Treffpunkt Klassik

Lärm und Stille, Profanes und Poetisches prallen in dieser Stadt aufeinander. Durchgeschüttelt nach einer ratternden U-Bahn-Fahrt, hält der Tokio-Reisende inne beim Betrachten eines Falters beim Bambus. Mit Texten von Durs Grünbein, Yasunari Kawabata, Michiko, Imma von Bodmershof, Wieland Wagner, Mantaro, Chora und Issa und Musik von Helmut Lachenmann und Toshio Hosokawa.

Ludwig van Beethoven gehört wohl zu einem der meistinterpretierten Komponisten überhaupt. Der Pianist Matthias Kirschnereit beschäftigt sich gerade für die SWR Kultur Musikstunde mit Beethovens Klavierkonzerten. Warum es immer noch spannend ist, Beethoven zu erforschen, und was ihn an den fünf Klavierkonzerten gerade besonders reizt, erzählt er im SWR Kultur Musikgespräch.

Risse im Bild vom Traumpaar der Musikgeschichte

Sie gelten als Traumpaar der Musikgeschichte: die schillernde Pianistin und aufopferungsvolle achtfache Mutter und der geniale, schwermütige Komponist und Künstler. Doch leider werden jetzt alle bitter enttäuscht, die sich an diesem Idealbild einer Künstlerehe ergötzt haben. Clara und Robert Schumann hatten mitnichten die große Liebe und tolle Beziehung, die uns die bisherige Musikgeschichtsschreibung weismachen will.

Christine Eichel nimmt in ihrem Buch „Clara“ die bisher wenig beleuchteten Umstände der Beziehung unter die Lupe. Die Pianistin war alles andere als eine „sanfte Muse im Schatten ihres genialischen Mannes Robert“, wie der Klappentext es auf den Punkt bringt.

Furchtlos habe sie sich über männliche Besitzansprüche hinweggesetzt, sich aus der toxischen Beziehung zu ihrem psychisch labilen Ehemann gelöst und sei durch kluge Imagepflege zum Star ihrer Zeit aufgestiegen. Claras Leben, ihre Probleme, ihre Themen sind dabei verblüffend aktuell.

Clara Schumanns Ringen um Autonomie, künstlerisch, menschlich, ökonomisch, steht für eine Neuverortung weiblicher Identität, die einzigartig ist im neunzehnten Jahrhundert.

Der Vater drillt Clara mit eiserner Hand

Christine Eichel beginnt ihre Biografie in Claras Kindheit, unter einem herrischen Vater, der seine einzige Tochter als Versuchskaninchen für seine neu erdachten pädagogischen Methoden benutzt, um sie zum Kinderstar zu machen und mit ihrem Klavierspiel Geld zu verdienen. Mädchen seien eben gefügiger als Jungen, so seine Überzeugung. Und deshalb musste Clara auch nach der Trennung ihrer Eltern bei Friedrich Wieck bleiben.

Wieck ist ein Mann, „der seine Tochter mit eiserner Hand erzieht“, schreibt Eichel: „Was andere als kindgerechte Aktivitäten betrachten, ist in seinen Augen nichts als Zeitverschwendung. Die einzige Erholung, die er Clara zugesteht, sind ausgedehnte Spaziergänge an der frischen Luft, um ihre körperliche Konstitution zu stärken. Was sie will, wonach sie sich sehnt, spielt keine Rolle.“

Aufmerksamkeit erhält sie, sobald das Klavier ins Spiel kommt. Da steht sie plötzlich im Mittelpunkt, da wird sie als menschliches Wesen wahrgenommen. Heute würden wir von Konditionierung sprechen. Diese Lektion wird ihr gesamtes Leben bestimmen: Am Klavier ist sie wer. Nur am Klavier.

Die ersten vier Jahre ihres Lebens spricht Clara kaum, ist ein stummes Kind. Christine Eichel wagt, nicht nur hier, eine Diagnose: Es könne sich um einen durch Angststörungen ausgelösten selektiven Mutismus handeln.

Robert Schumann als Katalysator der Befreiung

Als junge Pianistin wahnsinnig erfolgreich, als Kind ausgehungert nach Liebe und Zuwendung, begegnet der vorpubertären Clara Schumann der neun Jahre ältere Robert das erste Mal im eigenen Zuhause, wo er als Klavierschüler von Claras Vater eingezogen ist.

Als erster Mensch gibt er ihr die Aufmerksamkeit, die ihr fehlt. Sie ist elf er ist zwanzig, da beginnt die schriftliche Korrespondenz, ab da steigern sich ihre gegenseitigen Schwärmereien, bis sie sich nur wenige Jahre später das erste Mal auch körperlich näherkommen. Bis zur Hochzeit vergehen allerdings noch einige Jahre.

Erst durch die Reibung an der ambivalenten Figur Robert Schumanns rege sich in Clara das Bewusstsein für ihr ganz eigenes Wünschen und Wollen, schreibt Christine Eichel. Robert werde zum „wichtigsten Katalysator ihrer inneren und äußeren Befreiung“.

Autorin Christine Eichel im Interview

Von Anfang an eine toxische Beziehung

Die Beziehung zu Robert ist dabei von Anfang an toxisch: Er betrügt sie, verspricht, es bleiben zu lassen, und tut es wieder. Er belügt sie, erpresst sie emotional, will sie kleinhalten. Robert ist neidisch auf ihren Erfolg und zwingt sie nach der Eheschließung mehr und mehr in eine Hausfrauenrolle, in der sie gar nicht sein will.

„Um wie vieles ich also klüger sein muss als Du. Überhaupt wird es Dir schwerlich gelingen, das berühmte Instrument über mich zu handhaben, ich werde Dich Wildfang zu bändigen wissen“, zitiert Eichel aus den Schriften Robert Schumanns.

Sein Frauenbild lässt auch die Autorin nicht ungerührt zurück: „Das ‚Instrument‘, von dem er spricht, ist zweifellos Claras erotische Anziehungskraft. (…) Wie Robert seinen ‚Wildfang‘ zu bändigen gedenkt, möchte man sich lieber nicht so genau vorstellen.“

Die Autorin kennzeichnet historische Möglichkeiten und Fantasie ganz klar durch entsprechende Formulierungen. Der Rest ist mit Fußnoten versehen, sauber gearbeitet und dementsprechend nachvollziehbar. Beeindruckend ist dabei vor allem der große Kontext, in den sie all das viele, bisher teilweise unbekannte, zusammengetragene Wissen immer wieder stellt.

Scharfe Analyse mit großem Einfühlungsvermögen

Die Entwicklung Clara Schumanns von früher Kindheit bis zu ihrem Tod beschreibt Christine Eichel mit großem Einfühlungsvermögen, scharfer feministischer, psychologischer und soziologischer Analyse und einer enorm detaillierten erzählerischen Kraft.

Was sie dabei nebenbei leistet, ist eine Diskursanalyse über Clara Schumanns Rezeption. Auch hier verwundert es nicht, allerhand sexistischen Fantasien von Biografen und Musikwissenschaftlern dieser Jahre zu begegnen – und gleichzeitig ist es so dermaßen wichtig, es trotzdem schonungslos herauszustellen. Denn Misogynie ist beileibe kein Phänomen der Vergangenheit, das man nur bei Robert Schumann, Franz Liszt und anderen findet.

Dieses Buch stellt die Aktualität der Kämpfe heraus, denen sich Clara Schumann in ihrem Leben mutig, trotzig und entschlossen gestellt hat – und neben vielen bitteren und demütigenden Erfahrungen trotzdem erfolgreich meisterte. „Clara“ ist für alle ambitionierten Musikinteressierten ein Must-Read, nicht nur für diesen Sommer.

„Wenn der liebe Gott sich im Himmel langweilt, dann öffnet er das Fenster und betrachtet die Boulevards von Paris“, meinte Heinrich Heine. Aber auch als Flaneur oder auf einer Brücke über der Seine kann der Paris-Liebhaber eintauchen in das einzigartige Lebensgefühl dieser Stadt. Mit Texten von Kurt Tucholsky, Jean Dréjac, Heinrich Heine, André Bazin, Rainer Maria Rilke, Erich Kästner und Gérard de Nerval und Musik von Hubert Giraud, Daniel Janin und Erik Satie.

„Ще не вмерла Україна“ – „Noch ist die Ukraine nicht gestorben“. Das ist der Titel der ukrainischen Nationalhymne. Und auch wenn der Text aus dem 19. Jahrhundert stammt, ist dieser Satz heute so aktuell wie selten zuvor.

Die Ursprünge der ukrainischen Nationalhymne

Im 19. Jahrhundert existiert keine souveräne Ukraine. Das Land, auf dem die Menschen Ukrainisch sprechen, ist aufgeteilt zwischen dem russischen Imperium und dem Kaiserreich Österreich-Ungarn. Doch junge Intellektuelle lehnen sich auf. Inspiriert von den Nationalbewegungen, die zu dieser Zeit in ganz Europa entstehen, schreibt der Dichter Pawlo Tschubinskij im Jahr 1862 ein Gedicht über seine Heimat. Der Titel: „Noch ist die Ukraine nicht gestorben“.

Tschubinskij, der in Sankt Petersburg lebt, wird von der russischen Polizei für die Veröffentlichung des Gedichtes bestraft. Ihm wird Verrat am Russischen Reich vorgeworfen. Sieben Jahre verbringt er in der Verbannung im Norden Russlands. In der österreichisch verwalteten Ukraine, die intellektuell weitaus freier ist, wird der Komponist Michajlo Werbitzky darauf aufmerksam und komponiert eine Melodie zum Text.

1865 wird die Hymne zum ersten Mal aufgeführt, auf einem Konzert zu Ehren des ukrainischen Nationaldichters Taras Schewtschenko. Auch er war ein Opfer zaristischer Repression geworden und war vier Jahre zuvor verstorben. Die Melodie und der Gesang von Tschubinskij und Werbitzky, die an diesem Abend zum ersten Mal erklingen, bleiben den Menschen in der Ukraine im Ohr.

Neue Hymne unter sowjetischer Führung

Die Geschichte der Ukraine bleibt geprägt von blutigen Episoden: 1917 ziehen die deutschen Truppen nach jahrelangem Kampf im Ersten Weltkrieg aus Kiew ab. Das entstehende Machtvakuum füllt die erste ukrainische Republik. Das gab es seit Katharina der Großen nicht mehr. Wieder erklingt die Hymne „Noch ist die Ukraine nicht gestorben“.

Die junge Republik lebt nur kurz. Bereits in den 1920er-Jahren wird die Ukraine wiederum von sowjetischen Truppen besetzt, von Moskau wird eine Sattelitenregierung installiert. Ukrainische Freiheit? Das gibt es laut Moskau nicht, so bekommt die Ukrainische Sowjetrepublik auch eine neue Hymne. Das klingt etwas pompös, etwas glorifizierend und etwas – sowjetisch.

Die Nationalhyme spendet Hoffnung

Nach der Unabhängigkeit der Ukraine im Jahr 1991 kehrt man zur alten Hymne aus dem 19. Jahrhundert zurück. Die beiden Autoren Werbiitzkij und Tschubanskij hätte es sicher stolz gemacht. Beide haben eine unabhängige Ukraine nie erlebt. Heute spendet die Hymne Ukrainern und Ukrainerinnen in aller Welt Hoffnung, denn, der Titel verheißt: „Noch ist die Ukraine nicht gestorben.“

„Ich finde, dass diese Musik in der Zeit des Krieges für uns immer eine Erinnerung daran ist, wofür wir jeden Tag kämpfen und wofür wir jeden Tag arbeiten“, sagt Dariia Holiatina. Die junge Frau aus Odessa ist Masterstudentin für Chorleitung an der Musikhochschule Freiburg. Sie organisiert im Breisgau auch ukrainische Chorprojekte mit Studierenden und Interessierten.

Die Bedeutung, die die Hymne durch den russischen Angriffskrieg bekommen hat, fasst Holiatina folgendermaßen zusammen: „Als Musikerin kämpfe ich für jede kleine Möglichkeit, mein Land zu repräsentieren und meine Musik zu zeigen. Diese Hymne ist genau der Grund und genau die Erinnerung, wofür wir kämpfen. Wir kämpfen für die Ukraine, wir kämpfen für unser Land.“

Eine Stadt, die durchdrungen ist vom Klang des Tango. Er tönt in den Vorstädten, in den Cafés und Häfen und auf den Straßen von Buenos Aires. Eine Liebeserklärung an die Freiheit mit Texten von Horacio Ferrer, Jorge Luis Borges und Ariel Magnus und Musik von Astor Piazzolla.

Für Autorin Christine Eichel ist die Geschichte von Clara Schumann, geborene Wieck, vor allem die Story einer Befreiung: „Sie war jemand, die wirklich sagte: Selbst ist die Frau!“ Zuerst aus den Fesseln des strengen Vaters, dann die Loslösung von ihrem Mann Robert, den sie laut Eichel oft als Belastung empfand.

Das Buch dekonstruiere diese romantisierte Beziehung und zeige, wie schwierig und herausfordernd das Leben von Clara wirklich war.

Mit festen Ritualen gegen den unsteten Arbeitsalltag

Kultur- und Musikmanagement ist vielleicht nicht der ungewöhnlichste Musikberuf, es ist aber definitiv einer der wichtigsten. Eine, die seine Bedeutung kennt ist Katja Lucker. Seit Januar 2024 leitet sie als Geschäftsführerin die gemeinnützig organisierte Initiative Musik, die im Auftrag der deutschen Bundesregierung die Musikwirtschaft im Land fördern soll.

Zuvor war Lucker Geschäftsführerin der Musicboard Berlin GmbH, die die Popkultur in der Hauptstadt fördern soll, sowie Direktorin des Pop-Kultur Festivals. Was sie an ihrem Beruf schätze, so Lucker, sei die Vielfalt. Kaum ein Tag gleiche dem anderen. Bei so viel Abwechslung setzt sie auf wiederkehrende Rituale: Was es zum Start in den Arbeitstag brauche, sei erst mal eine Kanne Tee, verrät Lucker.

Keine Scheuklappen

In ihrem Beruf müsse sie tatsächlich überraschend wenig Musik hören, erklärt die Kulturmanagerin. Die Auswahl von Nachwuchskünstlerinnen und -künstlern für Förderprojekte werde von Jurys getroffen. Sie selbst nehme zwar an Jury-Sitzungen teil, habe aber keinen Anteil an der Entscheidungsfindung. Dringend sollte man aber die Trends und die Entwicklungen auf dem Musikmarkt im Auge behalten. Scheuklappen dürfe man in diesem Beruf nicht haben.

Zum Kulturmanagement ist Katja Lucker nicht auf dem geraden Weg gekommen. Heute könne man Kulturmanagement zwar studieren, es empfehle sich aber, sich über Praktika und Volontariate auf den Karriereweg vorzubereiten. Was man unbedingt brauche: Leidenschaft, ohne die gehe es im kreativen Bereich einfach nicht.

„Ja, es ist alles beseelt in deinen heiligen Mauern, Ewige Roma; nur mir schweiget noch alles so still“, klagte der mit der römischen Sinnesüberfülle überforderte Johann Wolfgang von Goethe. Wer findet das Zauberwort, das die Stadt zum Klingen bringt? Mit weiteren Texten von Stefan Ulrich, Joseph von Eichendorff, Charles Dickens, Fanny Hensel, Hoffmann von Fallersleben, Ingeborg Bachmann, Friedrich Theodor Vischer und Musik von Felix Mendelssohn Bartholdy, Robert und Clara Schumann, Giovanni Palestrina und Eros Ramazzotti.

Die vielen Sternstunden eines Komponisten

Wann immer ich aus unruhigen Träumen erwache, meine zahlreichen Glieder eingerenkt habe und alsbald einen ersten Blick aus meinem kleinen Schloss auf die noch im Nebel ruhende Welt wage, denke ich so bei mir: Jucheirassa, tandaradei – heute wird es wieder 24 übervolle Sternstunden geben für mich, also frisch ans Werk!

Während mir meine Angestellten noch etwas weißen Trüffel auf das frische Wachtelei hobeln, bin ich auch schon auf dem Weg in mein Komponierhäusel am Waldesrand, mit Meeresblick und W-Lan.

Kaum eingetreten, küssen mich die ersten Musen – doch bevor ich zurückküssen kann, muss ich Verträge unterschreiben und dann noch ein paar schnieke Sneaker aus argentinischem Wildschweinleder bestellen, denn bald kommen ja die GEMA-Tantiemen. Das wird sicher auch wieder so eine Sternstündchen!

Die vielen Schmerzen eines Komponisten

Ja, okay, ich gebe es zu, bevor Sie es bemerken: Ich habe ein kleines bisschen dick aufgetragen. Vielleicht kann der gerade beschriebene Komponist die wirklichen Sternstunden auch schon gar nicht mehr erkennen, weil er sich selbst für die schärfste Schnuppe der südlichen Milchstraße hält. Zur Zeit sitze ich an einer Partiturreinschrift und nichts scheint ferner von mir zu sein, als eine Sternstunde.

Die Deadline naht und der Kaffeekonsum hat mittlerweile ein eher satirisches Maß angenommen. Wenn ich mich nach drölftausend Stunden beknacktem Geklicke mit der angeblich ergonomischen Maus und dösigem Dauerblick auf den Bildschirm versuche zu bewegen, sehe ich eher Sterne wegen »Rücken« und nicht wegen »Kunst«.

Die vielen Enttäuschungen eines Komponisten

Doch es gibt sie, die Sternstunden: gottlob sind sie rar und kommen nicht, wenn man es darauf anlegt. Da schrieb ich also dieses Stück, es heißt »remember me«, falls Sie ein bisschen dazu tanzen mögen, für eines jener einschlägigen Nerd-Festivals mit dem Plan, eine Sternstunde zu erschaffen! War dann aber keine.

War schön, toll gespielt und kam auch ganz gut an – doch der Star des Abends saugte mein Stück in der zweiten Konzerthälfte mit einem Meisterwerk auf. Über ihm stoppte ein Komet, man brachte ihm Weihrauch, Gold und Myrrhe – mir blieben Brezel und eine Schlachtplatte.

Die vielen Überraschungen eines Komponisten

Ich schrieb ein anderes Stück. Diesmal ohne Auftrag, eher so aus der Hüfte. Wohlwissend, dass zu diesem Konzert kaum Kolleginnen und Kollegen anwesend sein dürften, schrieb ich hemmungslos drauflos – eine Sternstunde würde es hier nun wirklich nicht geben können.

Und doch: Mittlerweile ist mir genau dieses Stück besonders wichtig geworden. Vielleicht ist das Stück sogar ganz okay. Sternstundenschnuppen kommen unvermittelt. Sie sind keine ästhetischen Lenkraketen mit Fernsteuerung, deren Sternstundeneinschlagzeit man genau programmieren könnte.

Endlich hatte ich mal mehr gewagt und weniger gewollt. So eine Einsicht kann eine Sternstunde sein, auch wenn sie nur eine Sekunde lang dauert. Wann, wo, wie und wem aber die Sternstunde schlägt, darüber entscheidet allein die Musik – nicht ich.