Treffpunkt Klassik

Erste Kompositionen mit elf Jahren

Wien, 1882: Die musikalischen Anfänge von Arnold Schönberg sind eher unspektakulär. Für seine Eltern ist Musik vor allem eine geschätzte Freizeitbeschäftigung und im Alter von acht Jahren erhält Arnold den ersten Geigenunterricht.

Mit dem bloßen „Spielen“ ist er allerdings nicht lange zufrieden — er will „schaffen“. Und so entstehen schon bald seine ersten Kompositionen: schlichte Duette für zwei Geigen, Übungsliteratur, keine großen Kunstwerke. Gut, er ist auch erst elf!

Schönbergs Frühwerk „ziemlich romantisch“

Individueller wird Schönbergs Musik aber schon bald. 1896 schreibt er ein Notturno für Streicher, das als seine erste „richtige“ Komposition angesehen werden kann.

Das klingt doch schon eher nach einem echten Arnold Schönberg! Jetzt werden Sie vielleicht sagen: „Moment, Schönberg? Das ist doch der mit der Zwölftonmusik? Dafür kommt das aber ziemlich romantisch daher“.

Fakt ist: Als Schönberg den sicheren Hafen der Tonalität verlässt, ist er bereits Mitte 30. Aber davor war er nicht ganz untätig. In welchem Umfeld sein Frühwerk sich abspielte, wird deutlich, wenn man sich einige Relationen vor Augen führt: Als Richard Wagner starb, war Schönberg 8 Jahre alt, beim Tod von Brahms und Brucker war er 22 und auf dem Begräbnis des Walzerkönigs Johann Strauß war er als 24-Jähriger. 

Kein eskalierter Brahms oder verschärfter Wagner

Die Einflüsse aus Hoch- und Spätromantik hat Schönberg nie in Abrede gestellt. Als eine Art eskalierter Brahms oder verschärfter Wagner will er sich aber nicht verstanden wissen. Auf die leidige Frage, ob er nun Brahmsianer oder Wagnerianer sei, antwortet er mit wienerischer Lakonie: „I bin selber aner!“

„Was aber sage ich?“ Diese Frage zu beantworten, fällt dem jungen Schönberg nicht leicht. Auch die Frage, ob er die Musik zum Beruf machen will, hat er noch nicht geklärt.

Chansons mit Ohrwurmpotenzial

Sein Portfolio um die Jahrhundertwende ist eher bodenständig: Er übernimmt Dirigate beim Mödlinger Gesangsverein „Freisinn“, beim Männergesangsverein Meidling sowie die Chormeisterstelle des  Metallarbeiter-Sängerbunds Stockerau. 1901 geht er nach Berlin, wird Kapellmeister eines Kabaretts und schreibt Chansons mit Ohrwurmpotenzial.

Das Gastspiel bei der leichten Muse bleibt kurz. Nach einem halben Jahr kehrt Schönberg zurück nach Wien und wagt sich ins dortige, denkbar konservative Musikleben. Und das mit einer Komposition, die er schon zwei Jahre in der Schublade hat: Verklärte Nacht für Streichsextett. 

Der erste „Schönberg-Skandal“

Auch wenn hier letztlich alles noch im Rahmen von Dur und Moll bleibt — es knirscht schon ein wenig im tonalen Gebälk. Aber allein das verursacht Aufregung genug und der erste „Schönberg-Skandal“ ist perfekt: „Das klingt ja, als ob man über die noch nasse Tristan-Partitur gewischt hätte“, lautet ein noch eher freundlicher Kommentar nach der Uraufführung.

Und wieder wird Schönbergs Musik auf einen Stil reduziert, was ihm zunehmend widerstrebt. Er fühlt sich nicht ernst genommen.

„Wirklicher Wendepunkt“: Die Kammersinfonie op. 9

„Stil und Gedanke“ – so wird Schönberg viel später, im Jahr 1946, einen Essay nennen, in dem er seine Ästhetik noch einmal auf den Punkt bringt. Und vielleicht ist in seinen frühen Kompositionen einfach noch zu viel Stil, zu viel Tradition tonangebend.

Mehr Gedanke also! Genau das realisiert er mit einem epochalen Stück: mit der Kammersinfonie op. 9, die er als „wirklichen Wendepunkt“ bezeichnet. 

Musik als „Demokratiegeräusche“

Die Uraufführung im Februar 1907 wird — Sie ahnen es schon — zum Skandal. „Herr Schönberg [...] macht wilde, ungepflegte Demokratiegeräusche, die kein vornehmer Mensch mit Musik verwechseln kann“, schreibt ein Kritiker.

Es ist kaum zu überhören: In dieser Schmähung geht es um weit mehr als um Musik. Schönbergs „Demokratiegeräusche“ scheinen die ohnehin schon alles andere als heile Welt der späten k.u.k.-Monarchie zu gefährden. Arnold Schönberg ist enttäuscht. Er war fest von einem Erfolg seiner Kammersinfonie ausgegangen.

Seit dem 13. August läuft die Sommerausgabe des Lucerne Festivals, dessen Wurzeln bis ins Jahr 1938 zurückreichen. Alljährlich sind dort berühmte Orchester, große Dirigenten und Solisten am Vierwaldstätter See zu Gast.

Dieses Jahr gastieren unter anderem die Berliner Philharmoniker unter Kirill Petrenko und die Wiener Philharmoniker unter Christian Thielemann. Bei den Solistinnen und Solisten finden sich Stammgäste wie Anne-Sophie Mutter, Daniil Trifonov und Vikingur Olafsson.

Und unter dem Motto „Neugier“ wird auch der 20. Geburtstag der Lucerne Festival Academy gefeiert.

Der Vater als Karriereleiter

Wolfgang Windgassen stammte aus einer Musikerfamilie. Sein Vater, Fritz Windgassen, war ebenfalls Tenor und ein renommierter Wagner-Sänger. Das Sprichwort vom Apfel, der nicht weit vom Stamm fällt, traf hier voll zu.

Mein Vater ist mein bester Freund, und steht mir überall zu meinen Aufgaben mit Rat und Tat zur Seite.

Die Sängerkarriere von Wolfgang Windgassen begann am Theater in Pforzheim. Nach der Zerstörung des Hauses im Zuge des verheerenden Bombenangriffs vom Februar 1945 wechselte er an die Staatsoper nach Stuttgart. Er hatte Glück, dass sein Vater gerade pensioniert wurde und er seine Stelle einfach übernehmen konnte.

Schauspielerischer Stil: Keine nervösen Bewegungen

Nachdem Wolfgang Windgassen an der Stuttgarter Staatsoper zu dem Wagner-Tenor schlechthin geworden war, holte ihn Wieland Wagner auf den Grünen Hügel nach Bayreuth. Durch dessen Regiearbeit fand er zu seinem persönlichen schauspielerischen Stil. Oberste Maxime für ihn war:

Dass man nicht nervöse Bewegungen macht, die vielleicht Reflexbewegungen sind aufgrund irgendwelcher musikalischen Phrasen und Ausbrüche!

Bis zu Windgassens Tod gab es keine große Tenorpartie, die er auf dem Grünen Hügel nicht gesungen hätte, darunter rund 100 Mal den „Tannhäuser“ und 120 Mal den „Tristan“.

Später Operetten-Liebhaber

Interessant ist, dass Wolfgang Windgassen nach 25 Jahren als Heldentenor in Stuttgart und Bayreuth das Genre Operette neu für sich entdeckte. 1973, ein Jahr vor seinem Tod, verfilmte das ZDF mit ihm Leon Jessels „Schwarzwaldmädel“.

Er war der Meinung, dass die Beherrschung der Operette förderlich für die „Darstellung und für die Beweglichkeit auf der Bühne“ sei.

Früher Tod erschütterte die Musikwelt

Wolfgang Windgassen hatte noch viele Pläne – als Sänger und als Operndirektor in Stuttgart. Sein plötzlicher Tod durch Herzversagen 1974 erschütterte die Musikwelt. Er wurde nur 60 Jahre alt. Die Nachrufe in Rundfunk und Fernsehen waren kaum zu zählen.

Im Nachruf des Bayrischen Rundfunk hieß es dazu: „Sieben Tage vor seinem Tod stand er zum letzten Mal auf der Bühne. Als Florestan in einer Aufführung der Württembergischen Staatsoper. Es gibt nichts, was zum Ruhm und Nachruhm des Heldentenors Wolfgang Windgassen ungesagt geblieben wäre.“

Er war der vielleicht einmaligste Symphoniker der Musikgeschichte: Am 4. September feierte Anton Bruckner seinen 200. Geburtstag. In der dritten Folge von „Bruckners Besonderheiten“ ist die Dirigentin Marie Jacquot zu Gast. Sie spricht als „Bruckner-Neuling“ mit Malte Hemmerich über die 7. Sinfonie und ihre Lieblingsstellen.

600 Kilometer nordöstlich von Helsinki liegt die finnische Stadt Kuhmo, in der 8.000 Einwohner auf einer Fläche leben, die doppelt so groß ist wie Tokyo. Einmal im Jahr gibt es dort ein Kammermusikfestival, das zu den größten Europas zählt, auch wenn es wohl selbst unter Klassikinteressierten wenig bekannt ist.

In ihrem essayistischen Dokumentarfilm „Wald:Sinfonie“ geben die gebürtige Finnin Meri Koivisto und ihr deutscher Koautor Nils Dettmann Einblicke in den Ort und vor allem das Festival.

Trailer zu „Wald:Sinfonie“ auf YouTube

Immer noch am besten inmitten eines Pubs spielt sich das Leben in Dublin ab. Und unter nieseligem Himmel und auf grünen Wiesen blüht sie hier: des Sommers letzte Rose. Mit Texten von Heinrich Böll, Brian O'Nolan und Thomas Moore und traditioneller irischer Musik.

Am 4. September jährt sich der Geburtstag von Anton Bruckner zum 200. Mal. Und denkt man an Bruckner, denkt man vor allem an seine Messen und Sinfonien aus seiner zweiten Lebenshälfte.

Für seine persönliche und künstlerische Entwicklung bis hin zu diesen Spitzenleistungen waren aber die Stadt Linz und das nahe gelegene Augustiner-Chorherrenstift St. Florian von entscheidender Bedeutung.

Unglaubliche kompositorische Anstrengung

Anton Bruckner soll, nachdem er mit der Partiturabschrift der fünften Sinfonie fertig war, gesagt haben: „Nicht um tausend Gulden möchte ich die noch mal schreiben.“ Das mag an der unglaublichen kompositorischen Anstrengung gelegen haben, die in diese Sinfonie eingeflossen ist.

„Im Prinzip handelt es sich bei dieser Sinfonie um ein Sammelsurium aus 600 bis 700 Jahren Musikgeschichte“, erklärt Markus Poschner, der seit 2017 das Bruckner-Orchester Linz leitet und sämtliche Fassungen aller Bruckner-Sinfonien aufgenommen hat.

Man finde dort Vokal-Polyphonie, Bachsche Fugentechnik oder auch kühnste Wagnerischer Harmonik. Bruckner wollte mit diesem Werk zeigen, dass er Musikgeschichte schreibt, nichts weniger war sein Ansinnen.

Das ist für mich eines der aufregendsten, einer der besten Werke, die je geschrieben worden sind.

Viel Volksmusik im Scherzo

Anton Bruckners 5. Sinfonie habe ein sehr kitschiges Thema im ersten Satz und ein irres Finale mit Doppelfuge im vierten Satz. Aber Markus Poschner möchte vor allem über den dritten sprechen: das Scherzo, in dem man viel über Bruckners Stil erfahren kann.

Wie auch in anderen dritten Sätzen seiner Sinfonien, spiele hier die Volksmusik eine große Rolle, erklärt Poschner. Diese sei seiner Ansicht nach „der größte und beste Schlüssel“ zu Bruckners Werken. Bruckner, der auch Geiger und Bratschist war, habe in seiner Jugendzeit viel Volksmusik gemacht, viel auf Kirchweihfesten gespielt.

Basierend auf dieser Volksmusik sei er dann extreme Wege gegangen, wie später nur noch Gustav Mahler. Zur hören seien groteske, an Totentänze erinnernde Verzerrungen, Grimassen, Parodien und Karikaturen.

Nicht alles steckt in der Notenschrift

Viele Dinge müssten dabei ganz bestimmt phrasiert werden, aber das stecke nicht in der Notenschrift, erklärt Poschner. Genauso sei es mit dem Tempo. Für Bruckner war klar, welches Tempo gemeint sein muss, sodass er es nicht extra notierte.

Das sei heute oft ein Problem: „Man weiß zu wenig über die Moden der Zeit und über die Art und Weise, wie Volksmusik wirklich phrasiert und gespielt wurde“, sagt Poschner.

Mittelsätze bei Bruckner besonders wichtig

Es gibt noch weitere Gründe, den gerne übersehenen Mittelsätzen bei Bruckner mehr Aufmerksamkeit zu schenken. Hier passiere oft das, was wirklich neu ist, z.B. dass drei statt zwei Themen zu finden sind oder dass Material weitergedacht oder für den folgenden Satz vorbereitet werde.

Bruckner braucht diese Mittelsätze, er ist da sehr, sehr bei sich.

Zeit für Recherche, Zeit zum Hören

Insgesamt wünscht sich Markus Poschner, dass man in Bruckners Werke mehr Zeit investiert. Man könne nicht alle Sinfonien über einen Kamm scheren: „Jedes dieser Werke hat sein eigenes Geheimnis, seinen eigenen Duktus und seine eigene Gestik.“

Es ist wirklich eine emotionale Reise auf einen anderen Planeten.

Bruckner setze viel voraus und das brauche sehr, sehr gute Recherche und Vorbereitungsarbeit. Genauso sollte man sich viel Zeit zum Hören nehmen, so der Dirigent. Allein schon, weil die Sinfonie lange dauern, doch es lohne sich.

Seine knappen Charakterstücke werden nicht mehr nur als Zugaben-Stücke gespielt, sondern bilden oft einen eigenen Programm-Schwerpunkt. Maurice Ravel setzte ihm im frühen 20. Jahrhundert ein kompositorisches Denkmal mit seiner Suite „Le Tombeau de Couperin“.

Gemeint ist François Couperin, dessen Leben sich an einer historischen Schnittstelle bewegt. Welche? Das zeigt Johannes Menke in seinem neuen Buch über „Couperin und seine Zeit“.

Tigran Hamasyan gehört zu den angesagtesten Jazz-Pianisten der Gegenwart. Nicht nur, weil er ein offensichtlicher Virtuose ist, sondern, weil seine Musik eine Sprache spricht, die man beim ersten Hören nur schwer zuordnen kann: Da treffen westliche Akkorde auf östliche Stimmführungen und armenische Volkslieder auf Jazzimprovisation.

Ende August ist Tigran Hamasyans neues Album „The bird of a thousand Voices“ erschienen. Darauf lässt er sich von einer alten armenischen Legende inspirieren.

„The bird of a thousand Voices“ auf YouTube