PuroJazz

BILLIE HOLIDAY “EDDIE HEYWOOD AND HIS ORCHESTRA”

- New York, March 25 & April 8, 1944

How am I to know ?, My old flame, I Cover the Waterfront

BILLIE HOLIDAY “SY OLIVER AND HIS ORCHESTRA”

- New York, September 8, 1949

Do your duty, Gimme a pigfoot

BILLIE HOLIDAY LOUIS ARMSTRONG/BILLIE HOLIDAY WITH SY OLIVER’S ORCHESTRA”

- New York, September 30, 1949

You can’t lose a broken heart (la,bh vcl)

BILLIE HOLIDAY “JAZZ AT THE PHILHARMONIC CONCERT CARNEGIE HALL”

- New York, June 3, 1946

The man I love, Gee baby, ain’t I good to you ?

BILLIE HOLIDAY “MONTEREY JAZZ FESTIVAL”

- Monterey, CA, October 5, 1958

Willow, weep for me, When your lover has gone, God bless the child (1)

BILLIE HOLIDAY “LADY IN SATIN RAY ELLIS AND HIS ORCHESTRA”

- New York, February 19, 1958 I’m a Fool to Want You, For Heaven’s Sake

BILLIE HOLIDAY “THE LAST RECORDINGS” RAY ELLIS AND HIS ORCHESTRA

- New York, March 11, 1959

Baby, won’t you please come home ?, Don’t Worry About Me

Billie trabajó en la calle Fifty-second en los años cuarenta. En 1947, fue arrestada por posesión de drogas, y su vida comenzó a ir cuesta abajo. Pasó nueve meses en el reformatorio federal de mujeres en Alderson, Virginia Occidental. La policía de Nueva York revocó su tarjeta de cabaret, y nunca más pudo trabajar legalmente en un club nocturno de Nueva York. (Sin una tarjeta de cabaret, los artistas no podían aparecer en ningún lugar donde se vendiera licor. Una práctica arcaica hasta finales de los sesenta, cuando finalmente terminó.)

También en los años cuarenta, la voz de Billie Holday adquirió un tono más profundo y cargado de emoción; sus frases se alargaban con notas finales casi agonizantes, y aquella ligereza juguetona de sus primeros años dio paso a una expresividad más trágica. Aunque perdió parte de su agilidad rítmica, su dominio vocal seguía siendo inigualable.

COMMODORE RECORDS

Para las sesiones para Commodore Records de 1944, Billie estaba en la cima de su carrera; se había convertido en toda una estilista. Todo estaba cuidadosamente elaborado. Los acompañamientos de la pequeña y estilizada banda de Eddie Heywood no contenían improvisaciones.

Aun así, es valioso contar con estas tomas ya que Billie nunca volvería a tener un control tan perfecto de sus recursos vocales, y la calidad de la grabación es excelente. Además, eran canciones que Billie adoraba cantar, y está claro que se propuso dar lo mejor de sí.

THE COMPLETE DECCA RECORDINGS

Billie Holiday es escuchada en su mejor momento durante su período en Decca, Lady Day fue acompañada por grandes orquestas de estudio, por lo que los solos de jazz de sus compañeros son pocos. Pero su voz estaba en su punto más fuerte durante la década de 1940 (incluso con sus problemas personales)

FESTIVAL DE JAZZ DE MONTEREY

En 1958 Billie Holiday apareció en el primer Festival de Jazz de Monterey, pero lamentablemente durante su concierto en vivo a menudo suena un poco fuera de lugar. Acompañada por el Trío Mal Waldron (y en los números finales el baritonista Gerry Mulligan, el alto Benny Carter y el clarinetista Buddy DeFranco), Lady Day lucha durante el set de media hora, interpretando viejos favoritos, pero a menudo sonando bastante débil. Los resultados, como se escucha en este LP (grabado nueve meses antes de su muerte), son históricos, pero a menudo bastante tristes.

LADY IN SATIN

Fue el penúltimo álbum de Billie Holiday, grabado cuando su cuerpo le decía que ya era suficiente. Durante las sesiones con el arreglista Ray Ellis, ella estaba bebiendo vodka puro, como si fuera agua del grifo. A pesar de su voz devastada (la dulzura se había ido hacía mucho tiempo), todavía era una cantante increíble. El sentimiento y la tensión que logra poner en casi todas las canciones han establecido este álbum como uno de sus mejores logros. “You’ve Changed” y “I Get Along Without You Very Well” son actuaciones artísticas de alto nivel del cantante que vio la vida de abajo hacia arriba.

BILLIE HOLIDAY LAST RECORDING

Tras el éxito de *Lady in Satin* (1958), Billie Holiday quiso grabar otro disco con el arreglista Ray Ellis. Como él había pasado de Columbia a MGM, ella también cambió de sello. En marzo de 1959 volvió al estudio; según el crítico Leonard Feather, apareció “erguida y elegante como siempre”. Aunque su salud estaba muy deteriorada, Billie buscaba un sonido más ligero y jazzístico que en su anterior trabajo: menos cuerdas, sin coro y con más vientos. Temas como “All of You”, “’Deed I Do” y “Baby Won’t You Please Come Home” reflejan un tono más alegre y relajado. Durante las sesiones su aspecto ya era frágil, casi fantasmal. En “There’ll Be Some Changes Made” cambió el nombre de Jack Benny por el de Frank Sinatra, su amigo. El álbum se completó el 11 de marzo de 1959; cuatro días después murió Lester Young. Billie lo seguiría cuatro meses más tarde, el 17 de julio, con apenas 44 años.

BILLIE HOLIDAY “BENNY GOODMAN AND HIS ORCHESTRA”

- New York, November 27, 1933 Your mother’s son-in-law, Riffin’ the scotch

Charlie Teagarden, Shirley Clay (tp) Jack Teagarden (tb,vcl) Benny Goodman (cl) Art Karle (ts) Joe Sullivan (p) Dick McDonough (g) Artie Bernstein (b) Gene Krupa (d) Arthur Schutt (arr) Billie Holiday (vcl)

BILLIE HOLIDAY “TEDDY WILSON AND HIS ORCHESTRA”

- New York, July 2, 1935 I wished on the moon, What a little moonlight can do, Miss Brown to you

Roy Eldridge (tp) Benny Goodman (cl) Ben Webster (ts) Teddy Wilson (p) John Trueheart (g) John Kirby (b) Cozy Cole (d) Billie Holiday (vcl)

BILLIE HOLIDAY “AND HER ORCHESTRA”

- New York, June 15, 1937 Me, myself and I, A sailboat in the moonlight, Born to love, Without your love

Buck Clayton (tp) Edmond Hall (cl) Lester Young (ts) James Sherman (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Billie Holiday (vcl)

BILLIE HOLIDAY “AND HER ORCHESTRA”

- New York, September 13, 1937 Getting some fun out of life, Who wants love ?, Travellin’ all alone

Buck Clayton (tp) Buster Bailey (cl) Lester Young (ts) Claude Thornhill (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Billie Holiday (vcl)

BILLIE HOLIDAY “AND HER ORCHESTRA”

- New York, April 20, 1939 Strange fruit, Fine and mellow, I gotta right to sing the blues

Frankie Newton (tp) Tab Smith (as,ss) Kenneth Hollon, Stanley Payne (ts) Sonny White (p) Jimmy McLin (g) Johnny Williams (b) Eddie Dougherty (d) Billie Holiday (vcl)

Billie Holiday fue la primera gran cantante de jazz capaz de conmover al público con la intensidad emocional del blues. Antes de ella, los cantantes de jazz y pop solían limitarse a interpretar canciones de Tin Pan Alley sin hacerlas propias. Inspirada en Bessie Smith y Louis Armstrong, Billie transformó esa tradición con un estilo único, íntimo y profundamente expresivo. Su manera de frasear, jugando con el ritmo y el tono como si fuera un instrumento de viento, cambió para siempre la forma de cantar en la música popula

Nacida en Baltimore en 1915 tuvo una infancia difícil y una juventud marcada por la pobreza. Se mudó a Nueva York con su madre y comenzó a cantar en clubes a comienzos de los años treinta. El productor John Hammond descubrió su talento y la grabó con Benny Goodman en 1933.

Lester Young

La relación entre Billie Holiday y Lester Young es una de las más conmovedoras del jazz. Se conocieron a mediados de los años 30 en la orquesta de Count Basie y de inmediato surgió una conexión única, basada en una sensibilidad común y un entendimiento profundo del tiempo y la emoción musical. Billie, con su canto íntimo y conversacional, y Lester, con su saxofón de sonido fluido y melódico, parecían hablar el mismo idioma. Ambos compartían un fraseo relajado, desplazado, casi suspendido sobre el compás. Holiday aprendió de Young a estirar y comprimir las melodías, mientras él adoptó de ella el arte de narrar con ternura. De esa complicidad nacieron grabaciones memorables y un diálogo musical que, hasta el final, mantuvo la

Strange fruit

En 1939, Billie Holiday debutó en el club Café Society de Nueva York, un espacio integrado y progresista en pleno Greenwich Village. Allí presentó por primera vez “Strange Fruit”, una canción estremecedora sobre los linchamientos en el sur de Estados Unidos. Su interpretación, dejó al público en silencio. “Strange Fruit”, fue grabada para el sello Commodore, porque su sello Columbia la rehusó.

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EDDIE CHAMBLEE “CHAMBLEE MUSIC”

- New York, October, 1957

Chamblee special, At your beck and call, And the angels sing, Whisper not

Johnny Coles (tp) Julian Priester (tb) Eddie Chamblee (ts) Charles Davis (bar) Jack Wilson (p) Richard Evans (b) Charlie Persip (d)

Este álbum reúne dos sesiones que el saxo tenor Eddie Chamblee grabó en Chicago en 1957 y 1958 con un septeto de primer nivel, el mismo que había acompañado en algunas grabaciones a su esposa la cantante Dinah Washington. Lejos de ser simples sesiones de improvisación, las piezas muestran arreglos precisos, llenos de energía y swing.

En ellas, Chamblee despliega sus tres facetas: saxofonista de sonido potente y expresivo, compositor inspirado y excelente arreglista. Lo acompañan músicos experimentados como Joe Newman, Johnny Coles, Julian Priester, Charlie Davis, Jack Wilson y Richard Evans, con Osie Johnson o Charli Persip en la batería.

El resultado refleja lo mejor de Chamblee en un formato pequeño, el que más favorecía su estilo directo y rítmico, aunque a veces su entusiasmo lo lleve a tocar con un fraseo algo entrecortado o demasiado insistente. Pese a ello, el conjunto mantiene un notable equilibrio entre precisión, energía y swing.

DUKE JORDAN “FLIGHT TO JORDAN”

- Englewood Cliffs, NJ, August 4, 1960

Flight To Jordan, Starbrite, Squawkin’ , Squawkin’, Split quick

Dizzy Reece (tp) Stanley Turrentine (ts) Duke Jordan (p) Reggie Workman (b) Art Taylor (d)

El pianista Duke Jordan grabó en 1961 Flight to Jordan, un álbum que merece figurar entre los grandes títulos del hard bop editados por Blue Note. Sorprende que Jordan no llegara a ocupar un lugar más destacado entre los pianistas y compositores del sello, sobre todo si se considera su sólida trayectoria previa como acompañante y solista.

Jordan fue uno de los pianistas más notables de los primeros años del bebop. Participó en varias grabaciones de Charlie Parker para los sellos Dial y Savoy, además de tocar regularmente con el trompetista Roy Eldridge. También grabó para Prestige junto al quinteto de Gene Ammons y Sonny Stitt, y colaboró con Stan Getz en los inicios de los años cincuenta.

Flight to Jordan incluye seis de sus composiciones originales y abre con el tema que da título al disco, una pieza que él ya había registrado en 1955 para Savoy. Con Dizzy Reece en trompeta y Stanley Turrentine en saxo tenor, el grupo conforma un frente poderoso que aporta un pulso soul y una energía contagiosa a los temas más dinámicos.

RICHIE VITALE “SLOW GROOVE”

- ca 2022 Meet You There!, Malala

Richie Vitale (t/flisc) Frank Basile (bari) Steve Ash (p) Paul Gill (b) Pete Van Nostrand (dr)

Trompetista, corneta y ocasional entusiasta del flugelhorn, Richie Vitale ha sido solista de la Vanguard Orchestra, la Toshiko Akiyoshi Big Band, la Count Basie Band y la Duke Ellington Band, además de participar en el octeto de Chris Byars y colaborar con Frank Wess.

En el álbum Slow Grow de 2022, Vitale continúa su camino como líder del quinteto que habitualmente lo acompaña en los escenarios neoyorquinos, con la destacada presencia del saxo barítono Frank Basile. La combinación de trompeta y saxo barítono despierta inevitables recuerdos: el diálogo entre ambos instrumentos es potente, directo y lleno de carácter.

El fraseo de Vitale es metálico y preciso, y encuentra en Basile un contrapunto perfecto, lleno de energía e inspiración (como en Meet You There!). Se trata de un disco plenamente bop, donde el virtuosismo y la intensidad no excluyen momentos más líricos, como en la interpretación de Theme for Ernie, en la que el flugelhorn aporta un tono cálido y contemplativo.

Respaldado por una sección rítmica sólida, el quinteto ofrece un repertorio vibrante que evoca el pulso nocturno del jazz neoyorquino.

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HAROLD ASHBY “SCUFFLIN’”

- Paris, May 17, 1978

Scufflin’, When Sunny gets blue, Stealin’

Booty Wood (tb) Harold Ashby (ts) Raymond Fol (p) Aaron Bell (b) Sam Woodyard (d)

Salvo por un disco poco conocido grabado en 1959 para el sello Masters of Jazz, este fue el debut de Harold Ashby como líder. El subestimado saxofonista tenor —uno de los mejores solistas de Duke Ellington en su última década— se reunió aquí con tres antiguos miembros de las bandas de Ellington: el trombonista Booty Wood, el bajista Aaron Bell y el baterista Sam Woodyard, además del pianista Raymond Fol.

En la reediciopn en CD, el programa original de seis composiciones de Ashby, se amplía con una nueva toma alternativa de “Scufflin’” y una versión inédita de “When Sunny Gets Blue”. El cálido sonido del tenor de Ashby brilla tanto en las baladas suaves como en los temas más enérgicos, combinándose perfectamente con el colorido trombón de Wood en un conjunto de swing clásico de gran nivel.

CLAUDE THORNHILL AND HIS ORCHESTRA “ASSOCIATED TRANSCRIPTIONS”

- New York, 1947 Robbins’ nest, Early Autumn, Snowfall, The Happy Stranger, For Heaven’s Sake, Lover Man

Ed Zandy, Louis Mucci, Paul Cohen, TRed Rodney (tp) Tak Takvorian, Allan Langstaff, John Torick (tb) Walt Weschler, Sandy Siegelstein (fhr) Bill Barber (tu) Danny Polo, Lee Konitz (cl,as) Mickey Folus (b-cl,ts) Babe Fresk (cl,ts) Billy Bushey (cl,b-cl,bar) Claude Thornhill (p,arr) Barry Galbraith (g) Joe Shulman (b) Billy Exiner (d) Fran Warren, Gene Williams (vcl) Bill Borden, Gerry Mulligan, Eddie Herzog, Gil Evans (arr)

En las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial y al declive de la era del swing, muchos críticos y aficionados al jazz se preguntaban si las big bands volverían alguna vez. Hoy, la idea de una gran orquesta ha vuelto a ponerse de moda, con jóvenes compositores y arregladores que reinventan el formato y lo adaptan a los sonidos actuales. Uno de los directores que dejó una huella profunda —hace ya más de 70 años— fue Claude Thornhill.

La big band de Thornhill en los años cuarenta ayudó a dar forma al sonido del jazz moderno. Su mezcla de bop orquestal y baladas etéreas con influencias clásicas preparó el terreno para obras maestras de Miles Davis e inspiró el movimiento del “cool jazz” de la Costa Oeste en los años cincuenta. Junto a su colaborador Gil Evans, Thornhill creó una música refinada y llena de color, que con el tiempo sería reconocida en todo el mundo.

Las sesiones de 1947 de la big band de Thornhill ya dejan entrever el bebop desde el tema inicial, “Robbins’ Nest”, aunque se centran sobre todo en estándares del cancionero popular estadounidense. En ellas participan el joven arreglador Gil Evans, el saxofonista y clarinetista Lee Konitz y el trompetista Red Rodney, quien luego sería una figura clave del bop. El repertorio incluye también una pieza de Edvard Grieg, el clásico original de Thornhill “Snowfall” y una composición del misterioso clarinetista Danny Polo.

BUCK CLAYTON & BUDDY TATE KANSAS CITY NIGHTS”

- New York, September 15, 1961

Thou swell, Kansas City nights, High life, Blue ebony.

Buck Clayton (tp) Buddy Tate (ts) Sir Charles Thompson (p) Gene Ramey (b) Mousie Alexander (d)

Un excelente director de banda y acompañante de numerosas cantantes —entre ellas Billie Holiday—, el trompetista Buck Clayton fue un solista muy valorado en la orquesta de Count Basie durante las décadas de 1930 y 1940. Más tarde se convirtió en un reconocido músico de estudio y de jam sessions, además de compositor y arreglador. Su tono incisivo y su gran destreza melódica eran su sello distintivo. Clayton escribió varios arreglos para la orquesta de Basie y para muchos otros conjuntos.

Entre 1960 y 1961, se unió a otro veterano de Count Basie, el saxofonista tenor Buddy Tate, para grabar un par de discos junto al pianista Sir Charles Thompson, el bajista Gene Ramey y el baterista Mousie Alexander. El repertorio combina estándares con tres composiciones originales de Clayton. La música, siempre melódica, mantiene un swing constante y prácticamente define lo que se entiende por jazz “mainstream”.

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CHARLES TOLLIVER MUSIC INC. “LIVE “SLUGS”

- New York, May 1, 1970

Spanning, Wilpan’s

Charles Tolliver (tp) Stanley Cowell (p) Cecil McBee (b) Jimmy Hopps (d)

El álbum Live at Slugs’, Volúmenes I y II de Charles Tolliver con presentaciones históricas grabadas en vivo en 1970 en el mítico club Slugs’ de Nueva York, muestran la trompeta de Tolliver junto a un grupo de lujo construido en torno al núcleo de Tolliver, son el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Jimmy Hopps, la música cuenta con el tipo de toma y da nacido por igual de talento y telepatía: cada músico parece comunicarse con sus colegas en un plano superior, ofreciendo actuaciones que rivalizan con cualquiera en sus carreras. Tolliver en particular toca como un hombre poseído, evocando una energía y claridad que corta a través de los grandes y audaces arreglos.

La nueva edición, completamente re-masterizada, reúne por primera vez estos dos álbumes clásicos en formato CD, y en vinilo de 180 gramos. La versión digital incluye además tres temas inéditos, con más de 40 minutos de música nunca antes publicada.

RONI BENHUR “THE ABRAXAS SESSIONS, VOL. 2”

- Lanzamiento 2024

Sofia’s Butterfly, It Was Written In The Stars, Anna’s Dance

Roni BenHur (g) Martin Gjakonovski (b) Vladimir Kostadinovic (dr)

El guitarrista Roni BenHur se ha ganado una gran reputación como músico y educador, reconocido por su sonido cálido, su brillante capacidad para improvisar, su sentido melódico como compositor y su carisma tanto con colegas como con alumnos y público.

Nacido en Israel en 1962 y residente desde hace años en Nueva York, BenHur ha grabado más de una docena de discos como líder o colíder. Su dominio abarca tanto el jazz tradicional como el samba y la bossa nova, algo que ha desarrollado trabajando con grandes figuras de ambos mundos: desde el legendario pianista Barry Harris y el saxofonista Frank Wess, hasta la querida cantante brasileña Leny Andrade y el compositor Marcos Valle.

JON BOUTELLIER ON THE BOTH SIDES OF THE ATLANTIC !”

- Meudon, France, December 11 & 12, 2019

Save that time (ck vcl,1,2), Nice & nasty, Blues on the corner (1,2)

JeanPaul Estievenart (tp1) Jon Boutellier (ts) Kirk Lightsey (p2) Alexander Claffy (b) Kyle Poole (d) Celia Kameni (vcl)

Jon Boutellier forma parte, junto a Fred Nardin, David Enhco y Bastien Ballaz, de una generación de jóvenes músicos franceses que han cumplido con creces las expectativas que se depositaron en ellos hace algunos años. Juntos fundaron la Amazing Keystone Big Band, que obtuvo en 2013 el Premio del Disco de la Academia Francesa de Jazz.

Fue en el Duc des Lombards, donde Boutellier, entonces maestro de ceremonias de las jam sessions de los sábados por la noche, conoció en 2014 al contrabajista Alexandre Claffy, discípulo de Ron Carter, y al trompetista belga JeanPaul Estiévenart, ambos presentes en este álbum junto al baterista Kyle Poole y dos invitados de lujo: la cantante Célia Kaméni y el pianista Kirk Lightsey, a quien los años parecen no afectar.

Estos excelentes músicos, provenientes de distintos horizontes, tal como sugiere el título del disco, conforman un grupo compacto que aborda un repertorio ecléctico seleccionado por el propio Boutellier, cuyas cualidades como arreglista destacan a lo largo del álbum.

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DONNY MCCASLIN “LULLABY FOR THE LOST”

Brooklyn, NY, December 18 & 19, 2024 & Los Angeles, January 2025:

- Blond crush (1), Lullaby for the lost (jl out)

Donny McCaslin (ts) Jason Lindner (p,elp,synt) Ben Monder (g1) Tim Lefebvre (elg,synt) Jonathan Maron (elb) Nate Wood (d)

- Stately (tl out,1)

Donny McCaslin (ts) Jason Lindner (p,elp,synt) Ben Monder (g1) Tim Lefebvre (elg,synt) Jonathan Maron (elb) Nate Wood (d)

En Lullaby for the Lost (Edition Records), el saxofonista Donny McCaslin mezcla la energía del rock con su espíritu jazzístico, inspirándose en Neil Young y en la idea de la esperanza que resiste al cambio. El álbum fue recibido con opiniones variadas por la crítica, pero muchos coinciden en que refleja uno de los momentos más intensos de su carrera. Temas como “Blond Crush” muestran su capacidad para unir fuerza y lirismo en un mismo gesto sonoro.

El número también destaca al veterano Gary Bartz, quien en Damage Control busca serenidad reinterpretando clásicos de los años setenta como “Fantasy” de Earth, Wind & Fire o “You Bring Me Joy” de Anita Baker. A sus 85 años, Bartz aparece por primera vez en la portada de DownBeat.

Finalmente, el grupo Cha Wa celebra los 20 años del huracán Katrina con su característico sonido festivo de Nueva Orleans, recordando que la música, incluso en tiempos difíciles, sigue siendo fuente de consuelo y celebración.

SAM RIVERS “A NEW CONCEPTION”

Englewood Cliffs, N.J., October 11, 1966

That’s all (2), I’ll never smile again (2,3), What a diff’rence a day made

Sam Rivers (fl1,sop2,ts3) Hal Galper (p) Herbie Lewis (b) Steve Ellington (d)

El álbum A New Conception muestra la creatividad con que Sam Rivers reinterpretó los estándares del jazz. Temas tan conocidos como “When I Fall in Love” o “That’s All” adquieren nueva vida gracias a su enfoque moderno y libre. Sin perder el respeto por las melodías originales, Rivers las transforma con sutileza, introduciendo armonías disonantes, variaciones melódicas y secciones de improvisación que amplían su alcance.

Acompañado por Hal Galper al piano, Herbie Lewis en contrabajo y Steve Ellington en batería, Rivers logra un equilibrio entre lo tradicional y lo experimental. Cada pieza avanza desde la familiaridad hacia terrenos más aventurados, manteniendo siempre una conexión con el oyente. El resultado es un disco desafiante pero accesible, que reafirma el enorme talento —y la escasa valoración— de uno de los músicos más innovadores del jazz moderno.

MIKE OSBORNE / STAN TRACEY ‘ORIGINAL’

“Original” Concert, Surrey Hall Stockwell, UK, April, 1972

Original (pt 2)

Mike Osborne (as) Stan Tracey (p)

A comienzos de los años setenta, la escena del jazz londinense vivía un momento de efervescencia creativa. Clubes como el 100 Club, el Swan o el Greenwich Theatre reunían a los músicos más inquietos del momento. Entre ellos destacaban el pianista Stan Tracey y el saxofonista Mike Osborne, cuya colaboración dio forma a una de las alianzas más inspiradas del jazz británico. Sus presentaciones en dúo o en cuarteto mostraban una química musical intensa, marcada por la improvisación y la búsqueda constante.

De ese espíritu nació Original, grabado en abril de 1972 en Surrey Hall. Tracey, figura consolidada pero dispuesto a explorar nuevos caminos, y Osborne, considerado el mejor alto de su generación, crearon una obra de riesgo y libertad. El disco, segundo lanzamiento del sello Cadillac Records, conserva la energía vibrante de una época en que el jazz británico se reinventaba. La nueva edición re-masterizada revive aquel momento de audacia y creatividad que sigue inspirando medio siglo después.

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QUEST “QUEST”

- New York, December 28 & 29, 1981

Dr. Heckle and Mr. Jibe [Trio], Wisteria, Softly, as in a morning sunrise

David Liebman (sop) Richie Beirach (p) George Mraz (b) Al Foster (d)

Quest es el nombre del álbum y del cuarteto liderado por el saxofonista Dave Liebman, acompañado por Richie Beirach en piano, George Mraz en contrabajo y Al Foster en batería. Esta grabación, originalmente editada en vinilo por el sello Palo Alto, fue reeditada en CD.

El disco incluye “Dr. Jekyll and Mr. Hyde”, una composición de Foster dedicada a Miles Davis, que no imita su estilo, pero crece con fuerza y emoción, destacando el saxo soprano de Liebman. “Wisteria”, escrita por Mraz, es una balada inolvidable, mientras que en “Softly, as in a Morning Sunrise” Liebman muestra toda su energía.

Quest es un excelente ejemplo del postbop moderno: música intensa, creativa y muy bien interpretada por cuatro músicos en plena forma.

JOHN O’GALLAGHER “ANCESTRAL”

- Montclair, NJ, January, 2024

Under the wire, Altar of the ancestors

John O’Gallagher (as) Ben Monder (g) Andrew Cyrille, Billy Hart (d)

Ancestral representa una transformación profunda para el saxofonista John O’Gallagher. Desp[ués de años, dejó Brooklyn y se trasladó al Reino Unido y luego a Lisboa, Portugal. Ese cambio de vida, junto con sus estudios, marcó una nueva etapa creativa. Ancestral combina experiencia, reflexión y una energía renovada. En este álbum, grabado en 2024, O’Gallagher deja atrás su etapa anterior para abrir un nuevo camino. El proyecto se inspiró en parte en su doctorado sobre la música de John Coltrane, lo con el guitarrista Ben Monder, además de presentar la primera colaboración grabada entre los legendarios bateristas Andrew Cyrille y Billy Hart.

O’Gallagher explica que su investigación mostró que la música libre de Coltrane no era tan “libre” como muchos creen: detrás había una estructura y una organización muy pensadas. Ese descubrimiento le permitió explorar formas más naturales de libertad dentro de su propio lenguaje musical.

THE BRECKER BROTHERS “RETURN OF THE BRECKER BROTHERS”

- New York, AprilAugust 1992 King of the lobby, Sozinho , Spherical

Randy Brecker (Tp,Flhrn,Vcl) David Sanborn (As) Michael Brecker (Ts,Keyboards,Ewi) Max Risenhoover (Synt,D,B,Perc) Mike Stern (Elg) James Genus (B,Elb) Dennis Chambers (D) Don Alias, (Perc) y más.

El trompetista y compositor Randy Brecker ha sido una figura clave en el sonido del jazz, el R&B y el rock durante más de cincuenta años. Su trompeta y fliscorno se escuchan en cientos de discos de artistas tan variados como James Taylor, Bruce Springsteen, Frank Sinatra, Steely Dan, Jaco Pastorius y Frank Zappa.

Nacido en 1945 en Filadelfia, en una familia musical, Brecker mostró talento desde niño. En Nueva York tocó con grandes orquestas como las de Clark Terry, Duke Pearson y Thad Jones–Mel Lewis. En 1967 incursionó en el jazzrock con Blood, Sweat and Tears, pero pronto se unió al quinteto de Horace Silver y luego a los Jazz Messengers de Art Blakey.

Con su hermano Michael formó el influyente grupo Dreams, y más tarde los legendarios Brecker Brothers, que lanzaron seis discos y recibieron siete nominaciones al Grammy. En 1992, tras una década separados, los hermanos se reunieron para una gira mundial y el álbum The Return of the Brecker Brothers, también nominado a tres Grammys.

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CONRAD HERWIG/IGOR BUTMAN “REFLECTIONS”

- Brooklyn, NY, October 25, 2015

Reflections, Big O’s blues

Alex Sipiagin (tp,flhrn) Conrad Herwig (tb) Igor Butman (ts) David Kikoski (p) Kenny Davis (b) Jeff “Tain” Watts (d)

En Reflections, el trombonista Conrad Herwig y el saxofonista ruso Igor Butman comparten liderazgo en un sexteto de lujo que interpreta ocho composiciones originales —seis de Herwig y dos de Butman—. Completan la formación el trompetista Alex Sipiagin, el pianista David Kikoski, el bajista Kenny Davis y el baterista Jeff “Tain” Watts, todos nombres de primera línea.

En este álbum Herwig confirma su posición como uno de los trombonistas más completos de su generación: por su sonido, gran sentido rítmico y una imaginación armónica siempre en movimiento. Butman, figura clave del jazz en Rusia y director de la Moscow State Jazz Orchestra, aporta una energía contagiosa y un tono robusto y expresivo, con ecos de Joe Henderson.

La compenetración entre los tres metales es sobresaliente, al igual que la solidez y creatividad del trío rítmico. Entre los momentos destacados figuran la balada que da título al disco —un hermoso tango moderno con un solo magistral de Butman.

FILIPE MELO “DEBUT”

- Lisbon, February 13, 2004

Debut, I got rhythm, Pensativa, That old feeling

Filipe Melo (p) Bruno Santos (g) Bernardo Moreira (b)

“Debut”, el primer álbum del pianista Filipe Melo, acompañado por el guitarrista Bruno Santos y el contrabajista Bernardo Moreira. El trío sin batería, una formación exigente y transparente, permite apreciar la musicalidad, el equilibrio y la complicidad entre los tres.

El repertorio combina estándares y composiciones de Stevie Wonder, Clare Fischer, Bud Powell, Wes Montgomery, Quincy Jones y Gershwin, junto con un blues original de Melo. Sin prejuicios estilísticos, el pianista aborda el jazz con frescura y una voz propia, evidente en sus arreglos, su fraseo y la claridad de su discurso.

Debut destaca por la solidez de sus arreglos, el gusto en las rearmonizaciones y el sentido del tiempo compartido por el grupo.

RASHIE ALI’S PRIMA MATERIA “PEACE ON EARTH (MUSIC OF JOHN COLTRANE)”

- New York, 1994

India

Allan Chase (sop,as) John Zorn (as1) Louie Belogenis (ts) Joe Gallant, William Parker (b) Rashied Ali (d)

Rashied Ali fue uno de los grandes innovadores de la batería en el jazz moderno. Discípulo de Philly Joe Jones y admirador de Art Blakey, desarrolló un lenguaje propio basado en ritmos multidireccionales y percusión politonal, liberando al baterista del papel de simple marcador del tiempo. Su enfoque integraba ritmo, melodía y color, convirtiendo la batería en una voz igual dentro del conjunto. Lo que en los sesenta se consideraba radical, hoy es un sello distintivo del jazz contemporáneo.

En Peace on Earth, Ali rinde homenaje a John Coltrane junto a William Parker y Joe Gallant en contrabajos, Louie Belogenis en el tenor, Allan Chase en saxos soprano y alto, y John Zorn en alto como invitado. El repertorio se centra en la etapa más libre de Coltrane, con versiones extensas de sus composiciones.

ROXY COSS “DISPARATE PARTS”

- Paramus, NJ, c. 2021 February (take 3), Part I The body, Part II The mind, Part III The heart

Roxy Coss (ts,sop) Miki Yamanaka (p,keyboards) Alex Wintz (g) Rick Rosato (b) Jimmy Macbride (d)

El sonido brillante y punzante de la saxofonista Roxy Coss, junto con su energía creativa sin límites, la han convertido en una de las figuras más destacadas de la nueva generación del jazz. Su estilo no conoce fronteras: mezcla y cruza estilos con total naturalidad, sin pedir disculpas por ello. En Disparate Parts, su nuevo álbum, ofrece catorce temas llenos de fuerza y vitalidad.

Coss lidera nuevamente a su grupo habitual —Alex Wintz en guitarra, Miki Yamanaka en piano y teclados, Rick Rosato en bajo y Jimmy Macbride en batería—, una banda que suena compacta, poderosa y muy libre.

Grabó este disco cuando estaba embarazada de siete meses, y se nota una energía especial desde el comienzo con “February (Take 3)”, que da paso a “The Body”, una pieza intensa y explosiva. En el tema principal, Coss brilla con un solo lleno de carácter, abriendo espacio para la guitarra de Wintz y los toques luminosos de Rhodes de Yamanaka, que tiene un papel especialmente destacado en este set.

SULLIVAN FORTNER “SOUTHERN NIGHTS” - LIVE “VILLAGE VANGUARD”

- New York, July, 2023 Southern nights, 9 bar tune, Organ grinder

Sullivan Fortner (p) Peter Washington (b) Marcus Gilmore (d)

El pianista Sullivan Fortner grabó Southern Nights en vivo en el legendario Village Vanguard de Nueva York, junto al bajista Peter Washington y el baterista Marcus Gilmore. Lo hicieron sin ensayos previos ni segundas tomas: todo lo que se escucha fue capturado tal cual, en el momento. El resultado es un disco lleno de vida, espontaneidad y una conexión casi telepática entre los tres músicos.

El álbum abre con “Southern Nights”, una composición de Allen Toussaint que rinde homenaje a las raíces de Fortner en Nueva Orleans. La interpreta con cariño, pero enseguida le da un giro con nuevos acordes y ritmos juguetones. El bajo profundo de Washington y el toque preciso de Gilmore crean una atmósfera cálida, casi nocturna, que invita a sumergirse en el universo musical de Fortner.

TERELL STAFFORD “THIS SIDE OF STRAYHORN”

- Brooklyn, NY, May 17 & 18, 2010

Day dream (tw,pw,dh out,2), Lush life (tw out,2), Johnny come lately (1,3)

Terell Stafford (tp1,flhrn2) Tim Warfield (ts1,sop3) Bruce Barth (p) Peter Washington (b) Dana Hall (d)

El trompetista Terell Stafford rinde homenaje a Billy Strayhorn, el gran colaborador de Duke Ellington, con un disco que imagina cómo sonaría su música si Strayhorn hubiera compuesto para un pequeño grupo de jazz del siglo XXI.

En este proyecto, producido por John Clayton, Stafford se rodea de músicos de primera: Tim Warfield (saxo), Bruce Barth (piano), Peter Washington (bajo) y Dana Hall (batería). En lugar de centrarse en los temas más famosos, elige piezas menos conocidas de Strayhorn —no hay “Take the ‘A’ Train” aquí— y deja que Barth las reorganice con sutileza.

El resultado es una música elegante, con mucho espacio para el diálogo entre trompeta y piano. La balada “Day Dream” brilla por su intimidad, mientras que temas como “My Little Brown Book”, “Multicolored Blue” y “Raincheck” muestran el talento del grupo en su máxima expresión. En “Lush Life”, el único clásico ampliamente conocido, Stafford demuestra su sensibilidad y respeto por el legado de Strayhorn, ofreciendo una lectura fresca y profundamente emocional.

LINA ALLEMANO “THE DIPTYCHS”

- Toronto on August 1 & 2, 2024

Positive, Coalesce, Scrambled

Lina Allemano (t), Brodie West (sa) Andrew Downin (b) Nick Fraser (dr)

-

Lina Allemano es una trompetista, compositora, improvisadora y líder de banda canadiense con una destacada trayectoria internacional en el jazz, la improvisación y la música experimental. Divide su tiempo entre Berlín y Toronto, y es reconocida como una de las trompetistas más innovadoras de la actualidad. Fue nominada al German Jazz Prize 2025 en la categoría de instrumentos de viento-metal y ha sido incluida tres años consecutivos en la encuesta anual de críticos internacionales de DownBeat Magazine como Rising Star Trumpet y su grupo Lina Allemano Four también ha sido destacado cuatro años seguidos como Rising Star Jazz Group.

El 1 de noviembre de 2025, coincidiendo con el vigésimo aniversario de la banda, Lina Allemano Four lanzó su nuevo álbum The Diptychs. El disco reúne seis composiciones seriadas escritas por Allemano, organizadas en tres pares o “dípticos”. Como en las artes visuales, cada par de piezas está concebido para escucharse en conjunto, estableciendo un diálogo interno en el que una obra complementa y refleja a la otra. Allemano manipula los materiales temáticos, interválicos y rítmicos de modo que las piezas mantienen su conexión esencial, aunque de manera sutil, generando vínculos que se perciben más en la intuición que en la superficie.

Las interpretaciones del álbum destacan por su sentido colectivo: no hay solos tradicionales ni protagonismos marcados. Todo el grupo funciona como un solo organismo sonoro, reafirmando el espíritu de colaboración y equilibrio que caracteriza la música de Lina Allemano.

JEWELS & BINOCULARS “THE MUSIC OF BOB DYLAN”

- Brussels, Belgium, November 29 & 30, 2000

Fourth time around, Visions of Johanna, Highway 61 revisited

Michael Moore (as,cl,bcl,mel,bells) Lindsey Horner (b) Michael Vatcher (perc)

El clarinetista y saxofonista Michael Moore, originario de California y residente en Ámsterdam desde mediados de los años ochenta, ha sido uno de los integrantes más versátiles de la ICP Orchestra. En el trío Jewels and Binoculars: The Music of Bob Dylan (Ramboy) muestra otra faceta de su creatividad. Acompañado por el bajista Lindsey Horner y el baterista Michael Vatcher, Moore interpreta once canciones escritas o asociadas con Bob Dylan.

Aunque Dylan no se distingue precisamente por la fuerza melódica de sus composiciones (su genio reside en las letras, la fusión de estilos y su manera de reinventar las formas más simples de la canción popular) Moore se propuso el reto de abordar ese repertorio de forma puramente instrumental. En las notas del álbum, comenta que el trío mantuvo en mente las imágenes poéticas de Dylan mientras improvisaban. No es fácil saber cómo lo lograron, pero el resultado convence plenamente. Con un sentido de calma y amplitud, el trío recorre melodías sencillas pero elegantes con una delicadeza admirable, extrayendo de ellas una inesperada riqueza melódica y suaves matices de blues. El resultado es un disco hermoso, que ofrece una mirada fresca y sutil sobre el genio de Dylan.

MEL LEWIS “MEL LEWIS AND FRIENDS”

- New York, June 8 & 9, 1976:

-Ain’t nothing nu (1)

Freddie Hubbard (tp1,flhrn2) Gregory Herbert [(1) Herbert takes the 2nd ts solo. Michael Brecker (ts) Hank Jones (p) Ron Carter (b) Mel Lewis (d)

-A child is born

Freddie Hubbard (flhrn) Hank Jones (p) Ron Carter (b) Mel Lewis (d)

Mel Lewis fue un baterista excepcional, capaz de impulsar a una big band con fuerza y precisión, pero también de brillar en grupos más pequeños. Comenzó su carrera profesional a los 15 años y pasó por las bandas de Boyd Raeburn (1948), Alvino Rey, Ray Anthony y Tex Beneke. Entre 1954 y 1957 alcanzó gran reconocimiento por su trabajo con Stan Kenton, aportando un swing poderoso al conjunto. En 1957 se instaló en Los Ángeles, donde trabajó como músico de estudio y tocó con las orquestas de Terry Gibbs y Gerald Wilson. Más tarde, en 1960, se unió a la Concert Jazz Band de Gerry Mulligan en Nueva York, y al año siguiente hizo giras por Europa con Dizzy Gillespie y por la Unión Soviética con Benny Goodman (1962). En 1965 formó junto a Thad Jones una orquesta que se convertiría en una de las grandes big bands del jazz moderno. Tras la inesperada partida de Jones a Europa en 1979, Lewis asumió la dirección del grupo, que siguió presentándose cada lunes en el Village Vanguard hasta su muerte.

Este álbum es una rara sesión en pequeño formato liderada por Mel Lewis. Reeditado en CD, recoge un puñado de interpretaciones directas y vibrantes originalmente publicadas por Horizon, el sello de A&M dirigido por el productor John Snyder. Aunque las notas originales del LP son casi ilegibles, la música sigue transmitiendo con claridad. Freddie Hubbard aparece en excelente forma en cinco temas, acompañado por los saxofonistas Michael Brecker y Gregory Herbert (principalmente en alto), el pianista Hank Jones y el bajista Ron Carter, ambos impecables como siempre. El trompetista Cecil Bridgewater participa como invitado en “Sho’ Nuff Did”.