Treffpunkt Klassik

Was haben Jacqueline du Pré und Fritz Wunderlich, Dinu Lipatti und Christian Ferras, miteinander zu tun? Sicher, sie alle sind bedeutende Interpretinnen und Interpreten Klassischer Musik. Aber es gibt noch eine wichtige Gemeinsamkeit: Sie alle gelten als enorme Talente, die jung und oft völlig unerwartet gestorben sind. Der Freiburger Kulturpublizist Herbert Haffner macht uns in seinem neuen Buch mit zwanzig dieser Persönlichkeiten bekannt. Andreas Maurer hat es für SWR Kultur gelesen.

Singen als Widerstandsakt

Das Singen hat in den baltischen Staaten eine besondere Bedeutung. Die dort lebenden Menschen haben zwar lange Zeit zwanglos alleine oder gemeinsam gesungen wie überall anders auch – in den Jahren der sowjetischen Besatzung allerdings wurde das Singen zum Widerstandsakt.

Die Besatzungsmacht hatte Lieder und Gesänge verboten, in denen auf irgendeine Weise zu einem anderen Land als der Sowjetunion Patriotismus zum Ausdruck gebracht wurde. Dabei war egal, was der Text tatsächlich erzählte – nationales Liedgut an sich galt als schädlich und falsch.

Estnische Volkspoesie

Die Komponistin Ester Mägi, geboren 1922, ist in genau dieser Zeit aufgewachsen – die Erfahrung der Besatzung, russische wie deutsche, hat sich tief in ihre Erinnerung eingeschrieben.

In einem Zyklus wie „Põllol laulmine“ aus den Jahren 1988 und 2005 vertont die Grande Dame der estnischen klassischen Musik ganz bewusst vor diesem Hintergrund estnische Volkspoesie.

„Ende, kleines Feld, ende kleine Insel, lass das Feld durch Schneiden enden […] der Heuhaufen ist längst geschnitten“, singt hier die Mezzosopranistin Maarja Purga – eine Referenz auf traditionelles bäuerliches Leben auf dem Land. Dabei schwingt, wie bei den meisten Vertonungen aus Mägis Feder, immer auch eine gewisse Melancholie mit.

Minimalistische Melodien

Nicht nur textlich hat sich Ester Mägi von estnischer Tradition inspirieren lassen, sondern ganz eindeutig auch in ihrer Musik: Sie schreibt minimalistische Melodien und repetitive Themen, die den Musikerinnen und Musikern nicht selten große Präzision und Konzentration abverlangen – kantig, karg und klar wie die Felsen der nordischen Küste.

Gern wird Mägi in ihrer Musik aber noch sehr viel plastischer. In ihrem Lied „Huiked“ zum Beispiel fängt sie verschiedene traditionelle Kommunikationsrufe ein: Hausfrauen, die nach den Hirten rufen; Menschen, die mit Schreien und anderen Geräuschen Tiere vertreiben wollen; Beerenpflücker, die Informationen tauschen; Jäger, die sich Signale geben.

Zu rhythmisch koordinierten Rufen wie diesen haben Estinnen und Esten in der Vergangenheit Boote zu Wasser gelassen, Gegenstände gehoben oder Baumstämme geflößt. Mit Stimme, Flöte und Gitarre versetzt Mägi die Zuhörerin in eine Zeit zurück, in der das Rufen zentraler Teil des täglichen Lebens war.

Bescheiden und taktvoll

Dabei war Ester Mägi selbst keine typische auf Provokation setzende Revoluzzerin – Zeitzeuginnen beschreiben sie vielmehr als außerordentlich bescheidene und taktvolle Person mit einer ruhigen, beharrlichen Art.

Auf diese Weise verschaffte sie sich zwischen ihren berühmt gewordenen männlichen Komponisten-Zeitgenossen Eino Tamberg, Veljo Tormis, Jaan Räts und auch Arvo Pärt ein stabiles Standing. Sie ist sogar die einzige zwischen 1910 und 1929 in Estland geborene Komponistin – auch unter den Männern –, deren Werk fester Bestandteil des estnischen Repertoires geworden ist.

Herausragendes künstlerisches Talent

Ihr Name, heißt es im Booklet, wurde mehr und mehr zum Synonym für herausragendes künstlerisches Talent – Werke wie ihre „Bukoolika“ für Orchester und ihre Klavierstücke „Vana kannel“ und „Lapimaa joiud“ gehören demnach „zu den originellsten Schöpfungen“ der 1980er Jahre.

Zur gleichen Zeit, 1984, hat sie auch das Lied „Banatühja petmine“ komponiert – eine verspielte, pastellfarbene Klangstudie, die verschiedene Facetten des Zusammenspiels von Stimme und Klavier voll auskostet. Das vorliegende Album bietet eine Weltersteinspielung.

Album der Beginn einer Renaissance?

Warum Ester Mägis Musik nicht viel präsenter auf den Bühnen und in den CD-Regalen ist, ist schwer nachvollziehbar. Vielleicht liegt es, wie so oft, einfach nur daran, dass sie eine Frau war?

Dank dieses Albums nun gelangen immerhin sieben der 27 eingespielten Lieder überhaupt ein erstes Mal als Aufnahme an die Öffentlichkeit. Ester Mägis Musik fasziniert ab dem ersten Ton – hoffentlich ist das hier der Beginn einer Renaissance ihres Schaffens.

Konservativ gebildet ins Konzert mit Neuer Musik

„Neue Musik“ stand auf der Eintrittskarte, die mir meine Freundin Charly unter die Nase hielt. Sie hatte für uns zwei Plätze für eine Konzertmatinee im hiesigen Kunstmuseum besorgt. Nun bin ich in der klassischen Musik eher konservativ gebildet, meine Kennerschaft endet ungefähr in der Mitte des 20. Jahrhunderts, bei Bernstein, Britten und Bohlen. Umso gespannter war ich also, was uns erwarten würde.

Das Programmheft versprach „ein mikrotonales Kantaten-Fragment in drei Sätzen, basierend auf altdeutschen Mariengedichten für acht Instrumente, Baritongesang, Elektronik und zwei Rasenmäher“ des in seinen Kreisen wohl bedeutenden Komponisten Mysa Orka Hemmakväll. 

Zu Beginn: Sakrale Ruhe

Das Erste, was mir auffiel: Sowohl die zahlreichen Musiker, als auch die nicht ganz so zahlreichen Zuschauer waren still. Sehr still. Man hatte eher das Gefühl, gleich einem Gottesdienst statt einem Konzert beizuwohnen. Dabei begann das Ganze dann doch weniger sakral: Während der Pianist hochkonzentriert immer wieder einen einzigen Ton anschlug, wurden die übrigen Saiten des Klaviers von einem Schlagwerker mit Tennisbällen traktiert.

Der Sänger grummelte und pfiff Töne, in denen man jetzt nicht unbedingt eines der angekündigten Gedichte erkennen konnte, andererseits habe ich auch nicht viel Ahnung von Altdeutsch. Die übrigen Musiker versuchten, aus ihren Instrumenten Töne herauszubekommen, für die sie vermutlich ursprünglich nicht gedacht waren.

Wie ein Konzert von Außerirdischen

Als dann noch die Rasenmäher angeschmissen wurden und mehr oder weniger zum Takt ratterten, wurde mir immer unklarer, ob die knarrenden Stühle der Solisten auch zum Stück gehörten und ob der erste Geiger absichtlich auf die Zwei und die Vier hustete, oder ob er vielleicht doch einfach nur erkältet gewesen war.

Mir war ein wenig, als würden Außerirdische versuchen, ihnen unbekannte Erdenmusik zu spielen. Leider waren die Notenblätter bei der Landung ihres UFOs aber in einen Wirbel geraten, so dass sie jetzt in willkürlicher Reihenfolge und seitenverkehrt auf ihren Pulten lagen. 

Trip durch den Weltraum

Apropos Weltraum: Nach ungefähr 25 Minuten hob ich selbst ab. Die vormals disparat wirkenden Töne verbanden sich zu einem Teppich – einem fliegenden wohlgemerkt – auf dem sich meine konkreteren Gedanken verflüchtigten.

Ich segelte durch einen Hermann-Hesse-Traum bunter Farben auf einem Soundtrack irgendwo zwischen Wagners unendlicher Melodie und Einstürzender Neubauten, Syd Barrets „Interstellar Overdrive“ und Philip Glass' Tisch-Etüden, von irgendwoher winkte „Lucy in the Sky“ und „Holladiewaldfee“ sprach Zarathustra!

Zurück auf der Erde, Rückkehr ins All denkbar

Nach 90 Minuten fühlte ich mich durchgeschüttelt und seltsam berührt. Auch den anderen schien es so zu gehen, war doch der erste Ton, der mit Bestimmtheit nicht zum Konzert gehörte, ein gemeinschaftliches „Uff“. 

Ich gebe zu, das anschließende Sonnenlicht tat genauso gut, wie der Straßenlärm und das vertrauliche Schwäbisch eines Mannes auf dem Gehsteig: „Ohne Kopf wärsch du au scheener.“. Die Erde hatte mich wieder. Ein Glück!

Ich bin ja eher ein bodenständiger Typ. Aber ich bin ehrlich zu Ihnen: Wenn Charly mich fragen würde, ob ich nächsten Monat zur Uraufführung der neuen Hemmakväll-Symphonie für Klavier, Euphonium und Amboss mitkäme, würde ich zu einem erneuten Trip ins All nicht Nein sagen.

Vom 7. bis zum 12. Oktober ist der Wettbewerb um den sechsten Deutschen Preis für Chordirigieren in Berlin ausgetragen worden. Zwei Dirigentinnen und ein Dirigent sind ins Finale gekommen und haben in Zusammenarbeit mit dem RIAS Kammerchor ihr Können unter Beweis gestellt. Als Gewinnerin setzte sich schließlich Katharina Morin durch, Studentin an der Münchner Musikhochschule.

Über den Wettbewerb und was die Besonderheiten beim Chordirigieren sind, erzählt Dorothea Bossert, Chormanagerin des SWR Vokalensembles.

So läuft der Öffentlichkeits-Hase eben

Es gibt so eine spezielle Journalisten-Gekränktheit: Warum interessiert sich nur ein winziger Bruchteil des Publikums für meine unglaublich kompetente Konzertkritik, während irgendein seichtes Instagramposting der Stargeigerin tausende Herzen abgreift? 

Aber so läuft der Öffentlichkeits-Hase eben, eigentlich überall, nicht nur das kleine Klassik-Karnickel. Der Aufmerksamkeits-Markt mag eben Marketing und Imagebildung lieber als fitzelnerdige Auseinandersetzung. Also bloß nicht kulturpessimistisch rumjammern – nicht mal über den Opus Klassik, der demnächst wieder droht!

Seriöser Alternative

Klar, der anspruchsvolle Hörer, wie der Kulturjournalismus ihn sich wünscht, der pfeift auf den bunten Preisregen. Dieser Hörer studiert stattdessen beflissen alle zweiunddrölfzig Kategorien der Vierteljahreslisten des seriösen Preises der deutschen Schallplattenkritik. Der ist nämlich völlig unabhängig, allein der hehren Kunstsache verschrieben, keinen klebrigen Finger hat da die sogenannte Tonträgerindustrie drauf. 

Es hat sich etwas verbessert

Aber immerhin, auch der Opus Klassik ist mittlerweile keine reine Selbstbepreisräucherung der Plattenfirmen mehr. Das war noch anders beim Vorgängerpreis Echo Klassik, an dessen Stelle nach diversen Skandalen 2018 der Opus Klassik getreten ist.

In der Opus-Jury sitzen, neben Vertretern der Deutschen Grammophon oder Sony Music, auch unabhängige Musikjournalisten wie Arnt Cobbers oder Julia Spinola: renommierte Fachohren also, die sich von keinem Marketing-Plapperer ein Cis für ein Des vormachen lassen. 

Große Namen tragen Fürsorge für die kleinen

Bei meinen Musikerfreunden wird der Opus Klassik trotzdem eher spöttisch belächelt. Denn natürlich kann man fragen, ob’s das braucht: einen Preis als Sänger des Jahres für Jonas Kaufmann oder Juan Diego Flórez. Oder eine „Instrumentalistin des Jahres“ namens Anne-Sophie Mutter. Und auch vom „Orchester des Jahres 2023“ dürfte der eine oder die andere auch ohne den Opus-Preis schon mal gehört haben: Das waren die Wiener Philharmoniker. 

Aber vom großen Promi-Gala-Tisch, den Moderatoren wie Thomas Gottschalk oder Desirée Nosbusch bewirtschaften, fallen eben auch Aufmerksamkeits-Brotsamen für die kleinen Münder. So wie in einem Buchverlag ja auch der plakative Bestseller die feine Lyrikreihe querfinanziert.

Spezialgruppen wie das Renner Ensemble Regensburg haben da schon Preise erhalten. Oder Herausgeber, die kammermusikalische Werke des Komponisten Szymon Laks, eines Auschwitz-Überlebenden, ediert haben. Wenn beim Promi-Rummel für solche Kunst etwas abfällt, ist das mehr als ein Kollateralnutzen. Und ein Nachhaltigkeitspreis für Fahrradreisen auf den Spuren von Bach schadet auch niemandem. 

Auf die eigenen Ohren verlassen

Was die Gala angeht: Gönnen wir das Amüsement halt diesen Kulturmenschen, die sich wie die Medienleute gern gegenseitig „mein wunderbarer Kollege, meine wunderbare Kollegin“ nennen. 

Und die wunderbarsten Hörer – also Sie – glauben ohnehin weder an Preise, noch vertrauen sie blind ihrem Lieblingskritiker. Sie verlassen sich ganz auf ihre eigenen kompetenten Ohren.

Am 13. Oktober wird in Berlin der Preis Opus Klassik verliehen, der in verschiedenen Kategorien Tonträger und Künstler*innen der klassischen Musikszene ehrt. In der Kategorie „Klassik ohne Grenzen“ werden Musikproduktionen ausgezeichnet, „die eine Brücke zur oder von der Klassik schlagen.“

In diesem Jahr ist eine Preisträgerin dieser Kategorie die Sängerin, Instrumentalistin, Pädagogin und Komponistin Efrat Alony, die auf ihrem Album „Händel fast forward“ die Klassik mit dem Jazz verbindet. Warum das für die vielseitige Künstlerin ein Herzensprojekt ist, verrät Sophie Schulze in einem Porträt.

Mit Antonín Dvořáks Cellokonzert ist sie – als Tochter zweier Cellisten – groß geworden. Jetzt hat die 33-jährige Raphaela Gromes ihre erste Aufnahme dieses Meilensteins der Cello-Litertaur veröffentlicht. An ihrer Seite: das Ukrainische Nationalorchester und dessen Chefdirigent Volodymyr Sirenko.

Mehr als eine gute Tat in Zeiten der Krise, findet SWR-Kritikerin Christine Lemke-Matwey. Sie rühmt an der Aufnahme das, was im Musikbetrieb immer seltener zu finden ist: „ehrliches, menschliches Miteinander“.

Getunte Autos sieht bzw. hört man recht oft, vor allem in den Metropolen. Doch von getunten Instrumenten haben nur die wenigsten gehört. Georg Selders verleiht alten und neuen Instrumenten einen besonderen Klang, indem er sie einfriert. Doch nicht neben Tiefkühlerbsen und Eis, sondern mit einem speziellen Gerät, das Trompeten schrittweise einfriert und wieder auftaut. Mehr zu dieser Technik erzählt Georg Selders in SWR Kultur.

Tinnitus in b

Vor mehr als 10 Jahren konnte Komponist Stephen Emmer plötzlich nicht mehr gut hören. Zunächst war es ein ständiges Rauschen, das sich nach einiger Zeit dann zu einem einzigen Ton entwickelte – Ein permanentes Klingen in den Ohren, auch bekannt als Tinnitus. Emmer kann diesen Ton sogar benennen: es ist ein b. Er versucht das Beste aus der Situation und dem Dauerton zu machen, komponiert extra in der Tonart b. 

Der Arzt sagte, dass es damit zu tun haben muss, dass ich 20 Jahre auf einem Podium musiziert habe. 

Emmer hat in den 80ern in Pop Bands gespielt. Damals waren die Lautstärke und die Hörschäden, die damit verbunden sind, noch kein Thema unter Musikern. Er zieht einen Vergleich zu der Generation seiner Eltern. In den 50ern und 60ern sei man sich über die Gesundheitsrisiken durchs Rauchen auch noch nicht bewusst gewesen – das Rauchen wurde verharmlost. Heute wird davor gewarnt. Doch Hörbeschwerden in der Musikbranche seien nach wie vor ein Tabu-Thema.  

Ich glaube das ist ein ökonomischer Faktor. Sie bezahlen für deine professionellen Dienste und dann hat man Angst den Job zu verlieren. Leute, die nicht darüber informiert sind, denken schnell: ach dieser Musiker ist invalide. Er kann es nicht mehr produzieren.  

Schleichende Symptome

Damit heute vor allem Musiker aber auch die breite Öffentlichkeit über musikbedingten Hörverlust aufgeklärt wird, hat Stephen Emmer die „Artists Against Tinnitus Stiftung“ gegründet. In den Niederlanden sprechen sie mit der Regierung über die Lautstärke in Konzerten.

Es soll gemeinsam eine Lösung gefunden werden, die sowohl für die ausführenden Musikerinnen und Musiker als auch für das Publikum langfristig umgesetzt werden kann. Vielen sei gar nicht bewusst, dass Tinnitus ein Phänomen ist, das sich über Jahre hinweg oft ganz unbemerkt aufbaut. Die meisten Leute würden denken, der Ton oder das Rauschen seien sofort da.  

Außerdem käme es nicht nur auf die Lautstärke an sich an, sondern auch auf die Dauer, der man dieser Lautstärke ausgesetzt sei. Mittlerweile hat sich der Ton in Emmers Ohren wieder zu einem Geräusch gewandelt. Ein ständiger Begleiter. 

Verzweiflung, Hoffnung, Bedauern, Dankbarkeit

Das Thema Hörverlust hat Stephen Emmer in einem neuen Konzept Album verarbeitet. Mt Mundane erzählt in 15 Stücken von den Höhen und Tiefen seines Lebens, mit denen sich auch viele andere Menschen identifizieren können.  

Ich habe versucht das in meiner Musik zu vermitteln. Elemente von meiner Trauer, Elemente der Verzweiflung, der Hoffnung, Bedauern, Dankbarkeit symbolisiert die vielen Krisen, die ein einzelner bewältigen kann, um aus Elend etwas Schönes zu machen. 

Essays, Interviews und Würdigungen

Der Charakterkopf Reinhard Goebel liefert auf 258 Seiten Klartext. Es handelt sich dabei um keine musiktheoretischen Abhandlungen, sondern um kurzweilige Essays über Komponisten und ihre Werke, abgerundet. Dazu kommen Interviews mit Goebel und Würdigungen, die über ihn geschrieben worden sind.

Dabei folgt das Buch chronologisch Goebels Karriereweg. 33 Jahre war das Ensemble Musica Antiqua Köln sein Medium. Es ist vielleicht das einflussreichste Barockensemble, das je in Deutschland gegründet wurde. Goebel hatte die Idee, suchte sich Mitstreiter und ging an den Start.  

Mit spitzer Feder geschrieben

Nach den ersten beiden Kapiteln zur persönlichen Positionsbestimmung, löst das Buch seinen Titel „Der Kopf macht die Musik“ mit aller Kunstfertigkeit ein. Werken von Telemann, Händel, Bach und vielen anderen sind zahlreiche Essays gewidmet und stets mit spitzer Feder geschrieben.

Immer zeichnet Goebel eine Art Sittengemälde: Wann, wo und warum wurde ein herausragendes Stück komponiert und was gilt es hinter dem Notentext zu entdecken. 

Reinhard Goebel ist im besten Sinn ein „Übertreibungskünstler“. Dort, wo andere zaghaft anklopfen, rüttelt er an den Grundfesten unserer Hörgewohnheiten und stellt vieles erst einmal in Frage. 

Gegen Routine und Bequemlichkeit

So ist auch seine Wirkmächtigkeit über die Jahrzehnte zu verstehen. Routine und die Bequemlichkeit, etwas zu machen, weil „man“ es schon immer so machte – das war und ist ihm zutiefst fremd. Seine „Musikgeschichten“ sind deshalb erhellend und das reinste Lesevergnügen. Doch auch persönlich kann man den Macher ausführlich kennenlernen. 

„Ich habe sehr spät angefangen, Musik zu machen. Mit zehn Jahren habe ich so eine Blockflöte an den Hals bekommen. Aber selbst als ich Blockflöte spielte, wusste ich eigentlich schon: Ich möchte gerne Geiger werden, obwohl ich noch nie eine Geige gesehen hatte.“ 

Persönliche Interviews

Vier große Interviews, die über vier Jahrzehnte geführt wurden, runden diese Neuerscheinung ab. Im Zwiegespräch schlägt Reinhard Goebel einen ganz anderen Ton an und reflektiert über sein Tun und seine Beweggründe.

Er gesteht persönliche Verletzungen, redet offen über seine Erkrankung und die Entfremdung von seinem Ensemble. Klar wird: ein umgänglicher Typ war Goebel nie. Bis heute ist er eher ein Getriebener, der sein Verständnis von Musik mit allen gebotenen Mitteln umsetzt:

„Es gibt Orchester, die beurteilen Dirigenten unglaublich hart und mies, und wenn Sie so eines vor sich haben, müssen Sie genau so giftig sein und dann vielleicht sagen: ‚Meine Damen und Herren, Sie haben mich eingeladen und wenn Sie meine Kompetenz nicht zu würdigen wissen, können wir hier auch ein halbes Pfund Gehacktes mit einem Namensschildchen aufstellen.‘“

Profundes Wissen vorausgesetzt

„Der Kopf macht die Musik“ ist kein Buch für Musikflaneure, die mal eben ein wenig unterhalten werden wollen. Es setzt ein profundes Interesse voraus und wendet sich an Leserinnen und Leser, die mehr über Musik erfahren wollen als dahingeschriebene Plattitüden.

Zu verdanken ist das sicher auch dem Herausgeber Hans-Joachim Wagner, der die Fülle des Materials unter einem einzigen Spannungsbogen strukturierte. „Der Kopf macht die Musik“ ist jedenfalls eine Neuveröffentlichung der Extraklasse, nicht mehr und nicht weniger.