Radio Classique

Opéra-comique en quatre actes de Georges Bizet, sur un livret d’Henri Meilhac et Ludovic Halévy, d’après la nouvelle de Prosper Mérimée, Carmen est l’œuvre ultime du compositeur français. Jouée pour la première fois en 1875, son succès lors des premières représentations est loin d’être garanti. Le temps lui donnera pourtant raison, transformant l’opéra incompris en un triomphe mondial, que Bizet ne connaîtra malheureusement pas de son vivant.

À Séville, Carmen, jeune cigarière au physique séduisant, fait tomber sous son charme les hommes qui en viennent parfois aux mains pour se faire une place dans son cœur. Alors qu’elle prend aussi goût au combat et frappe une camarade, elle est arrêtée par le brigadier Don José, pour qui elle semble porter un certain intérêt. Comme tous les autres, l’homme est subjugué par la bohémienne. Alors qu’elle doit être transférée en prison, elle parvient à l’amadouer en lui promettant qu’ils se reverront s’il la laisse s’échapper. Don José finit par céder. Pour cette complicité avec Carmen, le brigadier perd son grade et est à son tour envoyé en prison. Il n’y échappera pas.

Quelque temps plus tard, Don José, libéré, se rend à l’endroit où Carmen lui a donné rendez-vous : la taverne de Lillas Pastia, un repaire pour les contrebandiers. À l’intérieur, elle repousse les avances du capitaine Zuniga et du torero Escamillo, attendant Don José comme elle l’avait promis. Le voyant arriver, elle se met à danser pour lui, mais la scène de séduction est vite interrompue par le retentissement de l’appel de la caserne.

Bien qu’il soit dégradé, José souhaite tout de même y répondre. Carmen entend bien le faire changer d’avis et le pousse à déserter. C’est alors que Zuniga entre en scène, ce qui va mener à une altercation entre le capitaine et le brigadier déchu. Les contrebandiers présents séparent les deux hommes. Don José, sans vraiment avoir le choix, les suit dans la clandestinité, cédant une fois de plus à Carmen.

Au cours de leur long périple, Carmen – comme elle l’a toujours fait avec ses conquêtes – finit par se lasser de José et porte désormais son attention sur le torero Escamillo, qui a lui aussi suivi la troupe. Elle ne semble toutefois pas sereine, consciente que la jalousie maladive de celui qui l’a fait échapper à la prison pourrait lui porter préjudice. De son côté, Micaëla, la fiancée de l’ancien brigadier, est aussi à la recherche du groupe, dans le but de retrouver Don José qui s’est enfui. Elle finit par le rattraper et le convainc de la suivre auprès de sa mère mourante.

Le retour vers le droit chemin ne sera que de courte durée pour Don José : l’homme n’a toujours pas digéré la rupture avec Carmen et n’arrive pas à la chasser de ses pensées. De retour à Séville, il scrute les moindres faits et gestes de la cigarière. En pleine arène, lors d’une corrida, Carmen est présente pour assister à la prestation de son nouvel amant, le torero Escamillo.

Don José, sur les lieux, parvient à rejoindre celle dont il est fou amoureux. Face à elle, il la supplie de revenir en arrière et de lui accorder une seconde chance. Incorruptible, Carmen reste sur ses positions, déclare son amour pour celui en train de combattre et va même jusqu’à jeter la bague que Don José lui avait offerte. Dans un élan de folie et de rage, l’homme la poignarde en plein cœur, au milieu de la foule. Se laissant arrêter, il prononce ces dernières paroles : « C’est moi qui l’ai tuée, ma Carmen adorée… »

En 1872, Bizet se voit passer une commande par l’Opéra-Comique, destinée à son public bourgeois. Les consignes sont les suivantes : on veut « une petite chose facile et gaie, avec surtout une fin heureuse ». Le compositeur fait tout l’inverse en décidant, pour la première fois dans l’histoire, d’une rupture totale avec la tradition, dans une histoire où les ravages de l’amour mènent au meurtre. Inspiré par l’œuvre éponyme de Prosper Mérimée de 1845, Bizet fait appel à des librettistes de renom pour retravailler le texte : Henri Meilhac et Ludovic Halévy. Aucun d’eux n’ayant eu l’occasion de vivre en Espagne, ils puisent leurs inspirations dans les voyages de Théophile Gautier, les drames de Victor Hugo ou encore dans les illustrations de Gustave Doré.

Pour la musique, le compositeur romantique s’intéresse à une danse, « l’Habanera », s’inspirant d’une mélodie déjà existante du compositeur espagnol Sebastián Yradier, tirée de son morceau « El Arreglito ».

Carmen est présentée pour la première fois à l’Opéra-Comique le 3 mars 1875 et elle suscite un grand émoi : la Salle Favart, pleine, accueille très mal l’œuvre de Bizet, jugée trop sulfureuse, allant à l’encontre de la religion et de l’armée, avec une protagoniste vulgaire et affranchie de toute morale. De plus, on trouve sa durée interminable. La presse ne mâche pas ses mots et les torrents de critiques cinglantes affluent.

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Malgré ce démarrage chaotique et le scandale qu’elle a engendré, Carmen est maintenue à l’affiche pour 48 représentations. Georges Bizet décède d’un infarctus le soir de la trente-troisième représentation, épuisé par le dévouement absolu qu’il a consacré à son opéra. En rendant l’âme, le compositeur est loin de se douter du succès retentissant que va connaître l’œuvre à l’international. Car l’œuvre ne faiblit pas, les versions en anglais, en allemand et en italien se multiplient et elle est jouée aux quatre coins du globe.

Le triomphe de Carmen traverse les époques et demeure encore aujourd’hui l’un des opéras les plus joués au monde. Un succès qui s’explique notamment par la troublante modernité de ses thèmes. La contralto Marie-Nicole Lemieux avait lâché le mot en 2022 sur Radio Classique : « Carmen est évidemment victime d’un féminicide ».

Anatole Daigremont

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A l’occasion de la production de Satyagraha à l’Opéra de Paris, nous nous glisserons dans les coulisses d’une répétition au Palais Garnier. Un reportage diffusé ce jeudi 2 avril à 20h, dans le Journal du Classique.

Satyagraha de Philip Glass fait son entrée au répertoire de l’Opéra national de Paris et constitue ainsi l’une des productions les plus attendues de la saison. L’œuvre, datant de 1979, s’inscrit dans le cadre d’un cycle opératique du compositeur américain consacré aux grandes figures de l’histoire, à ces personnages qui ont changé le monde. C’est le cas de Gandhi, l’inspirateur de cet opéra entièrement écrit en sanskrit.

Nous en parlerons ce soir avec le contre-ténor Anthony Roth-Costanzo qui connait bien l’univers de Philip Glass et incarne ici le rôle principal de Satyagraha. Également à notre micro la cheffe des chœurs de l’opéra de Paris, Ching-Lien Wu qui nous éclairera sur le défi que représente un tel ouvrage pour des chanteurs et la danseuse Marion Gautier de Charnacé qui participe à cette production mise en scène par les chorégraphes Bobbi Jene Smith et Or Schraiber.

Un spectacle à découvrir du 10 avril au 3 mai au Palais Garnier.

Laure Mézan

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« Toscanini vous aurait mis à la porte » : Riccardo Muti recadre des spectateurs en retard

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De retour dans l’Illinois pour diriger son 600e concert à la tête de l’Orchestre Symphonique de Chicago, Riccardo Muti n’a pas supporté que des groupes de spectateurs arrivent en retard et les a interpellés avec véhémence.

Fin mars, l’Orchestre Symphonique de Chicago célébrait le retour à la baguette de Riccardo Muti qui fut le directeur musical de l’institution pendant 13 ans et dont il est désormais chef émérite à vie. C’était aussi le 600e concert que le maestro italien dirigeait à la tête de l’Orchestre Symphonique de Chicago. À cette occasion, était programmée une série de trois concerts consacrés à de grands airs d’opéras italiens de Giuseppe Verdi, Umberto Giordano, Alfredo Catalani et Giacomo Puccini.

Lors du deuxième concert, le 20 mars, tout se passait bien depuis 20 minutes. L’orchestre avait attaqué un extrait de La Wally, un opéra d’Alfredo Catalani, l’un des compositeurs préférés d’Arturo Toscanini, le chef d’orchestre vénéré par Riccardo Muti. Mais, alors que la soprano russe Lidia Fridman venait juste d’entrer sur scène pour entonner le célèbre air Ebben ? Ne andrò lontana, deux groupes de spectateurs très en retard ont gagné leurs places dans la salle du Symphony Hall sans chercher à se faire discrets.

La suite, c’est le Chicago Tribune qui l’a relatée dans son édition du lendemain. Selon le quotidien local, Riccardo Muti, dont on connaît le caractère intransigeant, a interrompu la représentation et s’est écrié : « En retard ? Dehors ! », ajoutant : « Ici, c’est une grande institution. Toscanini vous aurait mis à la porte ! ».

Sous les applaudissements du public, le maestro italien a alors frappé du poing son pupitre et a lancé à l’adresse des perturbateurs : « Quand vous vous rendez à l’aéroport, vous arrivez à l’heure. Nous ne faisons pas du divertissement. Nous cherchons à vous enrichir, spirituellement, culturellement », sous le regard atterré de certains musiciens du CSO.

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Ce n’est pas la première fois que Riccardo Muti s’en prend au public lors d’un concert. Ainsi dans les années 80/90, lors d’une série de concerts avec le Maggio Musicale de Florence, on le vit plusieurs fois interrompre des représentations à cause de toux ou d’autres bruits dans la salle. Longtemps à la tête de l’orchestre de la Scala de Milan, il n’était pas rare qu’il reproche au public milanais d’applaudir au mauvais moment ou de retarder la reprise d’un concert tant que le silence n’était pas revenu.

En 2018, déjà à Chicago, lors d’une représentation du Chant sur la mort de Joseph Haydn de Luigi Cherubini, Riccardo Mutti s’en était pris à un spectateur qui avait fait une remarque alors qu’un contrebassiste avait malencontreusement heurté le pupitre du maestro.

Philippe Gault

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Jazz : L’édition 2026 du Concours international Herbie Hancock Institute aura lieu à la Fondation Louis Vuitton

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Quand un dirigeant actionnaire majoritaire décède, une question surgit : combien vaut l’entreprise ?

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Envie d’en savoir plus ? Retrouvez notre analyse complète : Valorisation de l’entreprise au décès du dirigeant : comment éviter conflits et décotes

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Federico Fellini se rêvait écrivain ou dessinateur, il sera un metteur en scène à la carrière exceptionnelle. Son film La Dolce Vita, aussi mythique aujourd’hui que décrié à sa sortie, a failli entraîner son excommunication par le Vatican. 

Après le succès de La strada, avec son épouse Giulietta Massina, il souhaite, pour sa nouvelle réalisation, tourner le dos aux décors naturels. Ce qu’il recherche, c’est la création pure, une esthétique qui lui appartienne en propre — et donc, le studio. Il reprend un ancien scénario qu’il avait initialement conçu comme une suite aux Vitelloni, sous la forme d’un film à sketches. « Il faut créer une sculpture à la Picasso, la casser en morceaux et la recomposer selon notre caprice », dit-il. Ce film, c’est bien sûr La Dolce Vita.

Le tournage se déroule en partie sur le plateau 5 des studios de la Cinecittà, à Rome. Il est laborieux : une brouille éclate entre Fellini et son producteur à propos du premier rôle. La production voulait une star — Paul Newman ou Gérard Philipe —, mais Fellini va imposer un comédien alors inconnu, découvert au théâtre, devenu un ami : Marcello Mastroianni.

C’est lui qui campe ce journaliste de la presse à scandale en pleine crise existentielle, se baladant dans Rome à la recherche de scoops, croisant une bourgeoise désœuvrée incarnée par Anouk Aimée, et une actrice internationale jouée par la Suédoise Anita Ekberg.

Naît alors l’une des scènes les plus mythiques de l’histoire du cinéma : Ekberg et Mastroianni dans la fontaine de Trevi, sur le point de s’embrasser. Le tournage n’a pas été simple. Habituée à l’eau froide de par ses origines scandinaves, Anita Ekberg y évoluait sans difficulté. Mastroianni, lui, enfilait une combinaison de plongée sous ses vêtements et avalait, dit-on, une bouteille de vodka à chaque prise — pour se protéger du froid.

La Dolce Vita est projeté pour la première fois à Milan, début 1960. Une partie du public quitte la salle, choquée par une scène d’orgie et par des images inhabituelles pour le cinéma de l’époque. Fellini reçoit un crachat, Mastroianni est bousculé. Le film est menacé de censure. Le Parlement italien se réunit pour débattre de sa valeur morale, et la majorité catholique se dresse vent debout contre une œuvre jugée obscène. Le Vatican songe même, dit-on, à excommunier Fellini.

Le scandale est tel qu’au moment de présenter le film au Festival de Cannes 1960, les bobines doivent être placées dans un coffre fermé à clé à l’ambassade de France à Rome — de crainte que des manifestants ne viennent s’en emparer. Rien de tout cela n’empêchera le film de décrocher la Palme d’or. Le triomphe est total, notamment en Italie où le film réalise 13 millions d’entrées. La Dolce Vita s’impose alors comme la référence absolue de ce que la presse appellera le « baroque fellinien » — une esthétique et une conception du cinéma pleinement assumées.

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À noter, en marge du film : c’est depuis La Dolce Vita que le mot « paparazzi » est entré dans le langage courant. Le jeune photographe qui accompagne le personnage de Mastroianni s’appelle en effet Paparazzo — et c’est ce nom qui a donné naissance au terme désignant depuis lors ce métier douteux.

Franck Ferrand

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Pour la première fois de son histoire, le Concours international de la Herbie Hancock Institute aura lieu en octobre 2026 en dehors des Etats-Unis. Les épreuves finales de la plus grande compétition mondiale de jazz, consacrée cette année à la voix, se dérouleront à la Fondation Louis Vuitton à Paris.

Les voix les plus prometteuses du jazz, venues du monde entier, seront réunies cet automne à Paris pour participer aux épreuves finales du Concours international de la Herbie Hancock Institute. Au sein de l’Auditorium de la Fondation Louis Vuitton les concurrents retenus s’affronteront en demi-finale le samedi 10 octobre. La finale aura lieu le lendemain et sera suivie, dans la soirée, d’un concert de gala spectaculaire, porté par des grands noms du jazz.

Le jury de cette édition 2026, composé d’artistes émérites, sera présidé par Dee Dee Bridgewater, illustre chanteuse de jazz et membre du Herbie Hancock Institute of Jazz. Le choix de la Fondation LVMH, dans le Bois de Boulogne, pour cette première de la compétition hors des États-Unis, n’est pas anodin. L’emblématique bâtiment, inauguré en 2014, a en effet été conçu par l’architecte Frank Gehry, décédé en décembre, et qui était membre estimé du conseil d’administration de l’Institut américain et récipiendaire du prix humanitaire Herbie Hancock.

Les candidats, chanteuses et chanteurs, à l’édition 2026 du Concours international de la Herbie Hancock Institute ont jusqu’au 15 juillet pour s’inscrire en ligne. Ils doivent être âgés de moins de 30 ans et envoyer un un enregistrement audio comprenant : un standard de jazz avec un seul instrument d’accompagnement et dont une partie « doit être chantée a cappella », un autre avec trio, un autre avec quartet, un blues de 12 mesures et un arrangement d’une œuvre non-jazz réinterprétée dans un style jazz.

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Créée en 1986 sous le nom Thelonius Monk Institue of Jazz, l’institution a pris le nom de Herbie Hancock Institute of Jazz en 2019. L’instance, dont le célèbre pianiste est le président, est une organisation éducative à but non lucratif qui offre à de jeunes musiciens prometteurs une formation universitaire dispensée par des maîtres du jazz de renommée internationale. Tous ses programmes sont proposés gratuitement. En partenariat avec l’UNESCO, l’institut est la principale organisation à but non lucratif chargée de planifier, de promouvoir et d’organiser la Journée internationale du jazz, qui met en lumière le rôle du jazz dans la diplomatie culturelle et est célébrée chaque année le 30 avril.

Le Lauréat ou la lauréate de l’édition 2026 de la compétition se verra remettre la somme de 50.000 dollars, attribuée par la Fondation Louis Vuitton et rejoindra, au palmarès du concours, de grandes voix du jazz actuel comme Jazzmeia Horn, Jane Monheit, Cécile McLorin Salvant, Gretchen Parlato ou encore Veronica Swift. La demi-finale, la finale de la compétition et le concert de gala seront retransmis en direct sur Medici.tv, FLV Play (la plateforme vidéo du site de la Fondation Louis Vuitton) et sur YouTube.

Philippe Gault

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A l’occasion de la publication de son enregistrement de la version française de La Création de Haydn, Julien Chauvin sera, ce mercredi 1er à 20h, l’invité du Journal du Classique.

C’est une version inédite de la Création de Haydn que Julien Chauvin nous invite à découvrir au disque, une version en français du célèbre oratorio du compositeur, tel qu’il a été créé à Paris en 1800. Une pratique courante à l’époque et jusqu’à récemment en France qui permettait à l’auditeur d’avoir un accès plus immédiat avec une œuvre alors que les surtitres n’existaient pas encore.

Julien Chauvin reviendra ce soir à notre micro sur la dimension historique de sa démarche même si elle peut paraître troublante pour un mélomane habitué à entendre cette œuvre en allemand.

Mais c’est la version originale qu’il dirigera en concert le 8 avril au Théâtre des Champs-Elysées, avec Regula Mühlemann, Nahuel di Pierro et Petr Nekoranec ainsi que le chœur de chambre de Namur et le Concert de la loge.

Laure Mézan

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De retour les 19 et le 20 juin prochain au Théâtre des Champs-Elysées à Paris, la Folle Soirée de l’Opéra de Radio Classique est le concert idéal pour redécouvrir les grands chefs-d’œuvre de l’opéra, des airs emblématiques aux petites pépites des grands compositeurs. Deux soirées festives présentées par l’incontournable Jean-Michel Dhuez, en compagnie de voix d’exception et de l’Orchestre National d’Île-de-France.

Théâtre des Champs-Elysées, Paris

Un concert présenté par Jean-Michel Dhuez en compagnie de voix d’exception et de l’Orchestre National d’Île-de-France :

Verdi – Nabucco, Ouverture

Gounod – Faust, « Salut ! Demeure chaste et pure »

Gounod – Faust, « Ah ! Je ris de me voir si belle en ce miroir »

Mozart – Don Giovanni, « Madamina, il catalogo è questo… »

Bellini – Norma, « Casta Diva »

Gounod – Roméo et Juliette, Entracte Acte II

Massenet – Manon, « Toi ? Vous… N’est-ce plus ma main ? »

Mozart – Don Giovanni, « In quali eccessi… Mi tradi quell’alma ingrata… »

Verdi – Don Carlo, « Ella giammai m’amò ! »

Catalani – La Wally, « Ebben ? Ne andrò lontana »

Rossini – Guillaume Tell, « Asile héréditaire »

Mozart – Cosi fan tutte, « Soave sia il vento »

Mozart – Don Giovanni, « La ci darem la mano »

Gounod – Faust, « Alerte ! Alerte ! Ou vous êtes perdus ! »

Réservez vos places

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Des premiers « bip-bip » des bornes d’arcade aux plus grandes salles de concerts : la Philharmonie de Paris retrace, à partir de ce jeudi et jusqu’au 1er novembre, un demi-siècle de musiques de jeux vidéo au travers d’un périple nostalgique, de la ritournelle entêtante de Tetris aux envolées lyriques de Clair Obscur : Expedition 33.

Au sein d’un grand espace divisé en salles comme autant de niveaux d’un jeu, avec ses passages secrets et même son écran de fin, « Video Games & Music » a été pensé « comme un jeu vidéo », explique Jean Zeid, un des commissaires de cette rétrospective inédite hébergée à la Philharmonie de Paris. Les plus réfractaires aux plaisirs de la manette seront aussi les bienvenus et pourront y découvrir des photographies de joueurs à travers le temps, des artistes et des instruments dans cette exposition qui, selon ses commissaires, cache aussi quelques secrets à découvrir. Comme tout bon jeu vidéo.

Dès la première salle, une cinquantaine de virgules sonores et d’extraits audio des titres les plus populaires accueille les visiteurs, rappelant immanquablement des souvenirs à toute personne ayant un jour tenu une manette. Bordé de flippers et de bornes de jeux, un tunnel en forme de tuyau, clin d’œil au moyen de transport de Mario, le célèbre plombier de Nintendo, relie les différents espaces, reproduisant l’ambiance et les sons des salles d’arcades.

Longtemps jugées inférieures aux musiques de films, les bande-originales des jeux vidéo ont gagné en popularité depuis les années 2000, et font désormais régulièrement l’objet de concerts et de sorties en CD et vinyles. Depuis la sortie de Pong en 1972, premier titre commercial dont les sons sont synchronisés avec les actions du joueur, la musique de jeux vidéo n’a cessé de s’améliorer, s’affiner et se complexifier, suivant les progrès technologiques de cette industrie qui a longtemps forcé ses artistes à créer sous une contrainte technique.

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Pour Jean Zeid, l’arrivée en 1985 de Super Mario Bros marque un moment charnière: le compositeur japonais Koji Kondo parvient à créer « un thème internationalement reconnu » au sein d’un titre où « le bruitage se mêle à la musique sans que rien ne s’entrechoque », malgré la technologie rudimentaire à sa disposition. Une salle consacrée à Sonic, son éternel rival chez le constructeur Sega, illustre ainsi cette évolution sonore en mettant côte à côté quatre opus sortis en l’espace de trois décennies.

Mais c’est à partir des années 90, et notamment l’arrivée du format CD sur les consoles, qu’« un bouillonnement créatif va s’opérer, avec l’apparition de jeux musicaux comme Dance Dance Revolution et l’arrivée de genres nouveaux comme la musique électro », détaille la musicologue Fanny Rebillard, également commissaire de l’exposition.

Au travers de dessins préparatoires, de partitions ou encore d’extraits jouables, de nombreux studios français ont nourri cette exposition, au premier rang desquels le géant français Ubisoft, mais aussi Arkane, Amplitude ou encore Sandfall Interactive, créateurs du succès surprise de 2025 Clair Obscur: Expedition 33.

Comptant plusieurs centaines de millions d’écoutes en ligne ainsi qu’une tournée à guichets fermés, la bande-originale du jeu a grandement participé à son succès et a fait rayonner à l’international ses morceaux mélangeant piano, violon et guitare électrique.

Philippe Gault (avec AFP)

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À l’heure où les book clubs fleurissent et où la curiosité pour les grandes figures de la musique ne cesse de croître, Radio Classique a souhaité vous composer une première sélection de biographies incontournables, consacrées aux géants du classique. Ces ouvrages s’adressent à tous les curieux, mélomanes débutants ou confirmés, qui souhaitent découvrir la vie d’un compositeur ou d’un musicien sans nécessairement posséder de formation musicale. Des portes d’entrée idéales vers des destins hors du commun, et vers des musiques qui n’attendent que vous.

En seulement 120 pages, le romancier Jean Echenoz, lauréat du prix Goncourt en 1999, capture les dix dernières années de la vie de Maurice Ravel avec une prose ciselée, distanciée et légèrement ironique. On y suit le compositeur du Boléro depuis sa tournée triomphale aux États-Unis jusqu’à sa lente déchéance cérébrale, avec une élégance littéraire rare.

Ce qui rend ce livre si précieux, c’est le style d’Echenoz lui-même : une prose épurée, distanciée, presque clinique, mais traversée d’une émotion sourde et d’un humour subtil qui n’enlèvent rien à la gravité du propos. En choisissant la troisième personne, l’auteur crée une proximité troublante avec son sujet : on entre dans les habitudes de Ravel, ses silences, ses contradictions, avec une précision qui n’a rien à envier aux meilleures biographies, mais sans jamais sacrifier l’élégance au sentimentalisme. On découvre aussi le Ravel méconnu : ce dandy méticuleusement élégant, cet homme secret et pudique, ce compositeur qui regardait son Boléro avec une distance ironique, le considérant lui-même comme une curiosité formelle plutôt que comme un chef-d’œuvre.

Pour les lecteurs qui n’ont jamais osé ouvrir une biographie de musicien, c’est la porte d’entrée idéale. On en ressort avec l’envie irrésistible d’écouter le Boléro, les Valses nobles et sentimentales, ou le Concerto pour la main gauche, et c’est peut-être là la plus belle réussite d’un livre sur la musique.

Comment parler de Frédéric Chopin en 170 pages sans trahir la complexité d’un génie ? C’est le défi que relève avec brio Jean-Yves Clément dans cet ouvrage court mais dense, élégant et profondément original dans sa conception. Le titre dit déjà tout, ou presque : Chopin a été tout sa vie un homme partagé, tiraillé entre deux identités, deux pays, deux cultures.

Né en 1810 en Pologne d’un père français et d’une mère polonaise, il s’est installé à Paris à l’âge de vingt ans, pour ne plus jamais en repartir. Entre la mélancolie des steppes et l’élégance des salons parisiens, entre le romantisme débridé de son époque et la rigueur classique dont il ne s’est jamais tout à fait départi, Chopin a toujours été ailleurs, toujours dans l’entre-deux.

Ce qui rend ce livre particulièrement original, c’est le lien établi par l’auteur entre chaque chapitre et une œuvre majeure du compositeur : les Mazurkas comme expression de l’identité polonaise perdue, les Nocturnes comme fenêtres ouvertes sur une intériorité secrète, les Ballades comme récits d’une âme en exil permanent. Le livre invite ainsi le lecteur à écouter en même temps qu’il lit, faisant de cette lecture une expérience à la fois littéraire et musicale. Un ouvrage idéal pour ceux qui souhaitent mieux comprendre le personnage tout en enrichissant leur écoute.

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Gilles Cantagrel est l’un des plus grands spécialistes français de la musique baroque et de l’œuvre de Bach en particulier. Il signe ici un livre dont le titre résume à lui seul l’ambition et l’esprit : Passion Bach. Pas une biographie froide et exhaustive, mais un acte d’amour érudit pour l’un des génies les plus vertigineux de toute l’histoire de la musique. L’ouvrage rassemble plus de 500 documents (lettres, contrats, témoignages contemporains, partitions annotées) pour retracer la vie intime et l’œuvre de Bach avec une précision et une richesse documentaire rarement atteintes dans un format aussi accessible.

On y découvre un Bach loin des clichés, ni saint ni génie solitaire incompris, mais un homme de son temps, soucieux de sa carrière, père de famille nombreuse (il a eu vingt enfants !), artisan méticuleux de sa musique autant que visionnaire. Un homme qui naviguait entre les exigences de ses employeurs – princes, consistoires, conseils municipaux – et sa propre ambition créatrice, dans une tension permanente et féconde. L’iconographie richement illustrée de l’ouvrage en fait également un beau livre au sens plein du terme, idéal pour un cadeau ou pour orner une bibliothèque de mélomane. Un livre à garder à portée de main pour y revenir, au fil des écoutes et des redécouvertes.

Que reste-t-il de Beethoven lorsqu’on met de côté le génie, la surdité et la légende ? Erik Orsenna, romancier et membre de l’Académie française, répond à cette question avec sa sensibilité et son élégance littéraires habituelles dans ce portrait intime et original consacré au compositeur de Bonn.

Car c’est bien d’une passion qu’il s’agit ici, non pas amoureuse, mais universelle : la passion de la fraternité, ce rêve d’un monde réconcilié que Beethoven a poursuivi toute sa vie et gravé pour l’éternité dans le chœur final de sa Neuvième Symphonie, sur le texte de l’Ode à la Joie de Schiller, aujourd’hui hymne de l’Europe.

Ce livre n’est pas une biographie exhaustive, et c’est précisément ce qui en fait la force. Erik Orsenna ne cherche pas à tout dire sur Beethoven, mais à saisir ce qui fait de lui un artiste toujours aussi nécessaire, deux siècles après sa mort.

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Avec une prose accessible et lumineuse, il retrace les grandes étapes d’une vie marquée par l’adversité (la surdité progressive, la solitude, les déceptions amoureuses, les conflits familiaux) pour montrer comment Beethoven a su transmuer chaque épreuve en une musique d’une puissance et d’une générosité incomparables.

Dans ce roman historique, Dominique Fernandez, de l’Académie française, choisit un angle original pour raconter la vie de Prokofiev : c’est Igor, secrétaire personnel du compositeur, qui prend la parole. Il retrace son enfance choyée sous les tsars, sa passion précoce pour la musique, ses années en Europe et aux États-Unis, et son retour à Moscou en 1936, où Staline fera de lui l’une de ses cibles les plus cruelles.

Déçu par un Occident qu’il jugeait moins libre qu’il ne le prétendait, Prokofiev avait choisi de rentrer. Ce choix, il le paiera au prix fort. Une question traverse tout le livre, portée par la voix d’Igor : « L’artiste n’est jamais libre, il ne le sera jamais. » Récompensé par le 29e Prix Pelléas, ce roman se situe à mi-chemin entre fiction et biographie imaginaire.

Daphnée Cataldo

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