Superfly Selected

Er ist zurück. Und ja, man hört sofort um wen es sich handelt.  Mit "The Romantic" liefert Bruno Mars sein erstes Soloalbum seit fast zehn Jahren. In altbekannter Manier zeigt er uns wieder mal: Er ist ein Künstler, der genau weiß, wer er ist und was er zeigen will.

Nach dem globalen Funk-Feuerwerk mit Silk Sonic und diversen hochkarätigen Features hätte er sich bequem auf Erfolgen ausruhen können. Stattdessen zieht er sich zurück, schreibt, produziert, feilt...und kommt jetzt mit einem Werk zurück, das zwar intimer wirkt, aber kein bisschen leiser. 

Der Titel ist Programm: "The Romantic" ist aber keine kitschige Liebeserklärung, sondern eine Hommage an große Gefühle, an Sehnsucht, an warme, analoge Vibes, die man von Bruno Mars kennt. Soul, Pop, Funk, ein Hauch Retro, alles fein selektiert, organisch, mit seiner unverwechselbaren Mischung aus Showman und Herz. Spannend ist auch, dass er bewusst auf Features verzichtet. Keine Namedropping-Strategie, kein Streaming-Trick. Dieses Album ist ganz Seins. Ein Solo-Statement. Bruno Mars stellt sich selbst wieder ins Zentrum, als Songwriter, als Performer, natürlich als Romantiker. 

Lange hat Bruno Mars getüftelt und das lässt sich hören. "The Romantic" klingt nicht nach Trend oder Algorithmus, sondern nach viel Handarbeit, Herzblut und Gefühl.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• I Just Might
• Cha Cha Cha
• God Was Showing Off
• On My Soul
• Something Serious

Mehr hört ihr, wenn ihr reinhört!

Streamingplattformen entscheiden oft binnen Stunden, ob ein Track fliegt oder im digitalen Hintergrundrauschen verschwindet. Playlists sind sowas wie die neuen Gatekeeper. Wer nicht konstant liefert, verliert Sichtbarkeit. Schreiben, posten, touren, performen, lächeln. Am besten immer und überall. Sichtbarkeit ist kein Glück oder Bonus mehr, sondern der Dauerzustand. Hinzu kommt künstliche Intelligenz, die Trends analysiert, Hooks optimiert, Stimmen imitiert. Für Labels bedeutet das Effizienz. Für viele Artists bedeutet es Vergleichsdruck. Wenn Maschinen Hits simulieren können, wächst die Erwartung an menschliche Perfektion. Schneller produzieren. Mehr veröffentlichen. Nie aus dem Feed verschwinden.

Und dann sind da die Verträge. Vorschüsse, die zurückgezahlt werden müssen. 360-Grad-Deals, bei denen Labels an Tour, Merch und Social Media mitverdienen. Exklusive Bindungen über Jahre hinweg. Wer einmal unterschreibt, ist oft langfristig verpflichtet zu liefern. Kreativität wird zur vertraglichen Leistung. Dass dieser Druck real ist, darüber reden viele Artists. Billie Eilish sprach offen über depressive Phasen trotz Weltruhm. Adele zog bewusst die Handbremse, um ihre mentale Gesundheit zu schützen. Lola Young thematisiert in Interviews die emotionale Belastung eines Systems, das ständig bewertet. Lauryn Hill zog sich nach einem historischen Soloerfolg weitgehend zurück und entzog sich bewusst dem Dauerbetrieb.

Auch Rechtsstreits und Labelkonflikte sind keine Ausnahme. Immer wieder berichten Artists von kreativen Einschränkungen, Streit um Masterrechte oder Druck, bestimmte Sounds zu bedienen. Wer sich wehrt, riskiert Verzögerungen, Imagekonflikte oder juristische Auseinandersetzungen. Selbst erfolgreiche Acts kämpfen um Kontrolle über ihre eigene Musik. Der Film „The Moment“ von Charli XCX greift genau dieses Spannungsfeld auf. Nicht als Glamourgeschichte, sondern als Blick hinter die Fassade. Der Moment, in dem Erfolg sich nicht mehr nach Freiheit anfühlt, ist vielleicht der Moment, in dem man merkt, dass man quasi nur noch so funktioniert.

Zwischen Millionen Streams und minimaler Ruhe stehen Menschen mit Nervensystemen, nicht nur Profile. Vielleicht liegt die Zukunft nicht nur im nächsten Trend, sondern im Mut zur Pause, zur Menschlichkeit. Weniger Optimierung, mehr Echtheit. Was schon einst die Realität war, klingt in einer Welt von KI nach Utopie. Trotzdem glauben wir an die echte Kunst, die nicht sofort performen muss, die Zeit braucht und echte Gefühle.

Aus dem Mädchen, das einst die Beatles nachspielte, wurde eine Künstlerin, die seit fast fünf Jahrzehnten mit ihrer Musik für Widerstand, Freiheit und Gerechtigkeit steht. Ihre Lieder erzählen von Unterdrückung, Hoffnung und gesellschaftlichem Wandel. Immer wieder wurde sie zensiert, ihre Songs verboten, ihre Stimme zum Politikum gemacht. Doch zum Schweigen bringen ließ sie sich nie. Das Time Magazine zählt sie zu den legendärsten Sängerinnen aller Zeiten - eine internationale Anerkennung für eine Künstlerin, deren Weg von Beginn an von Verboten, Widerstand und politischem Druck geprägt war.

Schon zu Beginn ihrer Karriere wurde Seldas Musik verboten. Der Vorwurf: kommunistische Propaganda. Um zu verstehen, warum Selda Bağcan so umstritten war, muss man einen Blick zurückwerfen. Nach der Gründung der Republik Türkei im Jahr 1923 verfolgte der Staat das Ziel, eine einheitliche nationale Kultur zu schaffen. Volkslieder wurden gesammelt, systematisiert und nach europäischem Vorbild neu arrangiert. Doch diese staatlich geprägte Musik erreichte das Volk kaum. Stattdessen entstand etwas anderes.

Arabesk - die emotionale Musik der städtischen Unterschicht. Lieder über Armut, Sehnsucht, Migration und Solidarität unter Arbeiterfamilien. Eine Musik, die das ausdrückte, was viele fühlten, aber selten sagen konnten. Aus diesem sozialen Spannungsfeld entwickelte sich in den 1970er-Jahren eine neue Richtung:

Özgün Müzik. Politisch links, gesellschaftskritisch und klar auf Protest ausgerichtet. Selda Bağcan wurde zu einer der wichtigsten Vorreiterinnen dieses Sounds. Sie verband anatolische Volksmusik mit westlichen Gitarrenklängen - und schuf damit eine kraftvolle, moderne Form des musikalischen Widerstands. Eine Frau mit Gitarre war damals bereits außergewöhnlich.

Doch Selda war mehr als das. Sie war eine Frau, die protestierte. Eine Frau, die laut war.

Nach dem Militärputsch von 1980 wurde diese Musikrichtung verboten. Auch Selda Bağcan geriet ins Visier des Staates. Wegen ihrer politischen Lieder wurde sie mehrfach verhaftet. Zwischen 1981 und 1984 saß sie dreimal im Gefängnis. Konzerte wurden untersagt, ihre Platten beschlagnahmt, ihr Pass eingezogen. Erst 1987 erhielt sie mit internationaler Unterstützung ihren Reisepass zurück. In den darauffolgenden Jahren spielte sie Konzerte in den Niederlanden und im Vereinigten Königreich und repräsentierte die Türkei bei einem internationalen Song Contest. Heute gilt Selda Bağcan als Ikone.

Jill Scott, Jahrgang 1972, wächst bei Mutter und Großmutter auf - ein starkes Matriarchat, das ihr Rückgrat wird. Sie studiert, arbeitet, liest ihre Texte bei Spoken-Word-Abenden. Und genau dort, zwischen knisterndem Mikrofon und dichtem Zigarettenrauch, passiert dieser eine Moment. Im Publikum sitzt Questlove von The Roots. Er lädt sie ins Studio ein. Dort schreibt sie in nur fünf Minuten einen Song, den eine andere große Sängerin um die Welt trägt. „You Got Me“, gesungen von Erykah Badu im Jahr 1999, macht klar: Mit Jill Scott steht ein neuer Name am R&B-Himmel. Und sie sollte selbst vors Mikrofon.

Ein Jahr später erscheint ihr Debütalbum „Who Is Jill Scott? Words and Sounds Vol. 1“. Die Antwort liegt in warmen Rhodes-Akkorden, jazzigen Bläsern, in einer Stimme, die nicht nur singt, sondern erzählt. Sinnlich. Humorvoll. Selbstbewusst. Verletzlich. Ihre Songs handeln von Liebe – nicht in Hochglanz, sondern in Echtzeit. Von Männern, die bleiben. Von Männern, die gehen. Von Körperlichkeit ohne Scham. Von schwarzer Identität. Von Selbstwert. Jill Scott wird Teil der Neo-Soul-Bewegung.

2004 folgt „Beautifully Human: Words and Sounds Vol. 2“, 2007 „The Real Thing: Words and Sounds Vol. 3“ - breiter, üppiger, selbstbewusster produziert. Doch sie ist nie nur Sängerin: Theater, Film, Fernsehen, Moderation, soziales Engagement in Philadelphia. 2011 erscheint „The Light of the Sun“, persönlich, direkt, kraftvoll. 2015 dann „Woman“, eine Hymne auf weibliche Selbstbestimmung.

Und schließlich „To Whom It May Concern“: ein spätes, selbstbewusstes Statement über Reife, Selbstachtung und emotionale Klarheit. Wie ein offener Brief an ihr Publikum.

Der franko-karibische Groove-Visionär David Walters meldet sich mit seinem sechsten Studioalbum "Ti Love" eindrucksvoll zurück, und liefert einmal mehr den perfekten Soundtrack zwischen Fernweh, Tanzfläche und Nachdenklichkeit. 

Mit elf Songs knüpft der in Marseille lebende Musiker, „Globe Singer“ und DJ nahtlos an das hohe Niveau seiner bisherigen Releases an. Gemeinsam mit Produzenten wie Blundetto, Captain Planet, Izem oder Art Of Tones entstand ein lebendiges Klangmosaik aus afrotropischen Grooves, durchzogen von Latin-Vibes, Soul, Funk, Jazz, Hip-Hop und Reggae.

Musikalischer Austausch war für Walters schon immer essenziell. Auf „Ti Love“ sorgen hochkarätige Gäste wie der nigerianische Ausnahmegitarrist und Sänger Keziah Jones sowie die malische Sängerin Fatoumata Diawara für zusätzliche Glanzmomente. Das Ergebnis ist ein Album, das Leichtigkeit und Tiefe mühelos verbindet. Walters zeigt sich offen, reflektiert und verletzlich, ohne dabei auf jene unwiderstehliche Rhythmik zu verzichten, die ihn international zu einer festen Größe der globalen Groove-Szene gemacht hat.

„Ti Love“, was so viel wie brüderliche Liebe bedeutet, ist transkulturell, farbenprächtig und voller Seele - ein Werk, das bewegt, verbindet und daran erinnert, dass selbst in herausfordernden Zeiten ein bisschen Liebe Großes bewirken kann.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Voodoo Love
• Kité Koulé
• Santi Ko´w
• Ti Love
• Vini Jwen Mwen
• Tchembé Ko´w

Als Muttersprache – oder Erstsprache – bezeichnen wir die Sprache, die wir in der frühen Kindheit ohne Unterricht erlernen. Sie prägt, wie wir denken, fühlen und träumen. Doch von über 7.000 Sprachen weltweit sind rund 3.000 vom Aussterben bedroht. Etwa alle zwei Wochen verstummt eine Muttersprache - durch Krieg, Vertreibung und Stigmatisierung. Viele Familien geben sie nicht weiter, um bessere Bildungschancen zu ermöglichen oder vor Diskriminierung zu schützen. Damit geht nicht nur Wortschatz verloren, sondern kulturelles Wissen, Identität und Geschichte. Besonders gefährdet sind Minderheitssprachen mit weniger als 10.000 Sprecher:innen.

Sprachliche Vielfalt führt noch immer zu Ausgrenzung: 40 % der Weltbevölkerung haben keinen Zugang zu Bildung in der Sprache, die sie am besten sprechen. Nur einige hundert Sprachen haben Platz im Bildungssystem, weniger als hundert in der digitalen Welt. Das benachteiligt vor allem indigene Gemeinschaften und migrantische Jugendliche.

Am Internationalen Tag der Muttersprache soll deshalb Aufmerksamkeit auf Minderheitssprachen gelenkt werden. Der UNESCO-Aktionstag steht unter dem Motto „Youth Voices on multilingual education“ und betont die Rolle junger Menschen in der Gestaltung mehrsprachiger Bildung. Sprache ist nicht nur Kommunikationsmittel, sondern zentral für Identität, Lernen, Wohlbefinden und gesellschaftliche Teilhabe. Es braucht Bildungssysteme, die die Sprachen aller anerkennen - nur so gelingen Inklusion und gute Lernergebnisse.

Eine gemeinsame Sprache mag verlockend erscheinen. Doch sprachliche Vielfalt ist kein Hindernis, sondern Ausdruck von Einzigartigkeit und Zugehörigkeit - und etwas, auf das wir stolz sein sollten. Vielleicht ist heute ein Anlass, nach einem Wort in einer anderen Muttersprache zu fragen. Oder die eigene wieder bewusst zu sprechen. Denn jede Sprache erzählt eine eigene Version der Welt - und jede ist es wert, gehört zu werden.

Coverversionen sind dabei oft mehr als nur eine Hommage ans Original, manchmal sind sie der Moment, in dem ein Track erst richtig zündet. Dabei geht’s nicht ums Kopieren, sondern ums Neuinterpretieren: Und nicht selten ist am Ende genau diese Version die, die wir alle im Kopf haben, während das Original im Hintergrund bleibt. Musikgeschichte schreibt eben manchmal die zweite, oder eine andere Version.Wir haben einige Songs herausgesucht, deren Coverversionen teilweise als ikonisch angesehen werden. Zu Recht. Trotzdem wollen wir auch das Original in Erinnerung rufen.

1964 wird der Song im Musical "The Roar of the Greasepaint - The Smell of the Crowd "erstmals von Cy Grant gesungen. Doch erst ein Jahr später macht Nina Simone den Song unsterblich. Ihre Version auf "I Put a Spell on You" verleiht „Feeling Good“ jene zeitlose, fast majestätische Kraft, die wir bis heute aus Filmen, Werbung und Playlists kennen. Ein Cover - das längst zum Maßstab geworden ist.

2006 veröffentlichen The Zutons einen rauen Indie-Track voller Sehnsucht. Ein guter Song - aber noch kein Welthit. Dann kommt 2007 Mark Ronson ins Spiel, gemeinsam mit Amy Winehouse. Mit Soul, Bläsern und dieser unverwechselbaren Stimme entsteht einer der ikonischsten Songs der 2000er. Plötzlich kennt ihn jeder. Ein Cover, das größer wurde als sein Ursprung.

1964 nimmt Gloria Jones den Song auf...Northern Soul pur. Zunächst kaum beachtet. Eine zufällige Begegnung in einem britischen Hafen bringt die Single in die Hände eines DJs - und in den 70ern wird sie in der Szene zum Kult. Den weltweiten Durchbruch schafft jedoch 1981 das Synth-Pop-Duo Soft Cell. „Tainted Love“ wird zum 80er-Megahit und zum Evergreen für die Ewigkeit.

Drei Beweise dafür, dass Musik manchmal einfach den richtigen Moment...oder die richtige Stimme braucht. Und genau deshalb lohnt es sich, genauer hinzuhören. Alle weiteren Songs im Beitrag zum Nachhören. Tune in.