocando en ferias del Medio Oeste junto a músicos de la banda del circo Ringling Brothers. Más tarde ingresó a Northwestern University, en Chicago. En 1961, su sexteto ganó el Intercollegiate Jazz Festival y obtuvo un contrato con Columbia Records. Un año después, la banda realizó una extensa gira de buena voluntad por Latinoamérica: 160 conciertos en 23 países, entre ellos Chile, donde tuve la oportunidad de verlos en Santiago.

Jazz Meets the Folk Song muestra claramente el crecimiento del grupo. En comparación con sus primeros registros, aquí suena una banda más suelta, segura y con mayor personalidad colectiva. La llegada de Cecil McBee en el bajo y Freddie Waits en la batería aporta fuerza y flexibilidad rítmica, algo que inspira de forma evidente al pianista Warren Bernhardt. Winter, por su parte, firma arreglos creativos y un soprano fresco y expresivo. A esto se suma la presencia del flautista Jeremy Steig, cuya participación en tres temas eleva aún más el carácter vibrante del álbum.

THELONIOUS MONK QUARTET “MONK’S DREAM”

- New York, October 31 & November 6, 1962

Monk’s Dream, Bright Mississippi, Just a Gigolo Charlie Rouse (ts) Thelonious Monk (p) John Ore (b) Frankie Dunlop (d)

Monk’s Dream fue el debut de Thelonious Monk en Columbia y marcó el modelo que seguirían sus discos posteriores: una mezcla de originales y estándares, con un sonido algo más suave que en sus años de Blue Note y Riverside. En algunos temas, especialmente en los estándares, se percibe cierta tendencia a soluciones más convencionales, como si Monk avanzara —aunque sea de manera inconsciente— hacia un terreno más cercano al mainstream.

El cuarteto que lo acompaña es célebre: Charlie Rouse en saxo tenor, John Ore en bajo y Frankie Dunlop en batería. Muchos consideran que esta formación fue la más compacta y telepática que Monk tuvo en años. Rouse, en particular, destaca con un sonido anguloso y lleno de blues, aportando filo incluso cuando la base rítmica se vuelve más contenida.

Piezas como “Five Spot Blues” y “Bolivar Blues” muestran cómo la banda navega con naturalidad las complejidades del lenguaje de Monk. El álbum incluye además dos solos —“Just a Gigolo” y “Body and Soul”— que confirman su inalterable intuición musical. Monk’s Dream es, en suma, un disco recomendado para cualquier nivel de aficionado.

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DANIEL ZAMIR “MISSING HERE”

- Tel Aviv, Israel, February-March 2010

Poem 33, Letter he, Scent of an apple redness of red

Itamar Borochov (tp) Avi Liebovich (tb) Daniel Zamir (sop) Omer Klein (p) Omer Avital (b) Aviv Cohen (d)

“Missing Here” es el séptimo disco del brillante saxofonista y compositor israelí Daniel Zamir , quien vivió en Estados Unidos desde el año 2000 hasta su regreso a Israel en 2006. Fue durante su estadía en Nueva York cuando John Zorn lo incorporó al sello Tzadik en el que grabó varios álbumes.

La música de Zamir mezcla de forma muy personal elementos de klezmer , música judía, sonoridades de Europa del Este y, por supuesto, jazz , creando un lenguaje propio.

El álbum presenta composiciones originales de Zamir y un cuarteto junto a Omer Klein en piano, Omer Avital en contrabajo y Aviv Cohen en batería. Se suman como invitados el trompetista Itamar Borochov , el trombonista Avi Leibovitch y el cantante/pianista Eviatar Banai , quien aporta su voz en el tema que da nombre al disco.

CLARENCE PENN “DALI IN COBBLE HILL”

- Brooklyn, NY, February 2, 2012

The B 61, Cobble Hill, Mr. C

Chris Potter (ts,sop,b-cl) Adam Rogers (g) Ben Street (b) Clarence Penn (d,perc)

Dali in Cobble Hill es la forma en que el baterista Clarence Penn imagina cómo el famoso pintor surrealista habría procesado un paseo por su barrio en Brooklyn. El disco reúne ocho temas originales y dos estándares, todos con distintos estados de ánimo, colores y enfoques que reflejan la larga trayectoria de Penn como acompañante de algunos de los mejores músicos de jazz de las últimas décadas.

Su cuarteto —con figuras de primer nivel como Chris Potter en saxo tenor y clarinete bajo, Adam Rogers en guitarra y Ben Street en contrabajo— da vida a estas historias con una mezcla de imaginación profunda y virtuosismo absoluto.

JOSH EVANS “HOPE AND DESPAIR”

- New York, November 17 & 18, 2014

Steps Passin’ Thru, Hope and despair, Lake Superior (1), Good mornin’ (1)

Josh Evans (tp) Abraham Burton (ts) Lawrence Clark (ts-1)David Bryant (p) Rashaan Carter (b) Eric McPherson (d) Kush Abadey (d-1)

Josh Evans, nacido y criado en Hartford, Connecticut, se sintió atraído por la trompeta cuando, a los 10 años, escuchó una grabación de Roy Eldridge y Dizzy Gillespie. A los 14 comenzó a estudiar con el reconocido saxofonista, compositor Jackie McLean quien fue uno de los Fundadores del Colectivo de Artistas en Hartford, una organización dedicada a preservar el arte y la cultura de la diáspora africana. La experiencia junto a McLean marcaría la carrera de Evans quien tuvo la oportunidad de presentarse con él en el Blue Note y el Iridium en Nueva York, o el Regattabar en Boston.

El 2005 Evans inició un período de más de tres años con el sexteto de Winard Harper, con el que recorrió Estados Unidos en giras ofreciendo conciertos y clases magistrales. También ha tocado en las bandas de Cedar Walton, Benny Golson, Charles Tolliver, Ralph Peterson y muchos otros.

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JEANNE LEE / MAL WALDRON “AFTER HOURS”

- Paris, France, May 25 & 26, 1994

Caravan, I could write a book, Goodbye pork-pie hat

Jeanne Lee (vcl) Mal Waldron (p)

Jeanne Lee tenía una voz muy expresiva y flexible: podía pasar de notas altas a registros más bajos con total naturalidad. Muchos la consideraron una de las voces más originales del free jazz, aunque grabó muy poco y casi nunca como líder.

Una noche en 1998, el pianista Mal Waldron tocaba en el Bimhuis de Ámsterdam; durante la jam session Jeanne se unió a él en el escenario. Waldron no la conocía, pero la conexión entre ambos fue inmediata. Parecía una conversación verdadera musical. After Hours, el disco que grabaron juntos poco después muestra una química especial, ambos se dan espacio mutuamente para entrar y responder.

BEN MARKLEY “BASIC ECONOMY”

- Denver, CO, October 27, 2017

FTG, Basic economy, Half dozen

Greg Osby (as) Ben Markley (p) Evan Gregor (b) Dru Heller (d)

El pianista y compositor Ben Markley ha trabajado con figuras como Brian Lynch, Terell Stafford y Eddie Henderson. En la escena jazzística de Denver es muy respetado, al igual que en su labor como Director de Estudios de Jazz en la Universidad de Wyoming, en Laramie.

Su disco Clockwise: The Music of Cedar Walton, un homenaje en formato big band al célebre pianista, fue el que realmente lo puso en el radar del público. En su siguiente trabajo, Basic Economy, Markley reduce la formación a un cuarteto e invita al ecléctico saxo alto Greg Osby —cuyo currículum incluye trabajos con Andrew Hill, Jack DeJohnette y el colectivo MBase— aqui está en evidencia la fluida conexión musical que ambos comparten. Markley escribió esta música pensando específicamente en Osby.