Treffpunkt Klassik

Sommerzeit ist Festivalzeit: Wenn man sich bei den internationalen Klassik-Festivals umschaut, stößt man auf das Molyvos International Music Festival. Gegründet wurde dieses Festival von den deutsch-griechischen Schwestern und Pianistinnen Danae und Kiveli Dörken. Besonders ist hier die Location auf der griechischen Insel Lesbos, die von der Flüchtlingskrise und als Touristenziel beidseitig geprägt ist. Die beiden Musikerinnen sprechen über das Motto der 10. Jubiläumsausgabe „Freundschaft“, und was am Festival so besonders ist.

Fit und Glücklich dank springen

Zwei Mädels schlagen das Seil, eine dritte springt. Jeder erfolgreiche Hüpfer wird mitgezählt, steht er doch – laut Spiel – für die Anzahl der zukünftigen Kinder.

Das mit den Kindern ist natürlich Quatsch. Aber Seilspringen hält fit und macht glücklich.

Es ist nachgewiesen [...] dieses andauernde Springen, das ist ein natürlicher Endorphin-Ausstoß.

Beim Hüpfen zur Musik springt das Herz fröhlich mit, während der Verstand auch schon mal auszusetzen scheint. So zumindest wirkt es alle Jahre wieder auf den großen Sommer Open Airs, wo Fans von Rock- und Pop- in Massen vor der Bühne pogen, sprich euphorisiert auf und ab springen.

Tanzhysterie im Mittelalter

Tanzverrückte Massen sind aber kein exklusives Phänomen der Neuzeit, weiß der Geigen-Virtuose Daniel Hope.

Es gibt diese so genannte Tanzwut. Im 16. Jh. in Straßburg, wo plötzlich Leute wochenlang angefangen haben wie im Delirium auf den Straßen zu tanzen.

Hope hat für sein aktuelles Musik-Projekt „Dance“ 700 Jahre Tanzgeschichte durchforstet. Immer wieder bricht im Mittelalter der Veits-Tanz aus. Eine Art Massen-Hysterie, bei der Menschen ekstatisch bis zur Erschöpfung springen.

Gleichzeitig sollte Tanzen die bösen Geister und Krankheiten vertreiben. Die passenden Töne liefert Hope z. B. bei Saint-Saëns Danse macabre.

Tanz oder Krampf?

Das Dauertanzen wird als verzweifelte Auflehnung gegen die Pest interpretiert. Heute ziehen Forscher auch eine massenhafte Mutterkorn-Vergiftung in Betracht. Bei Missernten entstehen im verschimmelten Korn LSD-artige Substanzen, die krampfartiges Zucken und Halluzinationen bewirken.

In Süditalien steht schon seit der Antike ein anderes Gift im Verdacht. Der Stich der Wolfsspinne lässt Betroffene – wie von der Tarantel gestochen – wild umher springen. Darin hat der Spinnentanz Tarantella angeblich seinen Ursprung

Die Tarantella-Musik soll die Gestochenen heilen. Sie müssen so lange tanzen, bis das Gift ausgeschwitzt ist. Nicht zu verwechseln ist die Tarantella mit dem römischen Saltarello. 

Sprung gegen Sprung

Der Saltarello trägt das Springen – Italienisch saltare – schon im Namen. Wilhelm Müller, der Dichter der „Winterreise“, beschreibt den Saltarello als Wettstreit, bei dem es zu immer gewagteren Sprüngen kommt. 

Fanny Hensel befürchtet auf ihrer Italienreise hüpfende Flöhe. Die halten sich zwar zurück. Dafür hüpfen und springen die Volkstänze des Landes umso mehr. Aus einer Melodie, die sie in Rom notiert und einer Tarantella Napoletana entsteht 1841 ihr eigener „kleiner Sprung“, „Il Saltarello Romano.“

Polka, Rock und Metal

Eine ganze Reihe von Tänzen kennt das Springen und Hüpfen. Die Polka imitiert den lustigen Galopp, im Rock'n'Roll gibt es kunstvolles Anspringen und im Zirkus sorgt der Todessprung Salto Mortale für Hochspannung.

Mit dem Cello in die Drehung

Springen ist – gewollt oder ungewollt – immer ein überraschender Effekt. Eine springende Nadel auf dem Plattenteller macht dabei wenig Freude, bewusst eingesetzte Sprünge oder Stolperer in der Musik selbst aber schon.

Durch eine Synkope etwa, einen kurzen Aussetzer, kann das Hirn leicht auf unvertraute Tonspuren gesetzt werden und dabei Verzauberung empfinden. Das Stegreif-Orchester arbeitet bei seiner Neuinterpretation klassischer Werke gern mit genau diesem Stilmittel.

Seit 2015 beschreitet das Stegreif-Orchester in der Klassik neue Wege. Alle Akteure spielen ohne Notenblatt und ohne Dirigenten. Sie tänzeln frei und barfuß durch den Konzertsaal.

Bei „Bfree“ zeigt das Stegreif Orchester 2020 mitten in der Corona Pandemie wie Bewegung und Musik – trotz aller Einschränkung – Nähe erzeugen.Toll, wie sich der Cellist samt Instrument springend um die eigene Achse dreht und die Geigerinnen beim Spielen zum Balkan-Polka-Beethoven Beat auf und ab hüpfen.

Jan Meier ist in Lübeck geboren und machte eine Ausbildung zum Kürschner. Mittlerweile ist er Direktor für Kostüm, Maske & Garderobe bei den Salzburger Festspielen und erzählt von den Herausforderungen des Berufs, warum Wodka auf die Kostüme gesprüht wird, wie man es schafft, 2000 Kostüme zu bewältigen und wie viel von seiner Inspiration letztendlich auf der Bühne zu sehen ist.

Ausdruck des Patriotismus im Biergarten

Jetzt, wo die Fußball-Europameisterschaft vorbei und Olympia auch bald rum ist, kann ich es Ihnen ja erzählen: Ich bekomme immer ein bisschen Beklemmungen, wenn Leute Hymnen singen. Zum Beispiel beim EM-Spiel Deutschland – Spanien.

Da saß ich mit meinem Kumpel Max in einem schönen Lokal, Bierbänke nach draußen gestellt, Großleinwand, Buletten mit Senf, hunderte pinke Trikotträger um uns rum. Als dann aber die deutsche Nationalhymne gespielt wurde, sang plötzlich das komplette Lokal und auch der Vorplatz mit.

Anarchist, der ich bin, habe ich in hymnensingenden Menschenmassen meist das Gefühl am falschen Ort und unter den falschen Leuten zu sein, aber so schnell kam ich da nicht weg und die Bulette hatte ich auch noch nicht aufgegessen.

Du hast ein Hymnen-Problem?

Max fragte, warum ich so seltsam schaute, worauf ich ihm von meinem Hymnen-Problem erzählte.

„Du hast ein Hymnen-Problem?“, fragte er, und ich dachte, die Diskussion wäre damit eh schon in die falsche Richtung gelenkt, aber er hatte mich wohl doch verstanden. „Hymnen sind wichtig“, meinte er, „sie sind essenzieller Teil der Identität und des Nationalstolzes. Und jedes Land hat deswegen auch seine eigene, nur für dieses Land gespielte Hymne.“

Hymnen-Kolonialismus made in Britain

Und das stimmt eben nicht. Mein Lieblingsbeispiel ist die britische Nationalhymne „God Save the King“, sehr populär, sehr eingängig. So eingängig, dass ihre Melodie zuerst von Preußen, dann von der Schweiz und Liechtenstein übernommen wurde.

Und damit nicht genug: Die preußische Variante „Heil Dir im Siegerkranz“ wurde 1872 vom Berliner Kapellmeister Heinrich Berger zu seiner Anstellung beim König von Honolulu mitgenommen und so schaffte es die Melodie der britischen, respektive preußischen Nationalhymne auch noch zur hawaiianischen. Wenn es damals nur schon die GEMA gegeben hätte!

Wegen Beckenbauer? Deutschland singt zur Kaiserhymne

Max wiederum: „Aber unsere Hymne! Die deutsche Nationalhymne! Die gehört nur uns Deutschen!“ Woraufhin einige Bulletten in Trikots um ihn herum das ein oder andere „Jawoll!“ von sich gaben. 

Ich wies vorsichtig darauf hin, dass unsere Nationalhymne eigentlich nur eine Neubetextung der österreichischen Kaiserhymne „Gott erhalte Franz, den Kaiser“ sei.

„Genau, Franz, der Kaiser. Europameister '72, Weltmeister '74 und als Trainer Weltmeister 1990!“

Woraufhin ich erwiderte: „Nee, Franz, der Kaiser, '92 Erster Koalitionskrieg, '99 Zweiter Koalitionskrieg und 1796 ließ er einen afrikanischen Intellektuellen ausstopfen.“

Hymne für Deutschland, Demokratie und Dosenpfand

Daraufhin meinte Max nur: „Ich hol mir noch ´n Bier.“ Als er zurückkam, wirkte er geknickt: „Sag mal, gibt es denn keine richtig deutsche Nationalhymne, ich meine, bei der die Musik von einem Deutschen stammt?“

Angeregt von diesem Gespräch arbeite ich, ein deutscher Dichter und Hobby-Komponist, seitdem an einer neuen deutschen Nationalhymne, Tonart D-Dur für Deutschland, Demokratie und Dosenpfand, die unsere alte hoffentlich bald ersetzen und rund um den Globus gespielt werden wird. Denn bei der GEMA habe ich mich gestern auch schon angemeldet.

Der Traum von Fliegen wird beim Trachtentanz erlebbar

Einigen wachsen Flügel, weil sie sich trauen, loszulassen. Davon singt der Kabarettist und Liedermacher Thomas Pigor. Im Kettenkarussell bewirkt die Fliehkraft, dass Menschen sich für den Augenblick der Erde enthoben fühlen. Der Wind rauscht in den Ohren, es kribbelt im Bauch, wenn das Karussell Fahrt aufnimmt und die Sitze an den langen Ketten nach außen streben, bis sie waagerecht durch die Luft fliegen.

Mit Fliehkraft arbeitet auch ein Volkstanz aus Ostwestfalen-Lippe. Der „Flieger“ lässt die Tänzerinnen der Trachtengilde Schwalenberg regelmäßig abheben. Jacqueline und Tanzpartner André machen vor, wie es geht.

Mit Schwung gehen zwei Paare aufeinander zu. Sie umfassen sich so, dass die Arme eine Achse bilden. Beim Laufen beginnt sich die Gruppe zu drehen. Schneller und schneller, bis die Mädels, die außen laufen, abheben. Man müsse genug Schwung nehmen, dass die Damen auch waagerecht fliegen, verrät André.

Dem Publikum zaubert der Flieger ein Lächeln ins Gesicht, den Männern Schweißperlen auf die Stirn. Für die Mädels gibt’s ordentlich Adrenalin. 

Fliegende Helden: Nils Holgersson und Ikarus

Der Junge, der hier abhebt, heißt Nils Holgersson und ist eine Erfindung von Selma Lagerlöff. Musikalische Flügel verleihen ihm im gleichnamigen Orchestermärchen die Duisburger Philharmoniker .

In der griechischen Mythologie sind Dädalus und Ikarus die ersten fliegenden Menschen. Mit Flügeln aus Federn und Wachs entfliehen sie ihrem Gefängnis auf Kreta. Aber Ikarus fliegt zu nah an die Sonne heran. Das Wachs schmilzt. Er stürzt ins Meer. Dichter und Komponisten machen ihn unsterblich.

Erst Jahrtausende nach dem Sturz des Ikarus wird der Traum vom Fliegen wahr. Zu Zeiten von Nils Holgersson kreisen schon erste Kisten aus Blech heulend und knatternd am Himmel. Leise brummend hingegen und silbrig glänzend zieht der Zeppelin seine Bahnen.

„Frau Luna“ und Traum vom Flug zum Mond

Zu einem Flug in der Hindenburg, dem größten Luftschiff aller Zeiten, lädt Minimalist Steve Reich mit der Video-Oper „Three Tales“ ein. Man nimmt Platz und hört im Vorbeiflug die Glocken des Kölner Doms und eine Passagierin von einst, die sich wie im Kino fühlt.

Mit dem Absturz der Hindenburg 1937 geht die ruhmreiche Ära der Luftschiffe zu Ende. Doch längst haben sich neue Utopien in den Köpfen von Dichtern und Komponisten eingenistet. Eine Reise zum Mond! Davon träumen schon Joseph Haydn, Jaques Offenbach und 1899 dann auch Paul Lincke in seiner Operette „Frau Luna“.

Auf dem Mond ist bestimmt alles viel besser, glauben der Berliner Mechaniker Fritz Steppke und seine Freunde. Keine nervige Vermieterin, keine Wohnungen zu Mondscheintarifen. Also, rein in den selbst gebauten Express-Ballon und nichts wie weg.

Flugmaschinen zwischen Walkürenritt und Tschitti Tschitti Bäng Bäng

Zum Mond und noch weiter weg ins All hat es die Menschheit längst geschafft. Fliegen bedeutet Freiheit. Aber Flugzeuge und Drohnen bringen auch den Tod. Im Film „Apocalypse Now“ von Francis Ford Coppola sind es Kampfhubschrauber, die von Wagners „Walkürenritt“ untermalt, brutal ein Dorf in Vietnam angreifen.

Film und Musik begleiten das Fliegen bis heute. Dabei sind sie der Realität gern einen Schritt voraus. Schönes Beispiel „Tschitti Tschitti Bäng Bäng“ von 1968. „Das ist das Auto, das fliegen und schwimmen kann, das mitdenkt, wie Künstliche Intelligenz schon“, sagt Dramaturgin Elisabeth Wirtz, die 2024 bei der Neuauflage des Musicals in Detmold dabei ist. Stolz zeigt sie auf das Wunderauto in Grün. „Eine richtige alte Kutsche. Mit Kühlergrill und Froschaugen.“

Ein fliegendes E-Auto mit KI

Stark! Aber wie geht das mit dem Fliegen? Das Auto wird ja wohl kaum unter der Decke des Theaters kreisen. 

„Wir arbeiten mit Illusion, sonst würden wir das nicht hinbekommen“, verrät Wirtz. Darum kümmern sich Jule Dorn von Rossum und Technik-Zauberer Timo Oberkrome, der erklärt: „Wir haben das Auto auf einen ferngesteuerten Wagen gesetzt, der mit Akkus läuft und haben uns Gedanken gemacht, wie man das Fliegen simulieren kann. Das funktioniert über ein Hubpodest und ja, dann gibt’s ein paar Tricks.“

Seine Illusionisten-Partnerin Jule Dorn von Rossum ergänzt: „Bei den Flügeln ist es so, dass die Darsteller die selber auslösen und da ist noch ein bisschen Licht integriert, dass sie schön reflektieren und die Illusion noch mal mehr unterstützen, dass das Auto wirklich fliegt.“ Ein E-Auto mit KI also. Völlig up to date!

Alles dreht sich – um sich selbst und im Kreis

Alles dreht sich. Im 21. Jahrhundert vor allem der Mensch um sich selbst, meint der Medienwissenschaftler Bernhard Pörksen von der Uni Tübingen. Die sozialen Netzwerke sind die neue Bühne, auf der im Licht der Kamera der Mensch um sich selbst kreist. Fast so wie Michael Endes von Wilfried Hiller vertonter Kreisel. 

Im Tanz offenbart das Drehen um die eigene Achse seine positiven Qualitäten. Kleine Kinder etwa drehen sich gern in unschuldigen, glückseligen Rausch.

Drehende Ekstase bei der Tanoura

Manis Sjahroeddin aus Düsseldorf unterrichtet den orientalischen Drehtanz „Tanoura“. In Ägypten ist der spirituelle Tanz der Sufis längst zum Show-Tanz für Touristen mutiert. Für beide Formen gilt, nur mit sauberer Drehtechnik lässt sich das Schwindelgefühl überwinden.

Das Auge fixiert beim Kreisen die weit ausgestreckte Hand. Und dann passiert etwas Verrücktes. Der Kopf wird klar, der Körper scheint still zu stehen, während die äußere Welt sich wegdreht.

„Das ist schon ein tolles Gefühl. Ich weiß nicht, was da chemisch passiert, aber es ist schon ein Glücksgefühl“, sagt Sjahroeddin. „Man muss es jeden Tag üben. Ich konnte früher nur 5 Minuten drehen. Am Schluss habe ich tatsächlich 40 Minuten gedreht.“

Sufis verbinden sich im stundenlangen Drehen mit Gott und dem Kosmos. Sie geraten dabei in einen Zustand der Erleuchtung. „Das ist was Tolles, weil es ein Grundelement ist des Lebens. Alles dreht sich. Die Erde dreht sich“, sagt Sjahroeddin.

Die Erde dreht sich bei Kubrick im Walzertakt

Die Erde dreht sich um sich selbst und kreist gleichzeitig mit den anderen Planeten um die Sonne. Dieses kosmische Ballett fängt Stanley Kubrick 1968 kongenial im Kultfilm „2001 – Odyssee im Weltraum“ ein. Als leuchtblaue Kugel dreht sich die Erde durchs All. Eine Raumfähre zieht vorüber.

Sie wird umtanzt von Satelliten und Raumstationen, die sich majestätisch um die eigene Achse drehen. Im Takt zum Johann Strauss Walzer „An der schönen blauen Donau“. 

Wie die Planeten drehen sich auch die Paare im Wiener Walzer um sich selbst. Gleichzeitige umkreisen sie im Saal eine imaginäre Mitte. Brav erscheint uns der Wiener Walzer nur heute. Als er um die Französische Revolution herum in Wien die Ballsäle erobert, wird er vorübergehend verboten, weil er für Wildheit und Kontrollverlust steht. Das riecht nach Revolution.

Im Film „Sissi, die junge Kaiserin“ zum Beispiel dreht der ungarische Graf Andrássy die von ihm hoch verehrte Kaiserin Sissi bis zur Besinnungslosigkeit über die Tanzfläche. 

Schallplatten, CDs und Turntables drehen sich nur noch bei Nostalgikern

Sprichwörtlich ausgedreht hat es sich für die Schallplatte und auch die CD dreht nur noch – um die Augsburger Dichterin Lydia Daher zu zitieren – „mickrige Runden“. Digitale Audiofiles drängen Tonträger, die sich drehen, mehr und mehr ins Abseits.

Auch Leierkasten und Spieluhr, die per Kurbel und bestifteter Walzen oder Lochscheibe Musik machen, werden oft nur noch als Einschlafhilfe genutzt. Der Komponist Karlheinz Stockhausen hingegen widmet den Automaten mit dem nostalgischen Klang ein eigenes 12-teiliges Werk.

Vom Aussterben bedroht, ist auch die Turntable-Kunst, wo der DJ im Club durch schnelles Vor- und Rückwärtsdrehen des Plattentellers für kratzende Sounds (Scratches) sowie Wiederholungen und Schleifen (Loops) sorgt. Im digitalen Zeitalter dominieren Knöpfchen, an denen der DJ dreht und Regler, die er rauf und runter fährt.

Eine exotische Nische finden Turntable-Künstler ausgerechnet im klassischen Orchester.

Wenn die Musik im Kopf ihre Runden dreht

Hartnäckig hingegen hält sich ein entfernter Verwandter des Loops, der Ohrwurm. „Man nimmt heute an, dass es eigentlich ein unendlicher Kreislauf ist zwischen Sing- und Gehörszentrum, ein unendlicher Aural-Oral-Loop“, so der Neurologe Eckart Altenmüller.

Sobald eine eingängige Songlinie rechts im Hörzentrum aufschlägt, wird das Singzentrum links im Hirn mitaktiviert. Die innere Stimme singt also mit und regt dadurch erneut das Hörzentrum an. 

„Wenn jetzt so eine Melodie die ganze Zeit zwischen dem Mitsingen und dem inneren Hören kreist“, erklärt der Neurologe, „dann ist die Gefahr groß, dass sich da eine Nervenbahn zwischen Hörzentren und Singzentren verfestigt und dann als Endlosschleife hin und her die Information sendet.“

Was sich dagegen tun lässt? Einfach laufen lassen, bis der Ohrwurm verklingt. Alles dreht sich, bis es verschwindet.

Ein Konzertpianist wird Kunstreferent im Bildungsministerium

Berlin im November 1918: Sozialdemokrat Philipp Scheidemann ruft die deutsche Republik aus. Auf den Straßen wird geschossen, es herrschen chaotische Zustände. Im Dezember tritt ein Mann als Referent in die Kunstabteilung des Preußischen Bildungsministeriums ein, der unter normalen Umständen wohl nie in diese Stellung gelangt wäre.

Leo Kestenberg ist Konzertpianist, ein Schüler des legendären Ferruccio Busoni. Neugierig und ungläubig schaut sich Kestenberg in der Behörde um, die sich gerade auf den holprigen Weg vom Obrigkeitsstaat in eine ungewisse demokratische Zukunft macht.

Später erinnert er sich: „Die Arbeiter- und Soldatenräte, die zu jener Zeit gebildet wurden, führten das große Wort in den Ministerien, und bald machten sich auch im Kultusministerium alle möglichen Elemente breit.“

Klassenkampf und musikalische Bildung

Es ist eine krisenhafte Zeit. Schwer vorstellbar, dass sich in dieser Situation irgendjemand mit der Reform von Musikunterricht in Deutschland auseinandersetzte. Aber tatsächlich hat Leo Kestenberg Übung darin, Klassenkampf und musikalische Bildung zusammenzudenken.

Um das zu glauben, muss man seine Erinnerungen an die Kindheit im böhmischen Reichenberg lesen: „Es mag der erste Mai des Jahres 1892 gewesen sein, als mein Vater mit mir auf den Altstädterring ging, um dem Demonstrationszuge der Arbeiter beizuwohnen. Schon damals, als kleinen Bub, beherrschte mich das Gefühl der Zugehörigkeit zu diesen Massen. Am Nachmittag des gleichen Tages spielte ich in meiner Klavierstunde ein Lied ohne Worte von Mendelssohn, und mit mehr oder weniger Bewusstsein versuchte ich, das elementare Gefühl von Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit in den Tönen zum Ausdruck zu bringen. Schon damals hat mir dunkel die Einheit von Sozialismus und Musik vorgeschwebt.“

Grundlagen für die moderne Musikerziehung

Kestenbergs Lebensziel, Musik für Alle zugänglich zu machen, wird 1921 im politischen Raum erstmals sichtbar – in der Programmschrift „Musikerziehung und Musikpflege“.

Zusammenfassend ergeben sich die Forderungen: Betonung der Bedeutung und des Wertes der Musik für die erste Erziehung des Kindes. Ausreichende musikalische Ausbildung der Lehrkräfte, und zwar in Gehörbildung, rhythmischer Gymnastik, Kinderlied, Reigen, Kinderspiel, Improvisationen. Einführung musikalischer Spiele und Reigen in den Kindergärten nach methodisch vorgehenden Lehrbüchern.

Man kennt damals schulische Musikerziehung, vor allem als Gesangsstunden inklusive Prügelstrafe, im Dienst von Obrigkeitsstaat und Kirche. Aber 1924 wird Kestenbergs „Denkschrift über die gesamte Musikpflege in Schule und Volk“ vor dem Preußischen Landtag verhandelt. Das Epochale an Leo Kestenberg sind nicht seine Ideale – sondern sein Beharrungsvermögen in einem trägen politischen Apparat.

Kestenberg beschäftigt Dietmar Schenk seit über dreißig Jahren

Dietmar Schenk fasziniert das schon lange. Er ist der Verfasser der Kestenberg-Monographie „Menschenbildung durch Musik“. Für ihn ist Kestenberg eine Persönlichkeit, die in unserer Demokratiegeschichte mitzähle, weil er in besonderer Weise das Verhältnis zwischen Demokratie und Kunst gelebt habe.

„Er ist nicht ein Intellektueller, der sich zur SPD bekennt“, so Schenk, „er ist verwachsen in der Arbeiter-Bildungsbewegung und wird von denen mitgetragen.“

Dietmar Schenk war lange Jahre Archivar der Universität der Künste Berlin, im Juni ist er in Rente gegangen. Mit Leo Kestenberg beschäftigt er sich seit über dreißig Jahren. „Als ich ein ganz junger Archivar war, kriegte ich einen Anruf, dass da jemand so Briefe zur Berliner Musikgeschichte hätte“, erinnert sich Schenk. „Das war ein Teilnachlass des damaligen stellvertretenden Direktors der hiesigen Hochschule für Musik Georg Schünemann.“ 

Detailreicher Blick ins kulturelle Leben der Weimarer Republik

Die Rektoren der Berliner Musikhochschule korrespondierten in der Weimarer Republik naturgemäß sehr oft mit dem Musikreferenten des Ministeriums Leo Kestenberg. Schenks 440-seitiges Buch taucht über die Figur Kestenberg detailreich ins kulturelle Leben der Weimarer Republik ein – und wird dadurch auch für Kestenberg-Neulinge interessant.

Über Kestenberg selbst ist schon sehr viel geschrieben worden: über sein Wirken nach der Flucht aus Berlin über Prag nach Tel Aviv, und schließlich auch über das Nachwirken der Weimarer Musikreform in der Nachkriegszeit.

Was in Dietmar Schenks Augen noch fehlte, war folgendes: „Der Aspekt der Einbindung seines Engagements in die Kulturpolitik der Weimarer Republik. Und da ist es so, dass in der Literatur Kestenberg immer stark als der große Macher dastand. Das ist eine Auffassung, die einen Hintergrund auch darin hat, dass er in der NS-Zeit regelrecht als sogenannter Musikdiktator denunziert wurde.“

Dietmar Schenk kennt sich in bürokratischen Prozessen bestens aus

Leo Kestenberg war Musikreferent in einer erstmals demokratisch legitimierten Verwaltung – nicht mehr und nicht weniger. Dietmar Schenk kennt sich mit bürokratischen Prozessen bestens aus.

Er macht deutlich: Musikerziehung und musikalische Bildung für Alle und Jeden verfügbar zu machen, das war damals nicht das Anliegen eines Einzelnen, sondern ein gesellschaftliches Anliegen. Als unverzichtbarer Teil einer funktionierenden Demokratie. Das ist es, woran man sich heute genau erinnern sollte.

Studienfach Historische Aufführungspraxis nur an wenigen Hochschulen in Deutschland

Die Hochschule für Musik in Freiburg am frühen Vormittag: In dem lichtdurchfluteten Gebäude herrscht reger Betrieb. Studierende eilen mit ihren Instrumenten durch die Flure, aus dem Proberaum klingt ein Cembalo. Hier im Breisgau liegt eine der wenigen Hochschulen Deutschlands, an denen Studierende den Master „Historische Aufführungspraxis“ erlernen können.

Der Chembalist Jean-Christophe Dijoux hat in Freiburg studiert. Nach seinem Studium und einigen freiberuflichen Stationen kam er 2020 zurück an die Dreisam. Seitdem ist der Franzose der Leiter des Instituts für historische Aufführungspraxis.

Sein Kollege Gottfried von der Goltz leitet das Freiburger Barockorchester und ist bereits seit 2004 Professor an der Hochschule. „Wir sind ein kleines Institut, muss man sagen“, erklärt von der Goltz. „Wir bieten in den Streichinstrumenten nur den Aufbau-Studiengang an, wir bilden also keine Bachelor aus.“

Kein gutes Zeichen für die Alte Musik in Deutschland

Der ohnehin kleine Zweig der Historischen Musik ist im deutschen Musikbetrieb übermäßig häufig von Mittelkürzungen betroffen. Anfang Juli 2024 gab die Hochschule für Musik Franz Liszt in Weimar bekannt, das dortige Institut für Alte Musik zu schließen.

Schade, findet Jean-Christophe Dijoux, gerade wegen der Symbolkraft Weimars: Es sei wirklich kein gutes Zeichen für die Alte Musik in Deutschland, vor allem in der Bach-Stadt Weimar. Die Alte Musik müsse hier nun weichen, um Platz für moderne und wichtige Studienfächer wie Digitalisierung zu machen. Er fände es schade, wenn Themenbereiche wie Alte Musik jungen Studierenden nicht mehr nähergebracht würden.

Das Institut habe sich gut entwickelt, findet auch Gottfried von der Goltz, betont aber die internationale Konkurrenz: „Wir stehen ja im Wettbewerb mit den anderen europäischen Ländern. Holland hat zum Beispiel ein sehr gutes Netzwerk und renommierte Hochschulen in Den Haag und Amsterdam, Frankreich auch und in der Schweiz gibt es in Basel ein sehr renommiertes Institut für historische Aufführungspraxis. Da müssen wir einfach sehen, dass wir Schritt halten.“

Im Flamenco werden Füße zum Schlagwerk

Ania Losinger brennt für den Flamenco. Denn hier kann sie beides sein: Tänzerin und Musikerin. Die Füße bilden das originelle Schlagwerk. Aber die Schweizerin möchte mehr. Sie will im Tanz echte Musik erschaffen. Mit Füßen, die den Boden als Trommel nutzen, ihn zärtlich streicheln, energisch treten und dabei virtuosen Klang erzeugen. 

Flamenco heißt mit den Füßen auf den Boden schlagen und Musik machen.

„Ich tanze auf einem Instrument, das ich selber entwickelt habe mit einem Instrumentenbauer“, erklärt Ania Losinger, dieses Instrument heißt Xala. Es sieht aus wie ein Floß und ich stehe darauf mit Flamenco-Schuhen und Menschen hohen Stöcken.“

Ania Losinger – groß und schlank – scheint auf ihrem Instrument zu schweben. Sie spielt und tanzt mit fließenden Bewegungen. Die Musik entsteht, indem sie mit den Flamenco-Schuhen auf die verschiedenen Klangflächen aus Holz und Metall tritt und sie immer mal wieder mit zwei langen Holzstäben anschlägt.

Zwischen Trommelsounds und Schnipstechniken

Die studierte Perkussionistin Vivi Vassileva schlägt mit bis zu vier Schlegeln und in rasantem Tempo auf die Klangstäbe von Marimba und Vibraphon und holt selbst aus Töpfen oder einem Wasserglas noch tolle Sounds raus. Vivis Liebe gilt aber nach wie vor den Handtrommeln, die sie schon als Kind in der bulgarischen Heimat ihrer Eltern entdeckt. 

„Man kann mit den Fingern oder den Nägeln spielen“, erklärt die Perkussionistin. „Es gibt diese spezielle Schnipstechnik, die ich wirklich cool finde, mit der man so viel machen kann. Man kann improvisieren, ohne viel nachzudenken, so habe ich meine Liebe zum Schlagzeug gefunden: mit Handtrommeln und am Strand mit Leuten, die mir was beigebracht haben.“

Die Füße spielen beim Schlagwerk keine Rolle, könnte man meinen. Aber es gibt Ausnahmen. Im Schlagzeug wird die Bass-Drum mit der Fußmaschine bedient und beim Vibraphon gibt es – ähnlich wie beim Klavier – ein Fuß-Pedal.

Pedale sorgen für anhaltende Töne

„Wenn ich Klavier spiele, habe ich ja das rechte Pedal“, erklärt der Bonner Konzertpianist und Mathematiker Valentin Blomer. „Man denkt immer, das ist dafür da, damit der Ton länger klingt. Das passiert auch. Aber das Eigentliche, was passiert, ist, dass sich die Dämpfer heben und dadurch sehr viel mehr Obertöne mitschwingen. Das heißt der Ton wird reicher, wird voller, der klingt auch tatsächlich lauter.

Man müsse das Pedal sehr klug einsetzen, um den Tönen Glanz zu geben und wirklich schöne Töne zu erzeugen, sagt Blomer. „Und deswegen sind E-Pianos immer inferior in ihren Klangeigenschaften, weil die echten Obertonschwingungen nicht wirklich genau synthetisch produziert werden können.“

Strauss verarbeitet das Fahrrad in einer Polka

Beim Fahrrad hat das Pedal naturgemäß eine andere Funktion. Mit den Füßen, die kraftvoll in die Pedale treten, nimmt die Fahrt Tempo auf. Gustav Mahler ist ein leidenschaftlicher, wilder Fahrer. Der französische Komponist Ernest Chausson rauscht mit dem Rad in eine Mauer und ist auf der Stelle tot. Edward Elgar hingegen tritt vorsichtig in die Pedale seines geliebten Mr. Phoebus. 

Auch in den Konzertsaal hält das neuartige Zweirad im 19. Jahrhundert Einzug. Johann Strauss etwa komponiert zum Ritt auf dem Rad eine „Velozipeden-Polka“. Berühmt sind auch die „Velozipeden-Bälle“: Es gibt Kunstfahrer und auf dem Rad getanzte Quadrillen. Nach einem kurzen Boom verschwindet das Fahrrad aber wieder von der Bühne.

Wenn man die Flocken mit der Faust bearbeiten muss

Nahezu ausgestorben ist auch ein Berufsstand, in dem mit Faustschlägen und Fußtritten himmlische Musik gemacht wird. Willkommen über den Dächern der flämischen Kleinstadt Mechelen, auf dem Turm der Kathedrale Sankt Rombout. Hier in luftiger Höhe ist der Arbeitsplatz der Stadt-Glockenspieler. Heute spielt Koen Cosaert, der Direktor der Königlichen Glockenspielschule Mechelen höchstpersönlich.

„Es ist eine Freiluft-Orgel, die nicht mit Pfeifen funktioniert, sondern mit kleinen und großen Glocken“, erklärt Cosaert, „ein riesengroßes Instrument, das aussieht wie ein großes Orgelklavier mit Manual und Pedal.“

Die Tasten, grobe hölzerne Hebel, sind über Zugdrähte mit den schweren Glockenklöppeln verbunden und werden kraftvoll mit der Faust angeschlagen bzw. mit dem Fuß getreten. Für zarte Töne reicht der kleine Finger. Cosaert lehnt sich zurück und holt tief Luft: „Im Sommer sind wir tatsächlich Schweiß gebadet. Aber macht richtig Spaß.“

„Er hat jeden Ton mit Herz und Verstand gespielt.“

Antônio Meneses hat Musikgeschichte geschrieben. Als einziger Cellist gewann er sowohl den Ersten Preis des ARD-Musikwettbewerb 1977 in München und die Goldmedaille beim Tschaikowsky-Wettbewerb 1982 in Moskau.

Cellistin Friederike Kienle erinnert sich an Meneses als großen Namen, der schon in ihrer Kindheit prägend war, vor allem seine Aufnahmen mit Anne-Sophie Mutter und Herbert von Karajan: „Er hat jeden Ton mit Herz und Verstand gespielt“, so Kienle. Sein Spiel sei immer edel und wohlüberlegt gewesen.

Auch die Kammermusik nahm einen großen Platz in seinem künstlerischen Schaffen ein. 1998 wird er Cellist des Beaux Arts Trio, arbeitet mit Yung Uck Kim und Daniel Hope an der Geige und Menahem Pressler am Klavier. Letzterer sei sehr streng gewesen mit seinen Streichern, das habe Meneses immer wieder erzählt.

„Er konnte sich so präzise ausdrücken über die Kunst.“

2006 hat Kienle Antônio Meneses zunächst als Lehrer bei einer Masterclass in Siena kennengelernt. Es sei ein unheimlich inspirierender Kurs gewesen, erinnert sich die Cellistin: „Er hatte so viel zu sagen und konnte sich so präzise ausdrücken über die Kunst.“

Meneses habe ihr auch unerschöpflichen Input für ihr eigenes Cello-Spiel gegeben. Als sie für zwei aufeinanderfolgende Konzerte in Japan alle Cellosuiten von Johann Sebastian Bach einstudierte, habe sie Meneses gebeten, diese mit ihm bearbeiten zu können. „Da sind wir in aller Strenge alle Suiten durchgegangen“, so Kinele. „Er hatte einen sehr hohen Anspruch an uns alle. Die Strenge mit der Partitur und mit den Komponisten, das hat er von uns eingefordert.“

Aus dem Lehrer-Schülerinnen-Verhältnis habe sich mit den Jahren eine Freundschaft entwickelt. Ihre Weiterentwicklung von der Cellistin zur Dirigentin habe er interessiert und fasziniert verfolgt. Auch über ihre Entscheidung, nach Japan zu gehen, habe er sich gefreut. „Er hat mich immer unterstützt. Es wäre natürlich für mich ein Traum gewesen, etwas mit ihm zusammen zu tun“, sagt Friederike Kienle.