Treffpunkt Klassik

Die Hammond-Orgel ist ein Instrument, das man mit seinem sperrigen Aufbau und seinem mechanisch-psychedelischen Klang heute am ehesten in Pink-Floyd- und Uriah Heep-Coverbands vermutet, im Doom-Metal oder bei Alleinunterhaltern, die zu viel Geld haben.

Aber natürlich spielt die Hammondorgel auch im Blues und Jazz eine wichtige Rolle. Der wahrscheinlich größte Advokat – nein es ist sogar eine Advokatin – der Hammond-Orgel in Deutschland feiert am 25. September ihren 60. Geburtstag. Herzlichen Glückwunsch!

Sergej Rachmaninow gilt als berühmtester Pianist seiner Zeit und ist als Komponist vor allem mit seinen Klavierwerken im heutigen Musikleben präsent. Er war ein äußerst zurückhaltender Mensch mit verschlossenem Auftreten.

In einem neuen Buch sind zum ersten Mal seine zahlreichen Interviews veröffentlicht, die er im Laufe von mehr als drei Jahrzehnten der Presse gab. Treibende Kraft hinter der Publikation von „Rachmaninoff spricht“ war die „Rachmaninoff Foundation“, die in der Rachmaninow-Villa Senar in Hertenstein am Ufer des Vierwaldstättersees residiert.

Das multikulturelle London im 18. Jahrhundert

London im Jahre 1712: Nebel hüllt die Metropole in tristes Grau. Ein junger Musiker schweift durch die Gassen, träumt sich in Gedanken zurück ins sonnige Italien, wo er kurz zuvor noch als Virtuose gefeiert wurde – und schreibt eine kleine Weise auf ein Notenblatt.

Solche Bilder kommen mir in den Sinn, während ich dieser Sonate von Georg Friedrich Händel lausche. Er komponiert sie, als er nach Reisen durch Florenz, Mailand und Venedig in England landet und dort eine neue Heimat findet. 

Händel ist einer von zehn Barockkomponisten, die Blockflötist Max Volbers und Cembalist Alexander von Heissen auf ihrem Album „Foreign Masters“ versammeln. Die sprudelnde Vielfalt kultureller Einflüsse in London soll hörbar werden – und zeigt sich auch in der Händel-Sonate. 

Ein Streifzug durch die Themse-Stadt

Auf den Eröffnungssatz im italienischen Stil folgt ein flottes Vivace, das mit seinen synkopischen Rhythmen an den englischen Folkloretanz „Hornpipe“ erinnert: ein englisch-deutsch-italienisches Potpourri gewissermaßen.

Das Album funktioniert wie ein Streifzug durch London. Virtuosenmusik symbolisiert das rege Konzertleben der Handelsmetropole, elegante französische Suiten lassen an royale Salonmusiken denken, Opern-Ohrwürmer geistern durch die Gassen: Etwa eine Weise, die einer Opernarie von Jean-Baptiste Lully entstammt, die im 18. Jahrhundert vielfach in England bearbeitet wurde.

Fast alle Werke des Albums wurden damals beim umtriebigen Musikverleger John Walsh gedruckt. Er pflegte nicht nur beste Verbindungen ins europäische Ausland, sondern hatte auch ein gutes Gespür dafür, welche Musik bei seinen Landsleuten funktionierte.

Instrumentenvielvalt spannender als der internationale Ansatz

Ob das barocke London deshalb gleich zur „Kultur-Hauptstadt Europas“ idealisiert werden muss, die durch das „Erbe der Migration“ ihre Blüte erreichte, wie es im Beiheft von Volbers Album heißt, ist fraglich. Schließlich war das 18. Jahrhundert nicht zuletzt vom Aufstieg des britischen Empires als Kolonialmacht geprägt, das sich Länder und Kulturen oft genug in militanter Selbstbedienungsmentalität einverleibte. 

Spannender als der Nachweis internationaler Einflüsse ist auf dem Album ohnehin die Vielfalt der Instrumente! Max Volbers hat ein Arsenal von sage und schreibe zehn Blockflöten versammelt, die er alle virtuos spielt.

Von der zwitschernden Sopraninoflöte in „Cease your funning“ von Johann Christoph Pepusch über eine lichthelle Quart-Flöte in B aus der Zeit des Hochbarocks, wie sie in der Sonate in g-Moll von Giuseppe Sammartini erklingt, bis hin zu einer altertümlich anmutenden Renaissance-Tenorflöte, mit der Volbers einen wunderschönen schottischen Tune anstimmt, den der Italiener Francesco Barsanti aufgeschrieben hat.

Jede Interpretation sprüht vor Ideenreichtum und technischer Brillanz

Auch bei den Tasteninstrumenten glänzt auf diesem Album barocke Pracht: Alexander von Heissen spielt zwei Cembali französischer und italienischer Bauart, eine Truhenorgel im deutschen Stil und – als kurioses Highlight – ein sogenanntes Claviorganum: Ein Mischinstrument aus Cembalo und Truhenorgel, das auch Händel zuweilen gespielt haben soll.

In der Sonate von Giovanni Stefano Carbonelli fühle ich mich durch das Claviorganum wie auf einem barocken Jahrmarkt. Wenn sich die Blockflöte als Melodieinstrument dazugesellt, entsteht der Eindruck eines ganzen Kammermusikensembles, das von nur zwei virtuosen Spielern gewuppt wird.

Was das politische Konzept des Albums „Foreign Masters“ an Komplexität vermissen lässt, macht es auf musikalischer Ebene mehr als wett: Jede Interpretation sprüht vor Ideenreichtum und technischer Brillanz, das Zusammenspiel ist präzise, kreativ und lustvoll. So gelingt Max Volbers und Alexander von Heissen ein Album, das virtuose Blockflötenmusik der Barockzeit in ihrer ganzen Vielfalt hörbar macht.

Traumwandlerisch durch die französische Hauptstadt

So klingt Paris! Wenn das Quatuor Van Kuijk Francis Poulencs „Les Chemins d’amour“ anstimmt, vermisst man keinen Moment die Worte.

Traumwandlerisch treffen die vier die Mischung aus Intimität, Sentiment und Eleganz, die Poulencs Chanson auszeichnet. Pariser Weltstadtflair, Geselligkeit und Nachtleben: Alles schwingt mit in diesem nonchalanten Spiel. 

Arrangements für Streicher bieten neue Klangerlebnisse

Einige Bearbeitungen bieten sogar einen Mehrwert: In Gabriel Faurés Lied „Mandoline“ muss das Klavier ein Zupfinstrument imitieren. Das Quatuor Van Kuijk aber zupft tatsächlich. 

Und aus der einzelnen Gesangsstimme wird ein Ensemble, eine galante Gesellschaft, die sich die Melodien zuspielt, einander ins Wort fällt oder ein Duett anstimmt. Das intime Lied weitet sich zur Szene und entfaltet plötzlich einen unerwartet theatralischen Reiz.

Hört man diese CD, dann scheint nicht Wien, sondern Paris die Welthauptstadt des Walzers zu sein. Das lässt einen zumindest „Je te veux“, eine berühmte Valse chantée von Erik Satie, glauben. Die Van Kuijks spielen sie flott und mit viel Witz, wie bei einem ausgelassenen Fest im Freien. Man sieht die walzertanzenden Paare geradezu vor sich.

Die Mixtur aus zarten, raffinierten und schwelgerischen Momenten ist hinreißend. Alles klingt so selbstverständlich und lustvoll, dass man die Kunst dahinter fast schon vergisst. Es bleibt nichts als das reine Vergnügen. 

Das ideale Medium für Ravels Pavane

Und manchmal gelingen dem Quatuor Van Kuijk auch echte Klangwunder: Maurice Ravel schrieb seine „Pavane für eine verstorbene Infantin“ in zwei Versionen: für Klavier und für Orchester. Aber in dieser Quartettfassung scheint sie ihr ideales Medium gefunden zu haben.

Vollkommen entrückt wirkt diese Musik, fast unwirklich in ihrer weltverlorenen Melancholie, ihrem untergründigen Sehnsuchtston. 

Mit strengem Non-Vibrato und morbiden Klängen hebt das Quartett die herben, archaischen Seiten der Pavane hervor: einer Tanzmusik aus alter Zeit.

Diese CD macht einfach gute Laune

Aber das Quatuor Van Kuijk kann auch anders tanzen: In Claude Debussys „Ballet“, dem Finale aus seiner „Petite Suite“ für Klavier zu vier Händen, springt einen die Lebensfreude an. 

Die Van Kuijks spielen es fast wie ein Volkslied, das gut gelaunt beim Wein gesungen wird. Bei diesem Ballett denkt man jedenfalls nicht an die große Bühne und den strengen Drill. Stattdessen wecken die Vier alle freundlichen Lebensgeister, die uns beflügeln können. Eine CD, die einfach gute Laune macht.

„Ich war schon als Schüler ein ganz großer Fan von Gustav Holst“, sagt Bodo Busse. Und jetzt ist dem Intendanten des Saarländischen Staatstheaters auch noch ein ganz großer Coup gelungen: Er und sein Team haben Holsts frühe Indien-Oper „Sita“ nach fast 120 Jahren aus dem Dornröschenschlaf geweckt und bringen das Werk am 12. Oktober zur Uraufführung. In SWR Kultur erinnert sich Busse an magische Momente während der Ausgrabungszeit und berichtet, welche weiteren unbekannten Holst-Werke in Saarbrücken zu entdecken sein werden im Jahr des 150. Geburtstags des Komponisten der „Planeten“.

Ein paar Freunde gründen ein Orchester – und es bleibt für 100 Jahre bestehen. In Stuttgart ist das möglich. Die Stuttgarter Philharmoniker begehen in dieser Spielzeit ihr 100. Jubiläum und feiern mit einem bunten Programm. Ein Grund, sich die Geschichte und die Zukunftsvisionen des Orchesters näher anzuschauen.

Liebeserklärung an Richard Strauss

Das Glitzernde, Schillernde, leicht Schwebende fasziniere ihn an der Musik von Richard Strauss. Herrlich und unverwechselbar sei dieser Klang, schreibt Christian Thielemann. Von den ersten Seiten an liest sich sein Buch „Richard Strauss. Ein Zeitgenosse“ wie eine Liebeserklärung an den Komponisten, eine sympathisch persönliche und getragen von sublimer Kennerschaft. 

Thielemann schwärmt über seine Vorlieben, erläutert, warum einige Stücke schwer zu dirigieren sind wie der „Till Eulenspiegel“ mit seinen versetzten Rhythmen. Und er verteidigt den Komponisten stichhaltig gegen höchst fragwürdige Vorurteile. 

Verteidigung gegen den Vorwurf des Eklektizismus

Weil er die moderne Tonsprache seiner Zeit ignorierte, nur in seinen Einaktern „Salome“ und „Elektra“ an die Grenzen der Tonalität ging, trifft Strauss vielfach der Vorwurf des Eklektizismus. Souverän stellt der Autor diesem Einwand einen gänzlich anderen Begriff von Modernität entgegen:

„Strauss erkannte die Gefahren der Atonalität, die Gefahr der Entfremdung des Publikums, die Gefahr der Intellektualisierung der Musik. Und beschloss für sich, dass er das nicht wollte. Und so kreiert er letztlich seinen eigenen, neuen Stil. Das ist das Avantgardistische an ihm.“

Der Pultstar Thielemann hebt allerdings auch die Verantwortung von Dirigentinnen und Dirigenten hervor, die Musik vor Anflügen ins Kitschige zu bewahren, wenn er ausführt:

Bei Strauss muss man gegen jede Süßlichkeit andirigieren, um die Süße der Musik zur Geltung zu bringen.

Wichtiger Aspekt zu „Die Frau ohne Schatten“ fehlt

Nur ein fundamentales Vorurteil, das noch dazu seine Lieblingsoper betrifft, nimmt der Autor Thielemann erstaunlicherweise nicht unter die Lupe: Hartnäckig hält sich in der heutigen Opernkritik die Annahme, dass „Die Frau ohne Schatten“ angeblich frauenfeindlich sei, weil das Stück die Mutterschaft verherrlichen würde.

Eine solche vordergründige Interpretation steht bei ihm freilich nicht zu befürchten. Richtig schreibt er, dass es in dem Drama vor allem um Menschlichkeit geht. Die Leserinnen und Leser erfahren in dem Kontext jedoch nicht, dass die Mutterschaft als eine Metapher für die Menschwerdung der Titelheldin dient. Das ist ein bisschen schade.  

Hassliebe zu „Salome“

Tatsächlich finden sich im Oeuvre von Richard Strauss auch Werke, die der Autor nicht so gerne, selten oder gar noch nie dirigiert hat wie zum Beispiel die aus seiner Sicht harzige, knorrige Tondichtung „Don Quixote“. Allen voran mit der „Salome“ verbindet ihn eine Hassliebe.  

„Ich habe ‚Salome' öfter dirigiert, in Nürnberg und auch in Italien. Und dann habe ich damit irgendwann aufgehört, weil es mir keinen Spaß gemacht hat, gegen diese Lautstärken anzukämpfen.“

Ähnlich mag die von Thielemann sehr geschätzte Sopranistin Lisa della Casa empfunden haben, die diese Partie nur einmal in München sang, weil sie ihre silbrige, lyrische Stimme mit dem geforderten dramatischen Potenzial an ihre Grenzen brachte.

Beim Publikum mag die Wahrnehmung aber doch eine andere sein, denkt man an die Auftritte des Jochanaan, dessen Partie Thielemann selbst einen „Klangbalsam pur“ nennt, Salomes Schlussgesang, der nach dem Kuss ganz im Pianissimo einsetzt. Oder an den legendären, vom Autor selbst ins Feld geführten Auftritt von Hildegard Behrens unter Karajan, von einem einzigen Dauerforte konnte da nicht die Rede sein. Insofern regt sich bei der Lektüre bisweilen auch Widerspruch.

Stärke der Strauss-Frauen wird hervorgehoben

Unter den Frauenfiguren in Strauss‘ Musikdramen ist Salome indes die einzige, mit der sich Thielemann schwer identifizieren kann. Allen anderen von der Marschallin und Arabella über Kaiserin, Färberin bis hin zu Elektra attestiert er eine Stärke, die er den Heldinnen in den Opern Richard Wagners abspricht:

„Die Wagner-Frauen sind Opfer. Auch sie sind zwar Überfrauen, schon dank ihrer Stimmgewalten, aber sie gehen ins Wasser, sinken entseelt zu Boden, sterben Liebestode oder werden auf Feuerbetten gefesselt. Die Strauss-Frauen dagegen leben, und sie leben selbstbestimmt.“

Dass Thielemann Isolde und Brünnhilde, die mutig und eigenverantwortlich handeln mit Senta, Elsa und Elisabeth als Opfer auf eine Stufe stellt, mag überraschen. Und auch, dass er die Frage übergeht, ob nicht die frühreife Göre Salome von ihrem Vater Herodes missbraucht worden und damit doch ein Opfer sein könnte, wie es zahlreiche Regisseure interpretieren.

Ein Füllhorn an Weisheiten

Aber alles in allem finden sich im Buch wenige Stellen, über die man stolpert. Es offeriert vielmehr ein Füllhorn an Weisheiten. Zum Beispiel, dass es bei Strauss generell reizvoll erscheint, wenn ein großes Orchester leise spielt.

Der musikalische Laie kommt dabei ebenso auf seine Kosten wie eine musikalisch vorgebildete Leserschaft. Wie sich sprachlich Poesie mit flapsiger Berliner Schnauze verbindet, zeugt von einem ganz eigenen Charme.

„Richard Strauss. Ein Zeitgenosse“ bietet eine ebenso unterhaltsame wie erkenntnisreiche Lektüre, sympathisch persönlich in den Bekenntnissen und farbenreich wie die Musik des Komponisten.

Der 73. Internationale ARD-Musikwettbewerb ist am Wochenende zu Ende gegangen, die Gewinnerinnen und Gewinner stehen fest, jetzt gibt es noch drei Preisträgerkonzerte, die live im ARD-Radiofestival übertragen werden. SWR-Musikredakteurin Doris Blaich hat die Wertungsspiele vor Ort mitverfolgt und berichtet von ihren Eindrücken.

Sergej Tanejew spielte als Pianist Uraufführungen von Tschaikowsky, unterrichtete als Lehrer Rachmaninow und Skrjabin und wird als Komponist manchmal der „russische Brahms“ genannt. Aber was besagt so ein Etikett schon? Wie klingt Tanejews Musik? Ein neues Album lässt zwei seiner späten Werke erklingen. Albrecht Selge hat es sich angehört.

Komposition zu frittiertem Otter – Hauptsache das Preisgeld stimmt

Meine Güte – was ich alles verloren habe! Sollte es in 250 Jahren eine halbe TVL-13-Stelle in der Kampeforschung geben – um mein Werkverzeichnis zu erstellen, wird es nicht unter KV, dem Kampe-Verzeichnis, sondern unter LV, dem Loserverzeichnis firmieren.

Gefühlt 53.000 Stücke habe ich extra für Wettbewerbe geschrieben. Ein Stück für Bass-Trumscheit und frittiertem Otter zum Thema Bluthochdruck an der Ostsee? Kein Problem.

Preisgeld: 500.- €! – easy.

ABSAGE

Wenn ich etwas kann, dann verlieren. Das Empfangen von E-Mails, die mit »leider müssen wir Ihnen mitteilen« beginnen, ist ein ganz besonderer Sport. Meine Lieblingsmail kam mal von einem Künstlerhaus. In der Betreffzeile stand lediglich »Absage« – das war’s.

Das ist kein »mimimi« des beleidigten Nörglers. Wer Wettbewerb nicht aushält, ist nicht gut beraten, Musikerin oder Musiker zu werden. Das klingt nicht sehr freundlich, aber: Augen auf bei der Berufswahl.

Kein Einzelfall

Während man bei Instrumentalwettbewerben oft vor aller Öffentlichkeit verliert, können wir wenigstens heimlich schmollen. Vor ein paar Jahren postete ein geschätzter Kollege auf Facebook, nachdem er etwas gewonnen hatte, was er alles nicht gewonnen hatte. Ein fettes Like dafür.

Auch in meiner Vita steht nur, was ich für ein cooler Hecht bin. Man sieht nicht, dass ich mich um einen einschlägigen Preis im Sendebereich des SWR, wenn ich nicht irre, sieben mal mit demselben Stück beworben habe.

»Sowas«, so der Juryvorsitzende damals, habe er ja noch nie gesehen. »Naja«, meinte ich, »vermutlich schon etwa sechs mal«.

Hartnäckig bleiben lohnt sich

Für meine achtmalige Bewerbung um ein Aufenthaltsstipendium benutzte ich, es war vor der Digitalisierung, den immer gleichen Monsterumschlag. Ich tauschte nicht einmal mehr die geforderten 6x3 Partituren aus, nur die Paketmarke.

In das Textfeld, in das ich hineintippen konnte, warum ich denn nun der Richtige für einen Aufenthalt in der Villa Massimo sei, schrieb ich sinngemäß irgendwann ehrlich: »Ich will nach Rom und bin stets fleißig«. Dieses Konzept schien die Jury im etwa dreizehnten Anlauf endlich überzeugt zu haben.

Selbst der charmante Bewerbungskoordinator begrüßte mich, mittlerweile Jurymitglied – »na Herr Kampe, sie sind ja mal hartnäckig.«

Vom Bewerber zum Cheff

Verlieren hatte ich aber schon lange eingeübt. Ich hatte trotz zahlreicher Anläufe als Jugendlicher nie den Wettbewerb »Jugend komponiert« der Avantgarde-Kaderschmiede in Weikersheim gewonnen.

Nun ja… Jetzt bin ich da der Chef. Man sieht sich immer zwei mal. Eat this – Wunderkind!

Nur Mut!

Über Sinn und Zweck solcher Wettbewerbe, den typischen Wettbewerbsstücksound, obskure und an Ausbeutung grenzende Ausschreibungen müsste man viel erzählen und grundsätzlich diskutieren. Wer ein bisschen unsicher im Auftreten ist und sich eine Karriere nicht durch geschicktes »netzwerken« und PR-Blinkywinky allein aufbauen kann, für den sind Wettbewerbe – wenn sie professionell und vor allem ehrlich durchgeführt werden – immerhin eine Möglichkeit, Aufmerksamkeit zu generieren.

Das alles braucht Geduld und Hartnäckigkeit. Euch Losern rufe ich also zu: Kaffeekochen, weitermachen.