Treffpunkt Klassik

Schaukeln beflügelt und macht Spaß

„Die Lust, das Gewicht des eigenen Körpers zu spüren, seine Unterworfenheit unter die Gesetze der Schwerkraft, und gleichzeitig die eigene Kraft ins Spiel zu bringen“, erklärt der Schweizer Komponist Stefan Keller, „dies sind wohl die Gründe für die Leidenschaft, mit der Kinder sich dem Schaukeln hingeben.“

Etwas von dieser elementaren Spielfreude, die auch in jeder Musik steckt, fängt Keller in seinem Stück „Schaukel“ ein. Das Auf und Ab, das Kribbeln im Bauch, den Rausch und das Rauschen in den Ohren.

Die Schaukel als Metronom, das auf dem Kopf steht! Diese hübsche Assoziation hat der Lyriker Jürgen Brocan. Für ihn entsteht Musik, die „befreit ist vom Rhythmus des Atems, Herzens“. Schaukeln beflügelt und macht Spaß. Woher kommt diese Lust?

Schaukeln für die Bindung zu den Eltern

„Ja, das ist eigentlich ganz intuitiv und das fängt mit dem Kinderschlaf an“, sagt Albrecht Vorster, Neurowissenschaftler und Schlafforscher. „Jedes Kind ist wahrscheinlich als Säugling in den Schlaf gewiegt worden. Von seiner Mutter, aber auch von allen anderen. Wiegen wirkt beruhigend.“

Da stimmt auch der Neurologe Eckart Altemüller zu: „Das führt beim Säugling zur besonderen Ausschüttung des Bindungshormons Oxytozin. Gleichzeitig werden Glückshormone ausgeschüttet.“

Das Wiegen auf dem Arm oder im Kinderbettchen dockt an das Schaukeln an, das der Säugling bereits aus dem Mutterleib kennt. Es entsteht Urvertrauen, so Altenmüller. Dass viele Eltern ihr Kind intuitiv mit Singen oder Summen in den Schlaf wiegen, verstärkt dieses Wohlgefühl sogar noch: „Und zwar ist es die kombinierte Reizung, über das Gehör und über diesen vestibulären Gleichgewichtssinn. Durch das schaukelnde Wiegen.“

„Wir geben sehr viel Geld dafür aus, dieses Organ zu stimulieren“

Kaum sind die Kleinen der Wiege entwachsen, locken Wippe und Schaukelpferd. In der Musik entstehen passend dazu, leichte, verspielte Klavierstückchen. Von Cornelius Gurlitt etwa oder Richard Flury. In den „Jeux d’enfants“ zu vier Händen von Georges Bizet galoppieren gleich zwei Pferdchen im lustigen Schaukel-Galopp über die Tasten und in „L'Escarpolette“ schwingt träumerisch eine Schaukel.

„Kinder schaukeln deswegen so gern, weil das Vestibular-Organ stimuliert wird. In dem befinden sich feine Haarsinneszellen, umspült von Körperflüssigkeit“, erklärt Albrecht Vorster. „Sobald wir uns bewegen, wie so eine Wasserwaage, bewegt sich auch diese Flüssigkeit und lenkt diese Haarsinneszellen aus.“ 

Vorster spricht vom Schaukelorgan, das direkt neben dem Innenohr sitzt. Das Ohr verortet den Menschen also in zweifacher Hinsicht mit der Welt: akustisch über den Hörsinn und räumlich über das Schaukelorgan. „Wir Menschen geben sehr viel Geld dafür aus, dieses Organ zu stimulieren, etwa auf Jahrmärkten oder Karussellen“, so Vorster.

Früher war die Schaukel sozialer Treffpunkt für junge Menschen

Die Schiffsschaukel auf dem Rummel, die Hans Albers so schön in „Komm auf die Schaukel, Luise“ besingt, führt im Prinzip eine uralte, universale Kulturtechnik fort. Vor Erfindung von Radio und TV sind große Dorfschaukeln häufig sozialer Treffpunkt und Spielplatz für junge Erwachsene. Schwingen und Singen gehören fest zusammen und haben oft auch rituellen Charakter. Denn die Schaukel verbindet Himmel und Erde. 

In Estland gibt es ein mythisches Schöpfungslied, das ursprünglich gemeinsam auf großen Holzschaukeln gesungen wird. Die Esten haben mit Ostern sogar einen eigenen Schaukeltag. Schaukelnd und singend begehen sie Mittsommer und auch das Extrem-Schaukeln Kiiking haben sie erfunden. Im Stehen geht‘s hinauf in den Himmel und auf dem Kopf stehend in den Überschlag. Das kickt!

Das besondere Gefühl, das sich beim Schaukeln einstellt, heißt im Jazz „Swing“. Für Alfred Lion, den Gründer des Kult-Labels Blue Note, muss die Musik direkt in die Füße fahren, Körper und Geist durchwirbeln. Dann habe sie Swing oder, wie er so hübsch auf Deutsch-Englisch meint: Schwing! 

In Montreal verkürzen Schaukeln das Warten auf den Bus. Jede Schaukel erzeugt einen Ton, beim gemeinsamen Schaukeln entsteht eine Melodie. Je mehr mitmachen, desto besser und generationsübergreifend ist es auch.

Schaukeln im Alter kann den Schmerzmittelverbrauch senken

„Das Wiegen ist eine der letzten Sinnesempfindungen, die Menschen oft am Ende des Lebens noch bleibt. Man sieht vielleicht nicht mehr gut, hört nicht mehr gut und das bereitet einem noch Geborgenheit“, sagt Albrecht Vorster.

Wenn das Alter quält und Schmerzen bereitet, also bitte Musik aufs Ohr und Platz nehmen in Christian Morgensterns lyrischem Schaukelstuhl, so der heiße Tipp von Albrecht Vorster. Denn Studien aus dem Altersheim belegen, so der Forscher, „dass der Schmerzmittelverbrauch runtergegangen ist, wenn man den Alten erlaubt hat, eine oder anderthalb Stunden pro Tag in diesem Schaukelstuhl zu sitzen. Also: Wir können Schmerzmittel einsparen, wenn wir schaukeln. Das ist doch super!“

Im Sommer träumen wir doch alle von Sonne, Strand und Meer. Wer Meeres-Klängen mal woanders lauschen will, muss dafür nicht bis an die Küste fahren. Es reicht auch ein Abstecher nach Sachsen.

Auch hier wogt das Meer, wenn man die richtigen Orte kennt – zum Beispiel die St.-Lukas-Kirche in Krippehna. Maria Gnann hat sich auf den Weg gemacht.

Zum 50. Mal findet bis zum 6. August im apulischen Martina Franca das Festival della Valle d’Itria statt – ein Festival, das sich primär der Wiederentdeckung unbekannter und wenig bekannter Opern verschrieben hat.

Ob dieses Festival – einmalig im italienischen Festival-Spektrum – auch noch im kommenden Jahr so existieren wird, wie man es seit einem halben Jahrhundert kennt, ist unsicher.

Das Projekt „Atonal für Deutschland“

Neben Konzerten und musikalischen Erkundungen steht das Thema „Widerstand, Musik und Demokratie“ auf dem Programm. Dazu zählt vor allem auch das Projekt „Atonal für Deutschland“, ein Kunstprojekt gegen Rechtsextremismus, für das ein erstes Musikvideo entstanden ist: „Requiem für Alice“ des Komponisten Elia Rediger.

Die Wahlschweizerin Alice Weidel beschäftigt Elia Redinger schon jahrelang. Denn der Komponist ist keiner, der sich mit seiner Musik nur im Elfenbeinturm bewegt. Für seine Kandidatur zum Basler Oberbürgermeister trat er 2012 mit einem ersten „Urdemokratisch komponierten Wahlsong“ an. Nun hat er ein „Requiem“ für die AfD-Chefin geschrieben.

„Requiem für Alice“ auf YouTube

Weidels Feldzug gegen die Bundesregierung

„Es brennt in Deutschland“ – Alice Weidel zieht im Deutschen Bundestag gegen die Regierung zu Felde. Es ist der 31. Januar 2024, die Haushaltsdebatte gerät zu einem Duell schriller Töne.

In ihrer Rede zündet die AfD-Politikerin einen ganzen Reigen abenteuerlicher Wortkaskaden, spricht von „Planwirtschaftssubventionierungsmonster“, von „NGO-Günstlingen“ und „Insolvenz-Tsunami“. Und – so ihre Drohung: „Burkas, Kopftuchmädchen und alimentierte Messermänner werden unseren Wohlstand nicht sichern“.  

Musik in Zeiten gesellschaftlicher Spaltung

Joosten Ellée, künstlerischer Leiter des Podium Forum Esslingen, meint, dass wohl allen bewusst sei, wie sehr wir in Zeiten leben, die von extremer Spaltung und einer unwirtlicheren politischen Landschaft geprägt ist.

So habe sich nicht nur der Diskurs in der Klassik, sondern in der Kunstszene allgemein extrem verhärtet, wenn es darum ginge, ob Kunst, ob Musik eine Antwort auf politische Gegebenheiten geben könne.

Musik kann mehr als ein unverfängliches Konzertevent sein. Davon überzeugt, hat Joosten Ellée mit dem Kunstprojekt „Atonal für Deutschland“ ein Zeichen gesetzt und Künstlerinnen und Künstler eingeladen, sich mit einem zunehmenden Rechtsextremismus experimentell auseinanderzusetzen.

Ein Requiem zum Nachdenken

Bei Elia Rediger mündete diese Beschäftigung in einem Requiem:

Ich habe mich gefragt, was passiert, wenn man ungefragt ein Requiem schreibt – wenn man Leuten solche Gedanken widmet, ohne ihnen den Tod zu wünschen, sondern um ein Nachdenken anzuregen.

Das Requiem für Alice gestaltet sich zu einem Läuterungsszenario. „In tiefer Reu“ lautet dann auch der Untertitel zu dem Musikvideo, in dem eine digital deutlich gealterte Alice Weidel im Jahr 2044 zu sehen ist, wie sie vor dem Fernseher sitzt und sich noch einmal ihre flammende Rede vom Januar 2024 vor Augen hält.

Musik als „parlamentarisches Gegenüber“

Redinger hat versucht ein „parlamentarisches Gegenüber“ von dieser Rede zu komponieren. „Manchmal ergeben sich Oppositionen, aber dann gewinnt leider auch wieder diese Propaganda.“

Mit Streichquartett, Bassposaune und Gesang treibt Elia Rediger das Wechselspiel zwischen Rede und Rhythmus von einer Welle zu nächsten, wobei sein Requiem aus zwei deutlich unterscheidbaren Teilen besteht: einem Miserere, das die Bundestagsrede umfasst und einer Curie, einer Reue-Arie, die der Komponist selbst eingesungen hat.

Ich finde schon, dass da ein Denkraum entsteht, den wir Künstlerinnen und Künstler eigentlich öfters aufmachen können. Diese Zukunftsreisen sind ein wichtiges Irritativ.

Raus aus der Beobachterrolle

Eine zutiefst erschütterte Alice Weidel singt von Reue und Buße – eine erfrischende, aber wohl wenig realistische Fantasie, meint Joosten Ellée vom Podium Esslingen. „Ich höre da immer noch eine ironische Distanz“.

Das gut 12-minütige Werk von Komponist Elia Rediger und Videokünstler Michael von zur Mühlen ist ein geistreicher, auch witziger Versuch, rechtspopulistischen Geplärre eine künstlerische Position entgegenzusetzen.

Das ist nur ein erster Versuch in der Reihe „Atonal für Deutschland“. Musik hat immer ein politisches Potential, betont Joosten Ellée. Das müsse man stärker nutzen. Sein Plädoyer: raus aus der Beobachterrolle.

Orgelsommer statt feuchtfröhlichem Weinfest

Der Mensch muss ja ab und zu auch mal seine Vorurteile überprüfen. Meine Freunde Marc, Tom und Kai haben mich jetzt zum 28. Orgelsommer in Karlsruhe eingeladen.

Ich dachte zuerst, dass es darum ginge, uns gemeinsam auf dem Durlacher Weinfest ordentlich einen wegzuorgeln, aber meine Freunde meinten tatsächlich richtige Orgelkonzerte. Mit Kirchenorgeln. Genauer: Einer Remy-Mahler und einer Steinmeyer-Orgel, die übrigens nichts mit unserem Bundes-Grüßaugust zu tun hat, der in diesem Land die Mehrzweckhallen einweihen darf.

Ein Instrument für minderbegabte Tastenquäler?

Ich habe dann lange überlegt, wie ich es meinen Freunden sage: Orgeln sind bei mir sehr negativ besetzt. Bei Orgeln muss ich immer an die Hochzeiten von Marc, Tom und Kai denken, bei denen eher minderbegabte Tastenquäler die jeweils ungestimmte Kirchenorgel mit „Oh Happy Day“ oder Mendelssohns „Hochzeitsmarsch“ in solch dilettantischer Art belästigten, dass dagegen das Blockflötenkonzert der Kindergartengruppe Wurzelwichtel wie das Gipfeltreffen von Virtuosen anmutete.

Desweiteren sehe ich bei dem Wort Orgel immer den seligen Vincent Price als Dr. Phibes in irgendeinem Horrorfilm mit schallendem Gelächter an einer Heimorgel peinigende Akkorde greifen, während seine Opfer in einem Kühlschrank zu Tode frieren müssen... nur um meine Orgelerfahrungen klarzumachen. Und bei dem Begriff „Orgel“ fällt mir unweigerlich auch der Begriff Orgelpfeifen ein. So nannte unser Sportlehrer Marc, Tom, Kai und mich regelmäßig nachdem wir unsere Übungen am Reck vorgezeigt hatten.

Rührende Hingabe für die Kirchenorgel

Die einzige Orgel, deren Spiel ich erträglich finde ist jene, die in Halberstadt 639 Jahre lang das John-Cage-Stück „As slow as possible“ spielt und nur alle 2 Jahre den Ton wechselt.

Als ich mich dann aber über Orgeln informierte und lesen konnte, dass eine Dame aus Hildburghausen in Thüringen für den Erhalt der örtlichen Kirchenorgel Socken strickt und verkauft und mittlerweile sogar 500 Euro zusammen hat, rührte mich doch die Hingabe zu diesem Instrument, so dass ich mich dann doch einmal näher mit ihr beschäftigen wollte.

Es gibt richtig coole Orgelmusik!

Und nach eingängiger Recherche in einschlägigen Musikportalen stelle ich fest, dass es ziemlich gute und sogar richtig coole Orgelmusik gibt, die es zu entdecken gilt: Was der Minimalist Philipp Glass 1982 für Koyanisquatsi aus diesem unhandlichen Instrument rausgeholt hat, ist wahrhaft berauschend.

Die Orgelstücke vom fast vergessenen Barockkomponisten Dietrich Buxtehude, der übrigens aus Helsingborg oder Bad Oldesloe, aber nicht aus Buxtehude stammte, sind wirklich zum Niederknien schön und ja ja…die Toccata von Bach…großartig! Der Orgelspieler weiß: Kein Tach ohne Bach! Und das zurecht.

Ich jedenfalls traue mich jetzt mal mit meinen Kumpeln zu den Orgeltagen und lausche den erhabenen Klängen. Und wenn ich dann wieder in meinem profanen Alltag angekommen bin, bleibt mir immer noch die Orgel des kleinen Mannes: Die Mundorgel.

Alphorn spielen als Jugendtraum

Es sei für sie ein Jugendtraum gewesen, den sie sich nicht verwirklichen konnte, weil ihre Eltern nicht bereit waren, ihrer 16-jährigen Tochter ein Alphorn zu spendieren, erinnert sich Sabine Burgetsmeier über die Anfänge ihrer Begeisterung für das Instrument. „Ich habe dann zehn Jahre später von einem Kurs erfahren, und hatte die Möglichkeit, ein Alphorn relativ kostengünstig zu erwerben,. Und ja, dann war's passiert, gell.“

Zu Hause in Ochsenfurt spielt sie meist alleine. So freut sie sich besonders über dieses Konzert im lauschigen Würzburger Hofgarten mit dem Freundeskreis Süddeutscher Alphornbläser (FSA).

Der Verein habe den Anspruch, das Alphornspielen in einer Großgruppe publik zu machen, erklärt der Vereinsvorsitzende Fritz Glock: „Unser Ziel ist es zum einen, die Qualität in einer Großgruppe so darzubieten, dass sie gut hörbar ist, und zum anderen, das Alphorn bekannter zu machen. Denn für mich wird das Alphorn in der Öffentlichkeit und auch in manchen Musikerkreisen noch hoffnungslos unterschätzt.“

Das Sinfonieorchester des KIT spielt Jean Daetwylers Konzert für Alphorn und Orchester

Lange galt das Albhorn als Exot

Dirigiert wird dieser Alphornchor von Ralf Denninger aus Heilbronn — der selbst aus einem ganz praktischen Grund auf das Schweizer Nationalsymbol verfiel. Er sei studierter Posaunist. Um Übezeit zu sparen, habe er sich ein Alphorn zugelegt: „Ein Posaunist muss normalerweise im Profibereich 4 Stunden am Tag üben, und mit dem Alphorn schaffe ich das in einer Stunde.“

Galt das Albhorn lange eher als Exot, hat es inzwischen wirklich viele Fans. Allein im Freundeskreis Süddeutscher Alphornbläser sind 170 davon organisiert. Aber auch die Struktur der Bläserschaft hat sich gewandelt — etwa in den Kursen, die Denninger an der Musikakademie Hammelburg gibt. Waren vor 15 Jahren die meisten Bläser noch Ü50, sei der Schnitt heute Ü20, zudem liege der Frauenanteil zwischen 30 und 40 Prozent.

Lippenspannung statt Ventilen und Grifflöchern

Die meisten kommen dabei etwa aus Jagdhorn-, oder Posaunenchören, aber auch aus Sinfonieorchestern. Sie bringen Erfahrung im bläserischen Bereich mit — und entsprechende Lippenspannung. Ganz einfach ist es aber auch dann nicht, so weit zu kommen, dass man andere Menschen am eigenen Alphornspiel teilhaben lassen möchte, denn Ventile oder Grifflöcher hat das Instrument nicht: Die Töne werden nur mit Lippenspannung und Atem gebildet, mittels Überblastechnik.

Ein guter Spieler kann bis zu 16 Töne der Naturtonreihe blasen, je nach Können und täglicher Übezeit. Und das Repertoire ist erstaunlich reichhaltig, beginnend mit einer Sinfonia pastorella für Alphorn und Streicher von Leopold Mozart.

„Das Alphorn hat sehr vielfältige Möglichkeiten, vom traditionellen Bergruf bis BoogieWoogie“, erklärt Ralf Denninger, „im Jazz wird es genutzt, es werden Polka, Marsch, Walzer gespielt, und es werden auch Flash-Töne damit gemacht.“

Beim FSA dirigiert Denninger bei Proben, Konzerten und Konzertreisen eine Schar von 30 bis 100 Bläsern aus ganz Süddeutschland.

Zum Üben brauchen Alphornisten Platz

Was übrigens leicht zu einem kulturellen Zwiespalt führen könnte, denn die in Süddeutschland zumeist gespielten Instrumente, deren tiefster Ton ein Kontra-F ist, sind 3,68 m lang — Schweizer Alphörner dagegen nur 3,47 m, so dass sie auf Fis stehen. Zur Völkerverständigung gibt es deshalb Einsätze für die Hörner, um — in jeder Hinsicht  —  die Stimmung anzugleichen.

Wenn der Alphornist mit Spielen fertig ist, wird die Sache dann deutlich handlicher: Nur vier bis fünf Kilo wiegen die riesigen Instrumente, sind in zwei bis fünf Teile zerlegbar und damit selbst auf dem E-Scooter transportabel. Oder beim Wandern in den Bergen, dem eigentlichen Habitat des Alphorns, das denn auch von -50 bis +50 Grad spielbar ist. 

Nur zum Üben braucht man ein wenig Platz: Fünf Meter sollten es schon sein, von Wand zu Wand, damit Alphornist und Alphorn halbwegs komfortabel stehen können. Oder man hält es aus dem Fenster — dann haben auch noch Leute weiter weg was davon, denn je nach Umgebung hört man ein Alphorn bis zu fünf Kilometer weit.

Im Moment sei die Situation in Paris durch die Olympischen Spiele recht angespannt, erzählt die 44-jährige brasilianische Sängerin Flavia Coelho: „Es gibt viele Absperrungen, die Café- und Restaurant-Besitzer beklagen sich. Doch mir macht das nicht viel aus. Für mich stehen der Sport, die Athleten und die Atmosphäre der Olympiade im Vordergrund. Das ist ein einzigartiger historischer Moment.“

Coelho stammt aus Rio und lebt in Paris. Sie verlässt Rio im Jahr 2006 und hat vor, eine Karriere als Sängerin in der Stadt ihrer Träume zu machen. Im Mittelpunkt ihres kürzlich veröffentlichten fünften Albums „Ginga“ ist sie selbst. Das kommt im Song „De vous à moi“ zum Ausdruck, den sie in französischer Sprache geschrieben hat.

„Da geht es um Frankreich, das Land, das mich und meine Musik aufgenommen hat“, erklärt die Sängerin. „Hier habe ich treue Fans gefunden, die meinen Sound lieben. Ich habe meinen Musikstil hier mit meinen brasilianischen Wurzeln kreiert. Meine Anhänger unterstützen mich nach wie vor, reden mir gut zu und kommen zu meinen Konzerten.“

Bossa Muffin: Brasilianischer Musikmix

Die Sängerin hat sich anfangs in Paris als Straßenmusikerin, Putzfrau und Babysitterin durchgeschlagen. Dann lernte sie den kamerunischen Gitarristen und Bassisten Pierre Bika kennen. Er führt sie in die afrikanischen Stilrichtungen und Rhythmen ein. Sie komponiert mit ihm zusammen ihr erstes Album „Bossa Muffin“. 

„Für mich ist das Bossa Muffin“, erklärt die Sängerin, „ein Mix aus traditionellen brasilianischen Klängen. Wenn man Bossa Nova hört, denkt man an Brasilien, Rio, Perkussion und Saiteninstrumente wie Gitarren. Und mit Muffin meine ich den Mix diverser Elemente.“

Flavia kommt mit ihrer Musik in Frankreich gut an: 2011 erhält sie den ersten Preis des Nachwuchs-Festivals „Génération Réservoir“. Und sie entwickelt sich musikalisch immer weiter: Auf ihrem zweiten Album „Mundo Meu“ macht sie einen Mix aus Reggae- und Samba-Rhythmen, afrikanischen Klängen und elektronischen Keyboardsounds. 

„Ich will bei meinen Fans tiefe Emotionen hervorrufen“

Coelho hat genaue Vorstellungen, was sie mit ihrem aktuellen Album „Ginga“ erreichen will: „Ich will bei meinen Fans tiefe Emotionen hervorrufen, Reaktionen, die der Hörer gar nicht selbst bemerkt. Es kann beispielsweise nur eine kleine Bewegung in der Hüfte oder an der Schulter sein. Der Hörer klopft und stapft im Rhythmus der Musik. Ich habe mir schöne, aber recht simple Melodien ausgedacht und mich von der klassischen Musik inspirieren lassen.“

Flavia Coelho wird nie vergessen, dass ihre Mutter sie als Achtjährige ermutigte, an sich zu glauben und zu singen. Sie war eine der ersten Kosmetikerinnen für Transvestiten im Viertel. Sie dachte sich für ihre Tochter eine besondere Methode aus: „Sie setzte mir einen Eimer auf den Kopf und meinte, geh damit durchs Haus und singe. Ja und so habe ich meine Stimme ganz anders wahrgenommen, weil ein künstliches Echo entstand.“

Seitdem hat Flavia Coelho bewusst ihre Stimme trainiert und der Gedanke, eines Tages professionelle Sängerin zu werden, war geboren. Heute ist ihr Wille ungebrochen, an ihrem Sound weiter zu feilen, um ihre Hörer und Hörerinnen damit zu faszinieren.

Das Berliner Ensemble „Triphonia“ hat sich auf mittelalterliche Musik spezialisiert. In ihrem neuen Album interpretieren die drei Musikerinnen eine Auswahl an „Frauenliedern“, wie sie sie nennen, die vor sieben- bis achthundert Jahren in Europa komponiert und gespielt wurden – und sie verbinden sie mit ebenso alten geistlichen Stücken aus deutschen Frauenklöstern.

SWR-Kritikerin Hannah Schmidt hat sich in ihre Welt hineinziehen lassen und fühlt sich den „teils fiktiven, teils realen mittelalterlichen Frauen unglaublich nah“.

„Klassik und Punk – ich habe mich in beide Musikstile verliebt“, sagt Sven-Kristian Wolf. Und so hat der Salzburger Fotograf zu seinem Markenzeichen gemacht, klassische Musiker mit den Augen eines Punks zu porträtieren.

Anna Netrebko, Jonas Kaufmann und Simon Rattle standen für die Reihe „Orchestrapunk“ bereits vor seiner Kamera. Im Gespräch berichtet Wolf von seiner eigenwilligen Bildsprache, von bewusst unscharfen Perspektiven und gedanklichen Hürden in der Branche.

Eine Einspielung von zwei starken Frauen

Das Ballett „Die sieben Todsünden“ erblickte erst im Juni 1933 in Paris die Scheinwerfer der Bühnenwelt. Es ist die letzte gemeinsame Arbeit von Brecht und Weill, beide sind schon im Exil. Und bis heute gehört sie zum Repertoire aller großen Diseusen von Gisela May bis Milva, Marianne Faithful bis Ute Lemper.

Die jüngste Einspielung veröffentlichen gerade zwei starke Frauen, die gegenwärtig das Berliner Muskleben maßgeblich prägen – jede auf ihre Weise: die Sängerin, Schauspielerin, Tänzerin Katharine Mehrling, die vom intimen Spiegelzelt der Bar jeder Vernunft bis zur Komischen Oper Erfolge einfährt, und die Dirigentin Joana Mallwitz, die seit einem Jahr dem Konzerthausorchester vorsteht. Freilich wird sie längst auch von den Salzburger Festspielen wie von den Wiener Philharmonikern eingeladen.

Ihre erste Aufnahme bei der Deutschen Grammophon hat Mallwitz nun in wachem historischen Bewusstsein Kurt Weill gewidmet, mit dem sie auch ihr Berliner Amt startete.

„Die sieben Todsünden“ mit Nostalgie und Härte

Die vertanzte Geschichte von den beiden Annas aus Louisiana, die sich durch sündige Beschäftigungen als Verkäuferin und Ware und trotzdem als eine einzige Person das Geld für ein Familienhäuschen verdienen, ist Kapitalismuskritik kulinarisch.

Diese servieren Katherine und Joana sachlich wie präzise, doch mit ebenso viel Spaß an der Klangverkleidung. Dabei versuchen die beiden Frauen, die eine vokal, die andere instrumental, nicht nur in Nostalgie zu schwelgen, sondern der schillernden, wunderbar vielgestaltigen Partitur auch eine zeitgenössische Kontur, ja Härte zu geben.

Kurt Weill 2024 eben: über 90 Jahre alt, aber glanzpoliert und bedeutungsgeschärft. Das funktioniert ganz wunderbar in diesem unsentimentalen, trotzdem bitteren Tonfall.

Mallwitz glaubt an den Instrumentalkomponisten Weill

„Breit und wuchtig“, so wünschte sich Kurt Weill den Beginn seiner ersten, der „Berliner“ Sinfonie. Damit wollte der damals 21-Jährige die Hauptstadt und seinen Lehrer Feruccio Busoni erobern. Ein vergeblicher Versuch, man hat die Sinfonie nicht einmal gespielt, selbst Busoni hatte sie als expressionistisch überfrachtet kritisiert. Sie wurde erst 1958 posthum uraufgeführt.

Umso mehr reüssierte Weill freilich im Musiktheater, wo ihn gleich auch ein später Weltberühmter wie Otto Klemperer dirigierte. Joana Mallwitz aber glaubt auch an den Instrumentalkomponisten Weill, hat ihn ganz bewusst dramaturgisch an den Beginn ihres Engagements in der alten, neuen Hauptstadt Berlin gesetzt.

Wie gebürstet lässt sie das Blech des Konzerthausorchesters hier durch alle Noten der Durtonleiter gellen, doch stets den Wohlklang bewahrend. Großstadtmusik von Gestern, ganz heutig hektisch klingend. Viel Wasser ist seither die Spree hinuntergeflossen, doch der Sound von Berlin bleibt hier durchaus hörbar.

Joana Mallwitz dirigiert „virtuos und standfest“

In enger Beziehung zu den „Sieben Todsünden“ steht hingegen die noch 1933 in Berlin begonnene, dreisätzige zweite Sinfonie, die dann Bruno Walther ein Jahr später in Amsterdam uraufführte.

Scheinbar klassizistisch, ist sie doch ein klingendes Zeitpanorama aus aufblühenden Melodien, Resignation, wilder Zuversicht, einem Trauerkondukt in der Mitte und einem überschäumenden Tarantella-Finale, in das sich ein greller Nazi-Marsch mischt.

Virtuos und standfest überblendet Joana Mallwitz die widerstreitenden Stimmungen, hält sie als überzeugendes Ganzes zusammen. Und sie macht klingend erfühlbar, was sie über Kurt Weill denkt:

Ich höre einen jungen Komponisten, der alles will. Alles lernen, alles entwickeln, alles ausdrücken, alles sagen.