Au Vatican, c’est le début du conclave qui désignera le nouveau souverain pontife, après la mort du pape François. Connaissez-vous la signification de ces termes utilisés lors de ce processus qui répond à des règles très précises ?

L’adjectif pontifical désigne ce qui est relatif au souverain pontife, c’est à dire au pape. Le pontifical est aussi un livre qui contient l’ordre des cérémonies propres aux papes et aux évêques, et dans ce cas là, c’est un substantif. Ce mot vient du latin pontifex, le pontife. Dans l’Antiquité, il s’agissait du grand prêtre, puis ce terme a désigné un haut dignitaire catholique, en particulier un évêque. Le souverain pontife, c’est le pape.

On peut employer l’adjectif pontifical, pour désigner ce qui se rapporte au pape, mais aussi l’adjectif papal. Comment choisir ? Sachez que pontifical a un sens plus large et peut également désigner les évêques.

Le conclave vient aussi du latin, con clavus, qui signifie « avec une clé » ou « sous clé ». A la fin de ce rendez-vous dont le contenu est très secret, la phrase officielle sera prononcée par le protodiacre : Habemus papam, qui veut dire en latin « Nous avons un pape ».

Protodiacre, lui, vient du grec, et précisément de protos, premier et diachronos, assistant, ou serviteur.

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Terminons par le mot le plus étrange, le camerlingue. C’est un titre surtout honorifique, mais très important quand le Saint-Siège est vacant. Il administre les affaires courantes du gouvernement pontifical, mais son pouvoir est restreint. C’est un mot qui vient de l’italien camerlingo, lui-même issu du germanique kamerling. Son équivalent dans le lexique français est chambellan venant de l’italien camera la Chambre.

Karine Dijoud

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Compositeur de musique de film adulé par les uns, raillé par les autres, Hans Zimmer ne laisse pas indifférent. Lauréat de deux Oscars et d’une dizaine de récompenses, ce musicien autodidacte issu de la musique électronique après un passage éclair dans le grand répertoire s’est fait un nom dans l’industrie du cinéma tout en renouvelant l’approche formelle et esthétique des bandes originales.

Un sentiment d’amertume s’empare du jeune Hans, alors âgé de 6 ans. Ses premières leçons de piano – qui ne dureront pas plus de deux semaines – ne lui donnent aucune satisfaction. Pire encore : il se montre réfractaire à une certaine conception de la pratique instrumentale : « L’idée que je me faisais d’un professeur de piano était celle d’une personne qui t’apprenait à organiser les sonorités que tu avais en tête et à le retranscrire sur le clavier. Au lieu de ça, il te fait faire des gammes et t’apprend à jouer la musique des autres. Et je ne voulais pas jouer la musique des autres » (“Hans Zimmer : 40 years of music”, Lesley Stahl pour CBS). Ce qui ne l’a pas empêché d’apprendre son Brahms et son Beethoven auprès de sa mère, pianiste de formation.

Ce qui intéresse le jeune artiste allemand, c’est de combiner les sons, de varier les timbres, de créer des effets. Ce que la musique électronique va lui offrir, faisant de l’informatique et des technologies acoustiques ses principaux outils de création, jouant pour des groupes rocks et électro pop lors de son installation en Angleterre dans les années 1970, apportant sa contribution à l’un des morceaux les plus célèbres de la synthpop :  Video Killed the Radio Star des Buggles.

Pas question pour autant de bouder la musique orchestrale, qui incarne aux yeux du compositeur un terrain de jeu propice à la captation et à l’exploration de nouveaux sons. Optant de travailler en studio, Hans Zimmer trouvera son mentor en la personne du compositeur Stanley Myers – à qui l’on doit, entre autres, le thème de Voyage au bout de l’Enfer, les bandes originales de L’amant de Lady Chatterley et de Les Sorcières :

C’est avec ce dernier qu’Hans Zimmer se lance dans la composition de musique de film, signant une collaboration à la croisée des genres : « Stanley vient d’un milieu classique. Moi je viens d’un milieu de bluff. […] Quand on fait des films ensemble, on écrit tous les deux la musique. J’arrive toujours en retard au studio, alors j’arrive et Stanley est généralement déjà parti, me laissant une bande son. Je superpose alors quelque chose qui, selon moi, pourrait enrichir le reste » confie Zimmer dans un article de Ralph Denyer pour le magazine Sound on Sound d’août 1986.

Une expérience qui lui permettra de signer de son nom l’une de ses premières bandes-originales, A World Apart avant de mettre un premier pied à Hollywood avec la composition de Rain Man, film culte de Barry Levinson qui annonce la patte « Zimmer » : éclectisme des genres, hybridation des styles musicaux, utilisation du sampling (échantillons sonores issus de bibliothèques de sons ou d’autres enregistrements), rythme percussif …

Commence alors au début des années 1990 une carrière prolifique pour le compositeur qui enchaînera les B.0. de films à grands succès – Miss Daisy et son chauffeur, Thelma et Louise, True Romance, La Ligne rouge… – sans oublier la bande originale qui aura bercé les oreilles de plusieurs générations de enfants petits et grands : le Roi Lion, film d’animation des studios Disney qui valut à Zimmer l’Oscar de la meilleure musique en 1995.

Il faudra toutefois attendre les années 2000 pour que la « patte » Zimmer devienne le « son » Zimmer, s’imposant comme l’un des nouveaux standards de la musique hollywoodienne. Une esthétique amorcée avec la B.O. du néo-péplum Gladiator de Ridley Scott et rendue emblématique sur les blockbusters réalisés par Christopher Nolan : The Dark Knight, Inception  Interstellar pour ne citer qu’eux.

Mais qu’appelle-t-on le son Zimmer ? Un son épique, grandiose, lyrique, dont la principale –et unique – fonction est de provoquer un plaisir immédiat, une émotion pure. Une sensation physique qui rend palpable ce qui est montré à l’écran, que l’on soit projeté dans un champ de bataille (Gladiator), dans la chaleur du désert (Dune Part I & II de Denis Villeneuve), que l’on assiste à l’émergence d’un super-héros (Superman de Zack Snyder) ou à la découverte d’une autre culture (Le Dernier Samouraï d’Edward Zwick). Une immersion dans l’œuvre qui passe par le sensoriel là où d’autres compositeurs privilégient la narration – John Williams, l’atmosphère – Jerry Goldsmith ou la métrique – Philip Glass – comme vecteur d’émotions.

Une conception musicale qui, loin de créer l’unanimité, ne laisse pas de marbre !

Clément Serrano

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Pendant le mois de mai, découvrez l’univers de la guitare classique avec Philippe Mouratoglou tous les mercredis et vendredis à 11h59 sur Radio Classique !

Retrouvez les prochains concerts de Philippe Mouratoglou :

Jeudi 15 mai 2025 à 20h30 – Sortie d’album « Nautiles » (30 mai 2025 – Vision Fugitive)

Porté par un tandem rythmique aussi fin qu’audacieux, Philippe Mouratoglou propose une musique qui doit autant à l’attirance pour l’absolu de la musique classique qu’à un jazz héritier de la Great Black Music dans sa face contemporaine, captivante par son exigence et son charme mêmes.

Lieu : Studio de l’Ermitage, Paris

Distribution :

Philippe Mouratoglou, guitares acoustiques

Réservations : https://www.studio-ermitage.com/index.php/agenda/date/philippe-mouratoglou-trio

Plus d’informations sur le disque « Nautiles » : https://www.philippe-mouratoglou.com/fr/discographie/nautiles/17

Les 29, 30 et 31 mai et le 21 et 22 juin 2025 à 20h – « Trois danses Concertantes » de Léo Brouwer

Lieu : le Haut Rhin

Distribution :

L’orchestre de chambre la Follia

Hugues Borsarello, direction

Le lundi 2 juin 2025 à 20h30 – « La musique d’Alan », Emmanuel Guibert et Philippe Mouratoglou

Alan Cope, soldat américain de la seconde guerre mondiale, avait déjà eu droit à sa biographie en bande dessinée, son portrait discographique, un film documentaire, une ruelle à son nom dans l’île de Ré et de nombreuses expositions…

Voici qu’Emmanuel Guibert et Philippe Mouratoglou, le temps d’un concert, lui offrent un plaisir posthume: interpréter quelques musiques qu’il aimait ou aurait pu aimer.

C’est ainsi qu’il entendra depuis les nuages, Bob Dylan, Manuel de Falla, Georges Brassens, Agustin Barrios, et d’autres surprises tout aussi variées à partager avec le public de la Piccola Scala.

Lieu : La Scala, Paris

Réservations : https://lascala-paris.fr/programmation/la-musique-d-alan/

Le dimanche 29 juin 2025 à 18h – Duo Sol, Festival des Forêts.

Lieu : Eglise de Saint-Crépin-aux-Bois

Distribution :

Henri Demarquette, violoncelle

Programme :

Llibre Vermell de Montserrat : Mariam Matrem virginem

KAMPELA, Percussion Study n°1

Réservations : https://festivaldesforets.fr/evenement/sol/

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La direction du Philharmonique de Berlin a dévoilé le programme de la saison 2025-2026 et les noms des quatre jeunes chefs d’orchestre, une femme et trois hommes, qui dirigeront pour la première fois la prestigieuse formation.

Chaque nouvelle saison du Berliner Philharmoniker est l’occasion de donner sa chance à de jeunes chefs d’orchestre. Lors de l’annonce de la programmation de cette saison 2025-2026, Kiril Petrenko, le directeur musical de la prestigieuse formation allemande a ainsi révélé que Mirga Grasinyt-Tyla, Thomas Guggeis, Petr Popelka et Raphaël Pichon bénéficieront de cette honneur la saison prochaine.

Pour Raphaël Pichon, 40 ans, ce sera à l’occasion de trois concerts consacrés à la Messe en si mineur de Jean-Sébastien Bach donnés dans la Großer Saal du 19 au 20 décembre prochain. Le maestro français qui va se familiariser avec l’endroit dès le 27 mai à la tête de l’Orchestre de chambre-Mahler et dirigera également son ensemble Pygmalion pour un concert le 15 octobre dans la Kammermusiksaal.

La jeune cheffe d’orchestre Mirga Gražinytė-Tyla, 38 ans sera au pupitre de l’auditorium principal pour diriger, en avril 2026, le Philharmonique de Berlin et le pianiste Emmanuel Ax pour trois concerts autour d’œuvres de Mieczysław Weinberg, John Williams et Serge Prokofiev. Auparavant, le 2 septembre, la maestra lituanienne dirigera l’Orchestre Philharmonique de Radio France et l’altiste Antoine Tamestit au Musikfest de Berlin.

Thomas Guggeis, 32 ans, l’ancien assistant allemand de Daniel Bareboim, sera fin septembre à la tête du Berliner Philharmoniker pour trois concerts consacrés à des œuvres de Richard Strauss, Henri Dutilleux et Maurice Ravel en compagnie du violoncelliste Maximilien Hornung.

Comme ses collègues, Petr Popelka, 39 ans, aura l’honneur de diriger la formation berlinoise lors de trois concerts en janvier 2026. Le chef d’orchestre tchèque, accompagné par le violoniste Gil Shaham, dirigera un programme tiré des répertoires d’Antonín Dvořák, Alban Berg et Robert Schumann.

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Lors de l’annonce de sa nouvelle saison la direction du Philharmonique de Berlin a également annoncé qu’un hommage sera rendu à Jordi Savall. Le chef d’orchestre espagnol dirigera ainsi l’orchestre allemand lors de trois dates en décembre mais également ses orchestres baroques Hespérion XX fin novembre et Le Concert des Nations en mars 2026 ainsi que les jeunes musiciens de la Karajan-Akademie en janvier. Enfin, violoniste néerlandaise Janine Jansen a été désignée artiste en résidence et interviendra dans huit représentations.

Philippe Gault

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A l’occasion de la nouvelle tournée à vélo de l’orchestre Les Forces Majeures, Raphaël Merlin et Camille Fonteneau seront, ce mardi 6 mai à 20h, les invités du Journal du Classique.

« Accordez vos vélos », ainsi s’intitule ce projet musical, sportif, sociétal et éco responsable créé, au lendemain de la pandémie, par Raphaël Merlin et son orchestre Les Forces Majeures. Un festival itinérant, à vélo, qui cette année conduira ces musiciens de Paris à Roubaix. Ils parcourront ainsi 450 kms, en trente étapes ponctuées d’une quarantaine de concerts, du 9 mai au 8 juin, avec dans leurs bagages des musiques de Beethoven, Bizet, Poulenc ou encore Tchaïkovski.

Le chef d’orchestre Raphaël Merlin et la violoniste Camille Fonteneau qui participera elle aussi à ce périple, nous raconteront ce soir les enjeux et les valeurs de cette belle aventure artistique et humaine. Parmi les grandes étapes de ce festival itinérant : Saint-Denis, Compiègne, Laon, Amiens, Lens, Tourcoing et Roubaix.

Laure Mézan

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Comment faut-il prononcer « précocement » ? Dit-on un magnat comme dans magnanime ? Faut-il dire le « s » final du mot ananas ? Voici des mots très courants dont on ignore parfois la bonne prononciation.

Commençons par le mot « précocement ». Le plus souvent, on entend dire pré-co-cé-ment, comme s’il comportait un deuxième é. Or ce n’est pas le cas ! Il faut le prononcer comme il s’écrit, sans accent aigu sur le « e » placé avant le suffixe. Pourquoi fait-on cette erreur ? Je pense que c’est par mimétisme avec d’autres mots, comme forcément ou assurément.

Lorsqu’on parle d’un magnat, faut-il faire ressortir la lettre g comme dans magma ou le dire comme dans « magnifique » ? Ce terme désigne un capitaliste, un industriel ou un financier très puissant et très riche et vient du latin magnus qui signifie grand.

On pourrait être tenté de le prononcer comme l’adjectif magnanime, qui désigne la grandeur d’âme et qui est formé sur le latin magna anima. Pourtant, les site du Figaro et du projet Voltaire indiquent qu’il faut le dire en deux temps : mag-nat. De mon côté, dans toute ma magnanimité, je vous dis que vous avez le choix. Les deux prononciations sont possible, comme l’indique Le Larousse. A vous de choisir.

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Passons à l’adjectif littéraire pugnace, qui désigne celui qui aime le combat ou la polémique. Il vient du latin pugna, qui se traduit par le combat. Dans ce cas, il n’y a qu’une seule prononciation possible, il faut distinguer le g et le n, et dire pug-nace.

Enfin, dit-on le s final du mot ananas ? Là aussi, les deux sont possibles, mais il est considéré comme plus soutenu de ne pas le prononcer.

Karine Dijoud

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Intelligence artificielle, transition écologique et évolutions des échelles de valeurs : le monde du travail est en crise. Dans leur BD Travailler Demain, publié aux éditions Glénat, Muriel Pénicaud et Mathieu Charrier ont justement interviewé 13 personnalités sur l’évolution du travail. L’ancienne ministre, invitée de la matinale, dévoile comment adapter les entreprises et le management à cette nouvelle donne.

« Le travail va être bouleversé », annonce Muriel Pénicaud. Pour la sortie de sa BD co-écrite avec Mathieu Charrier, le ton est donné. Alors pour pouvoir s’imaginer le travail du futur, un véritable processus s’est créé : « quand on a commencé à travailler sur cette BD, on s’est passionné, on s’est amusé, mais surtout on a essayé d’ouvrir un débat et on a donné la parole à 13 personnalités très variées. Ça va de Benoit Bazin, PDG de Saint-Gobain, à Marylise Léon, secrétaire générale de la CFDT. »

Un constat clair ressort déjà pour l’ancienne ministre : « l’intelligence artificielle, la transition écologique et l’évolution des échelles de valeurs au plan mondial, tout ça va profondément changer le travail. Ça veut dire que, pour nos enfants, 65 % des jobs qu’ils vont faire dans leur vie n’existent pas aujourd’hui. »

« On ne pourra pas protéger l’emploi tel qu’il est », affirme Muriel Pénicaud. Si l’on doit modifier le travail, c’est pour obtenir un cadre plus épanouissant et moins répétitif. Et pour cela, il va falloir anticiper : « On peut prendre comme exemple de la BD la MAIF, qui a testé le travail avec l’intelligence artificielle. Oui, on peut lui faire faire ce qui est répétitif, mais la valeur du relationnel restera toujours avec l’humain. »

Bouleverser le monde du travail va demander de changer également notre mode de consommation. Shein, Temu, et Alibaba sont des géants du commerce sur le web. La rapidité de leurs services et leurs bas prix attirent beaucoup de clients. Pourtant une commande représente de nombreuses conséquences pour leurs employés : « Dans la BD, l’ancien secrétaire générale de l’UITA Ron Oswald explique que, lorsque l’on demande à être livré en 24 h, le transporteur qui nous amène notre colis vit dans son camion pour 300 dollars par mois, et qu’en bout de chaîne de production, il y a sûrement l’un des 160 millions d’enfants qui travaillent encore dans le monde. »

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Parmi tous ces codes à réécrire, l’ancienne ministre du Travail n’oublie pas la question de l’égalité homme/femme : « Il faut donner les mêmes capacités économiques aux femmes et aux hommes, il est même prouvé que les entreprises paritaires sont plus performantes. » Nombreuses sont les réformes qui attendent le monde du travail et « si on attend que la vague arrive, ça va être un tsunami », conclut Muriel Pénicaud.

Alessandra Wyak

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A l’aube de la « Révolution de Velours » – qui mettra fin au régime communiste tchécoslovaque après 40 années de règne – un tournage sur la vie d’un célèbre compositeur de musique autrichien, Wolfgang Amadeus Mozart, se joue dans les rues de Prague. Un tournage placé sous haute surveillance qui aboutira à l’un des films les plus récompensés dans l’histoire du septième art : Amadeus.

De musique, le réalisateur américano-tchèque Milos Forman n’en est pas à son coup d’essai : en 1979 il sort une adaptation cinématographique de la comédie musicale Hair, centrée sur la contre-culture américaine des années 60 où un jeune américain, Claude, fraîchement débarqué à New York, se lie d’amitié avec une communauté hippie de Central Park avant d’aller combattre au Vietnam.

Il réalisera ensuite une fresque historique sur les Etats-Unis avec la sortie en 1981 de Ragtime, mettant en scène la vie d’un pianiste de ragtime afro-américain, Coalhouse Walker, Jr., qui voit sa vie et son foyer être menacées par un racisme de société. Amadeus, sortira quant à lui dans les salles obscures en 1984, signant la troisième incursion du réalisateur dans le monde de la musique.

Pas question pour autant de réduire la musique à un pur divertissement : « Je déteste les films musicaux – ou traitant de la musique – où l’on voit l’histoire s’arrêter.  Le numéro musical commence alors, puis quand il se termine l’histoire peut reprendre, et ainsi de suite. » confiait le réalisateur à la télévision canadienne lors d’une interview donnée en 1985 : « Dans Amadeus, on a essayé que la musique reflète toujours l’histoire. Qu’elle vienne de l’histoire. Qu’elle nous amène à l’histoire. »  Une musique si importante que son utilisation occupe à elle-seule, dans la version cinéma du film, 90 minutes sur les 160 minutes que constituent le long-métrage.

Au-delà de constituer un biopic largement romancé sur la vie de Mozart, Amadeus opte pour une narration qui choisit d’épouser le point de vue d’un personnage antagoniste : le compositeur italien Antonio Salieri (1750-1825), dont la musique serait tombée dans l’oubli après le passage de la tornade « Mozart ».

Sa frustration et son admiration à l’égard du compositeur autrichien furent telles qu’elles auraient poussé Salieri à précipiter la mort de ce dernier, hissant le personnage au rang de légende noire dans la musique classique, mais aussi, dans la littérature : on pense ainsi au traitement de Salieri dans la pièce Mozart et Salieri de Pouchkine (1830) où le compositeur, fou de jalousie, finira par empoisonner Mozart. Cette pièce inspirera à son tour celle du dramaturge anglais Peter Shaffer, Amadeus (1979), lui-même scénariste… du film de Milos Forman ! Pourtant, Salieri était loin d’être ce personnage détestable : il aurait même eu des échanges plus que cordiaux avec Mozart !

Même si, par son sujet, le film ne présente aucune fausse note aux oreilles du Parti communiste tchécoslovaque, son tournage reste étroitement surveillé par les autorités : présence d’espions aux abords des lieux de tournage, police secrète dissimulée parmi les figurants, réalisateur surveillé par son « chauffeur personnel », autant d’éléments qui ont baigné la production du film dans une atmosphère à la fois tendue et surréaliste. A l’image d’un 4 juillet 1983 où l’équipe de tournage s’apprête à vivre un moment qu’il n’oubliera pas de sitôt : une séquence d’opéra qui vire au patriotisme…

Tournée au Théâtre des Etats – lieu historique de la ville de Prague où Mozart y dirigea Les Noces de Figaro et Don Giovanni – cette séquence rassemble plus de 500 figurants dans la salle et doit être jouée en playback. Des haut-parleurs sont installés dans la salle pour guider les acteurs. Le silence se fait sur le plateau et l’équipe est prête à tourner. La musique de Mozart inonde le plateau avant d’être remplacée nette… par l’hymne national américain !

Et ce n’est pas tout : voici que la bannière étoilée se déploie depuis le plafond du théâtre… Une tentative de sabotage ? Non : un petit clin d’œil laissé par l’équipe tchèque aux Américains qui fêtaient en ce jour l’Independance Day, fête nationale aux Etats-Unis : « Tout le monde dans le public s’est mis à bondir de sa chaise et à applaudir – écrit l’historien Ray Morton dans son essai Amadeus : Music on Film Series – à l’exception d’une trentaine de personnes qui restait fermement assis sur leur fauteuil. Tout le monde savait alors que ce petit groupe d’individus faisait partie de la police secrète » Une hypothèse largement partagée par les membres du casting et le réalisateur dans le making-of du film.

Même si la bande originale d’Amadeus n’est constituée que de morceaux issus du répertoire classique – Mozart, Pergolèse et musique bohémienne du XVIIIème siècle -, sa sortie en 1984 fut un véritable succès commercial, remportant un Grammy Award du meilleur album de musique classique.

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Ce qui n’a pas manqué d’étonner son principal artisan, le chef Sir Neville Marriner, accompagné de l’Academy of St Martin in the Fields : « Nous avons joué sa musique telle qu’il l’avait écrite : aucune coupe, aucune réécriture, aucune forme désespérée de standardisation hollywoodienne de la partition. Je dois dire que nous n’avons jamais eu autant de réaction qu’avec cet enregistrement et que s’il fallait justifier notre contribution à cette entreprise somme toute commerciale, je dirais que c’était simplement pour permettre à des millions de gens d’écouter la musique de Mozart. » confie le maestro dans une interview télévisée le 18 février 1989.

Clément Serrano

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L’Opéra National de Paris (ONP) aura, à partir de la rentrée 2026, sa propre maîtrise de chanteurs lyriques, destinée aux enfants à partir de 12 ans souhaitant « s’initier aux arts de la scène », a annoncé l’institution.

La formation s’adresse aux élèves inscrits en classes à horaires aménagés sur tout le territoire national et comprendra « une cinquantaine d’enfants et adolescents, pour un lancement officiel en septembre 2026 », précise-t-elle dans un communiqué. Ils recevront une « formation à la musique et aux arts de la scène, qui comportera un cursus spécifique voix, ainsi que des enseignements autour du mouvement et de l’expression théâtrale ».

Une « participation à la programmation lyrique sur les scènes du Palais Garnier et de l’Opéra Bastille » est également prévue. S’ajoutera une « programmation musicale propre mettant en valeur le talent et les compétences (…) des jeunes chanteurs. Ce projet s’inscrit pleinement au sein des missions de l’Opéra de Paris: s’ouvrir, former, transmettre et faire rayonner l’art lyrique auprès de tous les publics », indique l’institution.

En pratique, l’Opéra va d’abord recruter une cheffe ou un chef de choeur qui aura « pour mission d’élaborer et de mettre en oeuvre le programme pédagogique de la maîtrise (…) de diriger les répétitions et concerts et d’assurer la distribution des élèves dans les productions de l’établissement ».

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Une initiative qui vient renforcer les efforts de l’ONP en faveur de l’art lyrique, deux ans après le lancement d’une troupe  de jeunes chanteuses et chanteurs âgés de plus de 18 ans engagés pour une période de 1 à 3 saisons. Pour Alexander Neef, le directeur général de l’ONP, “Avec cette maîtrise, notre établissement poursuit son engagement en faveur de la voix, de l’éducation vocale et des métiers qui s’y rattachent. Cette formation participera pleinement à notre programmation tout en ayant une activité artistique complémentaire“.

L’Institut français d’art choral (Ifac), missionné par le ministère de la Culture, recensait en 2018 en France 55 maîtrises, qui permettent aux enfants et adolescents qui y sont inscrits de suivre une pratique musicale soutenue, en parallèle de leur cursus scolaire. Les modalités de recrutement de la nouvelle maîtrise de l’Opéra de Paris et son calendrier seront annoncés à l’automne.

Philippe Gault (avec AFP)

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C’est une distribution exceptionnelle qui se produira dimanche 11 mai pour le concert des ambassadeurs Rolex organisé par l’Opéra de Paris (ONP) à l’occasion des célébrations des 150 ans du Palais Garnier.

Partenaire de l’Opéra National de Paris depuis 2014, Rolex a mobilisé ses plus célèbres ambassadeurs pour célébrer dimanche prochain à 19h30 les 150 ans du Palais Garnier. À cette occasion, le prestigieux Orchestre Philharmonique de Vienne jouera pour la première fois de son histoire à l’Opéra de Paris et ouvrira le concert avec un extrait de l’acte 3 d’Eugène Onéguine de Piotr Ilitch Tchaïkovski.

La grande formation viennoise sera dirigée par le chef d’orchestre canadien Yannick Nézet-Séguin, le musicien classique le plus récemment nommé ambassadeur de l’horloger suisse, en juin 2024. L’évènement sera également l’occasion de découvrir pour la 1ère fois à l’Opéra de Paris la pianiste chinoise Yuja Wang qui interprétera le Concerto pour piano n°1 de Tchaïkovski.

Pour la suite du programme ce seront surtout les plus belles voix de la scène lyrique qui enchanteront les spectateurs du Palais Garnier. À commencer par Juan Diego Flórez dans Faust de Charles Gounod. Sonya Yoncheva enchaînera dans l’Habanera de Carmen de Georges Bizet avant que Rolando Villazón entonne « Ô souverain, ô juge, ô père », extrait du Cid de Jules Massenet.

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Le concert se poursuivra avec deux beaux duos de chanteurs : Juan Diego Flórez et Sir Bryn Terfel, dans un extrait des Pêcheurs de perles de Bizet, puis Sonya Yoncheva et Rolando Villazón dans Libiamio, le grand air de La Traviata de Giuseppe Verdi. Enfin, en cette année 2025 qui marque le 150ème anniversaire de la naissance de Maurice Ravel, l’Orchestre Philharmonique de Vienne interprétera le Boléro, créé le 22 novembre 1928… au Palais Garnier.

Philippe Gault

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Pierre Audi, le directeur du Festival d’Aix-en-Provence, est mort à 67 ans

Sir Antonio Pappano est nommé chef d’orchestre lauréat du Royal Ballet and Opera de Londres

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Cet article Pour la première fois, le prestigieux Philharmonique de Vienne jouera à l’Opéra de Paris est apparu en premier sur Radio Classique.