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PASQUALE MIRRA / HAMID DRAKE “LHASA” - Italy ?, c. 2024 - The toad - Pasquale Mirra (vib) Hamid Drake (d)

Percusionista prolífico y de enorme prestigio dentro del jazz de vanguardia y la improvisación, Hamid Drake ha construido un lenguaje rítmico que mezcla elementos afro-cubanos, indios y africanos. Surgió en los años setenta junto al saxofonista Fred Anderson, figura clave de la escena de Chicago, y desde entonces ha sido un colaborador esencial de improvisadores como Peter Brötzmann, Matthew Shipp, Ken Vandermark, Pharoah Sanders y William Parker. Además, trabajó estrechamente con Don Cherry desde 1978 hasta la muerte del trompetista en 1995.

Pasquale Mirra, originario de Ravello, es considerado uno de los vibrafonistas más talentosos de la escena italiana e internacional. Ha colaborado con grandes improvisadores del escenario mundial, incluidos Michel Portal, Fred Frith, Nicole Mitchell, Tristan Honsinger, Ernst Rijseger, y con algunos de los artistas italianos más talentosos. En 2013, 2014 y 2015 fue nombrado el mejor vibrafonista italiano por la revista Jazz it.

Es difícil definir y encasillar a estos dos músicos, porque no pertenecen a un solo género y demuestran con cuánta maestría y naturalidad se puede pasar de una cultura musical a otra sin generar rupturas.

En el Festival Internacional de Providencia, Hamid y Pasquale presentarán su música junto a cuatro músicos chilenos: Claudio Rubio, saxos; Felipe Rivero, piano y teclados; Milton Russell, contrabajo y Raul Aliaga en percusión y tabla.

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BRUCE BARTH “DEDICATION” - Brooklyn, NY, August 9, 2021 - “Dedication” - Brooklyn, NY, August 9, 2021 - Courage, In memoriam, Let’s go - Bruce Barth (p,comp) Vicente Archer (b) Montez Coleman (d)

Figura clave de la escena jazzística de Nueva York durante 40 años, el pianista Bruce Barth ha desarrollado una visión musical inspirada que siempre ha dado lugar a colaboraciones valiosas y profundas. Ninguna tan significativa como la de su trío estable de muchos años junto al contrabajista Vicente Archer y el baterista Montez Coleman.

La voz colectiva del grupo encontró aquí su marco perfecto, lo que convierte el álbum *Dedication* en un momento especialmente profundo y cargado de emoción: Montez falleció apenas cinco meses después de la sesión de grabación, a los 48 años. El disco celebra la alegría y la camaradería que Montez aportaba al grupo, así como la inspiración, guía y gratitud durante toda la grabación.

SEBASTIÁN JORDÁN “PATAGONIA” - Santiago 2023 - Patagonia, Sofía - Sebastián Jordán (t) Sergio Olivares (saxo/fl) Sebastián Castro (p/tecl) Milton Russell (b) Félix Lecaros (dr)

Sebastián Jordán es, sin lugar a dudas, la figura más relevante de la trompeta en el jazz chileno, consolidado como solista a partir de la década del 2000. Formado con distinción en el seno de las orquestas Irazú (1997) y Los Andes Big Band (1998), pronto se erigió como el principal referente del instrumento dentro de su generación.

Su trayectoria se ha caracterizado por la construcción de un discurso musical propio, de notable profundidad lírica y refinamiento expresivo, desarrollado tanto en sus proyectos como solista-líder como en su prolífica labor como sideman en la escena contemporánea. En este sentido, Jordán se inscribe de manera natural como el continuador de Cristián Cuturrufo en la línea histórica de la trompeta dentro del jazz chileno.

JAMIE BAUM “SIGHT UNHEARD” - New York, January, 1995 - Aftermath (kw out), Una muy Bonita, Sight unheard - Dave Douglas (tp) Jamie Baum (fl,altofl) Roberta Piket (p) Drew Gress (b) Jeff Hirshfield (d)

La flautista y compositora neoyorquina Jamie Baum, reconocida internacionalmente como una de las grandes flautistas del jazz e incluida anualmente en la encuesta de críticos de la revista DownBeat desde 1999, ha trabajado y/o grabado con figuras tan diversas como Randy Brecker, Paul Motian, Roy Hargrove, Kenny Barron, Anthony Braxton y Wadada Leo Smith. Baum también enseña en el departamento de JazzArts de la escuela de música de Manhattan.

Pasado mañana, el viernes 23 a las 20:00 Jaime se presentará en el Festival Internacional de Providencia con el cuarteto que debutó en 2023 en el legendario club Mezzrow de Nueva York. Tras años tocando juntos en distintos proyectos y formaciones, el balance entre lo familiar y lo inesperado mantiene al público atento. El repertorio mezcla composiciones originales de los integrantes y arreglos d estándares con un enfoque propio.

En su álbum Sight Unheard es acompañada por músicos de primer nivel — Dave Douglas en trompeta y Kenny Werner o Roberta Piket en piano—, pero mantiene su presencua siempre al frente. Jamie compuso casi todo el repertorio, e hizo todos los arreglos de música abierta y dinámica, llena de matices, energía y momentos de gran interacción colectiva.

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MILT JACKSON “QUINTET” - New York, April 7, 1952 - Tahiti, Lillie, Bags’ groove, What’s new ?, Don’t get around much anymore, On the scene - Lou Donaldson (as1) Milt Jackson (vib) John Lewis (p) Percy Heath (b) Kenny Clarke (d)

Este CD reúne dos sesiones completas lideradas por el vibrafonista Milt Jackson. En una de ellas, los futuros integrantes del Modern Jazz Quartet se unen al saxofonista Lou Donaldson; la otra incluye ocho temas en cuarteto junto a Thelonious Monk.

Hoy escucharemos la sesión de abril de 1952, que en lo esencial ya presenta al Modern Jazz Quartet: John Lewis (piano), Percy Heath (contrabajo) y Kenny Clarke (batería), ofreciendo un acompañamiento excepcional a Jackson. Con Lou Donaldson en saxofón alto, el grupo interpreta versiones sublimes que duran unos minutos cada una. Eto se debe que, aunque el LP ya existía desde 1948, estas grabaciones fueron pensadas originalmente para discos de 78 rpm, formato que seguía siendo el más usado por las radios y porque muchos oyentes aún no tenían tocadiscos para LP. Así, estas sesiones se publicaron primero como 78 rpm de Blue Note y solo más tarde fueron recopiladas en LP.

ENRICO PIERANUNZI “DON’T FORGET THE POET” - Amsterdam, The Netherlands, March 7, 8 & 9, 1999 - Don’t forget the poet, A nameless gate, Hindsight - Bert Joris (tp,flhrn) Stefano d’Anna (sop,ts) Enrico Pieranunzi (p) Hein van de Geyn (b) Hans van Oosterhout (d)

Enrico Pieranunzi, nacido en Roma en 1949, es pianista, compositor y arreglador. Ha grabado más de 70 discos como líder y ha colaborado, en vivo y en estudio, con músicos como Chet Baker, Lee Konitz, Paul Motian, Charlie Haden, Chris Potter, entre muchos otros. Ha sido elegido Artista del Año en tres ocasiones por la encuesta de críticos de la revista Musica Jazz y también recibió el premio francés Django d’Or como Mejor Músico Europeo.

En el álbum Don’t Forget the Poet, Pieranunzi aparece acompañado por Bert Joris en trompeta y fliscorno, y por el saxofonista Stefano d’Anna. El grupo se completa con el contrabajista Hein Van de Geyn, quien además produce el disco, y el baterista Hans von Oosterhout. Los 11 temas son composiciones de Pieranunzi y proponen una música donde prima la belleza y el lirismo, más que el swing marcado o las referencias directas al blues.

BUD FREEMAN - “AND HIS GANG” - New York, July 12, 1938 - Tappin’ the Commodore till, Memories of you - Bobby Hackett (cnt) Pee Wee Russell (cl) Dave Matthews (as) Bud Freeman (ts) Jess Stacy (p) Eddie Condon (g) Artie Shapiro (b) Dave Tough (d-1) Marty Marsala (d-2)

“BUD FREEMAN TRIO” - New York, November 30, 1938 -The blue room, Exactly like you - Bud Freeman (ts) Jess Stacy (p) George Wettling (d)

Bud Freeman siempre tuvo su propio sonido y estilo. Aunque nunca fue la influencia dominante que fue Hawkins, fue una inspiración tanto para Lester Young (que admiraba su individualidad incluso mientras desarrollaba su propio tono mucho más frío) como para Eddie Miller, que con Bob Crosby a menudo sonaba como Freeman, pero tocaba en un estilo más simple, aunque no menos oscilante. Incluso Hawkins expresó admiración por las habilidades de Freeman y su decisión de no copiar a nadie más.

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EDDIE HEYWOOD “AND HIS ORCHESTRA” - New York, February 19 & 26, 1944 -`T ain’t me, Carry me back to old Virginny, I can’t believe that you’re in love with me - Doc Cheatham (tp) Vic Dickenson (tb) Lem Davis (as) Eddie Heywood (p) Al Lucas (b) Jack “The Bear” Parker (d)

El pianista Eddie Heywood nació en Atlanta, Georgia. Se inició tocando en un teatro de vódevil en Atlanta, ocasionalmente acompañando a cantantes como Bessie Smith y Ethel Waters.[ 1] Heywood se mudó, primero a Nueva Orleans y luego a Kansas City, cuando el vódevil comenzó a ser reemplazado por imágenes sonoras. Después de mudarse a Nueva York, toco con Benny Carter (1939-1940). Luego dirigió su propio grupo a partir de ese período, apoyando a Billie Holiday en algunas ocasiones a partir de 1941. En 1943, aparece en el cuarteto de Coleman Hawkins con un solo en “The Man I Love”). Su primer sexteto incluyó a Doc Cheatham y Vic Dickenson. Su versión de 1944 de “Begin the Beguine” se convirtió en un éxito. Eddie Heywood continuó actuando hasta la década de 1980.

CHU BERRY “AND HIS JAZZ ENSEMBLE” - New York, August 28, 1941 - Blowing up a breeze, On the sunny side of the street, Monday at Minton’s, Gee baby, ain’t I good to you ? (hlp vcl) - Hot Lips Page (tp,vcl) Chu Berry (ts) Clyde Hart (p) Al Casey (g) Al Morgan (b) Harry Jaeger (d)

El August 28, 1941 Chu Berry, Hot Lips Page y Clyde Hart en tenor, trompeta y piano ingresaron al estudio de Commodore Records en New York. También participan el guitarrista de Fats Waller Al Casey y Harry Wager baterista de Benny Goodman, son caras nuevas del sello. La instrumentación es la misma que la de Chu en una grabación de 1938, lo que deja bastante claro son los cambios que habían tenido lugar en el swing. Se había vuelto más ágil, con una mayor propensión a los riffs que son frase corta repetida típicamente utilizada como introducción o estribillo en una canción.

Grabaron dos baladas y dos temas rápidos: Una larga toma de “On The Sunny Side Of The Street”, con un solo de Hot Lips. “Blowing Up A Breeze”, muestra que Chu y Lips van bien juntos. La toma termina con un riff al unísono y Chu, con la mayor parte del espacio en solitario, que está en buena forma; este era el tipo de ritmo en él que sobresalía. “Monday At Minton’s” es el primo de “One O’clock Jump”, al que Hart cita en su solo de saxo alto. “Gee Baby Ain’t I Good To You” fue una de las especialidades de Lips. Su solo de trompeta con sordina es “suplicante”. Este fue el canto del cisne de Chu: en dos meses, había fallecido, acababa de cumplir 33 años. Si hubiera vivido, podría haber habido una tercera escuela clásica de tenor para agregar a Coleman Hawkins y Lester Young.

PECK KELLEY “PECK KELLEY JAM” - Houston, Texas, June 9 & 16, 1957 - Stompin’ at the Savoy, Riverboat shuffle - Dick Shannon (cl) Peck Kelley (p) Felix Stagno (el-g) Dusty Hymes (g) Glen Boyd (b) Richard “Spanky” Jones (d)

Peck Kelley fue un hombre sumamente tímido y un pianista virtuoso con el don de atraer a los mejores y más brillantes jóvenes músicos de jazz de todo el país a su banda en el este de Texas. Los mejores líderes de banda del día intentaron atraerlo, pero se negó a migrar a escenas de jazz fértiles y más lucrativas en otros lugares. En cambio, creó un centro de hiot jazz en su estado en una época en la que el jazz rara vez se escuchaba en ningún otro lugar que no fuera Nueva Orleans o Chicago.

Kelley lideró una influyente “territory band” en Texas durante la década de 1920. Se decía que el estilo de Kelley estaba adelantado a su tiempo y era armónicamente más avanzado que el de otras bandas de esa época. En el grupo tocaron músicos como Pee Wee Russell y Jack Teagarden, además de Leon Roppolo, de los New Orleans Rhythm Kings. La banda nunca llegó a grabar.

En 1957, Peck Kelley se unió al cuarteto de Dick Shannon, con Glen Boyd al contrabajo, formación de la que provienen las únicas grabaciones de estudio que se conservan de este músico.

JACKIE MCLEAN “JACKNIFE” - Englewood Cliffs, N.J., September 24, 1965 - Blue fable (1) - - Lee Morgan (tp1) Charles Tolliver (tp2) Jackie McLean (as) Larry Willis (p) Larry Ridley (b) Jack DeJohnette (d)

La historia de Jackie McLean es ya parte de la leyenda del jazz. Empezó a tocar el saxofón alto a los quince años; a los diecisiete estudiaba con Bud Powell y tocó en conciertos locales con Thelonious Monk y al año siguiente junto a Charlie Parker, y a los diecinueve se presentó en el club Birdland con Miles Davis. Además, grabó con Miles Davis, el Jazz Workshop de Charles Mingus y más tarde con los Jazz Messengers de Art Blakey. Antes de cumplir veinte años, McLean era conocido como una figura clave del jazz neoyorquino.

Su álbum Jacknife (1965) lo acompañan los trompetistas de primer nivel, Lee Morgan y Charles Tolliver, y una sólida sección rítmica: Larry Willis al piano, Larry Ridley en el contrabajo y Jack DeJohnette en la batería. El sonido intenso de McLean recorre un repertorio variado, que va desde las amplias exploraciones modales de “On The Nile”, de Tolliver, pasando por los ritmos enérgicos de “Climax”, de DeJohnette, hasta “Blue Fable”, composición del propio McLean.

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HAMPTON HAWES “THE TRIO (VOLUMES 1 & 2) - Diciembre 1955 & enero 1956 - Stella by starlight, Blues for Jacque, Yesterdays - Hampton Hawes (p) Red Mitchell (b) Chuck Thompson (d)

Hampton Hawes fue uno de los mejores pianistas de hard bop de la escena jazzística de la Costa Oeste. Llamó la atención a fines de los años 50 con una serie de excelentes discos en formato de trío. Influido por las innovaciones bebop de Bud Powell, Hawes mostró muy pronto la misma soltura tanto en temas rápidos y llenos de swing como en baladas románticas.

Después de trabajar con las bandas de Los Ángeles lideradas por Shorty Rogers y Howard McGhee, y tocar con figuras del bebop de la Costa Oeste como Sonny Criss, Dexter Gordon y Wardell Gray.

Hampton Hawes Trio, Vols. 1 & 2 es el primero de una larga serie de grabaciones que lo muestran en uno de los mejores momentos iniciales de su carrera, junto al contrabajista Red Mitchell y al baterista Chuck Thompson. Además de tres composiciones propias, Hawes interpreta siete estándares con versiones llenas de energía y swing, logrando que temas muy conocidos suenen nuevamente vivos y atractivos.

LIAM SILLERY “PHENOMENOLOGY” - River Edge, N.J., December 9, 2008 - Phenomenology, Holding pattern, Intentionality - Liam Sillery (tp,flhrn) Matt Blostein (as) Jesse Stacken (p) Thomas Morgan (b) Vinnie Sperrazza (d)

Con su lanzamiento “Phenomenology”, el trompetista Liam Sillery continúa desafiando tanto a los músicos como al oyente con composiciones intrincadas e improvisación sorprendente. La banda es reactiva y solidaria, mientras mantiene sus personalidades individuales para complementar constantemente la música. La exploración de Liam de los paisajes sónicos sugeridos por sus composiciones crea una sensación de intriga melódica en el “Koi” inspirado en Kenny Wheeler y las líneas de la rueda de la bocina a través del backbeat de “Intentionality”. Esta grabación sin duda ayuda a solidificar a Sillery como “una voz importante en el jazz del siglo XXI”

J.D. ALLEN “AMERICANA, VOLUME 2” - Astoria, NY, January 26, 2022 - The werk song, Hammer and hoe, The battle of Blair Mountain - J.D. Allen (ts) Charlie Hunter (g) Gregg August (b) Rudy Royston (d)

En Americana Vol. 2, J.D. Allen aborda temas profundos —políticos, raciales, económicos e históricos—, pero en el centro musical del disco está algo tan simple y a la vez fundamental como el blues. Allen pone el foco en ese papel muchas veces subestimado, pero clave, que el blues ha tenido en la historia del jazz y en cómo sigue transformándose e influyendo en el género hasta hoy.

Para este proyecto vuelve a trabajar con sus colaboradores de siempre, Gregg August en contrabajo y Rudy Royston en batería, y suma al guitarrista Charlie Hunter. Hunter no solo comparte con Allen un interés profundo por el blues y su legado, sino también varias experiencias de vida similares. Aunque crecieron en distintas regiones del país, sus trayectorias personales se cruzan de manera natural, algo que se percibe con claridad en la música que hacen juntos.

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MATT BAUDER “NIGHTSHADES” - Brooklyn, NY, February 5 & 6, 2013 - Octavia minor, Weekly resolution - Nate Wooley (tp) Matt Bauder (ts) Kris Davis (p) Jason Ajemian (b) Tomas Fujiwara (d)

Matt Bauder formó su banda Day in Pictures en 2007 con la idea de concentrar sus diversas habilidades como compositor en un sonido propio y reconocible. La formación actual reúne a algunos de los improvisadores más destacados de hoy. Nate Wooley y el propio Bauder, en trompeta y saxofón tenor, han desarrollado un frente muy particular gracias a años de giras junto al quinteto Canada Day de Harris Eisenstadt. La base rítmica —Kris Davis en piano, Jason Ajemian en contrabajo y Tomas Fujiwara en batería— se complementa a partir de contrastes claros entre sus distintas maneras de tocar.

Cuesta imaginar una versión más personal y cercana de la tradición del souljazz actual que “Octavia Minor”, el tema que abre Nightshades, segundo álbum del grupo. La pieza se apoya en un riff relajado de hard bop y en el diálogo natural entre Bauder y el notable trompetista Wooley. Al mismo tiempo, se aparta con elegancia de lo convencional gracias a un clima espacial, con matices de Medio Oriente, y al intercambio tenso entre los giros blueseros del piano de Davis y los acentos descentrados de la batería de Fujiwara.

MAX JOHNSON “MAX JOHNSON QUARTET” - Paramus, NJ, c. 2012 - 60-66, Disharmony in 5 notes or less, Lost & found (for Henry Grimes) - Steve Swell (tb) Mark Whitecage (as,cl) Max Johnson (b) Tyshawn Sorey (d)

Discípulo del bajista de vanguardia Henry Grimes, Max Johnson aporta a su contrabajo una energía intensa en Max Johnson Quartet su prometedor debut. El disco reúne seis composiciones originales para un cuarteto sin piano, donde distintos géneros se filtran a través de una mirada claramente libre y experimental. Johnson ha tocado con figuras como Anthony Braxton, William Parker y John Zorn; esas influencias se sienten, pero no lo dominan: aquí logra una voz propia, creando reglas solo para tensarlas o dejarlas de lado.

Esa tensión se percibe en “Elephant March”, un funk en compases irregulares que parece reclamar a John Medeski, hasta que Tyshawn Sorey empieza a desarmar el pulso y el trombonista Steve Swell junto al saxofonista Mark Whitecage despegan hacia zonas extremas y luego regresan. “Lost & Found” crece poco a poco, con ecos de los pasajes más brillantes de Rhapsody in Blue. El no del todo tradicional “6066” da paso a “Atonement”, un blues torcido, y el cierre “IsetRa” evoca pirámides, rituales y quizá a la Arkestra que alguna vez tocó entre ellas.

MIGUEL ZENÓN QUARTET “VANGUARDIA SUBTERRÁNEA“ – Live At The Village Vanguard - September 20th & 21st, 2024 - El día de mi suerte, Dale la vuelta - Miguel Zenón (sa) Luis Perdomo (p) Hans Glawischnig (b) Henry Cole (dr)

Observando el 22 aniversario de su primer álbum de cuarteto (Look Forward del 2022) con el pianista Luis Perdomo, el bajista Hans Glawischnig y el baterista Antonio Sánchez, y el 15o aniversario de su cuarteto actual con el baterista Henry Cole, el saxofonista alto Miguel Zenón ingresó al Village Vanguard en septiembre de 2024 para grabar el primer álbum del grupo.

Aunque el cuarteto ha ofrecido cientos de conciertos en todo el mundo durante años, nunca antes había registrado oficialmente su potencia en vivo. Para Zenón, este disco tiene una energía especial, marcada por la historia y la atmósfera única del Village Vanguard, un lugar soñado por generaciones de músicos de jazz. El lanzamiento se efectuó en el mismo lugar en septiembre de 2025.

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CARMEN STAAF “SOUNDING LINE” - Oakland, CA, September, 2024 - Scorpio?, Byeya, Libra, Boiling point - Ambrose Akinmusire, Darren Johnston (tp) Ben Goldberg (cl) Dillon Vado (vib,tamb) Carmen Staaf (p,comp) Hamir Atwal (d) John Santos (bgo)

La pianista y compositora Carmen Staaf se inspira en dos figuras clave del piano en el jazz: Thelonious Monk y Mary Lou Williams. En su álbum Sounding Line, Staaf explora los puntos de encuentro entre estos músicos revolucionarios, revelando influencias compartidas y una relación artística más estrecha de lo que suele asumirse.

Staaf creció estudiando el lenguaje de Monk. Sus composiciones, a menudo calificadas como excéntricas, muestran en realidad una construcción cuidadosa y una lógica interna muy precisa.

El descubrimiento de Mary Lou Williams amplió decisivamente su perspectiva. Le impactó la amplitud estilística de Williams, su vigencia a lo largo de varias décadas y esa admiración la llevó a investigar a fondo su obra y a reconocer los lazos creativos que la conectan con Monk, que es el concepto del disco.

Para dar forma al proyecto, Staaf reunió a músicos de SanFrancisco con quienes había construido vínculos musicales y pedagógicos, conformando un elenco diverso que refuerza el espíritu abierto y dialogante de Sounding Line.

BENNY GOLSON “GONE WITH GOLSON” - Hackensack, N.J., June 20, 1959 - Autumn leaves, Soul me, A bit of heaven - Curtis Fuller (tb) Benny Golson (ts) Ray Bryant (p) Tommy Bryant (b) Al Harewood (d)

El saxofonista tenor y compositor Benny Golson (1929–2024) dejó una huella inconfundible en el jazz moderno, marcada por un groove elegante y un lirismo siempre reconocible. Esa riqueza se aprecia con claridad en Gone With Golson (1959), un álbum que refleja tanto su origen en Filadelfia como su sólida herencia musical, ligada a maestros como Coleman Hawkins y Ben Webster, muy lejos de las corrientes más radicales del avant-garde de la época.

Golson brilla por si solo, pero la presencia del trombonista Curtis Fuller eleva aún más el nivel del disco. Juntos logran un swing fluido y natural, con un diálogo constante y lleno de matices. Golson suena inspirado y melódico, fiel al espíritu de clásicos con el empuje sostenido por el pulso firme de Al Harewood y el trabajo refinado de los hermanos Bryant, Ray al piano y Tommy al contrabajo.

GEORGE COLLIGAN LIVE “JAZZ STANDARD” - New York, April 30, 2014 lanzamiento Mayo de 2025 - Waiting for solitude, If the mountain was smooth - George Colligan (p) Linda May Han Oh (b) Jack DeJohnette (d)

La relación entre el pianista y compositor George Colligan y el baterista DeJohnette se remonta a quince años y un encuentro fortuito durante un ensayo de la big band de Don Byron. Colligan llegó temprano y encontró a DeJohnette ya instalado y listo para tocar. Comenzaron a improvisar, compartiendo temas e ideas musicales, y la conexión fue inmediata. DeJohnette, dos años más tarde, lo llamó para invitarlo a unirse a su grupo. Para Colligan, esta colaboración tuvo un significado especial, ya que DeJohnette había sido durante mucho tiempo uno de sus grandes referentes, en parte porque ambos comparten la poco habitual doble condición de pianistas y bateristas.

En 2014, Colligan y DeJohnette grabaron en vivo en el Jazz Standard de Nueva York, acompañados esta vez por la contrabajista Linda May Han Oh. Publicado ahora por Whirlwind Recordings como Live At The Jazz Standard, el álbum captura un momento especialmente poderoso en la trayectoria de tres músicos magistrales, en distintas etapas de su camino artístico, pero reunidos en perfecta sintonía, con una música llena de energía, empatía y convicción.

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TIMO VOLLBRECHT “BREMEN NEW YORK” - Bremen, Germany, c. 2024 - Spicy moon - Ralph Alessi (tp) Timo Vollbrecht (sax,comp) Elias Stemeseder (p) Chris Tordini (b) Thomas Stronen (d)

Para su cuarto álbum como líder, el saxofonista y compositor alemán Timo Vollbrecht reúne un quinteto de ensueño que incluye al trompetista Ralph Alessi, el contrabajista Chris Tordini y el baterista Thomas Strønen. Completa el grupo el excelente pianista Elias Stemeseder. Grabado en vivo en la sala de conciertos Sendesaal de Bremen, célebre por su acústica excepcional, el disco presenta siete composiciones originales escritas especialmente para esta formación.

Construido sobre un compás poco habitual de 7/4, “Brighton Blues” mantiene un pulso tranquilo pero muy atractivo. Todo parte del piano, que marca el camino con una cadencia firme y clara, mientras el bajo y la batería avanzan con suavidad, sin apuros. El fraseo de Vollbrecht, lleno de arpegios y detalles, recuerda en algunos momentos a Charles Lloyd, sobre todo en esa búsqueda de un clima más introspectivo y casi espiritual. A pesar de la complejidad rítmica, la música fluye con naturalidad y se siente orgánica, como si el ritmo respirara por sí solo.

CHRISTIAN MCBRIDE BIG BAND “WITHOUT FURTHER ADO, VOL. 1” - New York ?, c. 2024 - Murder by numbers (s vcl,1), Back in love again (jo vcl) Old folks (sj vcl), All through the night (cms vcl), Come rain or come shine (ah vcl) Cold chicken suite, 3rd movement - Christian McBride Big Band feat.: Andy Summers (g1) Christian McBride (b) Sting, Jeffrey Osborne, Samara Joy, Jose James, Cecile McLorin Salvant, Dianne Reeves, Antoinette Henry (vcl)

La enorme variedad de contextos, estilos y asociaciones legendarias definen la trayectoria del contrabajista, compositor y líder Christian McBride. Lo ilustra con su big band en Without Further Ado, Vol. 1, cuarto disco primer álbum centrado en voces, con invitados e invitadas de distintas generaciones.

La gran sorpresa inicial es la reunión de Sting y Andy Summers, juntos por primera vez desde 2008, al frente de una versión swing de “Murder by Numbers”, lado B de The Police. Luego aparece el gigante del R&B Jeffrey Osborne en (Every Time I Turn Around) Back in Love Again, con McBride pasando al bajo eléctrico para sostener el pulso funk y sensual del tema.

Samara Joy aborda “Old Folks” con un aire clásico que recuerda a los grandes crooners, mientras Antoinette Henry aporta fuerza y dramatismo en “Come Rain or Come Shine”. El cierre destacado llega con Cécile McLorin Salvant, quien ofrece una versión singular y personal del estándar de Cole Porter “All Through the Night”.

DON BYAS AT TIMME ROSENKRANTZ’S - November 6, 1944 These foolish things, Tea for two (1) - Don Byas (ts) John Levy (p) Ted Sturgis (b) unidentified (brushes1) - November 19, 1944 Lady be good [Oh, lady be good] Don Byas (ts) Sammy Benskin (p) unidentied (brushes) - November 20, 1944 Embraceable you (kj vcl), Moonglow - Vic Dickenson (tb1) Don Byas (ts) Sammy Benskin (p) Harold McFadden (g,elg) Kenneth Jackman (vcl) unidentified (brushes1)

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Don Byas fue un saxofonista tenor clave en la historia del jazz, alguien que amplió y llevó más lejos las innovaciones de Coleman Hawkins. Comenzó su carrera tocando saxo alto y en 1929 ya trabajaba con Bennie Moten y los Blue Devils de Walter Page. Entre 1931 y 1932 lideró su propio grupo en Oklahoma, y en 1933 se pasó definitivamente al saxo tenor, instrumento con el que dejaría su mayor huella.

En Notes and Tones, el libro de entrevistas de Art Taylor, Byas comenta que “Art Tatum me afectó profundamente. De ahí viene mi forma de tocar. Yo no tengo un estilo: simplemente soplo, como Art. Él no tenía estilo, solo tocaba el piano, y así es como yo toco”. Añade: “No había nadie tocando lo que yo tocaba, porque en ese tiempo ningún músico de viento seguía a los pianistas. En ese sentido, yo estaba por delante de todos”.

Escuchemos a Byas en una de las muchas sesiones organizadas por el barón danés Timme Rosencrantz en su departamento de la calle 46 en Nueva York, esta es del 6 de noviembre de 1944. Byas está especialmente inspirado en These Foolish Things y Tea for Two, acompañado por el pianista John Levy y el contrabajista Ted “Mohawk” Sturgis, conocido por su larga relación con Roy Eldridge.

RALPH SUTTON / EDMOND HALL “RALPH SUTTON QUARTET WITH EDMOND HALL” - Pythian Temple studio, New York, February 10, 1954 - Oh baby, Dardanella, Up jumped you with love, Sweet and lovely - Edmond Hall (cl) Ralph Sutton (p) Walter Page (b) Cliff Leeman (d)

En el CUARTETO del pianista RALPH SUTTON y el clarinetista EDMOND HALL del 10 DE FEBRERO y el 8 de Junio de 1954 en el Pythian Temple studio de Nueva York. Walter Page y Cliff Leeman los apoyan en el bajo y la batería. Hall era el clarinetista de la banda de la casa del club Eddie Condon’s, y Sutton el pianista de los intermedios, aunque a veces también tocaba con la banda. Page estuvo en la banda de Condon en 1954, y Cliff también, de forma interina. Es obvio que los cuatro se comunicarían estupendamente bien en estas sesiones.

HANK D’AMICO “HANK D’AMICO SEXTET” - New York, October 10, 1944 - Hank’s pranks, Juke box Judy, Shy little witch from Greenwich, Gone at dawn - Frankie Newton (tp) Hank D’Amico (cl) Don Byas (ts) Dave Rivera (p) Sid Weiss (b) Cozy Cole (d)

En la sesión de Hank D’Amico, grabada en Nueva York el 10 de octubre de 1944, hay un factor clave que contribuye a su excelencia: la presencia de un improvisador cuyo escaso reconocimiento contrasta de manera directa con su originalidad y profundidad. Lo acompaña Frankie Newton, un intelectual, pintor con una sensibilidad poética en la trompeta.

Por su parte, D’Amico encontró una forma de tocar el clarinete que le era completamente propia: prácticamente no hay rastros de las influencias predominantes de la época y, al igual que Newton, es un improvisador genuino, siempre en el momento, muy lejos de ser un mero encadenador de frases.

Junto al talentoso pianista Dave Rivera están Sid Weiss, un contrabajista ejemplar del período previo a Jimmie Blanton, con técnica e afinación de primer nivel, y Cozy Cole (que en ocasiones puede sonar algo pesado) toca exclusivamente con escobillas, aportando una ligereza ideal al conjunto.

BRANDON SANDERS “LASTING IMPRESSION” - Brooklyn, NY, Mar 30, May 22, 2025 - 8/4 beat, Lasting impression, Soul Eyes - Stacy Dillard (sax) Warren Wolf (vib) Eric Reed (p) Eric Wheeler (b) Brandon Sanders (d)

Brandon Sanders no siguió el camino habitual de muchos músicos de jazz. Recién a los 25 años tomó por primera vez unas baquetas, cuando la mayoría ya acumulaba estudios, conciertos y grabaciones. Más de un cuarto de siglo después, a los 52, lanzó su debut discográfico *Compton’s Finest* (Savant, 2023). Hoy, con su tercer álbum *Lasting Impression*, queda claro que el baterista —nacido en Kansas City, criado en Compton y radicado en Nueva York— piensa en el largo plazo. Lejos de querer probar que es “la próxima gran cosa” NYC, Sanders se concentra en construir un legado, haciendo música de peso, arraigada en la experiencia y en lo aprendido a lo largo del camino.

Una figura clave en este recorrido es el vibrafonista Warren Wolf, compañero suyo en Berklee y presente en los tres discos del baterista. El álbum parte con “8/4 Beat” de Bobby Hutcherson, con un solo brillante de Wolf. La vocalista Jazzmeia Horn hija de Shirley en dos pistas.

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MCCOY TYNER “THE REAL MCCOY” - Englewood Cliffs, NJ, April 21, 1967 - Contemplation, Passion dance - Joe Henderson (ts) McCoy Tyner (p) Ron Carter (b) Elvin Jones (d)

En 1967, McCoy Tyner estaba preparado para comenzar una nueva etapa. Dos años antes había dejado el influyente cuarteto de John Coltrane y también su vínculo con el sello Impulse!. Tras un período complejo en lo personal, pero de gran crecimiento artístico, el pianista encontró en Blue Note el espacio ideal para reafirmarse con una voz propia. Su debut en el sello, *The Real McCoy*, marcó el inicio de una etapa especialmente fértil que daría lugar a siete álbumes y es considerado, con justicia, uno de sus grandes logros.

Para esta grabación, Tyner reunió un cuarteto de primer nivel junto al saxofonista tenor Joe Henderson, el contrabajista Ron Carter y el baterista Elvin Jones. El repertorio incluye cinco composiciones originales que se han vuelto clásicos de su catálogo, entre ellas “Passion Dance”, “Search for Peace”, “Four by Five” y “Blues on the Corner”. El resultado es un disco que consolida a Tyner como una fuerza creativa independiente y en pleno dominio de su lenguaje.

THOM ROTELLA “SIDE HUSTLE” - Los Angeles, February 20, 24 & 27, 2024 - Who dat ?, Not so much (2,5), (Medley:) Three views of a secret (1,3,4,5) - Jeremy Pelt (tp-1) Eric Alexander (ts-2) Bobby Floyd (org) Gregg Karukas (org-3) Thom Rotella (g) Roy McCurdy (d) Kendall Kaye (d-4) Lenny Castro (perc-5)

Side Hustle, el debut discográfico del guitarrista Thom Rotella en 2024 fue recibido con entusiasmo por la radio, alcanzando el puesto #3 en el ranking nacional de JazzWeek. El álbum con un enfoque muy marcado en el groove, con guitarra y órgano al centro, reuniendo a Rotella con Bobby Floyd en el Hammond B-3 y el saxofonista tenor Eric Alexander y el trompetista Jeremy Pelt.

El disco combina nueve composiciones originales y cuatro versiones cuidadosamente elegidas, todas accesibles y con un fuerte sentido melódico. Rotella crece con claridad como compositor y arreglista, ofreciendo un álbum variado y coherente. La apertura, “This Is for Lou”, arranca con fuerza gracias al B-3 y un solo intenso del tenor de Alexander antes de que Rotella improvise al más puro estilo Wes Montgomery, cuya influencia atraviesa buena parte del disco.

MARION BROWN “THREE FOR SHEPP” - New York, December 1, 1966 - New blu, The shadow knows - Grachan Moncur, III (tb) Marion Brown (as) Dave Burrell (p) Norris Jones (b) Bobby Kapp (d) Stanley Cowell (p) replaces Dave Burrell, Beaver Harris (d) replaces Bobby Kapp; - Spooks, West India

El programa del álbum Three for Shepp de Marion Brown se divide en partes iguales entre composiciones propias —que ocupan la primera mitad del disco— y temas de Archie Shepp, presentes en la segunda. Lo primero que llama la atención es lo cercanos que resultan ambos compositores en términos de tono, color y textura.

Para estas grabaciones, Brown se rodea de grupos de primer nivel. En sus propias piezas lo acompañan el pianista Dave Burrell y el baterista Bobby Capp, junto al trombonista Grachan Moncur III y el contrabajista Norris Sirone Jones. En los temas de Shepp, en cambio, Stanley Cowell y Beaver Harris toman los puestos de piano y batería. “New Blue”, de Brown, es un estudio modal lento, profundamente enraizado en el blues, y representativo de la escuela post-modal.

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TRIPLEPLAY “GAMBIT” - Martha’s Vineyard, MA, August 18 & 29, 2003. -Rastro 5 (for Emir Kusturica), Framinghammer, Two (for Joe Morris) - Ken Vandermark (reeds) Nate McBride (b) Curt Newton (d)

El grupo Tripleplay, integrado por el músico de vientos Ken Vandermark, el contrabajista Nate McBride y el baterista Curt Newton, swingea en contextos inesperados (a veces de forma más evidente que en otros, con una ayuda decisiva del amplio registro de Newton) y demuestra un claro respeto por la tradición.

Vandermark comparte la mitad de los créditos de composición de estas ocho piezas con McBride, aunque la articulación colectiva del trío termina por diluir las diferencias entre ambos. En algunos pasajes el grupo se vuelve lírico, o apuesta por la simplicidad con un tono marcadamente romántico. McBride, por momentos, se permite desarrollar riffs que reflejan tanto su estilo personal como el énfasis estructurado de varias de las composiciones. El tema “Framinghammer”, por ejemplo, avanza sobre una línea de bajo cadenciosa, reforzada por el contrapunto de la batería, mientras que “Bird, Field (gray)” obtiene su fuerza de impulsos rítmicos que nacen desde el contrabajo.

IRENE SCHWEIZER “THE BOTTLE TAPES”. - Live, Chicago, IL, February 16, 2000 Jungle Beats Irene Schweizer, piano

STEVE LACY/ROSWELL RUDD QUARTET “THE BOTTLE TAPES” - Live, Chicago, IL, March 29, 2000 - Number One - Steve Lacy (ss) Roswell Rudd (tbn) Jean-Jacques Avenel (b) John Betsch (dr)”

The Bottle Tapes es un box set de seis CDs que documenta una década clave de música improvisada en vivo en el club Empty Bottle de Chicago, entre 1996 y 2005. Las grabaciones provienen de la serie Empty Bottle Jazz & Improvised Music Series, organizada por el productor y escritor John Corbett junto al saxofonista Ken Vandermark, y capturan el pulso creativo de una escena en plena efervescencia.

Durante esos años se realizaron más de 500 conciertos, y esta selección reúne momentos destacados de artistas locales e internacionales que marcaron el jazz contemporáneo y la improvisación libre.

Entre los músicos incluidos aparecen figuras como Peter Brötzmann, Wadada Leo Smith, Milford Graves, Nicole Mitchell, Von Freeman, Mats Gustafsson y muchos otros.

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