PuroJazz

YUSEF LATEEF QUINTET “JAZZ MOODS” - New York, April 9, 1957 - Metaphor (1), Yusef’s mood - Curtis Fuller (tb,tamb) Yusef Lateef (ts,fl1,argol,gourd) Hugh Lawson (p) Ernie Farrow (b,rebat) Louis Hayes (d) Doug Watkins (finger cymbals,perc)

Jazz Mood fue el álbum debut como líder del multi-instrumentista Yusef Lateef (editado originalmente por Savoy y recientemente reeditado en vinilo de 180 gramos). Aunque 1957 fue un año especialmente prolífico para Lateef, este registro figura entre los más importantes de su producción inicial. Basta con escuchar “Metaphor”: Lateef recorre un amplio espectro tímbrico, pasando del argol (instrumento de viento de origen árabe) a la flauta, mientras la pieza se desplaza de una modalidad austera a un swing más exuberante con Curtis Fuller (trombón) Hugh Lawson (piano) con Ernie Farrow (contrabajo) y Louis Hayes (batería) Lateef en (ts,fl1,argol,gourd) Las cinco canciones son originales de Lateef.

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FRANK KIMBROUGH / JOE LOCKE “SATURN’S CHILD” - Brooklyn, NY, August 8, 1997 - 727, Saturn’s child, Midnight - Frank Kimbrough (p) Joe Locke (vib)

El pianista Kimbrough se une al vibrafonista Joe Locke para asumir un desafío formidable: no solo deben lidiar con un sonido seminal en esta música, el de John Lewis y Milt Jackson, sino también con Chick Corea y Gary Burton. La influencia va más allá del mero sonido: hay más de un eco de “Django” en el repertorio, todo por los intérpretes, salvo “Silence” de Charlie Haden. El sonido es suntuoso y la interpretación muy musical, aunque parece de alguna manera todo un estado de ánimo en lugar de nueve piezas diferentes.

Más que buscar virtuosismo, Locke y Kimbrough parecen perseguir belleza pura. En ese camino, Saturn’s Child se perfila como un heredero natural del espíritu de Crystal Silence de Corea y Burton.

THAD JONES “AFTER HOURS” - Hackensack, NJ, June 21, 1957 - Blue jelly, Count one - Thad Jones (tp) Frank Wess (ts,fl) Mal Waldron (p) Kenny Burrell (g) Paul Chambers (b) Art Taylor (d)

After Hours (recientemente reeditado en vinilo de 180 gramos) reúne al pianista Mal Waldron como parte de un sexteto de lujo liderado por el trompetista Thad Jones. El grupo se compone con Frank Wess en flauta y saxo tenor, Kenny Burrell en guitarra, Paul Chambers en contrabajo y Art Taylor en batería.

En ese momento, Waldron atravesaba uno de los mejores períodos creativos de su carrera: grababa discos fundamentales como líder, tocaba de forma estable con Charles Mingus y Jackie McLean, y había sido además el último acompañante de Billie Holiday. Sin embargo, este álbum no está pensado como una vitrina para que se luzca en el piano. Aquí Waldron cumple más bien un rol de motor silencioso: compone los cuatro temas y, salvo algunos pasajes puntuales, deja que sus compañeros ocupen el centro de la escena.

En especial, el guitarrista Kenny Burrell brilla y le da al disco un carácter muy particular, distinto a tantos registros post-bop dominados por los vientos.

ROXY COSS “QUINTET” - Brooklyn, NY, Brooklyn, NY, October 28, 2018 -Don’t cross the Coss, All or nothing at all, Females are strong as hell - Roxy Coss (ts,sop) Miki Yamanaka (p) Alex Wintz (g) Rick Rosato (b) Jimmy Macbride (d)

En su álbum “Quintet”, el quinto como líder de la saxofonista Roxy Coss, evoca el espíritu clásico de los conjuntos Blue Note de los años sesenta. Coss, cuya carrera discográfica comenzó en 2008 tras obtener una residencia en el club neoyorquino Smoke, reconfigura aquí su línea delantera al emparejar sus saxos tenor y soprano con la guitarra de Alex Wintz. El resto del grupo lo integran el baterista Jimmy Macbride, el contrabajista Rick Rosato y la pianista Miki Yamanaka.

“Free to Be” es un manifiesto personal que Coss escribió para ayudarse a superar barreras ficticias que frenan la energía creativa y el desarrollo personal. “Females Are Strong As Hell” las mujeres son más fuertes que el infierno es, probablemente, un himno a la lucha de muchas músicas de jazz por obtener el mismo reconocimiento y las mismas oportunidades que sus colegas hombres.

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TAL FARLOW “THE SWINGING GUITAR OF TAL FARLOW” - New York, May 31, 1956 - Yardbird suite, Meteor, Gone with the wind - Eddie Costa (p) Tal Farlow (g) Vinnie Burke (b)

Famoso por sus habilidades extraordinarias, Tal Farlow no se inició en la guitarra hasta los 21 años, pero en menos de un año ya estaba tocando profesionalmente y entre 1949 y 1953 formó parte del trío de Red Norvo —que en sus inicios incluyó a Charles Mingus— en el que Farlow alcanzó gran notoriedad en el mundo del jazz. Su capacidad para ejecutar líneas rápidas y, al mismo tiempo, ligeras lo convirtieron en uno de los guitarristas más destacados de su época.

Tras seis meses con el Gramercy Five de Artie Shaw en 1953, Farlow lideró uno de sus mejores grupos: un trío sin batería junto al pianista Eddie Costa y el contrabajista Vinnie Burke. Con Burke aportando un walking bass constante, la interacción entre Farlow y Costa resulta siempre estimulante, ya sea tocando al unísono o alternándose compases.

RAY ANDERSON “IT JUST SO HAPPENS” - Englewood Cliffs, NJ, January 31 & February 1, 1987 - Once in a while, Ross the boss, Fatelet - Stanton Davis (tp) Ray Anderson (tb) Perry Robinson (cl1) Bob Stewart (tu1) Mark Dresser (b) Ronnie Burrage (d)

Aunque el trombonista Ray Anderson en sus primeros discos con su trío y cuarteto lograba un muy buen sonido, es cuando se rodea de otros vientos que realmente despliega todo su potencial. En It Just So Happens Sucede simplemente , se le unen el trompetista Stanton Davis, el clarinetista Perry Robinson, Bob Stewart en tuba, Mark Dresser en el contrabajo y Ronnie Burrage en batería.

El álbum presenta composiciones originales de Anderson e improvisaciones de gran virtuosismo técnico y profundas raíces jazzísticas, todo concentrado en su inconfundible sonido de trombón. La combinación de trompeta, clarinete, tuba, contrabajo y batería crea una textura sonora muy particular y atractiva.

BARNEY BIGARD HOLLYWOOD, DECEMBER 19, 1936 - Caravan, Clouds in my heart (hc out), Frolic Sam, Stompy Jones (jt out) - Cootie Williams (tp) Juan Tizol (tb) Barney Bigard (cl) Harry Carney (bar) Duke Ellington (p,arr) Billy Taylor, Sr. (b) Sonny Greer (d)

Albany Leon “Barney” Bigard nació en Nueva Orleans el 3 de marzo de 1906. Comenzó a tocar el clarinete en mi bemol a los siete años y tomó clases con Lorenzo Tio Jr. En sus primeros años actuó en Nueva Orleans con diversas bandas, tocando tanto clarinete como saxofón tenor. En 1924 se trasladó a Chicago, donde al principio fue más solicitado como saxofonista tenor que como clarinetista.

Entre 1924 y 1927 tocó el tenor con los Dixie Syncopators de King Oliver, grabando numerosos discos junto al célebre cornetista. Sin embargo, Jelly Roll Morton quedó particularmente impresionado por su forma de tocar el clarinete y lo destacó en ese instrumento en varias grabaciones.

La sesión de los Jazzopetators de Bigard, realizada el 19 de diciembre de 1936 en los Associated Cinema Studios —junto a los estudios de Columbia Pictures en Hollywood—, resultó histórica. **Caravan** se convertiría en el mayor éxito del joven sello Variety y en una melodía destinada a integrar tanto el repertorio permanente de Duke Ellington como el gran cancionero estadounidense.

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CARL KRESS NEW YORK, OCTOBER 17, 1946 - There’s a small hotel, Just you, just me, Coquette, I may be wrong - Chris Griffin (tp) Hank D’Amico (cl) Art Drellinger (ts) Stan Freeman (p) Carl Kress (g) Bob Haggart (b) Dave Tough (d)

Desde fines de los años veinte, el guitarrista Carl Kress fue uno de los músicos de estudio más solicitados de Nueva York. Se ganó sus credenciales jazzísticas participando en sesiones con Beiderbecke, Red Nichols, Trumbauer, los hermanos Dorsey y muchos otros, y también grabó dúos con Eddie Lang.

Para su sesión de octubre de 1946, Kress reunió a un pequeño grupo de curtidos jazzistas de estudio para hacer música sin pretensiones. “Small Hotel” se mueve con un swing de tempo medio: el clarinete elegante de Hank D’Amico expone la melodía, con el ex trompetista de la banda de Goodman, Chris Griffin, en el puente. El solo de piano de Stan Freeman está respaldado por el magnífico trabajo de platillos del baterista Dave Tough. Kress se encarga del puente, sigue el tenor de Artie Drelinger y luego Griffin vuelve para su segundo puente y conduce el tema hasta el final.

“Just You, Just Me” es más rápido y abre con bajo, guitarra y clarinete. Uno de los momentos más destacados es el coro completo de Griffin, tocado con sordina. “I May Be Wrong” cierra una sesión realmente estupenda.

JOHNNY HODGES NEW YORK, AUGUST 24, 1938 - Prelude to a kiss (mmh vcl), There’s something about an old love (mmh vcl), The Jeep is jumpin’ [Krum elbow], Krum elbow blues - Cootie Williams (tp) Lawrence Brown (tb) Johnny Hodges (sop,as) Harry Carney (bar) Duke Ellington (p) Billy Taylor, Sr. (b) Sonny Greer (d) Mary McHugh (vcl)

*Prelude to a Kiss* había sido grabada por primera vez como instrumental el nueve de agosto por la orquesta completa de Duke Ellington para el selo Brunswick, con Johnny Hodges como solista destacado. Esta sesión marcó la primera versión vocal de un tema que se convertiría en un clásico del repertorio de la banda y en un pilar para Hodges.

Los dos últimos temas de la sesión fueron instrumentales acreditados a Ellington y Hodges. Aunque el nombre de Ellington aparece inevitablemente al hablar de los grandes compositores de jazz, Hodges rara vez recibe reconocimiento, pese a su enorme capacidad para inventar melodías estructuradas y narrativas, muchas basadas en riffs, y reinventar el blues al nivel de Ellington. Leonard Feather informó en *Melody Maker* (1 de octubre de 1938) que “el grupo de Johnny Hodges aprovechó la reciente sensación de Krum Elbow… y grabó *Krum Elbow Blues*, inicialmente una sátira musical que terminó siendo un típico blues de 12 compases.”

Feather agregó que en esa misma sesión, Ellington habría grabado *The Dawn of a New Day*, tema de Gershwin para la Feria Mundial de Nueva York, aunque no se conoce registro de la grabación y el título no aparece en los libros de registro.

VIC DICKENSON SEPTET BROOKLYN, NY, NOVEMBER 29, 1954 - Everybody loves my baby (1), Old fashioned love (1) - Shad Collins (tp) Ruby Braff (tp1) added, Vic Dickenson (tb) Edmond Hall (cl) Sir Charles Thompson (p) Steve Jordan (g) Walter Page (b) Jo Jones (d)

Cuando Vic Dickenson llegó al estudio en Brooklyn con su septeto a fines de 1954, el trompetista es Shad Collins y el histórico Jo Jones ocupaba la batería. Ruby Braff figura como músico invitado y participa en dos temas.

Aunque ni Dickenson, Collins, Jones y el bajista Walter Page habían compartido filas en la orquesta de Count Basie, el espíritu de este conjunto se siente a lo largo de toda la sesión. El swing fluye sin esfuerzo desde el comienzo, incluso en repertorio poco habitual, que aquí suena sorprendentemente actual. Dickenson aprovecha los tempos relajados para variar timbres y matices con sus sordinas, mientras que el clarinetista Edmond Hall y Collins aportan magníficos solos . La sección rítmica impulsa cada tema con elegancia y energía, dando espacio a momentos líricos, blues profundos y mucho swing.

THELONIOUS MONK QUARTET “BREMEN 1965” - Bremen, Germany, March 8, 1965 - Epistrophy, Rhythm a ning - Charlie Rouse (ts) Thelonious Monk (p,comp) Larry Gales (b) Ben Riley (d)

En marzo de 1965, Thelonious Monk se encontraba en un momento clave de su trayectoria. Ya era una figura central del jazz moderno, pero seguía explorando su música concierto a concierto. La actuación registrada el 8 de marzo en el estudio de Radio Bremen, Alemania, captura a Monk en plena madurez artística, con un grupo que funcionaba como una unidad sólida y flexible a la vez.

El cuarteto —Monk al piano, Charlie Rouse en saxo tenor, Larry Gales en contrabajo y Ben Riley en batería— llevaba tiempo tocando junto y eso se nota en la naturalidad del diálogo musical. Rouse, su colaborador más cercano de esos años, se movía con total soltura dentro del lenguaje anguloso de Monk, sin forzarlo ni suavizarlo. La sección rítmica sostiene el pulso con equilibrio, permitiendo que la música respire incluso en los pasajes más exigentes.

El repertorio combina composiciones emblemáticas como “Rhythm a ning”, “Well You Needn’t”, “Epistrophy” y “Criss Cross” con estándares abordados desde una mirada muy personal.

Más que un documento histórico, Bremen 1965 es un retrato vivo de Monk en acción: directo, imprevisible y profundamente fiel a su propia visión del jazz.

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TYRONE WASHINGTON “NATURAL ESSENCE” - Englewood Cliffs, N.J., December 29, 1967 - Natural essence, Positive path, Soul dance - Woody Shaw (tp) James Spaulding (as,fl) Tyrone Washington (ts) Kenny Barron (p) Reggie Workman (b) Joe Chambers (d)

Natural Essence es uno de esos discos que capturan un momento de transición en el jazz de fines de los años sesenta. El saxofonista tenor Tyrone Washington parte del hard bop, pero lo estira hacia territorios más abiertos, con guiños al soul jazz y a una espiritualidad muy propia de la época. El resultado es una música intensa pero accesible, con groove, energía y espacio para la improvisación colectiva.

Washington se rodea de músicos jóvenes y creativos —entre ellos Herbie Hancock en piano— que empujan el sonido hacia adelante sin perder el pulso. Los temas alternan entre estructuras claras y pasajes más libres, donde el grupo dialoga con naturalidad. No es un disco agresivo ni hermético: invita a dejarse llevar por el ritmo y por la expresividad directa del saxo tenor.

Natural Essence es una suerte de puente entre el jazz más tradicional y las nuevas búsquedas de finales de los sesenta.

HANK MOBLEY “HANK” - Hackensack, N.J., April 21, 1957 - Fit for a hanker, Dance of the infidels - Donald Byrd (tp) John Jenkins (as) Hank Mobley (ts) Bobby Timmons (p) Wilbur Ware (b) Philly Joe Jones (d)

El saxofonista tenor Hank Mobley hizo su primera aparición en Blue Note Records en 1954 como miembro de The Jazz Messengers bajo el liderazgo de Horace Silver y comenzó a liderar sus propias citas al año siguiente, marcando el comienzo de una carrera de 15 años en el sello. Mobley todavía estaba estableciendo su identidad única como improvisador con un estilo lírico y como compositor en sus primeros discos de Blue Note, incluido éste del sexteto de 1957 Hank con Donald Byrd en la trompeta, John Jenkins en el saxo alto, Bobby Timmons en el piano, Wilbur Ware en el bajo y Philly Joe Jones en la batería.

“THE BOTTLE TAPES” - EMPTY BOTTLE DE CHICAGO:

(I) FRED ANDERSON/KENT KESSLER/HAMID DRAKE - “For Fred Hopkins” Enero 27, 1999 - Fred Anderson, tenor saxophone; Kent Kessler, bass; Hamid Drake, congas

(II) FRANÇOIS HOULE “Areality” - 9 de enero 1998 - François Houle (cl)

The Bottle Tapes es un proyecto que rescata la música del club Empty Bottle de Chicago en pleno auge de la escena creativa de los años 90. Entre 1996 y 2005, John Corbett y Ken Vandermark curaron más de 500 conciertos que consolidaron a la ciudad como un foco clave de la música improvisada. *The Bottle Tapes*, box set de seis CDs a partir de grabaciones de conciertos en el legendario club, recorre desde el free jazz más intenso hasta la improvisación experimental más extrema, con cerca de 100 músicos internacionales.

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JEROME SABBAGH “I WILL FOLLOW YOU” - Paris, France, May 15 & 16, 2010 - I will follow you, Monolith, The clown, Comptine, More; - Jerome Sabbagh (sop,ts) Ben Monder (g) Daniel Humair (d)

El saxofonista Jerome Sabbagh, nacido en París y radicado en Nueva York, en su álbum “I Will Follow You” del 2010, presenta música original llena de energía y con una calidez muy directa. Un punto central del proyecto es su conexión natural con el guitarrista Ben Monder, uno de los más solicitados de la escena actual. A este diálogo se suma el baterista suizo Daniel Humair, Con 72 años cuando se grabó este disco, lo lleva a otro nivel.

Humair fue uno de los grandes bateristas europeos de su generación y tocó con figuras como Bud Powell, Dexter Gordon y Eric Dolphy, experiencias que aún marcan su forma de improvisar. En este disco, los tres músicos se encuentran sin ensayos previos para improvisar libremente y tocar composiciones de Sabbagh, guiados por una idea común: decir lo justo, sin exagerar ni alargar innecesariamente la música.

JIM BLACK’S JIM & THE SCHRIMPS “AIN’T NO SAINT” - Berlin, Germany, August 17 & 18, 2022

The set-up (for Baikida Carroll), Snaggs, Asgingforit, Riversgardens, Schrimps BBQ -

Asger Nissen (as) Julius Gawlik (ts) Felix Henkelhausen (b) Jim Black (d,comp)

El baterista y líder Jim Black ha sido una figura clave del jazz moderno desde los años noventa. En esta nueva banda, reúne a jóvenes talentos como Asger Nissen, Julius Gawlik y Felix Henkelhausen, quienes están entre las voces más originales del jazz europeo actual. Con la misma formación que en algunas de sus bandas más reconocidas, la música de este cuarteto es intensa y directa: desde la primera nota. Black combina muchas ideas y sonidos distintos, pero siempre con coherencia, sin perderse en experimentos gratuitos. Su música es vibrante, inmediata y rechaza pasividad.

SONNY RED QUARTET “OUT OF THE BLUE” - Englewood Cliffs, NJ, December 5, 1959 Bluesville, I’ve never been in love before, Blues in the pocket Sonny Red (as) Wynton Kelly (p) Sam Jones (b) Roy Brooks (d)

Sonny Red fue un saxofonista alto surgido de la escena de Detroit, donde trabajó junto a Barry Harris entre 1949 y 1952. En 1954 pasó brevemente al saxo tenor mientras tocaba con Frank Rosolino y ese mismo año se integró por un corto período a los Jazz Messengers de Art Blakey. Su llegada a Nueva York en 1957 le dio algo de visibilidad: grabó con Curtis Fuller y Paul Quinichette y lideró varias sesiones entre 1958 y 1962 para sellos como Savoy, Jazzland y, sobre todo, Blue Note.

A pesar de colaborar en los años sesenta con músicos de peso como Clifford Jordan, Pony Poindexter, Donald Byrd, Kenny Dorham y Yusef Lateef, su carrera nunca terminó de despegar y hacia los setenta había caído prácticamente en el olvido. Influido claramente por Charlie Parker y Jackie McLean, Sonny Red fue un buen instrumentista, aunque no siempre inspirado en el estudio.

Sin embargo, su álbum para Blue Note es una notable excepción. En estas grabaciones —reeditadas en CD en 1996 junto a cinco tomas inéditas— se lo escucha en su mejor momento, acompañado por Wynton Kelly al piano, Sam Jones o Paul Chambers en contrabajo y Roy Brooks o Jimmy Cobb en batería. Interpretando estándares poco frecuentados y varias composiciones propias, Red muestra una voz personal y un potencial artístico que, lamentablemente, nunca llegó a desarrollarse del todo.

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THEO CROKER / SULLIVAN FORTNER “PLAY” - c. 2024 As we are, First light, Light remains Theo Croker (tp) Sullivan Fortner (p)

“PLAY”, el primer álbum compartido como colíderes por Theo Croker (trompeta) y Sullivan Fortner (piano), llega tras décadas de amistad y colaboración. Aunque Fortner ha participado con frecuencia en proyectos de Croker, nunca antes habían compartido de manera equitativa en un disco de estudio. El resultado puede sorprender: aquí no aparecen ni las fusiones con hiphop, R&B o electrónica que han marcado trabajos recientes de Croker, ni el apego al jazz más clásico y a las raíces de Nueva Orleans que suelen definir a Fortner.

Después de desechar una primera sesión dedicada a estándares modernos, regresaron al estudio sin un plan claro, sin ensayos ni estructuras previas: simplemente tocaron. Esa decisión le da a “Play” una sensación de inmediatez muy tangible.

El disco se compone en su mayoría por dúos íntimos y contemplativos que se mueven entre el jazz y la música de cámara. Aunque predomina un clima sereno y meditativo, la música no es pasiva: hay tensión, urgencia y una emocional intensidad.

MAL WALDRON SEXTET “MAL/2” - Hackensack, N.J., April 19, 1957 - Don’t explain, From This Moment On, One by One - Bill Hardman (tp) Jackie McLean (as) John Coltrane (ts) Mal Waldron (p) Julian Euell (b) Art Taylor (d)

Antes de radicarse en Europa en 1965 y establecerse definitivamente en Múnich, el pianista Mal Waldron dejó una serie de notables discos de hard bop grabados en Estados Unidos, donde ya se percibía con claridad su estilo personal, anguloso y con ecos de Thelonious Monk. Mal/2, registrado en 1957, es uno de los mejores ejemplos de ese período y reúne a un sexteto de lujo que incluye a John Coltrane, Jackie McLean, Idrees Sulieman y Art Taylor, entre otros.

El álbum incluye una lectura muy inspirada y emotiva de “Don’t Explain”, una canción escrita por Billie Holiday y Arthur Herzog Jr. Fue la última canción de Holiday a quien Mal Waldron acompañó en los dos últimos años de su vida.

En esencia, el álbum The Charm of Impossibilities - El encanto de las imposibilidades,- del trompetista Chad McCullough, es un homenaje a la música del compositor clásico Olivier Messiaen. Su forma tan personal de compopner ha sido una fuente de inspiración desde que McCullough descubrió su obra a comienzos de este siglo. Como él mismo señala, la música de Messiaen es “extremadamente compleja en su estructura, pero a la vez accesible para el oyente casual y emocionalmente abrumadora”. La idea del disco fue trasladar esos conceptos a un contexto donde el resultado diera lugar a una música abierta a la improvisación.

Para concretar este proyecto, McCullough se apoyó en dos colaboradores de larga data: el contrabajista Larry Kohut y el baterista Jon Deitemeyer, quienes lo acompañan en once composiciones originales tan ambiciosas como personales. En cinco de los temas se suma además el saxofonista Jon Irabagon. Aunque el punto de partida es claramente clásico, el resultado final es un jazz contemporáneo lúcido y bien equilibrado, que fluye con naturalidad y demuestra el alto nivel musical y la compenetración del grupo.

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BILL HARRIS “BILL HARRIS AND FRIENDS” - Los Angeles, September 23, 1957 It might as well be spring (bw out), In a mellow tone Bill Harris (tb) Ben Webster (ts) Jimmy Rowles (p) Red Mitchell (b) Stan Levey (d)

Bill Harris fue uno de los trombonistas más singulares del jazz moderno entre 1945 y 1960, precisamente porque nunca siguió el modelo dominante de J.J. Johnson. Desde temprano desarrolló un estilo propio. Profesional desde 1938, pasó por grandes orquestas como las de Gene Krupa, Benny Goodman y Charlie Barnet, pero su nombre quedó especialmente ligado a Woody Herman. Harris mantuvo una carrera muy activa en pequeños grupos, en Jazz at the Philharmonic y en colaboraciones con figuras como Flip Phillips, Chubby Jackson y Red Norvo.

En el álbum Bill Harris and Friends (1957) Harris está rodeado de músicos de primer nivel como Ben Webster, Jimmy Rowles, Red Mitchell y Stan Levey. Webster, uno de los grandes colosos del saxo tenor, aporta aquí interpretaciones memorables, especialmente en baladas y en estándares como “I Surrender, Dear”. El diálogo entre el trombón ingenioso de Harris y el sonido cálido y emocional de Webster da forma a una sesión relajada llena de complicidad.

BILLY MOHLER “THE ETERNAL” - Los Angeles, c .2024 Those who know, Hawk wind, Adaptation, Destroyer Devin Daniels (as) Jeff Parker (g) Billy Mohler (b,comp) Damion Reid (d)

En The Eternal, su álbum más reciente, el bajista y compositor angelino Billy Mohler reafirma una identidad muy clara: grooves sólidos, fuerte conexión con el rock y un lenguaje jazzístico abierto y contemporáneo. Tras varios discos con Chris Speed y Nate Wood, Mohler presenta aquí un nuevo cuarteto con músicos clave de la escena de Los Ángeles: el saxofonista Devin Daniels, el guitarrista Jeff Parker y el baterista Damion Reid.

Desde el inicio, Mohler impulsa un groove poderoso sobre el que el saxofón y la guitarra de Daniels y Parker (g) se mueven con naturalidad, mientras que Reid aporta un beat con energía rockera.

NAT KING COLE TRIO “V-DISC 437” - Los Angeles, February 27, 1945

If you can’t smile and say yes, Any old time, A Trio Grooves in Brooklyn. Nat King Cole (p,vcl) Oscar Moore (g) Johnny Miller (b)

Cuando Nat “King” Cole entró a los estudios de V-Disc, ya era uno de los músicos más activos de la Costa Oeste desde 1939. Grababa para varias compañías y también había registrado música para Decca y Capitol junto a figuras como Lester Young, Lionel Hampton, Sweets Edison, Dexter Gordon, Les Paul y Buddy Rich. Además, había participado en los conciertos de Jazz at the Philharmonic y en los programas radiales “Jubilee”. Lograr que grabara para V-Disc fue todo un mérito.

Desde el comienzo, el grupo resulta muy atractivo: la voz cálida y relajada de Nat se apoya en una base rítmica compacta y con swing; su piano ágil recuerda a Teddy Wilson y Art Tatum; los solos de Moore son incisivos, y Miller sostiene todo con absoluta firmeza.

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ELLA FITZGERALD AND HER V-DISC JUMPERS “V-DISC 730” - New York, October 12, 1945 That’s Rich, I’ll always be in love with you, I’ll see you in my dreams Ella Fitzgerald (vcl) acc by Charlie Shavers (tp) Lou McGarity (tb) Peanuts Hucko (cl) Al Sears (ts) Buddy Weed (p) Remo Palmieri (g) Trigger Alpert (b) Buddy Rich (d)

Ella Fitzgerald realizó tres grabaciones para V-Disc compartiendo el liderazgo con Buddy Rich. Rich y el trompetista Charlie Shavers, famoso por su velocidad, arrancan con That’s Rich, antes de que otros músicos tengan breves espacios. El solo de Rich da paso a intercambios de scat entre Fitzgerald y la banda, en una versión con aire bop de un típico ensamble improvisado al estilo de Eddie Condon. En I’ll Always Be in Love with You, una canción de 1929 que Count Basie adoraba y grabó muchas veces, la cantante y el grupo ofrecen una interpretación suave y llena de swing.

CLARK TERRY AND HIS SECTION EIGHTS “V-DISC 805” - New York, February, 1947 - Phalanges, Sleep, Billy’s bounce [Billie’s bounce] Clark Terry (tp,vcl) Willard Parker (ts) Bob Parker (p) Singleton Palmer (b) Earl Martin (d)

Estas son las primeras grabaciones publicadas de Clark Terry, realizadas cuando tocaba con la orquesta de Charlie Barnet, quien decía que Terry era probablemente el mejor trompetista del momento. El tema Sleep, de Fred Waring, tiene una larga historia dentro del jazz; aquí Terry y Parker lo transforman en una pequeña jam session. Siempre impredecible, Terry brilla también en Billy’s Bounce (Billie’s Bounce), un blues de tempo medio con mucho groove. Sin duda, un comienzo prometedor para una de las carreras más largas y sólidas en la historia del jazz.

JIMMY BROWN WITH BOB HAGGART’S BOYS “V-DISC 830” - New York, April 7 & 8, 1947 - Haggart’s lady (2), Bye bye blues (2), Stand still Stanley (2), Indian love call (2) Jimmy Brown (vcl) acc by Chris Griffin (tp) Peanuts Hucko (cl) Toots Mondello (as) Art Drellinger (ts) Stan Freeman (p) Danny Perri (el-g) Bob Haggart (b) Bunny Shawker (d)

El contrabajista Bob Haggart es quizá más conocido como colíder, junto a Yank Lawson, de la World’s Greatest Jazz Band. Pero también fue un músico innovador, un gran arreglista y compositor, como lo demuestra su trabajo con la banda de Bob Crosby.

Aquí se destacan las excelentes intervenciones del guitarrista Danny Perri, Chris Griffin en trompeta, Art Drellinger y Toots Mondello en tenor y alto, además de un conjunto muy bien ensamblado. Quienes esperaban que Haggart se inclinara por el sonido clásico de Nueva Orleans y Chicago asociado al grupo de Crosby se llevarán una grata sorpresa: hay arreglos y solos con claros toques de bebop. El cantante es Jimmy Brown.

JOE BUSHKIN / BOBBY HACKETT “V-DISC SESSION” - WOR Guild Theatre/Playhouse, New York, October 26, 1948 Anything goes, You do something to me, Soft lights and sweet music - Bobby Hackett (cnt) Joe Bushkin (p)

El pianista Joe Bushkin y el trompetista/cornetista Bobby Hackett llevaban ya diez años tocando y grabando juntos bajo el liderazgo de Eddie Condon, así que esta reunión tenía todo el sentido musical. Eligieron canciones con melodías muy sólidas. Bobby suena brillante y amplio, mientras que Bushkin ocupa todos los espacios, buscando constantemente llamar la atención. A Bobby le gustaba decirles a los pianistas más ambiciosos en lo armónico que “tocaran simple” detrás de él, pero en Soft Lights and Sweet Music Bushkin termina tocando solos al mismo nivel que Bobby, de forma muy enérgica, casi distrayendo. Incluso se puede oír la voz de Bushkin al final de la toma.

ALEX SIPIAGIN “REVERBERATIONS” - Bassano del Grappa, Italy, November 10 & 11, 2024 Sipa tham, Upper Manhattan Medical Group Alex Sipiagin (tp,flhrn,comp) Will Vinson (as) John Escreet (p) Makar Novikov (b) Donald Edwards (d)

Mientras preparaba Reverberations, su decimocuarto disco como líder para Criss Cross, el trompetista Alex Sipiagin reunió a un sexteto de colaboradores para una gira de seis conciertos. Luego el grupo entró al estudio de Bassano del Grappa, en la región de Vicenza, al Norte de Italia donde Sipiagin vive desde hace años.

A los 58 años, Sipiagin toca y compone sin apuros ni necesidad de probar nada, dejando que la música respire. Esa actitud atraviesa todo el disco y se refleja también en el trabajo de Will Vinson, John Escreet, Makar Novikov y Donald Edwards. Con estructuras simples y un clima relajado, Reverberations muestra el presente de Sipiagin, atravesado por recuerdos musicales que siguen resonando: ideas aprendidas hace décadas —como una frase de Clifford Brown— que todavía hoy generan nuevas posibilidades.

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JOHN SCOFIELD / DAVE HOLLAND “MEMORIES OF HOME”

John Scofield y Dave Holland reúnen casi cien años de historia en el jazz. Ambos tocaron con Miles Davis y compartieron proyectos con músicos como Herbie Hancock, Joe Henderson y Roy Haynes. Memories of Home marca su primer disco a dúo. Después de una gira en 2024, la etapa siguente era obvia en el estudio.

El álbum combina composiciones de ambos, nuevas y antiguas, y se apoya en una conversación constante entre guitarra y contrabajo. Hay muchas referencias compartidas, pero también diferencias claras, que hacen que la música respire y se mantenga siempre en movimiento.

Uno de los momentos clave es “Icons at the Fair”, una relectura de la versión de Herbie Hancock de “Scarborough Fair”, tomada del album The New Standard (1996), donde ambos participaron. Aquí no hay largos solos: lo central es el diálogo, que conserva la riqueza armónica del arreglo original pero se aleja por completo de la canción popular.

STACY DILLARD “GOOD AND BAD MEMORIES”

Stacy Dillard empezó a tocar saxofón bastante tarde. En su ciudad natal no había mucha actividad musical, más allá de su profesor de banda y un pequeño círculo de amigos, y durante años el deporte fue una parte central de su vida. Aun así, cuando se dedicó de lleno al instrumento, su talento rápidamente se hizo notar.

Con un sonido amplio y lleno, ideas bien desarrolladas y una técnica muy precisa, Dillard pronto obtuva numerosas oportunidades profesionales con músicos como Lenny White, Frank Lacy, Roy Hargrove, Frank Wess, Mulgrew Miller y la Mingus Big Band, entre muchos otros, moviéndose con soltura entre distintos estilos.

En Good And Bad Memories de 2011), su debut como líder para el sello (Criss Cross, Dillard dirige un quinteto con Orrin Evans en piano, Craig Magnano en guitarra, Ryan Berg en contrabajo y Jeremy “Bean” Clemons en batería. Él alterna entre el tenor y el soprano en un sólido repertorio de composiciones originales que confirma su madurez musical.

BILL WARE “MARTIAN SUNSET”

- released November 28, 2025

Around The Horn, That Dirty Road, Safer Journey

Bill Ware - vib, Rez Abbasi - g Matt King - p Jay Anderson - b Taru Alexander - dr

Conocido sobre todo por su trabajo con The Jazz Passengers y Groove Collective, el vibrafonista Bill Ware ha desarrollado una trayectoria amplia y versátil, colaborando en distintos géneros con artistas como Steely Dan y Elvis Costello, sin dejar de sostener sus propios proyectos. El más duradero es The Club Bird AllStars.

Este grupo se ha convertido en el principal vehículo para sus composiciones. Se trata de un ensamble flexible, con músicos de vientos y sección rítmica que rotan según las necesidades de cada pieza. Para registrar su música más reciente, Ware llegó al estudio de Van Gelder Studios a su viejo colaborador, el guitarrista Rez Abbasi, el pianista Matt King, el bajista Jay Anderson y el baterista Taru Alexander. El resultado evoca la energía y el espíritu de los grandes grupos de fines de los años 60, en la estela de Herbie Hancock, Freddie Hubbard y Cannonball Adderley.

¡Gracias por leer “Roberto Barahona Puro Jazz”!

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JIM HALL UNIQUITIES VOL 1 + 2”

- Live, Japan, 2012

Chelsea bridge, Is what it is, St. Thomas

Jim Hall (g) Scott Colley (b) Joey Baron (d)

Uniquities es una colección de actuaciones en vivo nunca antes lanzadas del guitarrista Jim Hall, junto a Scott Colley y Joey Baron en bajo y batería. Ha sido cuidadosamente seleccionada para demostrar lo increíblemente innovador que era Jim y para reflejar su búsqueda implacable de esa combinación de belleza impresionante y un enfoque moderno de la música en constante evolución. Uniquities Uniquidades es un término acuñado por Jane Hall, que describe cómo su esposo tomaba las mismas ideas musicales o similares y las reinventaba constantemente. Hall era un verdadero maestro de su forma de arte. Tanto es así que hoy, doce años después de su muerte, su música todavía suena completamente moderna y como el trabajo de cualquier gran maestro es apreciado cada vez más a medida que pasa el tiempo.

PEPPER ADAMS “PLAYS THE COMPOSITIONS OF CHARLIE MINGUS”:

- New York, September 9, 1963 Fables of Faubus (1),Carolyn (3)

Thad Jones (tp,arr1) Pepper Adams (bar,arr2) Hank Jones (p) Paul Chambers (b) Dannie Richmond (d) Charles Mingus (arr3) Teddy Charles (arr4)

- New York, September 12, 1963 Better get it in your soul

Thad Jones (tp) Benny Powell (tb) Charles McPherson (as) Zoot Sims (ts) Pepper Adams (bar) Hank Jones (p) Bob Cranshaw (b) Dannie Richmond (d)

Pepper Adams Plays The Compositions Of Charlie Mingus es un clásico álbum de 1963 en el que el saxo barítono dirige sesiones interpretando las obras del bajista/compositor Charles Mingus, con músicos de primer nivel: Thad Jones, Hank Jones, Paul Chambers y Zoot Sims. Esta es una de esas grabaciones imprescindibles para los fanáticos de Adams; pero también es para aquellos que veneran el trabajo de Mingus, porque, por muy radicales que sean algunas de estas interpretaciones, no solo fueron sancionadas por el compositor, sino que le agradaron las selecciones. Adams y Thad Jones toman la música de Mingus con una enorme sensibilidad y dominio que proviene solo de conocer personalmente al maestro. “Carolyn” fue escrita por Mingus específicamente para esta sesión de grabación en homenaje a su hija, Carolyn Keikki Mingus.