Som-hi doncs

Tal dia com avui de 1947 es presenta en societat l'anomenat "Pla Marshall" de recuperació després de la II Guerra Mundial. També recordem el número 1 a la llista Billboard americana de "Running Scared" de Roy orbison, l'edició del primer single de David Bowie "Lisa Jane" i les morts de Ronnie Lane (Small Faces), Dee Dee ramone (The Ramones) i Carlos berlanga (Alaska y Dinarama).

La tecnologia estava canviant al món. Trevor Horn era conscient d’aquesta revolució mentre buscava un bon artista o una bona cançó per produir. Com que no va trobar res que el motivés, va decidir muntar el seu el seu propi grup, els Buggles, i la seva primera cançó, "Video Killed the Radio Star”, va servir per inaugurar la MTV.

Trevor Horn estava molest. Pretenia ser un gran productor musical, però la seva aspiració s'estava convertint en una tasca impossible ja que no trobava res qu valgués la pena. Abans de crear els Buggles, era una espècie de productor discogràfic “pringat” que es va passar quatre anys produint discos per diverses persones sense aconseguir ni diners ni èxit. Bàsicament només produïa discos que fracassaven perquè era incapaç de trobar una bona cançó sobre la que treballar. Horn estava tan fart, que va decidir posar-hi solució: com que per aquell camí no anava enlloc, va pensar que si no trobava un bon artista o una bona cançó, l'escriuria ell mateix i es convertiria en l'artista. Així de simple, Trevor Horn va decidir crear els seus propis discos a través del seu propi grup, que va batejar com a els Buggles, nom que era un joc de paraules entre "bug" ( "insecte") i els Beatles. Quan va triar el nom, va pensar en agafar el nom més desagradable possible. Tot i que amb la perspectiva del temps sovint s’ha penedit d’anomenar-se Buggles, en aquell moment no es va preocupar per com presentar-se o vendre’s, l'únic que el preocupava era el disc.

Una tarda de 1978, Trevor Horn es va ajuntar amb Geoff Downes i Bruce Woolley i en una hora ja tenien escrita la cançó que tant anhelava aconseguir. El músic va reconèixer que la inspiració va aparèixer de diversos fronts. Un d'ells era "una història de J. G. Ballard titulada 'Sound sweep' en què un noi recorre vells edificis amb una aspiradora que absorbeix el so". Un altre era un nou tipus de música que estava començant a despuntar en aquella època, l’electrònica, amb els Kraftwerk com a referent. Però sobretot, el que va inspirar la cançó més important dels Buggles va ser la revolució tecnològica que vivia la societat en aquell moment i que prometia canviar-ho tot. Acabaven d'arribar els reproductors de vídeo, el que havia canviat la vida de la societat. Horn sentia que la ràdio era el passat i el vídeo era el futur. El canvi estava per arribar i els Buggles pretenien reflexionar sobre això en la seva cançó que tenia com a títol “El vídeo va matar l’estrella de la ràdio”.

Abans que els Buggles popularitzessin aquest tema, Bruce Woolley es va independitzar i va ser el primer a gravar-la amb la seva banda, Bruce Woolley and The Camera Club. Després, els Buggles van gravar la versió que tothom recordaria. La banda va enregistrar el tema en

dos estudis, el van començar a Townhouse i el van acabar als estudis Sarm East, tots dos a Londres. Hugh Padgham i Gary Langan van ser els encarregats de la mescla. Quan Langan va descobrir la cançó, no volia deixar passar l'oportunitat de contribuir amb el seu granet de sorra: "Era el moment de la música punk i ell no estava ficat en ella”. Sense adonar-se'n, estava buscant alguna cosa diferent i llavors va ser quan va aparèixer Trevor Horn, que tenia una idea completament diferent de com gravar un disc. Encara que, francament, el que va fer Gary Langan va ser aprofitar-se de la feina del seu company Hugh Padgham per poder participar en la cançó convencent a Trevor que ell havia d'anar als estudis de Sarm East per acabar-la. Així és com va acabar fent la part vocal, alguna sonorització, com la guitarra de Bruce Woolley, i la mescla.

?

Encara que s'havia sortit amb la seva i la seva missió era rematar el tema, per Langan, la gravació no va ser un camí de roses a causa de les exigències de Trevor Horn. Feien una barreja i, tres o quatre dies després, Trevor els deia que allò no funcionava i que havien de fer canvis. Si la cançó pretenia parlar sobre el “canvi tecnològic”, havia de tenir un so nou, i Langan no va parar fins aconseguir el que Horn pretenia. Tot i que es va partir les banyes per satisfer les exigències de Horn, quan anàven per la quarta mescla ja es va començar a desesperar, i no se li va ocórrer altre cosa que col•locar la seva veu a través de l'amplificador de guitarra.

'Video killed the ràdio star' es va publicar el 1979 i va ser el primer single de "The age of plastic de 1980, l'àlbum debut dins de la curta discografia dels Buggles. El seu videoclip, d'ambient retro i futurista al mateix temps, va ser dirigit per Russell Mulcahy. El prolífer compositor de bandes sonores de cinema Hans Zimmer apareixia en escena al costat de Trevor Horn i de Geoff Downes tocant el teclat. Però si per alguna cosa és conegut aquest vídeo, és per tenir l'honor d'inaugurar el canal de televisió MTV l'1 d'agost de 1981. Una elecció irònica i no casual, com va assegurar Robert W. Pittman, fundador del canal de música: "Era una declaració d’intencions. No esperàvem competir amb la ràdio, però el vídeo suposava un canvi radical ".

Tal dia com avui de 1942, en el marc de la II Guerra Mundial, comença la batalla de Midway. També recordem els naixements de Michelle Phillips (The mamas & The Papas), la mort del pare i mànager dels membres de The Beach Boys Murry Wilson, i le sedicions de "One for the road" dels Kinks i "Born in the USA" de Bruce Springsteen.

"True" és una cançó de la banda anglesa Spandau Ballet, que va ser publicada com single el 1983 aconseguint acaparar bones crítiques de la premsa i un èxit rotund en els rànquings de les ràdios britàniques i Nord-americanes.

Aquesta cançó, escrita pel guitarrista Gary Kemp, és una de les principals peces musicals del seu gran disc, titulat a l'igual que la cançó, “True” i que va ser el responsable de deixar a la banda a la "cresta de l'onada de la fama ".

La història explica que Kemp estava buscant alguna idea per escriure una balada, ja que això era èxit segur en plena època dels vuitanta. Però ell no volia una simple i vaga melodia, el que volia era fer una cançó com les que van deixar els seus ídols musicals com Al Green o Marvin Gaye.

Un dia, estirat al seu llit, mirant televisió i esquinçant la seva guitarra, va arribar-li la melodia que després donaria vida musical a "True". Kemp va arribar a saltar d'alegria per aconseguir el seu porpòsit i ràpidament va trucar per telèfon al seu germà Marti, que era el baixista de la banda, perquè aquest anés a casa a escoltar la nova melodia que havia creat.

Després venia l'etapa de crear la lletra d'aquesta cançó. Per això, Gary Kemp es va inspirar en la idea d'escriure sobre aquestes persones que no saben si aquest amor que li demostra la seva parella és veritable, ja que per a ells és difícil posar de manifest els seus sentiments i els fa fins i tot vergonya fer-ho davant de la persona que realment volen i estimen. A més a més, la lletra va ser la forma amb què el guitarrista va aconseguir plasmar tota la seva tristesa, ja que en aquests dies patia molt per un amor no correspost.

En una entrevista per a la seva pàgina oficial, Gary Kemp va donar més pistes sobre la inspiració de la lírica. Segons ell mateix, la lletra va ser delicadament influenciada per Lolita de Nabakov, que era un dels llibres que ella (la noia que el tenia trist i malenconiós) li havia recomanat que llegís alguna vegada. Lamentablement ho va fer tard, i el va llegir després que la seva relació hagués acabat. A més a més recalca el secret per a l'èxit d'aquesta cançó. En paraules textuals: "Mai ens vam prendre seriosament el potencial d'aquesta cançó fins que vam començar a gravar-la”. Segons els seus autors estaven escoltant-la després de regrabar-la i es van adonar de tota l'energia que contenia, fins al punt que abans que acabés de sonar, tots els que estaven allà presents, van començar a corejar-la. Va ser precisament en aquell moment que van saber que la cançó tenia alguna cosa especial. L'àlbum “True” es va enregistrar a les Bahames, un entorn que, d’alguna manera o altra va acabar impregnat en el disc segons els seus creadors.

La cançó va ser número u en l'UK Singles Charts a la primavera de 1985 i va estar aquí durant quatre setmanes i va fer el mateix en diversos rànquings d'altres països europeus.

A Estats Units l'èxit va ser igual i fins i tot més important, ja que va arribar a la casella # 4 del Billboard Hot 100 i va aconseguir treure-li fama a una de les bandes del moment Duran Duran. Però això és una altra història i per a una altra cançó.

"True" va ser un èxit a nivell mundial i encara que passin els anys, les modes i els estils musicals, aquesta balada sempre estarà en el soundtrack de moltes relacions amoroses per la seva senzillesa i lletra. I això no ho aconsegueix tothom.

Tal dia com avui de 1770, el frare català Miquel Serra Ferrer funda la missió de Sant Carles Borromeu (Califòrnia). També recordem els naixements de Curtis mayfield, Suzi Quatro, Billy Powell (Lynyrd Skynyrd), el número de "Respect" d'Aretha Franklin als EUA i la publicació del disc "Exodus" de Bob marley.

Pocs monuments històrics poden presumir de tenir una cançó pròpia. De fet, “La Puerta de Alcalá”, més que una oda als tres arcs que la componen és una breu dissertació històrica sobre la capital espanyola. Una cançó que va néixer com una broma entre amics i que va acabar convertint-se en un dels temes populars de la parella formada per Ana Belén i Víctor Manuel.

Tot i que va ser aquest matrimoni artístic qui la va interpretar i la va impregnar del seu carisma, els seus autors va ser uns altres. El primer era Bernardo Fuster, cantant de Suburbano i coautor d'un dels èxits més insòlits en la història del pop espanyol. Tan ell com el seu company de pis Paco Villar, escrivien cançons per a Luis Pastor per al programa de TVE “Visto y no visto”, que presentava Alfredo Amestoy amb imparable èxit. Tot i que sota l’apelatiu de Suburbano no van recollir gaires èxits, si que van compondre bastantes cançons per a cinema i televisió. Per exemple van ser els creadors de les capçaleres de sèries com Maki Navaja o Chicas de hoy en día.

Sempre s’ha dit que “La Puerta de Alcalá” es va compondre sota un estat d’embriaguesa tot i que això era impossible perquè els dos amics eren abstemis. Però tot i rebutjar la beguda, no feien el mateix amb el cànnabis, perquè de fumar ..., sí que fumaven; i bastant. Va ser precisament entre calada i calada, que se'ls va acudir la frase “La Puerta de Alcalá, Mira-la, mira-la” entre riures carregats de marihuana mentre observaven per les vidrieres d’una cafeteria com la gent que passava per davant d’ells quedaven embadalits amb la famosa porta com a testimoni. I així, amb tota naturalitat va arribar la lletra d'una de les cançons més conegudes que tenen a Madrid com a fons de paisatge.. A partir d'aquí van sorgir, amb la mateixa sorna, les vuit estrofes en què anirien explicant la història de la ciutat de Madrid.

L'altra meitat de Suburbano, el guitarrista Luis Mendo, va entendre que la cançó es feia molt monòtona, i d'aquí que inclogués un pròleg i un epíleg diferenciats. Així va quedar gairebé llesta “La Puerta de Alcalá”, que Mendo i Fuster van registrar el 1985 al costat d'altres cinc temes en una maqueta que van remetre a totes les discogràfiques. El fracàs va ser estrepitós. Tothom els deia que les seves cançons eren bones, però en absolut comercials. I va ser així fins que CBS va veure en ella una possible cançó que encaixaria a la perfecció amb dos dels seus artistes: Víctor Manuel i Ana Belén, que estaven gravant un disc a mitges i necessitaven una última cançó per cantar entre els dos.

El 1986 Victor i Ana junts i separats gaudien ja d'una trajectòria de gran èxit, convertint-se en una mena de “portaveus de la progressia artística” que resistia les escomeses de la Movida Madrileña que els considerava passats de moda. No obstant això aquesta cançó els faria vendre centenars de milers de discos i ser la cançó més reconeixible del duo.

Així doncs, “La Puerta de Alcalá” es va fer enormement popular, arribant a vendre 300.000 còpies de l'LP que la contenía. Per la seva banda, el senzill va aconseguir el número 1 en vendes el 14 de juliol de 1986, mantenint-se en aquesta posició durant 7 setmanes. També es va situar el número 1 de la llista elaborada per la cadena SER per a Los 40 Principales el 14 de juny de de 1986 i es va reutilitzar al cap d’un any, el 1987, per a la presentació de la candidatura de Madrid als Jocs Olímpics de 2012.

?

Curiosament els seus autors no la van poder escoltar en directe el dia de la seva estrena, perquè el dia que Víctor i Ana estrenaven el disc al Palacio de los Deportes", la discogràfica CBS es va oblidar convidar-los, les entrades estaven esgotades i es va haver de quedar assegut en un banc, als voltants del pavelló, per si s'escoltava alguna cosa. “La Puerta de Alcalá” va arribar en els bisos i la gent es va tornar boja. Ell assegut al banc va marxar d’allà al•lucinant tot recordant que després de tants anys treballant, l'èxit li acabava arribant amb una cançó feta gairebé de broma.

Tal dia coma vui de 1896 Giugliamo Marconi patenta a Gran Bretanya la ràdio. També recordem els naixements de Charlie Watts (Rolling Stones), "Tony" Hadley (Spandau Ballet), Pedro Guerra, el número 1 de "I can not stop loving you", de Ray Charlesa les llistes nord-americanes, el primer concert dels Rolling Stones als EUA, i el polèmic casament de Bill Wymann (Rolling Stones), de 54 anys amb la model Mandy Smith, de 19 anys.

El quintet britànic The Moody Blues va encertar el 1967, l'any de la pau, l'amor, els hippies, San Francisco ... Va donar a la diana amb punteria absoluta al publicar el tema que ha sustentat la seva carrera. 'Nights in white satin' va saber acostar la psicodèlia, el rock simfònic i la grandiositat dels temes que s'estilaven en aquells dies a un públic assedegat de romanticisme i desitjós de degustar un erotisme amb classe.

The Moody Blues fusionar en més de set minuts de la versió original rock, música clàssica, sons tradicionals europeus i uns primers passos de l'era electrònica amb les seves arrels de rhythm and blues per oferir-nos unes nits embolicades en blanc setí que han fet somiar a molts al llarg de les últimes cinc dècades. Va suposar un revulsiu per a un gènere conceptual emergent que era difícil d'estendre, al mateix temps que va estendre l'ús del mellotron -un teclat que podia simular el so d'instruments de corda- i el trasllat del pes de la melodia cap a l'univers dels teclats.

El seu èxit va radicar en el fet que va saber convertir aquell estil que compartia amb altres grups en un cançó accessible per al gran públic i que amb el pas del temps ha demostrat una experiència inoblidable. La seva impecable confecció, amb el grau de dolçor edulcorant molt mesurat i amb arranjaments increïbles, va permetre fins i tot que el 1972, cinc anys després de sortir a mercat, va tornar a ser reeditat el single amb motiu de la major efervescència del pop simfònic amb igual o major repercussió.

Només cal tancar els ulls per transportar-nos a aquella nit del passat que ens descrivia la banda anglesa, amb la màgia de sonar com una cosa enorme. Però no són els instruments els que arriben a una potència increïble, sinó que és tota la música en si. «Nits de blanc setí que mai acaben, carta escrites que mai arriben, ulls bellíssims que se’n van molt lluny, sentiments que s'obliden, traïcions que es perdonen ...»

Dins de l'estructura de l'àlbum 'Days of future passed', obstinada a descriure amb l'ajuda de la London Festival Orchestra l'esdevenir rutinari en un dia qualsevol i en el que inicialment havia de ser una nova versió de la 'Simfonia del nou món' de Dvorak encarregada per la discogràfica Decca per rendibilitzar els nous aparells estèreo dels nous estudis, 'Nights in white satin', escrita per Justin Hayward, ens trasllada, lògicament, a la nit amb una armadura semblant a les bandes sonores, on la música i la narrativa tenen una descripció gairebé cinematogràfica.

Però la seva irrupció no va ser fàcil, ja que la seva llarga durada inicialment la desqualificava per a les ràdios i per als singles que dominaven en aquella època. Però, contra totes les regles de la música pop, va triomfar com també “Bohemian Rapsody” dels Queen ho va fer contra tot pronòstic en el seu moment.

Per als Estats Units, inicialment era massa llarga i lenta. La versió original tenia una durada de 7.38 minuts. Posteriorment es va llançar la que oferim avui, que es va deixar en 4.26 minuts. Diuen que gran part de culpa del triomf a l'altre costat de l’atlàntic la va tenir un DJ de Seattle, que durant el seu torn va voler sortir a fumar fora de la cabina i va posar el disc de més durada que tenia.

A Europa ho van tenir més fàcil i fins i tot el cantautor francès Leo Ferré va fer referència a 'Nits de blanc setí' a la lletra de la seva cançó 'C'est extra', de 1969. «Una noia que balla un tema anglès és extra. Un Moody Blues que canta de nit com un setí de blanca, promesa és extra », deia.

Els mateixos 'moodies' inicialment no van ser conscients del que havien generat. En una entrevista al seu baixista John Lodge va dir que la primera vegada que se’n van adonar va ser a l'escoltar un enregistrament realitzat a la BBC abans de treure el disc.

'Night in white satin' és l'obra suprema de The Moody Blues, per la qual són i seran recordats per diverses generacions i per la qual també els descobriran els qui encara no han arribat a aquest món. Sens dubte, un dels temes més punxats, radiats, cantats i versionats de la història.

Tal dia com avui de 1495, el frare escocès John Cor presenta al rei Jaume IV la primera mostra oficial de Whisky. També recordem els naixements de Ron Wood (The Rolling Stones), Marilyn Monroe, Alanis Morissette, la publicació del disc dels Beatles "Sgt. Pepper's Lonely hearts Club Band" i la mort de Rocio Jurado.

La majoria de nosaltres coneixem “Unchained Melody” arran de la seva inclusió en la banda sonora de la pel•lícula Ghost de 1990. Però la seva història data de molts anys abans. Més abans, fins i tot que els Righteous Brothers se la fessin seva. La fama d’aquesta “melodia encadenada”, però sempre ha estat lligada al cel•luloide.

Todd Duncan va ser un baríton afro-americà, amb formació musical clàssica, que va interpretar nombroses òperes als anys 30 i 40. Va ser l'opció personal del famós compositor George Gershwin per al paper principal en l'estrena de la seva òpera Porgy and Bess el 1935. També va actuar en diverses pel•lícules en papers secundaris. Una d'elles va ser "Unchained", el 1955, un film carcerari de sèrie B que gairebé ningú recorda.

La banda sonora incloïa una cançó composta per Alex North i Hy Zaret que van titular "Unchained melody". En la pel•lícula, Todd Duncan cantava una versió abreujada de la cançó. El que no podien imaginar els compositors i els intèrprets és que "Unchained melody" arribaria a convertir-se en una de les cançons més populars de el segle XX.

“Unchained melody” va ser, com tantes altres fites de la cultura popular, fruit d'un cúmul de casualitats. Quan a Zaret se li va encomanar compondre la cançó per aquest film, ho va acceptar a contracor, "perquè aquells dies caminava molt ocupat pintant la casa", i la va escriure a deshora. La seva petita venjança va consistir en no incloure la paraula "Unchained" en cap dels versos, tot i els precs del productor. Hyman Harry Zaritsky, que tal era el nom complet de l'autor, sempre va admetre que les regalies de aquella cançó li van permetre portar una vida folgada durant mig segle. Amb tot, en els anys quaranta ja havia escrit diversos èxits que ara tot just es recorden: “M sister and I”, per a Jimmy Dorsey (1941), i l'estàndard jazzístic “Dedicated to you” o “One meat ball” (Andrews Sisters, 1945), la singular història d'un rodamón que només conserva 15 centaus per alimentar-se amb una mandonguilla. També va escriure la versió anglesa de The partisan, una cançó d'Anna Marly que popularitzaria Leonard Cohen.

A la dècada dels 50 es van realitzar nombrosos enregistraments de "Unchained melody" per diferents artistes, alguns tan famosos com Harry Belafonte i Gene Vincent, que van aconseguir els primers llocs en les llistes d'èxits. Amb el temps va decaure la seva popularitat, però inesperadament, el 1965, "Unchained melody" va saltar de nou a la fama a una versió produïda per Phil Spector i interpretada pels Righteous Brothers. (Curiosament era la cara B d'un disc el tema principal era "Hang on you"). Aquesta versió, que és la més coneguda de totes les èpoques, va ser utilitzada en la pel•lícula "Ghost", el 1990, el que va suposar un rellançament de la cançó. (Els joves dels 90 no parlaven de "Unchained melody", sinó de la música de "Ghost").

La versió de The Righteous Brothers per Phillips Records el 1965 va comptar amb la veu principal en solitari de Bobby Hatfield d'acord amb el seu company de cant Bill Medley, que havien acordat fer una peça en solitari cadascun per àlbum. Tots dos volien fer "Unchained Melody" del seu quart àlbum, però Hatfield van guanyar.

"Unchained Melody" va ser llançat originalment com el costat 'B' del single "Hung On You". No obstant això, la cara A no va interessar els DJs de ràdio, que en van apostar per la cara 'B' "Unchained Melody". El seu productor Phil Spector, que havia col•locat deliberadament “Unchained Melody” com a cançó d’usar i tirar, es va indignar amb els DJ’s i va començar a trucar a les emissores de ràdio per demanar que deixin de punxar "Unchained Melody". No obstant això, va fracassar, i la cançó va aconseguir el número 4 en el Billboard Hot 100 gràfic i N ° 14 al Regne Unit el 1965.

La versió que ens va arribar el 1990 de la ma de Ghost, però, no era la original, sino que es va tornar a enregistrar expressament. Bill Medley estava interessat en tenir l'enregistrament original llançat a causa del renovat interès en la cançó, però se li va dir que hi havia problemes de llicència. Tot i que Hatfield ja no estava en les mateixes condicions físiques originals, va tornar a ser la veu solista com la primera vegada. La versió re-gravada va ser certificada Platí per la RIAA el 10 de gener de 1991, i va rebre un premi Grammy.

Es considera que hi ha més de 500 versions d'aquesta melodia, en 100 idiomes diferents. La revista Rolling Stones la inclou entre les 500 millors cançons de tots els temps. Aquell mateix any, 1955, va ser nominada a l'Oscar a la millor cançó, en la versió original de Todd Duncan, encara que no va guanyar. L'Oscar va ser per a "Love is a many splendored thing", agradable balada perduda en l'oblit.