Le conseil d’administration du Teatro alla Scala a annoncé la nomination de Myung-Whun Chung en tant que directeur musical de son orchestre. Le chef d’orchestre coréen succèdera à Riccardo Chailly en 2026.

Depuis quelques mois, le nom de Daniele Gatti circulait avec insistance à Milan pour succéder à Riccardo Chailly qui vient d’accepter de rester le directeur musical de la Scala jusqu’à la fin 2026. Mais finalement c’est Myung-Whun Chung qui a été choisi par les hautes instances de l’institution lombarde.

À l’issue du conseil d’administration du Teatro alla Scala, son président, le maire de la ville Beppe Sala, a déclaré : « Le surintendant (Fortunato Ortombina, ndlr) a proposé ce nom et ce que je peux dire, c’est que le Conseil a soutenu à l’unanimité son choix ». Le chef d’orchestre coréen a été nommé pour une durée de quatre ans, jusqu’en février 2030.

Myung-Whun Chung, né à Séoul il y a 72 ans, également pianiste et grand spécialiste du répertoire de Giuseppe Verdi, est un habitué de la grande maison milanaise où il a débuté en 1989 et y a dirigé plus de 140 concerts. Une relation forte qui s’était concrétisée en 2023 par sa nomination comme chef émérite du Filarmonica della Scala.

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Le maestro coréen bénéficie d’une longue et belle expérience comme directeur musical de prestigieuses formations. Ce fut notamment le cas en France où il succéda à Daniel Barenboim à la tête de l’orchestre de l’Opéra de Paris, de 1991 à 1994 avant de diriger l’Orchestre Philharmonique de Radio France de 2000 à 2015. En Italie, à Rome, il fut également, de 1997 à 2005, chef principal de l’Orchestre de l’Académie nationale Sainte-Cécile.

Décoré de la Légion d’honneur et dans l’ordre des Arts et des Lettres, Myung-Whun Chung est également ambassadeur de bonne volonté de l’Unicef, l’agence de l’ONU pour l’enfance, depuis 2008.

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À la baguette de cette programmation audacieuse, Vanessa Wagner, artiste singulière à l’insatiable curiosité, embarque le public dans un voyage à travers les siècles : des chansons italiennes du XVIe siècle aux partitions contemporaines, en passant par des œuvres baroques et romantiques, croisant des partitions parfois méconnues et de grands classiques intemporels.

Ainsi, les festivités s’ouvriront sur un florilège « d’incontournables » lors d’une première soirée confiée à l’excellence de l’Orchestre national d’Île-de-France et présentée par l’un des animateurs emblématiques de Radio Classique, partenaire de ce concert d’ouverture.

La suite de cette édition réunira de grands noms de la musique (B. Chamayou, A. Manoukian, E. Moreau…), mettant également en lumière de jeunes talents prometteurs, comme le festival sait en défricher depuis sa création, et notamment quatre étoiles montantes du piano qui partageront la scène avec Vanessa Wagner, marraine d’un soir.

Enfin, pour la première fois, le festival ouvre ses portes à un art fascinant inscrit au patrimoine de l’UNESCO : la trompe de chasse. Un concert unique, porté par trois formations de la région, qui viendra enrichir l’éclectisme de cette édition, entre tradition et modernité. Une programmation pensée pour toutes et tous, mélomanes ou visiteurs d’un jour ayant souhaité profiter encore plus de la magie du lieu.

Réservations et informations : https://chateaudechambord.tickeasy.com/fr-FR/saison-culturelle

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Un condensé de l’histoire de la Sonate pour piano.

Née en 1993 à Tbilisi, en Géorgie, Mariam Batsashvili a d’abord étudié avec Natalia Natsvlishvili à l’Ecole centrale de musique de sa ville natale, avant de poursuivre à l’Ecole de musique Liszt de Weimar avec le professeur Grigory Gruzman. En 2011, elle reçoit le premier prix du Concours international Franz Liszt pour jeunes pianistes à Weimar et le prestigieux prix Arturo Benedetti Michelangeli en 2015.

« Sonate, que me veux-tu ? » : à la fameuse question posée par Fontenelle, la pianiste géorgienne répond par le truchement de Haydn (Sonate n° 50), Mozart (Sonate « La Chasse »), Beethoven (« Appassionata ») et Liszt (« Après une lecture de Dante »).

« J’ai pensé qu’il serait intéressant de montrer comment ces quatre compositeurs s’expriment par le biais de la sonate et j’ai choisi l’ordre chronologique pour faire parcourir un voyage à l’auditeur, explique-t-elle. La partition de Haydn est assez inhabituelle : brève, de petites dimensions, elle semble cependant tout englober. C’est comme un petit joyau précieux et unique dans le répertoire ».

Elle partage l’affiche avec la Sonate n° 18 de Mozart (« le premier morceau que j’ai enregistré sans l’avoir au préalable travaillé avec ma professeur, Natalia Natsvlishvili, décédée il y a trois ans »), l’Appassionata (« complètement révolutionnaire dans la manière dont le compositeur utilise toute l’étendue du clavier ») et la virtuose pièce de Liszt placée sous le signe de Dante qui referme la Deuxième Année de Pèlerinage (« Liszt met tout en œuvre pour nous faire sentir la terreur, la tension et l’amour portés par le poème »).

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Aux commandes d’un Yamaha superbement capté en studio, Mariam Batsashvili reste mesurée dans ses effets, préférant émouvoir par un joli toucher plutôt que surprendre par des outrances. On la sent toutefois moins inhibée dans « Après une lecture de Dante », où la dimension narrative de ce poème pianistique appelle des phrasés plus inventifs, un jeu plus orchestral ; autant d’exigences pleinement assumées par la pianiste géorgienne dans ce deuxième album.

Jérémie Bigorie

« Influences » – Mariam Batsashvili, piano (1 CD Warner)

Décernés chaque semaine, les Trophées Radio Classique priment un nouvel album, mis à l’honneur notamment dans l’émission « Tous Classiques » de Christian Morin.

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La bande-originale d’un film est aussi marquante que son scénario, ses acteurs ou sa mise en scène, parfois plus ! Connaissez-vous précisément les influences classiques de Joe Hisaichi, le compositeur des studio Ghibli ? Et savez-vous que le tournage d’Amadeus aurait lui-même mérité un film ? Voici cinq anecdotes méconnues

Lors de la sortie de ce long-métrage en 1931, la place de la musique au cinéma suscite beaucoup d’interrogations au sein des studios Universal. Jusqu’en 1927 et la création du Movietone, qui a permis d’enregistrer du son sur la pellicule, les films étaient accompagnés physiquement par les musiciens. Des orchestres ou des pianistes jouaient dans les salles de cinéma, rendant plus intense une émotion ou clarifiant une situation.

Ainsi, Dracula de Tod Browning, avec dans le rôle-titre le flamboyant Bela Lugosi ne contient – générique mis à part – qu’une seule musique, les dernières mesures des Maîtres chanteurs de Nuremberg de Wagner. Pas de musique originale donc pour ce grand classique du cinéma.

En 1999, Universal décide de remettre en avant sa collection de films dédiés aux « monstres » et profite de l’occasion pour commander une musique originale au célèbre compositeur Philip Glass. Pour écouter ce que cela donne, rendez-vous ici !

Tourné à Prague au début des années 80, le fameux biopic sur Mozart aurait pu, lui-même, faire l’objet d’un film ! Imaginez : un parti communiste tchécoslovaque aux aguets, des espions disséminés tout autour du plateau, des figurants travaillant pour la police secrète, et le chauffeur du réalisateur chargé de le surveiller.

Malgré toutes ces précautions, une séquence aurait pu virer à l’incident diplomatique. Ce 4 juillet, jour de l’Indépendance américaine, on tourne au sein du Théâtre des Etats, où Mozart dirigea deux de ses opéras. Mais au lieu d’entendre les notes du compositeur, ce sont celles de l’hymne national américain qui retentissent sous les applaudissements de l’équipe. Toute l’équipe ? Non, ils sont une trentaine à être restés assis sur leur chaise, probablement des membres de la police secrète…

Toutes les anecdotes sur Amadeus sont à lire ici

Jerry Lee Lewis, Keith KJarrett, Beyoncé… Ces artistes ont tous repris le célébrissime air du chef-d’oeuvre de Victor Fleming, Over the rainbow, qui a même reçu l’Oscar de la meilleure chanson originale en 1940. Mâtinée d’inspirations classiques (on devine quelques notes de Rusalka de Dvorak, ou encore d’un opéra de Mascagni), cette oeuvre pourrait avoir une provenance bien plus glaçante.

La partition d’une compositrice norvégienne, datant de 1910, a été retrouvée récemment, et c’est particulièrement troublant. The Hollywood Reporter parle même de plagiat de la part du compositeur d’Over the rainbow Harold Arlen. Premier scandale. Plus embêtant, la musicienne en question, Signe Lund, figure importante de la musique norvégienne, avait une solide sympathie pour l’idéologie nazie. Le coup de grâce ?

Vous pouvez retrouver toute l’histoire ici

Aria est un film à sketch présenté en 1987 au Festival de Cannes. Voici la liste non exhaustive des artistes classiques qui y ont participé : Sir Georg Solti, Enrico Caruso, Leontyne Price, Sir John Eliot Gardiner et Erich Leinsdorf. Ce casting 5 étoiles met son talent au service de Puccini, Verdi, Wagner et Rameau, en bref, de la plus pure tradition lyrique.

De cette oeuvre collective, le célèbre label de disques américain RCA compte bien faire un succès public, et fait appel à de prestigieux réalisateurs, tels que Jean-Luc Godard et Robert Altman. Malheureusement, c’est un immense flop, qui a laissé complètement froid le public et la critique. Mérite-t-il un « coup d’oreille » ? La réponse ici.

Des mélodies enchanteresses, des sonorités culturelles diverses et un hommage rendu à la grande musique : le compositeur des films de Miyazaki bénéficie d’une reconnaissance à l’international depuis les années 80.

On peut reconnaître la célébrissime Sarabande d’Haendel dans un des airs de Nausicaä de la Vallée du Vent, et des ressemblances avec l’air de West Side Story, « Somewhere ».

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Autre tube du classique qu’on entend dans un des films les plus connus des Studios Ghibli, Porco Rosso, la fameuse mélodie de la Pavane pour une infante défunte de Maurice Ravel. Enfin on entend La Walkyrie de Wagner dans le si attendrissant film Ponyo sur la falaise. Une bouleversante combinaison entre la culture classique occidentale et le regard typiquement japonais du beau et de la nature éphémère. Toutes les inspirations sont détaillées ici.

Clément Serrano et Béatrice Mouedine

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À bientôt 70 ans (en août prochain), Dominique Meyer n’a pas l’intention de raccrocher les gants. En partance de Milan, le futur ex-surintendant de la Scala et patron de l’Orchestre de chambre de Lausanne vient d’être élu président du Teatro Sociale de Côme.

Jusqu’en août prochain Dominique Meyer est officiellement toujours surintendant du Teatro alla Scala même si son successeur est aux manettes depuis le mois de mars. Mais il ne quitte pas pour autant la Lombardie et c’est à 40 kilomètres de Milan, à Côme, qu’on le retrouvera à la tête d’une autre institution musicale italienne, il Teatro Sociale di Como où il succède à Simona Roveda.

Le dirigeant français en a été élu président la semaine dernière, à l’unanimité par le comité de direction de l’AsLiCo (l’Associazione Lirico Concertistica Italiana) qui gère cette autre institution lombarde depuis 2001. Une association que Dominique Meyer connaît bien puisqu’il a présidé le Concours International AsLiCo pour jeunes chanteurs et chanteuses d’opéra ces onze dernières années.

Même si son rôle exact n’a pas encore été défini, on sait que Dominique Meyer travaillera aux côtés de Giovanni Vegeto, le délégué du conseil d’administration du Teatro, et de Barbara Minghetti, jusqu’ici directrice de la programmation et désormais vice-présidente, et qu’il aura pour principale mission, selon le site Forumopéra, le développement des productions et des partenariats afin d’atteindre un niveau international.

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Dans un communiqué, le nouveau président a tenu a préciser qu’il “partage pleinement l’engagement de l’institution envers les jeunes artistes, ses politiques d’inclusion sociale et d’accès à la culture, notamment pour les enfants, et sa collaboration active avec OperaLombardia“, ajoutant : “J’espère ainsi rendre une bonne partie de ce que ma profession m’a apporté depuis près de trente-cinq ans“.

Une publication partagée par Teatro Sociale Di Como/AsLiCo (@teatrosocialecomo)

Philippe Gault

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« Listen to them. Children of the night ! What music they make … » Une citation mythique. Un accent hongrois. Incarné au cinéma par le flamboyant Bela Lugosi en 1931, le seigneur des Carpates, alias Dracula, a enfin trouvé sa voix sur grand écran. Et quelle voix ! On ne peut pas en dire autant de la musique d’époque, qui, réduite à une peau de chagrin, compile les œuvres du grand répertoire en un thème et quelques notes. Il faudra attendre la fin des années 90 pour que le film de Tod Browning se voit dotée d’une bande originale composée par Philip Glass. 

Même si les projections du Don Juan (1926) et du Chanteur de Jazz (1927) d’Alan Crosland ont confirmé le potentiel artistique et commercial du cinéma sonore et parlant et que les studios de cinéma américain ont rapidement intégré cette innovation dans leurs productions dès la fin des années 1920, l’utilisation de musique « dans le film » restait au début des années 1930, pour les studios Universal, un sujet épineux.

Il faut dire qu’il n’y a pas si longtemps, la musique était cantonnée à une présence physique dans les salles obscures, à des pianistes ou à des orchestres qui venaient commenter en direct les images qui défilent à l’écran, renforçant soit l’émotion véhiculée par elles, soit la compréhension de ce que son silence suggère.

C’est avant l’arrivée du Movietone, procédé d’incrustation du son sur la pellicule, où la musique pouvait désormais faire partie intégrante du langage cinématographique. Se pose alors la question de sa fonction, de son dosage et de son intérêt réel face à la parole naissante, invitant Universal à jouer la carte de la prudence : « Le résultat de ce débat fut que, à part les génériques de début et de fin, il y avait très peu de musique dans la plupart des premiers films sonores » explique William H. Rosar dans son passionnant article « Music For The Monsters » paru dans le Quaterly Journal of The Library of Congress.

Le Dracula de Tod Browning – du moins dans sa version d’origine destinée aux Etats-Unis – ne déroge pas à la règle : à l’exception de son générique d’entrée où l’on peut entendre la célèbre Scène du Lac des Cygnes, une seule séquence comporte de la musique : celle où le comte Dracula, fraîchement débarqué dans la capitale anglaise, se rend à un concert de l’Orchestre Symphonique de Londres où l’on peut entendre – en hors champ – les dernières mesures des Maîtres chanteurs de Nuremberg de Wagner, suivies de l’introduction de la Symphonie inachevée de Schubert – dans la piste audio française la musique de Wagner est remplacée par Tchaïkovski  et les séquences silencieuses agrémentées de musiques additionnelles.

Une sélection musicale puisée dans les catalogues du studio où étaient compilées des partitions libres de droit, chaque air étant minutieusement catégorisé en fonction de l’émotion qu’il procure : peur, tristesse, du mystère … De quoi maintenir l’attention du spectateur à moindre coût !

Il faut toutefois attendre l’année 1999 pour que le film obtienne sa propre bande originale. Souhaitant remettre à l’honneur sa collection de films de monstres, les Universal Classic Monsters, Universal confie à Philip Glass la mission de mettre en musique l’un des films du catalogue, le compositeur américain ayant jeté son dévolu sur Dracula :

« C’est en voyant le peu de dialogue qu’il y avait dans le film que j’ai réalisé que, d’une certaine manière, c’était une pièce issue du théâtre mélodramatique du 19ème siècle » – confie le compositeur dans une interview accordée à Jim Bessman pour le magazine Billboard du 4 septembre 1999 : « Les scènes se déroulant dans les bibliothèques, les salons et les jardins m’ont ainsi mis sur la piste d’une musique de chambre pour quatuor à cordes. »

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Une bande originale conforme à l’atmosphère ouatée et crépusculaire de la pellicule, où vacillent à la lueur des bougies les cordes ténébreuses du Kronos Quartet.

Et pour mieux en apprécier les différences, voici deux extraits de la confrontation entre le comte Dracula et le professeur Van Helsing, un premier extrait issu de la version originale de 1931, suivi d’un second extrait issu de la version mise en musique par Philip Glass.  

Extrait dans sa version originale :

Extrait avec la musique de Philip Glass :

Clément Serrano

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Passer subtilement du langage courant au langage soutenu, c’est ce que je vous propose avec ces mots un peu plus soutenus qu’il faut distiller avec parcimonie. 

« Ce tableau relève du naturalisme ». On peut ici remplacer « relever de » par « participer de » qui signifie sensiblement la même chose, mais qui apporte une élégance et un raffinement supplémentaires. Il ne faut pas le confondre avec « participer à », qui veut dire qu’on prend part à une activité. Par exemple, on dira, « il participe à des ateliers de poterie ». On peut également employer seul le verbe participer : « les élèves ont beaucoup participé en cours ».

Et si, au lieu « d’argumentation », de « logique » ou de « raisonnement », vous parliez de « dialectique » ? Ce terme est de la même famille que le mot dialogue. Il vient du grec ancien dia, « à travers » et de legein, « dire ». La dialectique consiste à mettre en œuvre une discussion pour démontrer et réfuter des propos. Ce mot produit pas mal d’effets !

On peut enfin dire « rétif » ou « rétive » au lieu de « récalcitrant ». Initialement, cet adjectif désigne un âne ou un cheval qui refuse obstinément d’avancer. Par analogie, cela caractérise une personne qui refuse toute contrainte, qui ne veut pas se laisser diriger. « Cet élève est resté rétif ». On peut aussi être rétif à quelque chose, c’est-à-dire être réfractaire : « Il est rétif à toute explication au sujet de la langue française ». 

Karine Dijoud

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Le Concerto pour piano de Gershwin à Monaco avec Jorge Luis Prats et l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo dirigé par Lio Kuokman, la jeune pianiste russe Alexandra Dovgan à la Fondation Louis Vuitton et la Symphonie n°4 de Mahler par l’Orchestre National de Lyon dirigé par Nicolaj Szeps-Znaider : découvrez la sélection Radio Classique des rendez-vous à ne pas manquer dans les prochains jours.

C’est une œuvre plutôt rare qui sera donnée par l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo dirigé par le chef macanéen Lio Kuokman : le Concerto pour piano de Gershwin. Il sera joué par le pianiste cubain Jorge Luis Prats. Au programme également Three Danse Episodes de la comédie musicale On the Town de Bernstein, l’Adagio pour cordes de Barber et les Danses symphoniques de Rachmaninov. Ce concert sera diffusé sur Radio Classique le dimanche 13 juillet à 20 heures.

Elle fêtera son 18e anniversaire dans quelques semaines : le jeune pianiste russe Alexandra Dovgan est l’invitée de la Fondation Louis Vuitton dans le cadre des récitals Piano nouvelle génération. Elle jouera la Sonate n°17 « La Tempête » de Beethoven, la Barcarolle et la Fantaisie en fa mineur de Chopin, ainsi que Prélude, Choral et Fugue de Franck et la Sonate n°2 de Prokofiev. Ce concert sera diffusé sur Radio Classique le samedi 24 mai à 20 heures.

La Symphonie n°4 est l’une des symphonies avec voix de Mahler. C’est qui comporte, dans le quatrième et dernier mouvement le célèbre lied Das himmlische Leben (La Vie céleste). Il sera chanté par la soprano britannique Louise Adler avec l’Orchestre national de Lyon dirigé par Nicolaj Szeps-Znaider. En première partie de ce concert : Fidl-Fantazye du compositeur américain Noah Bendix-Balgley. Cette œuvre pour violon et orchestre créé en 2015, qui cite des thèmes de Mahler, sera jouée par le compositeur, qui est par ailleurs premier violon solo de l’Orchestre Philharmonique de Berlin. Ce concert sera diffusé sur Radio Classique le dimanche 25 mai à 20 heures.

Jean-Michel Dhuez

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A l’occasion de la nouvelle production du ballet Sylvia à l’Opéra national de Paris, la danseuse étoile Roxane Stojanov et le violoniste Frédéric Laroque seront, ce vendredi 9 mai à 20h, les invités du Journal du Classique.

C’est une nouvelle version du ballet Sylvia qui fait son entrée au répertoire de l’Opéra national de Paris. Manuel Legris, qui en a signé la chorégraphie, retrouve, à cette occasion, une maison qu’il connait bien, où il a brillé en tant qu’étoile durant de nombreuses années et où il a dansé Sylvia mais avec les pas d’autres chorégraphes.

Ce spectacle est à découvrir jusqu’au 4 juin au Palais Garnier.

Nous en parlerons ce soir avec l’une de ses interprètes, Roxane Stojanov, nommée en décembre dernier au rang d’étoile. Elle alternera ici les rôles de Diana et de Sylvia. Frédéric Laroque, le premier violon solo de l’orchestre de l’opéra nous éclairera, quant à lui, sur les spécificités du ballet, du point de vue de la fosse, et la richesse de la partition de Léo Delibes.

Laure Mézan

Retrouvez le journal du classique du lundi au vendredi à 20h

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En 1987 est diffusée au Festival de Cannes une production anglaise ambitieuse, une déclaration d’amour à l’opéra en 24 images par seconde, portée par des artistes lyriques et artistiques de renom. Aria était une œuvre collaborative, qui malgré le soutien d’un célèbre label de disques américain n’a pas véritablement eu le succès escompté lors de sa diffusion.

Aria est un film à sketches qui met à l’honneur l’art lyrique en adaptant des airs connus, donnant carte blanche à plusieurs metteurs en scène issus du monde du cinéma – Jean-Luc Godard, Ken Russell, Robert Altman, Nicolas Roeg … – de la télévision – Derek Jarman, Franc Roddam, Julien Temple – et du théâtre – Bill Bryden. Sans oublier une bande-son puisée dans le catalogue de la RCA dont la distribution est des plus prestigieuse : Leontyne Price, Enrico Caruso, John Eliot Gardiner, Erich Leinsdorf ou Georg Solti pour ne citer qu’eux.

Un exercice de réalisation pour le moins difficile, car contrairement à Fantasia qui pouvait laisser libre cours à l’imaginaire des dessinateurs pour adapter un monde symphonique dénué de toute représentation mentale, Aria investit un terrain saturé d’images et de figures iconiques, rendues populaires par les nombreuses mises en scènes, illustrations et adaptations du monde opératique. Un projet où des choix artistiques radicaux doivent être pris, ayant laissé perplexe le public et la critique lors de sa diffusion en 1987. Ce qui n’a pas empêché le film de concourir dans la sélection officielle du Festival de Cannes quelques mois plus tôt.

Ainsi, les airs de Rameau, de Verdi, de Wagner, ou bien encore de Puccini, se déploient à travers différentes histoires/ situations, faites de néons et de machines à sou, de bodybuilders et de coiffures peroxydées, de costumes d’époque et de commedia dell’arte, d’ésotérisme et de classicisme, pour le meilleur… et le moins bon !

On retiendra ainsi la balade au crépuscule d’un couple d’amants vivant sa dernière nuit dans un Las Vegas clinquant et chimérique – relecture brillante du Tristan et Isolde de Wagner par Franc Roddam où résonne la voix puissante de Leontyne Price à travers l’air du « Liebestod ». On notera également le beau segment signé Ken Russell, où un accident de voiture vire à un rituel égypto-maçonnique sur l’air de « Nessun Dorma » de Turandot, mais aussi, les adieux d’une diva à la scène qui se remémore ses souvenirs de jeunesse. Une séquence pleine de douceur et de mélancolie réalisée par Derek Jarman, rappelant le temps d’une courte introduction les expérimentations colorisées des Frères Lumière sur un air de Louise de Gustave Charpentier, « Depuis le jour ». Enfin, l’hommage rendu à Rigoletto de Verdi par Julien Temple vaut le visionnage pour son sosie d’Elvis animant les soirées dansantes d’un célèbre motel californien « le Madonna Inn », chantant, à coup de lasso imaginaire, « La donna è mobile ».

Un long-métrage, qui, pour son producteur Don Boyd, dénicheur de talents du milieu underground britannique et fin a eu le mérite « d’attirer un public jeune et peu familier avec le monde de la musique classique », un critique américain, Bob Strauss, ayant qualifié Aria de « MTV – chaîne de télévision américaine populaire autrefois spécialisée dans les vidéo-clips – mais avec de la grande musique et de belles idées. » (D.S. Diffrient, Omnibus Films).

Mais bien plus qu’un effet de style ou un format calibré pour MTV, il faut également voir dans ce film le fruit d’une réflexion, qui selon la musicologue Marcia J. Citron dans son essai Opera on screen, invite le spectateur « à reconsidérer ce qu’est une forme d’art vénérable dans une société saturée d’images. » De quoi redonner de la voix à un film qui mériterait le coup d’oreille.

Clément Serrano

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