Treffpunkt Klassik

Die Künstliche Intelligenz, kurz KI, ist seit einiger Zeit auch ein Thema in der Musikwelt. KI erledigt dort Dinge wie Klangbearbeitung und Restaurierung, bis hin zu ganz eigenen Kompositionen. Der Berliner Komponist Johannes Motschmann hat an seinem KI-Musikprojekt „AION“ sechs Jahre lang gearbeitet.

Nun ist es in Zusammenarbeit mit dem SWR Experimentalstudio als Album erschienen. Eine eigene Software wurde für diese Komposition entwickelt: Sie reagiert in Echtzeit und erstellt komplexe Musik. Mehr dazu erzählt Johannes Motschmann im Musikgespräch.

Eine Oper in zwei Teilen

Publikum aus der kleinen Universitätsstadt und aus aller Welt strömt in das Grand Théâtre von Aix-en-Provence um die diesjährige Eröffnungspremiere beim internationalen Musik-Festival zu erleben.

Christoph Willibald Gluck komponierte in einem zeitlichen Abstand von fünf Jahren die Opern „Iphigénie en Aulide“ und „Iphigénie en Tauride“. In Aix-en-Provence sind die beiden Opern als eine Art Fortsetzungsgeschichte an einem Abend zu erleben, und das sichtlich zur Freude des Publikums.

Gleiches Bühnenbild, neue Atmosphäre

Die renommierte französische Cembalistin und Dirigentin Emmanuelle Haïm dirigiert die Iphigenie-Opern. Es spielt das von ihr gegründete und schon mehrfach ausgezeichnete Barockmusikensemble Le Concert d'Astrée. Der Regisseur Dmitri Tcherniakov nimmt sich bei seiner Inszenierung der Tragödie die Freiheit, einige komische Szenen dazu zu erfinden. Das Publikum geht da mit, es gefällt sogar.

Die US-amerikanische Sängerin Corinne Winters, die an internationalen Bühnen gastiert, singt in beiden Opern die Titelpartie. In Aulide agiert sie besonnen als jugendlich-burschikose Iphigenie in einer dekadent wirkenden Umgebung. Iphigenie versucht, versöhnend zwischen Neigung und Pflicht zu wirken, ganz im Sinne des humanistischen Ideals.

Der Trojanische Krieg wütet noch zum Ende der ersten Oper. Nach der Pause spielt die „Iphigénie en Tauride“ zwar im gleichen Bühnenbild aber in vollkommen anderer, düsterer Atmosphäre. Die ältere, ergraute Iphigénie im schlichten Kleid ist nicht mehr Opfer der überspannten Gesellschaft, sondern sie ist als oberste Priesterin dafür zuständig, der Göttin Fremde zu opfern, die auf die Insel kommen.

„Voller Furcht und Schrecken“

Ein Sturm tobt. Iphigenie besänftigt ihn, indem sie darum fleht, kein Blut vergießen zu müssen. Dennoch bleiben die Albträume von Gewalt in Iphigenies Kopf präsent. Die Geschichte von Verrat, Betrug und Mord aus dem Hause Agamemnon ist voller Furcht und Schrecken. Nachdem Iphigenie außerdem glauben muss, dass ihre Familie und ihr geliebter Bruder Orest tot seien, verfällt sie in tiefe Trauer.

Aber die Menschlichkeit in Person der Iphigenie gewinnt gegen alle Gewalt. Corinne Winters singt die starke Schlüsselszene „O malhereuse Iphigénie“ souverän und ergreifend.

Der litauische Komponist Mikalojus Čiurlionis ist in Deutschland kaum bekannt. Das gilt sowohl für seine Kompositionen wie auch für seine Gemälde, denn Čiurlionis war sowohl Musiker als auch Maler. Beide seiner Künste verdienen Aufmerksamkeit, findet Magnus Pötschke und portraitiert den musikalischen Čiurlionis.

Das Geschrei der Verkäufer auf einem Basar, das Wirrwarr von Fahrzeugen auf überfüllten Straßen, und ein Springbrunnen am Tor des Harems, dem der Reisende lauscht und darüber die Welt vergisst: Istanbul. Mit Texten von Yasar Kemal, Julien Green und Orhan Veli und Musik von Petros Pelloponisios und Fazil Say.

Die Salzburger Festspiele 2024 bieten ein Programm, das als eher ungewöhnlich beschrieben werden könnte. Zwar sind Klassiker wie Mozarts „Don Giovanni“ zu sehen, aber auch Prokofjews „Der Spieler“, ein Stück, das vergleichsweise selten gespielt wird. Ob diese Konzeption dennoch aufgeht, erzählt SWR Kultur Opernredakteur Bernd Künzig.

„Es gibt zwei Arten von Städten: alle anderen und Venedig“, meinte der Schriftsteller Henry James. Und vielleicht hat kein anderer Ort mehr Liebeserklärungen erhalten als diese zauberhafte Stadt auf dem Wasser. Mit Texten von George Sand, Henry James, Lord Byron, Harold Brodkey, Thomas Mann, Hermann Hesse, Franz Freiherr von Gaudy und Rose Ausländer und Musik von Felix Mendelssohn Bartholdy und Gustav Mahler.

Unser Bild von Anton Bruckner: Ein Eigenbrötler

Er hat es uns nicht einfach gemacht, und womöglich war er selbst auch nicht einfach: Anton Bruckner. Welches Bild haben wir von Anton Bruckner?

Das fragt Literatur- und Kulturwissenschaftler Rüdiger Görner gleich zu Beginn seiner Biografie über Anton Bruckner und findet, er stehe da als ein Anekdotenlieferant, „tapsig bis tollpatschig, […] die Hosen zu kurz, der Gehrock sichtbar ausgebeult, abgestoßen an den Ärmeln und am Revers“.

Gemeinhin erscheint uns Bruckner wie die Karikatur eines schrulligen Menschen und Eigenbrötlers.

Überwindung der Einsamkeit durch Kunst

Wie lassen sich aber Vorstellung und Wahrheit bei Bruckner zusammenbringen? Görner nähert sich dem Komponisten mit einer fragenden Haltung und kommt unter anderem zu dem Schluss:

Vermeintliche Lebensleere traf in ihm auf unbestreitbare Kunstfülle.

Einsamkeit und die Sehnsucht nach ihrer Überwindung durch Kunst sei eine Grundspannung in seinem Leben gewesen.

Fragende und chronologische Erzählweise

Die fragende Haltung begleitet uns bei der Lektüre dieses Buches immer wieder. Görner stellt auch viele Fragen, die er teilweise nicht beantworten kann oder will, die aber helfen können, uns Bruckner möglichst authentisch und lebensnah vorzustellen.

Dabei erzählt er Bruckners Leben chronologisch. Manchmal greift er aber mit guten Gründen vor, „denn Phasen von Bruckners Leben greifen ineinander wie manche Motive in den überdimensionalen Sätzen seiner Symphonien“.

Sprachgewandte und plastische Darstellung

Dabei zeichnet Rüdiger Görner das Leben Bruckners sprachgewandt – teilweise sprachgewaltig – nach. Zwar werden die Quellen am Ende aufgelistet, doch nicht immer wird klar, was dadurch abgesichert ist, und was Görners eigener plastischer Darstellung zu verdanken ist:

„Barfuß wird er gegangen sein, der kleine Anton, wie damals üblich, bis zum ersten Schneefall, die Joppe, von mütterlicher Hand gestrickt, dazu ein kleiner Filzhut – ohne Feder. Er hörte die Natur mehr, als dass er sie sah […] Etwas Trotziges geht von diesem Jungen aus.“

Es sind Passagen wie diese, die unsere Neugierde als Leser, als Leserin hochhalten. Wenn Bruckner in Linz erstmals mit der Musik Richard Wagners in Berührung kommt, gestaltet Görner das sehr plastisch und ausführlich. Auch weil Bruckner hier – nach seinen Jahren theoretischer Studien – nun näher an der Praxis ist.  

Kleine Ungenauigkeiten

Den Literaturwissenschaftler in sich kann Rüdiger Görner nicht verbergen. Das kommt dem Buch dank vieler Querverweise zugute. Wenn er sich nun erstmals ausgiebig einem Musiker zuwendet, schwingt vor allem die Begeisterung für den Biografierten mit, vereinzelt auf Kosten von Ungenauigkeiten wie bei Robert Schumanns „Carneval“ (statt „Carnaval“).

Auch dass Bruckner in London vor 70.000 Zuhörern die Orgel gespielt hat, ist zwar oft zitiert worden, entspricht aber kaum den Tatsachen und hätte daher kritisch hinterfragt werden können. Umgekehrt scheut sich Görner nicht, persönliches Hörempfinden mit essayartigen Betrachtungen zu verbinden.

Gegenentwurf zu Diergartens Bruckner-Biografie

Vor diesem Hintergrund wirkt Gröners Buch (teilweise) wie ein Gegenentwurf zu der ebenfalls noch neuen Bruckner-Biografie von Felix Diergarten.

Während Felix Diergarten eher knapp und geradezu nüchtern entlang ausgewerteter Quellen berichtet, erzählt Görner in weit umfangreicherem, aber auch freierem Maße: suchend, fragend, ausmalend.

Darum ist gerade diese Biografie auch für alle geeignet, die Bruckners Aura und den Geheimnissen seiner Musik (neu) entdecken möchten.

Es ist wieder Festspielzeit in Salzburg und natürlich steht wieder viel Musik auf dem Programm. Am 13. August geht im Großen Festspielehaus die Premiere von Jacques Offenbachs Oper „Hoffmanns Erzählungen“ über die Bühne.

Mark Minkowski dirigiert dabei die Wiener Philharmoniker. Die französische Opernregisseurin Mariame Clément gibt mit diesem Stück ihr Regiedebüt bei den Festspielen.

Dass es nicht aussehen darf wie vier Opern an einem Abend – das ist, glaube ich, die große Herausforderung.

Trailer zur Premiere auf YouTube

Koechlin: La danse sous les étolies

Ein lauer Sommerabend: Die Sonne sendet gerade noch ihre letzten matten Strahlen über den Horizont. Jetzt beginnt es am Himmel zu funkeln. Ein Meer aus kleinen leuchtenden Punkten erstreckt sich über das Firmament. Ein beeindruckendes Bild, oder?

Das hat der französische Komponist Charles Koechlin offenbar auch so gesehen und einen kleinen Tanz unter den Sternen für zwei Klaviere komponiert. Deutlich höre ich da die Sterne im oberen Register des Klaviers funkeln.

Bach: Wie schön leuchtet der Morgenstern

Die Sterne, ihr Licht, ihre Anordnung am Himmelszelt – alles das hat die Menschen schon seit Urzeiten fasziniert. Vor allem besonders hell leuchtende Sterne. Die lassen sich wunderbar als Vorboten großer Ereignisse interpretieren.

So geschehen etwa beim berühmten biblischen Stern von Bethlehem. Der hat immerhin die weisen Sterndeuter aus dem Osten angelockt – und zu Bachs Zeiten dann für fein ausgesetzte Jubelchoräle in der Thomaskirche gesorgt.

Orlando: In me transierunt

Sterne besitzen eine besondere Strahlkraft – und sie sind dazu auch noch sehr musikalisch. Davon war zumindest der griechische Philosoph und Mathematiker Pythagoras von Samos überzeugt.

Nach seiner Lehre entstehen aus der Bewegung der Sphären um die Sterne herum Töne. Und die sind dann in einem genauso geordneten Verhältnis zueinander angeordnet wie die Sterne untereinander. „Sphärenharmonie“ hat Pythagoras dieses Konzept genannt. Und natürlich lässt sich nach diesem System auch wunderbar komponieren.

Perfekte Harmonie und Proportionen in Orlando di Lassos Motette „In me transierunt“ – dieses Lob kommt nicht nur von mir, sondern vor allem vom berühmten Astronomen Johannes Kepler. Der hat im fünften Buch seiner „Harmonie der Welt“ bewusst diese Musik als Beispiel herangezogen.

Holst: Uranus

Zu Zeiten Keplers im 17. Jahrhundert gab es bereits ein praktisches Hilfsmittel zur Himmelskörper-Beobachtung: das Teleskop. Mit einem solchen Instrument hat dann hundert Jahre später ein gewisser Friedrich Wilhelm Herschel den Himmel abgesucht. Und das hat er dabei gefunden:

Uranus – so heißt der Himmelskörper, den Gustav Holst hier in seiner berühmten Planeten-Suite porträtiert hat. Den hat sein Kollege Friedrich Wilhelm Herschel im 18. Jahrhundert entdeckt.

Kollege? Ja, dieser Herschel war nicht nur ein begeisterter Astronom, sondern auch ein veritabler Komponist. Der gebürtige Hannoveraner hat in London Karriere gemacht und eine ganze Reihe von Sinfonien, Konzerten und Orgelstücken geschrieben. Die alte Lehre von der Sphärenharmonie hat ihn aber weniger interessiert: er hat voll auf den damals modischen galanten Stil gesetzt.

Schubert: Der liebliche Stern

Nach Friedrich Wilhelm Herschels Tod im Jahr 1822 hat dann eine besondere Sternstunde der musikalischen Sternenbegeisterung geschlagen: die Romantik.

„Viel tausend Sterne prangen“, „Die Sternenwelten“, „Die Sternennächte“, „Abendstern“ ... das sind alles Lieder- und Chorsatztitel von Franz Schubert! Klar, die so unendlich weit entfernten Sterne taugen ja auch ausgezeichnet als Metapher für die romantische Sehnsucht nach dem Unerreichbaren – so etwa in Ernst Konrad Friedrich Schulzes Gedicht „Der liebliche Stern“, vertont von Franz Schubert.

Puccini: E lucevan le stelle

Sternensehnsucht im Kleinformat von Franz Schubert – natürlich geht das alles noch eine Nummer größer: auf der Opernbühne etwa. Da gibt es eine ganz berühmte Arie, die auch den leuchtenden Sternenhimmel als Metapher für die Sehnsucht nutzt.

Unter so einem funkelnden Nachthimmel hat sich der Maler Cavaradossi einst mit seiner geliebten Tosca getroffen. Nun sitzt er in der Engelsburg in Rom gefangen und schreibt ihr unter Tränen einen Abschiedsbrief, denn noch an diesem Morgen soll er erschossen werden. Das sind große Gefühle am Beginn des dritten Aktes von Puccinis Tosca.

Hindemith: Die Harmonie der Welt

Nach den Schrecken des Ersten Weltkriegs und damit am Ende der Romantik haben die Sterne dann wieder Hochkonjunktur in der Musik gehabt. Manche Komponistinnen und Komponisten haben damals die Romantik bewusst hinter sich gelassen. „Back to the roots“ war Motto und die gute alte Sphärenharmonie aus der frühen Neuzeit war plötzlich wieder „in“.

Daran hat sich auch der Komponist Paul Hindemith orientiert. Im Jahr 1957 hat er sicher nicht zufällig ausgerechnet eine Oper über den Astronomen Johannes Kepler geschrieben. Der Titel: Die Harmonie der Welt.

Eine Bereicherung der Musikgeschichte

Eines ist klar: ohne die Sterne, ohne ihr Funkeln, ihre komplexe Anordnung, die Magie dieser Himmelskörper und ihre vielseitigen Deutungen wäre die Musikgeschichte sicher um einiges ärmer gewesen.

Schauen Sie also ruhig in dieser Woche mal öfter in den Himmel und genießen Sie diesen faszinierenden Anblick. Und vielleicht inspiriert Sie ja der eine oder andere Himmelskörper zu dem einen oder anderen Musikstück – spielend, singend, schreibend oder hörend.

Ganz oben, an der nördlichen Spitze unseres SWR-Sendegebiets liegt Remagen. Ein architektonisches Prunkstück, direkt am Rhein und etwas außerhalb von Remagen, ist der alte Bahnhof Rolandseck. Dieser war erst tatsächlich ein Bahnhof, und dann seit Mitte der 60er Jahre Kulturtreffpunkt. Hier mischen sich schöne Kulisse und Historie mit kulturellem Genuss. Seit 2007 wurde der Ort durch das moderne Arp Museum ergänzt. Auch in diesem Jahr ist der historische Bahnhof wieder Spielstätte für das Musikfestival Rheinvokal. Für die Reihe "besondere Konzertorte" hat Ines Pasz sich den außergewöhnlichen Bahnhof mal genauer angesehen.