ROCK en castellano

El Último de la Fila fue un grupo musical de rock español formado por Manolo García (vocalista) y Quimi Portet (guitarrista), y surgido en la ciudad de Barcelona. Ha sido uno de los grupos musicales de más éxito en España durante las décadas de 1980 y de 1990, años en los que desarrollaron siete álbumes musicales y numerosas giras, generalmente en España, aunque también en diversos países de Hispanoamérica.

Manuel García García-Pérez, mejor conocido como Manolo García, (19 de agosto de 1955, Barcelona) es un cantautor,compositor y pintor amateur español.

Grabó sus primeros discos con grupos como Los Rápidos y Los Burros, alcanzó el éxito comercial con El Último de la Fila y actualmente continúa su carrera en solitario. Se caracteriza por un sonido pop rock mestizo con ritmos árabes, aflamencados y melódicos y por sus letras que aúnan poesía, lírica y surrealismo.

El artista catalán se ha caracterizado durante toda su carrera por mantener su vida personal muy alejada de su vida pública, por lo que el estado civil de Manolo García, así como su vida privada y todo lo alejado de lo estrictamente artístico, queda fuera del conocimiento popular. No obstante, se sabe que es hermano de la también cantante Carmen García, componente del grupo Carmen.

“Imagina un cruce entre Placebo, Evanescence, HIM y Smashing Pumkins pero cantado en castellano. Guitarras afiladas y textos inquietantes en la nueva sorpresa del rock de aquí.”

Productor: Jorge Escobedo (Sôber)

1- Blanca

2- Tentación

3- Esencia

4- Mi perdición

5- Nada cambia

6- Quiero oir tu voz

7- Sed de tí

8- Si te da igual

9- Solamente

10- Sin más

11- Tempestad

Miembros:

Roberto Cerban (Voz, teclados y guitarra)

J.L. Blanco (Guitarra y coros)

Pako Starly (Bajo)

Rafa Magan (Batería)

“Imagina un cruce entre Placebo, Evanescence, HIM y Smashing Pumkins pero cantado en castellano. Guitarras afiladas y textos inquietantes en la nueva sorpresa del rock de aquí.”

Así se les presenta en los medios y cuando ví la foto, pensé, otro producto de marketing, pero me sorprendieron. Eso sí, la etiqueta de los “Placebo españoles” está más que bien puesta.

Jorge Escobedo (Sober) se fija en el grupo y asume la responsabilidad no solo de la producción de ‘Spacio’, también la de asesorar al grupo en lo que se refiere a interpretación, estilo, imagen…en definitiva se convierte en el auténtico padrino del proyecto. La unión entre las influencias musicales del grupo, mezclado con la potente producción de J. Escobedo da como resultado un disco que mezcla contundencia con melancolía, bases rítmicas potentes, guitarras cortantes y una voz fácilmente reconocible.

El año pasado ya se les pudo escuchar en el recopilatorio ‘Festimad Taste’, siendo además incluidos en alguno de los conciertos presentación del propio Festimad.

El gusto por la estética sonora se conjuntan entre el metal melódico y el pop poderoso, en temas como “Si Te Da Igual” o “Solamente”, o el single de salida, “Blanca”, “Mi Perdición”, con gran fuerza instrumental o enérgicos en las guitarras con “Quiero Oír Tu Voz”.

Como anecdota, supongo que alguno se habrá dado cuenta de que aparecieron en con una peculiar adaptación del “So Tired” en el disco tributo a Ozzy Osbourne.

En general un buen disco para comenzar las críticas del 2005, a pesar de que el disco es del 2004.

“Imagina un cruce entre Placebo, Evanescence, HIM y Smashing Pumkins pero cantado en castellano. Guitarras afiladas y textos inquietantes en la nueva sorpresa del rock de aquí.”

Productor: Jorge Escobedo (Sôber)

1- Blanca

2- Tentación

3- Esencia

4- Mi perdición

5- Nada cambia

6- Quiero oir tu voz

7- Sed de tí

8- Si te da igual

9- Solamente

10- Sin más

11- Tempestad

Miembros:

Roberto Cerban (Voz, teclados y guitarra)

J.L. Blanco (Guitarra y coros)

Pako Starly (Bajo)

Rafa Magan (Batería)

“Imagina un cruce entre Placebo, Evanescence, HIM y Smashing Pumkins pero cantado en castellano. Guitarras afiladas y textos inquietantes en la nueva sorpresa del rock de aquí.”

Así se les presenta en los medios y cuando ví la foto, pensé, otro producto de marketing, pero me sorprendieron. Eso sí, la etiqueta de los “Placebo españoles” está más que bien puesta.

Jorge Escobedo (Sober) se fija en el grupo y asume la responsabilidad no solo de la producción de ‘Spacio’, también la de asesorar al grupo en lo que se refiere a interpretación, estilo, imagen…en definitiva se convierte en el auténtico padrino del proyecto. La unión entre las influencias musicales del grupo, mezclado con la potente producción de J. Escobedo da como resultado un disco que mezcla contundencia con melancolía, bases rítmicas potentes, guitarras cortantes y una voz fácilmente reconocible.

El año pasado ya se les pudo escuchar en el recopilatorio ‘Festimad Taste’, siendo además incluidos en alguno de los conciertos presentación del propio Festimad.

El gusto por la estética sonora se conjuntan entre el metal melódico y el pop poderoso, en temas como “Si Te Da Igual” o “Solamente”, o el single de salida, “Blanca”, “Mi Perdición”, con gran fuerza instrumental o enérgicos en las guitarras con “Quiero Oír Tu Voz”.

Como anecdota, supongo que alguno se habrá dado cuenta de que aparecieron en con una peculiar adaptación del “So Tired” en el disco tributo a Ozzy Osbourne.

En general un buen disco para comenzar las críticas del 2005, a pesar de que el disco es del 2004.

Había mucha expectación con el cuarto disco de The Right Ons, una banda que en 2008 habían publicado su debut con «80.81», al que le siguieron «Look Inside, Now!» (2009) y «Get Out» (2011), este último de impactante portada. En funcionamiento desde 2006, y procedentes de diferentes proyectos, el más conocido los tristemente olvidados Jet Lag, la novedad constituía el salto del inglés al castellano, paso que otros muchos grupos realizaron con éxito. Pero en la propuesta de The Right Ons había gran curiosidad por las fuentes de las que beben: un rock poderoso de guitarras, con un punto de «garage» y otro de soul y sus derivados. A lo largo de estos años, The Right Ons han cimentado una elevada reputación entre la prensa especializada, la crítica y su base de seguidores, pero sin salir del underground, indie, o cómo se quiera llamar.

En «Volcán» han dado ese paso al castellano y han conseguido un disco contundente, muy rockero, que exhibe una musculatura poderosa, ya desde esa metafórica portada. Es un trabajo que también demuestra la experiencia acumulada durante años por una banda compacta y que, aunque eso ya lo sabíamos, estaba entre lo más potente de nuestra escena. Otra cosa es si estas propuestas llegan al gran público, debate en el que estamos continuamente, pero ese es otro tema.

Volviendo a «Volcán», el disco no da un minuto de descanso a través de temas que van esamblándose a la perfección, atentos a algunos puentes que hacen en determinadas canciones que refuerzan esa línea de continuidad entre ellas. Hay guitarras potentísimas, una base rítmica demoledora, y unos teclados muy presentes y que, en no pocas canciones, toman el protagonismo. Y todo ello con las voces de Álvaro Guzmán y Ramiro Nieto, que se reparten los temas.

El disco es mucho más que notable y no cuenta con altibajos, al contrario, va ganando a medida que avanza. Y eso que empieza con el primer single, el tremendo «Quiero Bailar», y «Aturdido». Pero con «Día Perfecto», una de mis canciones preferidas, suben el nivel, que mantienen en la también muy social «Adiós», con una letra muy explícita. «Dentro» continua el pulso, que desciende muy levemente con «Rojo Intenso», donde destaca su final, y vuelven al camino anterior con «Pequeño Volcán» y la también muy social «Inconsciencia».

Y llega el final del disco y The Right Ons lanzan un órdago con «Montaña» y «Lento Final» y, especialmente, con «Más Allá» y «Omnicordio», que prácticamente van unidas y son dos de las canciones más destacadas de esta entrega. Es un final para disfrutar y que te deja con un gran sabor de boca.

Sin duda, «Volcán» será uno de los principales discos españoles de la temporada y tiene que ser una bomba verlo en directo. Y con unas letras a las que no hay que dejar de lado. The Right Ons han realizado un gran trabajo que los confirma en esa Primera División de las categorías que queráis ponerle, un lugar en el que ya estaban de todas formas, con sus entregas anteriores y su directo. Un disco que ayuda, como ellos dicen en la reivindicativa «Adiós», a poder decir «Esta es la historia del adiós a la mediocridad».

El cuarto sencillo de la banda, y a la vez el primero de su nuevo disco titulado 17. El vídeo tuvo gran éxito también, sobre todo en MTV Latino y en Internet, teniendo más de 250 000 vistas en YouTube. El sencillo se colocó en la posición n.º36 en el "TOP 100 del 2008" de Radio Nacional en México.

Uno, dos, tres (2008)

El segundo sencillo del disco 17. El vídeo entró rápidamente a la lista de los diez más pedidos en MTV. Tuvo gran éxito en los charts de América Latina, sobre todo en México. El sencillo se colocó en la posición n.º52 en el "TOP 100 del 2008" de radio Nacional en México. El vídeo es considerado el mejor de la banda y ha sido comparado con el éxito de A-HA Take on me por su particular parecido, en general ha recibido muy buenas críticas y fue nominado como mejor vídeo del año por Los Premios MTV Latinoamérica

Dos palabras (2008)

El tercer sencillo del disco 17, y a la vez el primer sencillo de su próximo disco 17Bis, una edición especial de su exitoso álbum que será lanzada a finales del mes de julio. Es la primera balada en ser promocionada del álbum, y cuenta con la participación de Paty Cantú, del dueto LU (la versión del álbum 17 no cuenta con su participación). Una característica de esta canción es que en la versión del disco 17 es interpretada en su totalidad por el guitarrista "Billy" Méndez, en la reedición es interpretada por Paty Cantú, Rodrigo Dávila y "Billy" Méndez El sencillo se colocó en la posición n.º20 en el "TOP 100 del 2008" de radio Nacional en México.

Ahí vienes (2009)

El cuarto sencillo de la exitosa banda extraído de su disco 17, el video fue dirigido por el hermano menor del vocalista, el cual también ha sido responsable de dirigir los últimos cinco vídeos de la banda: Pablo Dávila. Esta canción, según declaraciones de la misma banda, es un tributo a sus fieles seguidores, pues la canción habla sobre el persistente apoyo que se les ha otorgado durante su carrera. Es una canción con un género musical más pop que rock, pero nunca deja de plasmar la esencia de la banda.

Disco que recopila todas las versiones de otros artistas que han realizado a lo largo de su carrera, en sus discos o en diferentes recopilatorios y discos homenaje.

Contiene, además, otras tres versiones grabadas para la ocasión: "Como yo te amo" de Raphael, "Amigo" de Roberto Carlos y "I'm not your stepping stone" de Paul Revere & The Raiders (aunque tomada de la versión de The Monkees, que se hizo más conocida que la original).

Además, y una vez conseguidos los permisos correspondientes, se incluye la versión en castellano del tema "Enjoy the silence" de Depeche Mode, que ya fue versionado hace años por Niños Mutantes en inglés y publicada en el EP "Versiones Autorizadas" (Astro, 2000).

Son cinco, hablan y cantan en español y en inglés, dicen no sentirse españoles ni ingleses y se llaman Melon Diesel por un chupito que tomaban en el pub del peñón donde tocaron dos años seguidos. El bebercio era una mezcla de licor de melón, vodka, malibú y coco rallado en el vaso. Según cuenta la banda, era el "sexto miembro del grupo". Eso fue antes de dar el salto desde el gueto musical de Gibraltar ("un lugar donde nadie arriesga") hasta los estudios de gabación londinenses y las listas de ventas de la Península. Por un 007 que se rodó allí, el disco se llama La cuesta de míster Bond.

Jóvenes, simpáticos y sin darse aires,los Melon Diesel llevaban 10 años tocando para sus amiguetes en pequeños garitos del Peñón. "En Gibraltar no hay circuito", explican. "Es un sitio muy tranquilo, no hay paro, y la gente tiene tres televisores y dos coches. Así que cuando nuestros padres vieron que iba en serio, que nos íbamos a dedicar a la farándula, nos tomaron por locos".Pero era verdad. Tocaban un rock potente (mucho más en directo que en disco), mezclado con baladas y estribillos pegadizos. Partiendo de cero, componiendo música y letras trasnacionales sin ninguna prisa, como una cooperativa sin líder, el quinteto de amigos de la infancia (Dylan Ferro, Danny Fa, Danny Bugeja, Guy Palmer y Adrián Pozo) fue aprendiendo a tocar y a cantar ("al principio no teníamos idea"), y a cribar sus variadas influencias: "Allí se oye de todo, flamenco y música de Malí, Los Chichos y reggae, Sepultura y Frank Sinatra. Nos quedamos con lo que sentimos de verdad".

Lo que vivieron más a fondo fue la explosión del grunge, pero su música trae ecos de Secretos, de Pearl Jam, quizá de Oasis, o de Nacha Pop... "Nos interesa la música buena, no el ruido", zanjan ellos.

Quizá sea una consecuencia de que Melon Diesel han hecho de la calma, la sensatez y cierto escepticismo su marca de fábrica. "Diez años con las cosas viniendo mal dadas te enseñan mucho. Sabemos que hay que ir despacio, pasito a pasito, sin creerse que por siete meses de éxito seamos los mejores del mundo. En Gibraltar nos acaban de nombrar los terceros más famosos del mileno, detrás de un político y de Albert Hammond. Y ganarte 1.000 años con siete meses es mucho, demasiado".

Claro que la historia es para no creérsela. "Después de estar dos años fijos tocando los fines de semana en dos pubs, nos vinimos a Madrid. Hicimos cuatro bolos en cinco meses, movimos las maquetas, no pasó nada, se nos acabó el dinero y nos volvimos. Cuando creíamos que ya no había nada que hacer, una jefa de Epic oyó la cinta en un restaurante de Madrid, nos llamó y nos contrató".

El resto se entiende un poco mejor: un productor inglés les lleva a Londres, el disco sale sin apenas promoción, los conciertos empiezan a pegar, tocan en el Gutiérrez con los REM, en La Malagueta ante 7.000 personas, los discos se venden con más fuerza, llegan la radio y las entrevistas...".

Aunque los Beatles son siempre ineludibles, son las bandas de la misma época pero españolas las que parecen definir su primordial inspiración (principalmente Brincos, pero también Los Pasos o Los Ángeles), no faltan tampoco ligeros trazos de power-pop (Teenage Fanclub) y resonancias del indie pop más próximo temporalmente que se asienta en las influencias primeras (Planetas).

Al margen del trabajo melódico, derivativo pero agradable tras diferentes escuchas, cuidan los arreglos, equilibrados en una plausible búsqueda preciosista de la canción pop, ahora con lugar al barroquismo puntual, mínimamente la psicodelia, el repicante jangle pop o el folk-pop cálido con sonidos acústicos.

Los textos son reflexiones intimistas en torno a la clásica ansiedad sobre motonías urbanas, huidas hacia la nada, y suaves invectivas desde perspectivas básicas.

Es un disco algún texto chirriante y cierta rutina en la progresión melódica, pero hay lugar para temas de mérito, como “Alta Fidelidad”, canción con notable trabajo de la sección rítmica y ecos de los Cure.

“La búsqueda del rol” o “Luciérnagas y mariposas” les presentan deudores de los Teenage Fanclub (en melosa composición a lo Gerard Love), “Un mundo por delante”, notable tema en donde vigorizan su faceta de pop guitarrero con similitud a los Planetas, o “Sin compasión”, canción que podría formar parte de la discografía de los subestimados Pasos.

La ascendencia de Los Brincos, una de las referencias reconocidas y máximas del grupo, es permanente en todo el álbum.

Las melodías y el empleo de voces del grupo de uno de los grandes pioneros del pop español Fernando Arbex (el fallecido alma mater de Brincos) es un reflejo de esta importante influencia que puede apreciarse en piezas como “El secreto mejor guardado”, “Cúmulo de propósitos” o “Luces de Neón”, canción de estimable melodía e intensificación emocional en su estribillo con un “paparapapapá” muy 60’s.

Uno de los aciertos del álbum es su inicio, “Intromisión”, un tema con diferentes variantes en el que hay lugar para el barroquismo con aportaciones de cuerdas, calmosa y potente percusión con apariencia de marcha, pianos beatleianos, textos de desaliento y ansias de escapismo, guitarras acerbas y armonías vocales “brincantes”. Una pena que no hubiese más canciones como ésta.

Los fans del grupo mexicano Zoé, están de enhorabuena por varios motivos, el primero de ellos, porque el pasado 22 de marzo salió a la luz un magnífico álbum que para nuestra dicha no es sólo sonoro (porque en esta ocasión la excusa lo merecía), y junto al cd de audio que recoge la grabación que se realizó en los Estudios Churubusco de México DF, se acompaña de un documento visual en forma de DVD que recoge dicha actuación, gracias a que la cadena MTV les eligió para grabar el MTV Unplugged de Zoé; el segundo motivo de satisfacción, es la buena acogía que este cd+dvd ha tenido ya en el mercado norteamericano y mexicano, donde ha alcanzando los primeros puestos de las listas de ventas.

Pero la auténtica maravilla y novedad, es el testimonio visual y sonoro que va a quedar de esta inigualable experiencia, a la que Zoé se enfrentó en un escenario circular a partir del cual, se disponían cámaras y público con la jaula (portada del disco) y su pez en el centro del mismo. Como toda ha si planificado al milímetro, la alta calidad de las imágenes y el sonido, se hacía acompañar de una no menos dichosa luz, que entre tonos azules y naranjas, recogía más si cabe a los músicos para darles un tono más cercano y familiar (casi se podían adivinar las llamas del fuego dentro de la chimenea de nuestro salón), porque ese es lo que transmiten Zoé, cercanía y familiaridad adornadas de buenas canciones a raudales, donde los guiños a la música de otras décadas era evidente en el micrófono de León Larregui o en los cañones de luz que había en la parte posterior del escenario.

La realización se ha dispuesto de tal manera, que los movimientos de las cámaras acompasan a la música perfectamente, combinando las tomas generales con los detalles más cercanos que ensalzan el protagonismo durante la actuación de cada uno de los músicos, y dentro de éstos, hay que hacer una mención especial a los cuartetos de cuerda y metales que han proporcionado un toque elegante y maravillosamente distinto al sonido característico del grupo Zoé, que se encontraba desplegado sobre el escenario con sus instrumentos como un ejército al inicio de la batalla.

En cuanto a la parte sonora del álbum, las canciones son las conocidas por todos, si exceptuamos Labios Rotos, un tema que está muy en la línea Zoé de composiciones como No Me Destruyas (sonó justo detrás de esta canción). Las colaboraciones estelares para tan magna ocasión, se iniciaron con Adrián Dargelos en el tema Dead, que casi sin querer se convirtió en la primera de las canciones más aplaudidas por el público, y más rítmicas, con unos magníficos punteos de guitarra que dieron paso a una no menos estupenda sección de cuerda que se fundió a la perfección con las voces de los cantantes y las palmas del público, convirtiendo el tema en una suerte de múltiples interpretaciones, y que continuó con Veneno y Paula, donde la voz siempre acertada de León Larregui cobró un gran protagonismo junto al piano, los violines, las guitarras y la batería, que acabaron haciendo saludar a Jesús Báez (piano). Un ambiente cálido y festivo que no decayó con Infinito, donde Zoé nos regaló un ambiente muy envolvente, que sirvió para crear el momento propicio que nos llevó a una de las mejores versiones del concierto, y donde el tema Vía Láctea sonó a un ritmo más rápido, sobre todo al principio en el que fue ayudado por la sección de viento, para convertirse a continuación en casi un rock desenfadado con xilófono incluido. Poli lo hicieron muy al estilo Beatle con un coro love, love, love que el público aplaudió al compás de la música.

La parte final se inició con Luna y el reconocimiento a Denise, que en esta canción dio sobradas muestras del gran poder que tiene su voz (magnífica durante toda la noche acompañando a León) y que aquí alcanzó momentos mágicos que se desbordaron en plenitud cuando sonó al unísono la sección de cuerda, convirtiendo el escenario en un deleite sonoro que el público agradeció con una gran ovación, que subió, cuando Bunbury salió al escenario a cantar Nada, dejando muestras fehacientes del tirón que tienen las estrellas de cara a sus fans, y que en esta ocasión, estuvo muy bien sentado en su butaca interpretando un buen dúo junto a León, convirtiendo la canción en una muestra de las infinitas energías que siempre le acompañan, haciendo una vez más las delicias del público, cuando se fundió en un gran abrazo con León al finalizar el tema. Una imagen que dio paso a Nunca, el tema con el que finaliza este Música de Fondo, y donde una vez más, Denise vuelve a estar sublime junto a una gran intensidad musical.

Grandes Zoé y grande este Unplugged on MTV denominado Música de Fondo, sin duda, un magnífico testimonio sonoro y visual para todos aquellos que aman la música.