Treffpunkt Klassik

Das Theater Freiburg führt erstmalig in Europa die Oper „Prism“ von Ellen Reid und Roxie Perkins auf. Das Stück thematisiert ein ernstes, wichtiges Thema: Es geht um das Überleben von Gewalt und Traumata. Und es setzt die Opfer dieser Erlebnisse ins Zentrum.

Die musikalische Leitung hat Friederike Scheunchen. Die Dirigentin erzählt von ihre Leidenschaft für Uraufführungen Neuer Musik und über ihre musikalische Arbeit an „Prism“.

Die Lauttencompagney besteht seit 40 Jahren. Aus den Szenen der historischen Aufführungspraxis ist sie nicht mehr wegzudenken. Für die Reihe „Musical Belongings“ hat sie seit 2023 Musiker aus China, Indien und Belize zu gemeinsamen Konzerten ins Humboldtforum Berlin eingeladen.

Nun hat die Lauttencompagney das 50-jährige Jubiläum der diplomatischen Beziehungen zwischen Deutschland und der Mongolei zum Anlass genommen, vor Ort mehr über mongolische Musik zu lernen.

Bekanntes neben Unbekanntem

Er kannte Rachmaninow und Skriabin, vermutlich auch vieles von Tschaikowsky und Prokofjew. Aber Art Tatum? „Es war meine erste Begegnung mit dem Jazz“, gibt Daniil Trifonov rückblickend zu und beginnt sein neues Album entsprechend mit Tatums Fassung von „I Cover the Waterfront“. Die Bearbeitung für Piano übernahm Daniil Trifonov selbst.

Wie so oft bei Trifonovs jüngsten Alben: Er pickt sich nicht nur einzelne Werke heraus und stückelt sie aneinander, er sucht vielmehr nach Querlinien und Entsprechungen, stellt dabei Bekanntes weniger Bekanntem gegenüber. Bei dem Klavierkonzert des 1977 geborenen Mason Bates etwa handelt es sich um eine Ersteinspielung. 

Bates hat das Konzert für Trifonov komponiert. Während der erste Satz eine verspielte Hommage an die Renaissance und der zweite eine Reminiszenz an die Romantik darstellt, gibt sich das Finale „exzentrisch und rhythmisch, voller cineastischem Drive“, wie es im Beiheft heißt.

Trifonov als pianistisches Chamäleon

Einmal mehr hat Trifonov das Philadelphia Orchestra und Yannick Nézet-Séguin an seiner Seite. Ja, es spielt farbig, manchmal etwas seicht oder glatt, so dass man sich ein intensiveres Leuchten vorstellen könnte. Voller Verve dagegen gelingt das Finale aus Gershwins F-Dur-Konzert.

Trifonov schlüpft in die Rolle eines pianistischen Chamäleons: Extrem wandlungsfähig fühlt er sich offenbar pudelwohl, wenn er sich zwischen Jazz und Swing, zwischen Minimal Music und populärer Filmmusik hin- und herbewegt.

Zu den umfangreicheren Solowerken dieses Albums zählen die Variationen von Aron Copland. Trifonov spielt vor allem dann seine Klasse aus, wenn er in die leisen und sehr leisen Regionen vordringt. Wenn er zum Klavierflüsterer wird, feine Nuancen aus dem Instrument herausholt und sie auf subtile Weise miteinander verbindet.

In Passagen wie diesen steckt ungemein viel Poesie. Dagegen geraten seine schier unbegrenzte Geläufigkeit und seine Griffsicherheit fast in den Hintergrund. Aber nur fast… 

Nie pianistisch kühl, dafür ungemein abwechslungsreich

Mit der „Fantasie über ein Ostinato“ von John Corigliano dringt Trifonov in den Bereich der Minimal Music vor. Diese Fantasie – eben keine Etüde – wird zu einer eigenen Klangreise. Trifonov verfremdet, toupiert, überpinselt, be- und entschleunigt fast von Takt zu Takt.

Nach diesem eher meditativen Stück lässt Trifonov sofort eine peppigere Nummer folgen: „Memphis Stomp“ aus dem Film „The Firm“.

Das alles wirkt, als habe sich Trifonov diese unterschiedlichen Musik-Richtungen nicht krampfhaft angeeignet, sondern als habe er sie mit seinem ganzen Musikerblut in sich aufgesogen. Er gibt sich nie pianistisch kühl, vielmehr strahlt er eine große Überlegenheit aus, nicht arrogant, dafür angetrieben von Neugierde.

Ein ungemein abwechslungsreiches Album, eine spannende Tour durch den musikalischen Norden Amerikas, die mit einer „Field Version“ über John Cage zu Ende geht – mit Geräuschen aus New York, aufgenommen von Daniil Trifonov. Auf Teil 2, die Reise gen Süden, darf man bereits gespannt sein.

Tiefenentspannung oder Tortur für Klassik-Experten?

Sollten Sie je in die Situation kommen, dass Sie als Ermittler einen mordverdächtigen über Brahms promovierten Musikwissenschaftler zu verhören haben, dann sollten Sie ihn mit dieser Musik beschallen: Nach ein paar Stunden wird der Brahmsologe alles gestehen, was Sie wollen.

Oder könnte es passieren, dass der verdächtige Brahmsdoktor doch ganz andere Seiten in sich entdeckt? Dass er sich tiefenentspannt, durchatmet, entgleitet in Morpheus‘ bergende Hände, den seligen Schlaf? 

Da wäre der britische Komponist Max Richter wahrscheinlich gar nicht beleidigt. Denn immerhin hat er auch schon mal das achtstündige Werk „Sleep“ komponiert – ein „Wiegenlied für die Entschleunigung des Lebens“, so der Komponist. Ich durfte es 2016 eine Nacht lang live in einem alten Kraftwerk hören, von einem Bett aus, und ehrlich, das war eine der tollsten Erfahrungen meines Konzertlebens. Die erquicklichste, bekömmlichste Droge, die man im Berliner Nachtleben konsumieren kann.

Sanfte musikalische Verschiebungen

Die längsten Tracks auf Max Richters neuem Album „In A Landscape“  sind allerdings keine acht Stunden lang, sondern nur um die acht Minuten – für Klassik eher kurz, für Pop relativ lang.

Trotzdem ist es schwierig, hier einen symptomatischen Schnipsel auszuwählen, eine radiotaugliche „schöne Stelle“. Denn diese Musik entfaltet ihren Reiz (oder ihre Folter) erst in der vielfachen Wiederholung, dem langsamen Hinzufügen von Schichten, sanften Verschiebungen.

Der seifige Kommentar, mit dem die Deutsche Grammophon das neue Album ihres Neoklassikstars begleitet, ist allerdings ein Ausbund an unfreiwilliger Komik. Das klingt wie ChatGPT vom Feinsten:

Dieses Album markiert eine bedeutende Entwicklung in Richters musikalischem Werdegang, da er sich intensiver mit Themen wie Optimismus und der Polarität des Lebens und menschlicher Emotionen auseinandersetzt, begleitet von einer tieferen Erkundung elektronischer Klänge und Feldaufnahmen. 

Diese Musik braucht Zeit und Ruhe

Max Richter selbst sagt, ihm gehe es um Verbindung und Versöhnung von Polaritäten: Elektronik und akustische Instrumente, Natur und Mensch, das Ganze mit dem Persönlichen. Nun, lassen wir dieses Wuppen der großen Fragen mal so dahingestellt und gehen einfach ein paar Nummern kleiner ran: Manches finde ich einfach wunderschön, etwa dieses Stück „And Some Will Fall“.

Das einfach als „Hintergrundmusik“ zu hören, als wohlige Klangtapete, wäre meines Erachtens ein Missverständnis. Man muss sich schon die Zeit und Ruhe nehmen und sich ganz darauf einlassen, die Augen schließen, mitatmen. Die Gedanken schweifen lassen, wohin auch immer. Ich kann die Menschen absolut verstehen, denen das Frieden und Zuversicht gibt.

Die Sonorität macht’s, die grundierenden Instrumente: Neben Max Richter selbst an Tasten und Elektronik ist in wechselnden Kombinationen ein Streichquintett mit doppelt besetztem Cello dabei, dazu fünf Bläser mit Bass- und Kontrabassklarinetten sowie Tenor- und Baritonsaxophon. 

Max Richter trumpft mit absolut beharrlicher Ruhe auf

Eine ordnende Album-Struktur gibt es auch, zwischen jedem Musiktrack sind kurze Field Recordings zu hören, Feldaufnahmen von Schritten im Wald oder im Flughafengebäude, Stimmen von Menschen oder Vögeln. „Life studies“ („Lebensstudien“) nennt Richter sie. Manche sind anderthalb Minuten lang, andere nur 30 Sekunden.

Also, wenn Ihnen manchmal selbst Philipp Glass und Steve Reich zu atonal sind, wenn Sie Arvo Pärt zu ereignisreich finden, wenn Sie mal die absolute beharrliche Ruhe suchen, dann sind Sie goldrichtig bei Max Richters neuem Album.

Puccini ist omnipräsent

Im Jahr 2023 war Giacomo Puccini wieder einmal der Star der Opernstatistik: Platz 2 der Top 10 Opernkomponisten – und gleich vier seiner Opern gehörten zu den zehn weltweit am häufigsten aufgeführten: „La bohème“, „Madama Butterfly“, „Turandot“ und „Tosca“. Kein anderer Komponist kommt da heran – selbst Mozart nicht.

Puccini ist auf unseren Opernbühnen omnipräsent. Braucht es da wirklich noch ein weiteres Buch über sein Werk und seine Künstlerperson? Wissen wir nicht längst alles über Schwergewichte wie ihn und sollten unsere Ressourcen besser darauf verwenden, zum Beispiel verdrängte und vergessene Komponistinnen zu erforschen?

Puccinis galt nie als „Genie“

Das Spannende an Arnold Jacobshagens Buch ist allerdings, dass es auch anders gelesen werden kann als einfach nur eine weitere Puccini-Biografie. Der Autor liefert mit seinem Text eine Diskursanalyse über die historische musikwissenschaftliche Imagebildung des Komponisten.

Puccini nämlich, das erfährt man durch die Lektüre des Buches, hat im musikwissenschaftlichen und journalistischen Diskurs eigentlich nie als „Genie“ gegolten, wie es nach ihrem Ableben etwa bei Mozart und Beethoven der Fall war.

Vielmehr haben Kritiker, Journalisten und selbst die Autoren seiner Nachrufe ihm immer wieder Raffinesse, Tiefgang und kompositorische Qualität abgesprochen. Den Erfolg seiner Opern labelten sie als pure Folge kluger Öffentlichkeitsarbeit. Puccini habe mehr oder weniger dem Publikum nach dessen Geschmack geschrieben.

Puccini als „femininer“ Künstler

So zog sich ein abschätziger Tonfall gleichsam durch die allermeisten der bisher erschienenen Biografien. Darunter schafften es sogar einige, bis heute wirksame Narrative über den Komponisten zu etablieren. Eines davon ist die misogyne Erzählung von Puccini als eines besonders „femininen“ Künstlers. Dazu schreibt Jacobshagen:

„Die bis heute geläufige oder zumindest unbewusst in unzähligen Texten präsente Ansicht, dass Puccini ein besonders ‚femininer‘ (und damit implizit auch ein mit bestimmten tradierten Wertvorstellungen von erhabener ‚männlicher‘ Kunst inkompatibler) Künstler sei, geht zu einem nicht unerheblichen Anteil auf die seitenlangen frauenverachtenden Tiraden Fausto Torrefrancas zurück.“

Der „nationalistisch gesonnene“ Fausto Torrefranca schrieb 1912 sein Buch „Giacomo Puccini e l’opera internationale“, das Jacobshagen in seinem Text wiederum eher als „Polemik“ denn als eine ernstzunehmende Abhandlung bezeichnet.

Wie ironisch ist es da, dass Puccini insbesondere in seinen letzten Jahren selbst dem italienischen Faschismus zugeneigt war und Mussolini dementsprechend auch nicht ohne Grund nach dessen Tod versuchte ihn „für die faschistische Bewegung zu reklamieren“.

Allein verwunderlich ist es laut Jacobshagen, dass Puccinis späte Gesinnung „in der Puccini-Literatur zumeist verschwiegen wird.“ Genauso macht der Autor dankenswerterweise auch keinen Hehl aus Puccinis problematischer Beziehungs- und Familienführung und seiner patriarchal-maskulinistischen Selbstinszenierung mittels Jagdwaffen, Autos und Motor-Yachten.

Mit Stereotypen wird aufgeräumt

Auch mit solchen Einordnungen räumt Arnold Jacobshagen in seiner Biografie mit weit verbreiteten Stereotypen weitgehend auf. Er verortet Puccini als einen zwar zu Lebzeiten überragend erfolgreichen, aber gleichzeitig von der Fachpresse und Wissenschaft marginalisierten Komponisten.

Der Grund für diese Ambivalenz ist derweil nicht ganz eindeutig, es kommen mehrere Faktoren zusammen – qualitativ schlechter als die Werke anderer großer Opernkomponisten ist Puccinis Musik allerdings nicht, da kann man Jacobshagens detaillierten musikalischen Analysen, vor allem im zweiten Teil des Buches, durchaus glauben.

Ungünstiges Geburtsjahr

Vielmehr kamen bei dem Komponisten einige ungünstige Faktoren zusammen, und ob man es glaubt oder nicht, sein Geburtsjahr mag damit zu tun haben:

„Das Werk der in den 50er Jahren Geborenen teilt sich auf in das Jahrhundert ihrer Geburt und dasjenige ihres Todes – mit der Folge, dass die Geschichtsschreibung der einzelnen Jahrhunderte jeweils nur einen Teil des Gesamtwerks in den Blick nehmen und folglich weniger interessant finden würde als das der jeweils etwas älteren oder etwas jüngeren Kollegen. Puccini war zu alt und wurde auch als zu altmodisch empfunden, um für die Historiographie der Moderne ernstlich in Betracht zu kommen. Und in der Musikgeschichtsschreibung des 19. Jahrhunderts blieb für ihn auch nur ein sehr enges Segment reserviert, nämlich dasjenige der italienischen Verdi-Nachfolge.“

Bei dem durchaus gelungenen Versuch den musikgeschichtlichen Diskurs und die Strukturen der zu Puccinis Zeit immer wirkmächtiger werdenden Musikindustrie nachzuzeichnen, tappt Arnold Jacobshagen allerdings selbst ab und zu in die Falle dieser Mechanismen, die er offenlegt.

Zwischendurch wirkt es, als wolle er den Komponisten rehabilitieren und die Nachwelt doch von dessen Qualität als kompositorisches Genie überzeugen, ihr beweisen, dass sie die Tiefe und Raffinesse von Puccinis Werken systematisch unterschätzt hatte.

Wahrscheinlich ist das sogar wahr – da argumentiert Arnold Jacobshagen schlüssig –, aber am Ende bringen Reflexe wie dieser den musikwissenschaftlichen Diskurs nicht wirklich weiter. Der historisch-kritische Ansatz des ersten Teils dieser Abhandlung ist vor diesem Hintergrund umso wertvoller.

Das Zentrum für Kunst und Medien in Karlsruhe (kurz ZKM) hat den 66-jährigen Komponisten Ludger Brümmer in den Ruhestand verabschieden – und zwar mit einem Symposium und mit Konzerten. Zudem bekam Brümmer den Ehrenpreis der deutschen Schallplattenkritik verliehen.

Brümmer hat zahlreiche, sowohl instrumentale als auch elektroakustische Musik geschrieben. Außerdem erfand er ein Instrument zur Aufführung elektroakustischer Musik – den so genannten Klangdom. Das ist ein Lautsprechersystem, angeordnet in Form einer Kuppel, den es auch im ZKM gibt. Viele Jahre leitete er dort das „ZKM Hertzlab“, ehemals das „Institut für Musik und Akustik“.

Wer Bach und Buxtehude liebt, wird kaum an ihm vorbeikommen: Über 400 Aufnahmen tragen seinen Namen auf dem Cover, er gilt als einer der Experten für Barockmusik. 1979 gründete er das Amsterdamer Barockorchester und einige Jahre später den Amsterdamer Barockchor. 2003 wurde er zum Ritter geschlagen und ist seit 2019 ist er Präsident des Bach-Archivs Leipzig: Ton Koopman.

Mit 70 sagte er, er würde mit 85 über ein Karriereende nachdenken. Nun zum 80. Geburtstag verschiebt er die Grenze auf 90. Im Gespräch erzählt er außerdem, warum er gerne verreist, warum er so gerne Musik vor 1800 hört und spielt und welches Buch er jedem ans Herz legt.

Der junge polnische Countertenor Jakub Józef Orliński ist gegenwärtig einer der wirklichen Stars der Plattenfirmen. Mit seinem jüngsten Erato-Album „#LetsBaRock“ probiert sich Orliński jetzt als Crossover-Sprinter aus. Eine vier Mann-Kombo hat ihm das Barocke Arienmaßwerk großer Meister mit Elektrobeats, Klavier, Bass und Drums unterlegt.

#LetsBaRock ist der folgerichtig nächste Schritt, hin zum Popmarkt, wohin Orliński aber auch seine Stammgefolgschaft mitnehmen möchte. Dafür dürfte dieses abwechslungsreiche, aber nicht zu wagemutige Album von Klassikern im fein swingenden neuen Klanggewand durchaus ein Schritt in die richtige Richtung sein.

„Music for a While" aus Orlińskis neuem Album

Es herrscht Lehrermangel. Nicht nur in Baden-Württemberg oder Rheinland-Pfalz, sondern in ganz Deutschland, vor allem im Fach Musik. Woran das liegt, welcher Ansatz eine Lösung sein könnte und wie sich der Musikunterricht in den letzten Jahren gewandelt hat, erzählt Martina Benz, Professorin für Musikpädagogik an der Musikhochschule Mannheim.

Anna Fedorova beschwört die Geister der Vergangenheit

Mit den ersten Takten aus den „Bildern einer Ausstellung“ scheint Anna Fedorova in ein großes Gebäude hineinzurufen. Aus weiter Ferne hallt das Echo zurück.

Fedorova kehrt die Verhältnisse um: Bei ihr antwortet nicht, wie sonst, ein kraftvoller Chor auf den Vorsänger – sie hebt stattdessen die Stimme des Einzelnen heraus. Und lässt die Geister der Vergangenheit lebendig werden.

Dabei betont sie die Eigenarten der russischen Volksmusik mit ihren immergleichen Motiven und Tonfolgen. Aber sie verliert sich nicht in simpler Folklore, sondern bindet alles in einen mitreißenden Steigerungszug ein. Diese „Promenade“, die Mussorgskys imaginären Museumsbesuch eröffnet, verheißt einen Aufbruch und keinen Spaziergang.

Altbekanntes klingt bei Fedorova neu, improvisiert und radikal

Fedorova hat die Gabe, mit Vertrautem zu überraschen. Das Spielen und Streiten der Kinder in den Tuilerien erinnert bei dieser Pianistin fast an eine Improvisation. Sie setzt kleine Verzögerungen, als würde sie nach etwas suchen, dann hält sie inne und hat etwas Neues entdeckt.

All das wirkt so spontan, als wäre diese Musik gerade erst erfunden worden. Man hört Details, Akzente und Gegenstimmen, die bei einem klassischen Vortrag meist unbemerkt bleiben. Vor allem das Nette und Neckische klingt bei Fedorova ziemlich widerborstig.

Das Ballett der unausgeschlüpften Küken in ihren Eierschalen gestaltet Anna Fedorova nicht pittoresk und gefällig, sondern wie musikalische Avantgarde: mit spitzen, klirrenden Dissonanzen und freier Metrik – ganz und gar unberechenbar.

Diese Interpretation zeigt eine Nähe zum Experiment und zur Skizze. Sie ist radikal, aber gerade deshalb so plausibel, weil Mussorgskys Musik selbst diese Radikalität in sich trägt. Man könnte meinen, er hätte gerade mal ein ganzes Jahrhundert übersprungen.

Abschied vom Schönheitsempfinden der Romantik

Das gilt auch für das Portrait der furchterregenden Hexe Baba-Jaga. Schroff schlägt Fedorova die polternden Rhythmen in die Klaviatur.

Der Klang verhärtet sich zum Geräuschhaften. Das ist nicht nur abenteuerlich virtuos, sondern offenbart eine weitere Grenzverschiebung: Mit dem Schönheitsempfinden der Romantik hat es nichts mehr zu tun. 

Fedorova fordert dem Klavier neue, rohe Klänge ab und zeigt ein weiteres Mal, wie sehr Mussorgskys Musik in die Moderne vorgreift: ein Vorbote von Igor Strawinsky oder Galina Ustwolskaja.

Die Musik löst sich in einen diffusen Klangschleier auf, bis wir nicht mehr wissen, wo wir sind und wohin die Reise geht. Eine musikalische Hexerei, passend zur Baba-Jaga.

Anna Fedorova erweckt den extremen Mussorgsky

Im letzten Bild, dem „Großen Tor von Kiew“, lässt Fedorova die Glocken klangmächtig dröhnen.

Wir können nur staunen, wie sehr Mussorgsky das Klavierspiel seiner Zeit revolutionierte. Anna Fedorova erweckt die Extreme seiner Musik zum Leben und befreit sich von der Bürde so vieler Interpretationen und Bearbeitungen.