Treffpunkt Klassik

Die neue Saison 2024/25 ist dieser Tage angebrochen. Wissen unsere Häuser im Südwesten, wie alt ihr Publikum ist? Erstellen Orchester, Konzert- und Opernhäuser bei uns denn auch solche Besucherstatistiken?

Und vor allem: Wenn die Häuser was über ihr Publikum rauskriegen, ändern sie dann die künstlerischen Pläne, ihre Programme und Spielpläne?

Die nationale Oper Amsterdam ist besonders erfolgreich darin junges Publikum für ihre Vorstellungen anzuziehen: Die Rede ist von 20 bis etwas mehr als 25 Prozent Opern- und Ballett-Besucherinnen und -Besuchern, die laut Angaben des Amsterdamer Opernhauses jünger sein sollen als 34 oder 44 Jahre – und das bei einer Auslastung von 96 Prozent.

Wie macht das Opernhaus das – und warum kann das vorbildlich sein auch für Opernhäuser andernorts?

In Albanien [...] ist so eine Kultur, wo man einfach mit Familie oder mit Freunde trifft. Und man isst etwas und trinkt ein bisschen Rakia, und man fängt an zu singen.

Repression in stalinistischer Diktatur

Es klingt ein bisschen nach Klischee – aber Elina Duni bestätigt es: Die Vokaltraditionen der Balkanländer sind tatsächlich „gelebter“ als hierzulande. Auch in Albanien, der Heimat der Sängerin. Bis 1990 eine stalinistische Diktatur, mit einer kulturpolitischen Ideologie, die alles nicht-Albanische untersagt hat.

Dort waren italienische oder englische Musik, Jazz und Rock verboten, erzählt Duni, es drohten Gefängnisstrafen. Dennoch wurde versteckt die Musik gehört, ihre Mutter hört zum Beispiel Adriano Celentano, Gianni Morandi oder Lucio Battisti.

Und mein Vater, der auch aus einer Region kommt, wo alle Griechisch gesprochen haben, es ist so wie eine griechische Minorität im Südalbanien, hat auch nur griechische Lieder gehört Ich erinnere mich viel an klassische Musik und einfach Kinderschlager, so Volksmusik, war fast nicht existent für mich. Ich habe es fast nichts gekannt, wenn ich ein Kind war.

Jazz als Lebenshaltung

Für sich entdeckt hat Elina Duni die alten Lieder und Tänze erst viel später, als sie Jazz in Bern studiert hat und schon lange weg war aus Albanien. Nach dem Zusammenbruch des Regimes ist sie mit ihrer Mutter von Albanien in die Schweiz gezogen.

Elina Duni war damals 11, es war keine leichte Zeit für sie. Musik gab ihr damals Trost und Halt. Jazz wurde zu ihrer Lebenshaltung

Freiheit im Jazz

Für mich ist Jazz sowie ein Haus, wo alle willkommen sind, und die Freiheit, das man kann sich nehmen mit der Musik ist für mich auch Jazz.

Stilistische Gastfreundschaft und Gestaltungsfreiheit – das mag sie an dieser Musik. Als Jazzsängerin fühlt sie sich hier – und eben nicht in Folk oder Pop – zuhause; auch, weil diese Musik ihrer Meinung nach ohne Pathos auskommt. Es seien hier oft die kleinen Nuancen, auf die es ankommt, nicht die großen Gesten. 

Sie selbst setzt ihre dunkle, warme Stimme lieber zurückhaltend ein, auch wenn es in ihren Liedern und Songs oft um die ganz großen Gefühle geht. Schmerz, Trauer, Abschied. Kunst, meint sie, braucht eine gewisse Distanz – und Interpretationsfreiheit für das Publikum.

Arnold Schönbergs Musik ist vielen Vorurteilen ausgesetzt. Es lohnt sich ein Blick hinter die Musik, denn der Komponist hatte ein buntes Leben. Zum 150. Geburtstag definiert Ulrike Anton, Direktorin des Arnold Schönberg Centers Wien, die Liebe von und zu Arnold Schönberg. In SWR Kultur berichtet sie außerdem, wie man es schafft, Schönberg auch Kindern näher zu bringen.

Bruckners „keckste“ Sinfonie

Die Sommerpause ist vorbei, die Theater- und Konzerthäuser starten in die neue Saison. In der Stuttgarter Liederhalle kommen für das erste Abo-Konzert gleich drei große Klangkörper zusammen. Dirigent Pablo Heras-Casado vereint das SWR Symphonieorchester, das SWR Vokalensemble sowie den WDR Rundfunkchor Köln - dazu kommen noch vier Solisten.

Diese geballte musikalische Kraft wird gebraucht für gleich zwei Werke des österreichischen Komponisten Anton Bruckner: Das Te-Deum und seine 6. Sinfonie. Anlässlich seines 200. Geburtstags gibt es kaum ein passenderes Programm zum Auftakt der Saison.

Bruckners 6. Sinfonie, entstanden 1881, sticht unter seinen vorherigen heraus. Sie beginnt mit einem leisen, aber sehr rhythmischen Einsatz der Streicher, die eine mystische Atmosphäre schaffen. Anton Bruckner selbst war Zeitlebens wohl sein größter Kritiker. Die meisten seiner Werke unterzog er mehrfachen Überarbeitungen. Anders bei der 6. Sinfonie. Sie liegt nur in einer Fassung vor und wurde von Bruckner liebevoll seine „keckste“ Sinfonie genannt.

Sie fällt irgendwo so ein bisschen aus der Reihe, weil er experimentiert. Er hat sehr gewagte Modulationen, teilweise Harmoniewechsel, die beim ersten Hören vor allem für Überraschungen sorgen, aber auch irgendwo diese Frische in der Musik beibehalten.

Große Besetzung

Dirigent Pablo Heras-Casado legt großen Wert auf Präzision und Musikalität. Besonders achtsam müssen die Musikerinnen und Musiker bei Bruckners Te Deum sein. Ein Orchester plus Orgel, zwei Chöre und 4 Solisten stehen gemeinsam auf der Bühne und singen Gott eine Lobeshymne mit diesem musikalischen Meisterwerk, welches im gleichen Jahr wie die 6. Sinfonie entstand und Anton Bruckners ganzer Stolz war.

Das Te Deum ist besonders, weil es sehr klanggewaltig ist, ohne sozusagen aggressiv zu sein. Ich habe den Eindruck, dass Bruckner verschiedene Aspekte des Gläubigseins in das Stück mit eingebracht hat. Also zum einen dieses große göttliche C-Dur am Anfang und am Ende, dazwischen aber auch die verschiedenen weichen Momente.

Der Schlüssel zum Erfolg

Für ein großes Chorwerk wie Bruckners Te Deum werden viele Sänger und Sängerinnen benötigt. Deshalb gibt es eine Kooperation mit dem WDR Rundfunkchor Köln, die nicht nur Chancen zum musikalischen Austausch, sondern auch eine Aufführung im großen Rahmen ermöglicht.

Bei Pablo Heras-Casado laufen alle Fäden zusammen. Er entdeckt das Te Deum gemeinsam mit den Musikerinnen und Musikern während der Probenzeit auch für sich ganz neu. Bruckners Zweifel und seine Ablehnung durch Kritiker sind wesentliche Aspekte, die zum Verständnis des Werks beitragen.

Es berührt mich sehr, dass ein Mann, der sich so viel abgemüht hat in seinem Leben – er ist nicht gut angenommen und verstanden worden von anderen Musikern und Kritikern – dass er mit diesem Stück endlich internationalen Erfolg und vor allem Anerkennung feiern konnte.

Diese zwei Werke von Bruckner sollen in dieser Saison nicht die einzigen bleiben. Im nächsten Jahr wird das SWR Symphonieorchester auch seine 9. Sinfonie sowie die Messe Nr. 3 in f-Moll präsentieren.

Der Einstein der Musik stirbt

Am 13. Juli 1951 stirbt Arnold Schönberg in seinem Haus im Stadtteil Brentwood, Los Angeles. Einige Tage später formuliert Dimitri Mitropoulos, Chefdirigent der New York Philharmonic, eine gewichtige Würdigung. „Schönberg“, schreibt er, „hat für die Musik des zwanzigsten Jahrhunderts das getan, was Einstein für die Wissenschaft getan hat.“ 

Eine Zeitenwende also. Eine Entdeckung, die die Welt aus den Angeln hebt. Aber, wie das so ist mit bahnbrechenden Erkenntnissen – auch mit musikalischen – sie erschließen sich meist nicht von jetzt auf gleich. Schönberg hatte sich auf diesen „Verzug“ eingestellt — und sich dabei in bester Gesellschaft gesehen. 

Zensur ab 1933, Wiederentdeckung nach 1945

Als Schönberg im März 1931 im Berliner Rundfunk eine Bitte um etwas Geduld mit der Neuen Musik ausspricht, ist er von Zuversicht getragen: seine Kompositionsklasse findet regen Zulauf, seine Musik wird geschätzt und diskutiert.  

Schon zwei Jahre später ist alles das hinfällig. Für zwölf Jahre findet die Neue Musik kein Gehör mehr, wird verfemt, als „entartet“ denunziert und verschwindet aus der Wahrnehmung. Nach 1945 heißt das vor allem: Bevor die Musikgeschichte weitergeschrieben werden kann, muss die vorenthaltene zunächst einmal wiederentdeckt werden. Und da ist Schönberg natürlich eine zentrale Figur. 

Schönberg = Fortschritt

Schönberg wird zu einer Leitfigur der musikalischen Nachkriegsavantgarde. Erheblichen Anteil daran hat eine Schrift, die 1949 erscheint: Die Philosophie der Neuen Musik von Theodor W. Adorno. Hier steht Schönberg für den Fortschritt, für ein zukunftsweisendes Komponieren.

Adornos Buch verfehlt seine Wirkung nicht, zumindest kurzzeitig. Denn schon ein halbes Jahr nach Schönbergs Tod setzt sich ein neuer Blick auf den Zwölfton-Revolutionär durch. 

„Schönbergs Musik ist noch heute gegenwärtig“

Im Dezember 1951 verfasst der damals 26-jährige Komponist Pierre Boulez einen Nachruf der etwas anderen Art: „Schoenberg est mort!“ — „Schönberg ist tot!“ — überschreibt er seinen Essay, in dem konstatiert wird, dass die Neuordnung der Tonhöhen ein erster Schritt auf dem Weg zu einer wirklich Neuen Musik ist — nicht mehr und nicht weniger.

Zum Königsweg wird eine Zuspitzung dessen, was Schönberg vorgelegt hat. Die sogenannte Serielle Musik ist eine Art „Schönberg 2.0“, und der Meister selbst wird von seinen jungen Nachfolgern inzwischen als etwas old school betrachtet. Aber das muss ja auch so sein!

Eines ist ohnehin unstrittig: Ohne Arnold Schönberg hätte sich die Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts ganz anders entwickelt. Sein Befreiungsschlag hat nicht nur Dur und Moll überwunden, sondern ein neues Denken mit und über Musik freigesetzt. Diese Dynamik wirkt bis heute und schon deshalb ist Schönbergs Musik auch 150 Jahre nach seiner Geburt noch immer gegenwärtig.

Flucht über Paris in die USA

Berlin, 1933: Arnold Schönberg lehrt als Professor für Komposition an der Preußischen Akademie der Künste. Im März 1933 verkündet deren Präsident Max von Schillings, dass der „jüdische Einfluss“ an seiner Institution gebrochen werden müsse. 

Schönberg beantragt daraufhin seine Beurlaubung. Und dann geht alles sehr schnell: Am 17. Mai 1933 verlässt Familie Schönberg Berlin und Deutschland, nachdem Gertrud Schönbergs Bruder Rudolf Kolisch zu diesem Schritt geraten hatte. Tochter Nuria war damals gerade ein Jahr alt geworden.

Von Paris aus weiß Schönberg zunächst nicht, wohin er soll. Hanns Eisler will ihn nach Moskau bringen, aber dann kommen Anfragen für Lehrtätigkeiten aus den USA: aus Boston und New 
York. Am 25. Oktober geht Arnold Schönberg mit seiner Familie an Bord des Dampfers Île de France, mit dem er zum ersten und letzten Mal den Atlantik überquert. 

Freundschaft mit George Gershwin

1934 geht nach er Los Angeles. Die Stadt ist ein Anziehungspunkt für geflohene Kulturschaffende: Zu Schönbergs neuen Nachbarn gehören über die Jahre etwa Thomas Mann, Bertolt Brecht, Lion Feuchtwanger, Franz Werfel, Kurt Weill, Theodor W. Adorno oder Fritz Lang.

Schönberg, der die deutschen-österreichischen Exilanten eher anstrengend findet, freundet sich mit seinem amerikanischen Kollegen George Gershwin an und spielt regelmäßig Tennis mit ihm.

Musikalisch trennen die beiden Welten, aber der Respekt für die Arbeit des jeweils anderen ist uneingeschränkt. 1937 stirbt Gershwin mit nur 38 Jahren und Schönberg hält eine Trauerrede 
im Rundfunk.

Prekäre finanzielle Lage

Als „world famous composer“ wird Schönberg hier angekündigt. In den USA ist man stolz, den weltberühmten Komponisten aus Europa im Land zu wissen.

An seiner Musik wird allerdings nur wenig Interesse gezeigt. Die Aufführungen sind rar, Aufträge gibt es kaum, die finanzielle Lage ist prekär. Es besteht ein gewisses Ungleichgewicht zwischen Anspruch und Realität.

Auch wenn sich seine Karriere in den USA anders entwickelt, als er gehofft hatte, ist Arnold Schönberg kein verbitterter Emigrant. „Ich bin in ein Land gekommen“, schreibt er 1935, „[...] in dem 
es eine Freude ist, zu leben.“

Hoffen auf ein Ende des Krieges

Er stellt sich den neuen Bedingungen pragmatisch: Er unterrichtet, schreibt Lehrbücher, komponiert gelegentlich auch mal ein Stück für Brassband, und 
ersetzt den Umlaut in seinem Nachnamen durch ein 
zweckmäßigeres „oe“. Am 11. April 1941 wird er dann „Citizen of the United States“.

Zugleich aber strebt er keineswegs nach einer vollständigen „Amerikanisierung“. Er bleibt auch weiterhin Europäer im Exil, hofft auf ein Ende des Krieges und auf ein Wiedererstehen der deutschen Kultur.

In Schönbergs Musik der Kriegs- und Nachkriegszeit findet sich die Sorge und der Schmerz, den er bei seinem Blick nach Europa empfindet. 1947, als das ganze Ausmaß des Holocaust sichtbar wird, entsteht ein ebenso ergreifendes wie verstörendes Stück: A Survivor from Warsaw — Ein Überlebender aus Warschau.

Tod in Los Angeles

Nach dem Krieg erhält Schönberg zahlreiche Einladungen nach Europa. 1949 ernennt ihn die Stadt Wien zum Ehrenbürger. Aber für Schönberg ist die alte Heimat noch kein gefahrloser Ort.

Am 13. Juli 1951 stirbt Arnold Schönberg im Alter von 76 Jahren in Los Angeles. Dass der Erfinder der Zwölftonmusik, der die 13 als seine Unglückszahl zu bezeichnen pflegte, an einem 13. geboren wurde und an einem 13. — noch dazu an einem Freitag — starb, sei an dieser Stelle zumindest bemerkt.

„Er hat für die Musik des zwanzigsten Jahrhunderts das getan, was Einstein für die Wissenschaft getan hat“, schreibt der Dirigent Dimitri Mitropoulos in einem Nachruf. Und so, wie das ganze Potenzial von Einsteins Ideen sich erst allmählich erschloss, verhält es sich auch mit Schönberg.

Neue Wege in Krisenzeiten

Wien, 1908: Arnold Schönberg ist in einer Krise. Seine Frau hat ihn betrogen, sein Freund und Mentor Gustav Mahler ist nach New York gegangen und seine jüngste Komposition, die Kammersymphonie op. 9, hat einmal mehr einen Skandal produziert. 

Schönberg sucht nach neuen Gestaltungsmitteln. Er zeichnet und malt — vor allem Selbstportraits. Es ist ein Ringen um künstlerische Notwendigkeit, ein „Zwang des Ausdrucksbedürfnisses“, wie er selbst es nennt.

Skandal: Das Streichquartett op. 10

Sein Schüler Anton Webern schenkt ihm den gerade erschienenen Lyrikband „Der siebente Ring“ von Stefan George, und in einem dieser Gedichte findet Schönberg einen Satz, der seine Situation kaum treffender beschreiben könnte: „ich fühle luft von anderem planeten“.

Schönberg vertont Georges Text in seinem Opus 10: einem Streichquartett mit Sopranstimme.

Dessen Uraufführung markiert gleich den nächsten Skandal. „Das Publikum“, notiert der Komponist, „lauschte dem ersten Satz ohne jegliche Reaktion. Aber sobald der zweite Satz begann, fingen einige zu lachen an, und hörten nicht mehr auf, die Aufführung zu stören“.

Schönberg geht seinen eigenen Weg

Das Publikum ist immer noch nicht bereit für Schönbergs Musik. Aber dem ist das jetzt endgültig — auf gut Wienerisch gesagt — wurscht. Er geht seinen Weg und folgt einer Motivation, die, wie er sagt, „stärker ist als Erziehung und mächtiger als künstlerische Vorbildung“.

Mit den „Drei Klavierstücken op. 11“ verlässt Schönberg im Februar 1909 das Fundament von Dur und Moll. „Atonal“ nennt die konservative Kritik diese Musik und verkennt damit die Absicht des Komponisten.

Schönberg geht es nicht darum, die musikalische Tradition zu negieren. Im Gegenteil: Er sieht sich als derjenige, der den überfälligen Schritt zu ihrer Weiterentwicklung getan hat.

„Einer hat es sein müssen“

Dass er damit alles andere als ein Publikumsliebling wird, nimmt er in Kauf: „Einer hat es sein müssen, keiner hat es sein wollen. Da hab' ich mich halt hergegeben“, soll Schönberg einmal gesagt haben.

Schönberg versteht seine kompositorische Arbeit durchaus als eine Art der Forschung, gewissermaßen als Artistic Research — auch wenn es diesen Entwurf erst 100 Jahre später geben wird.

Schönberg hat es geschafft. Er hat seine eigene Klangsprache, seinen eigenen Ausdruck gefunden. Er ersinnt neue musikalische Formen und Techniken, wie etwa den „Sprechgesang“ in seinem Zyklus Pierrot Lunaire.

Zwölftonmusik: Ein neues Kompositionskonzept

Aber das reicht ihm noch nicht. „Ich möchte“, schreibt er, „der Struktur meiner Musik einen Gedanken zugrunde legen, der alle anderen Gedanken hervorbringt“. Ein System also, ein Kompositionskonzept. Das findet er im Sommer 1921: die Methode der Komposition mit zwölf nur aufeinander bezogenen Tönen.

Die Suite für Klavier op. 25 ist eine Pioniertat: die erste Komposition, in der alle zwölf Töne der chromatischen Skala gleichberechtigt verwendet werden.

Ein reaktionärer Revolutionär

Jetzt könnte man glauben, dass die zwölftönigen Stücke endgültig mit allem brechen und eine vollkommen neue Musik anstreben. Aber das Gegenteil ist der Fall: Schönberg nähert sich den traditionellen Formen wieder an: der Suite, der Variation, dem Konzert.

„Er schuf sich eine Revolution, um Reaktionär sein zu können“. So brachte er sein Schüler Hanns Eisler auf den Punkt. Populärer wird seine Musik dadurch allerdings auch jetzt nicht — was Schönberg, wie gewohnt, mit Fassung trägt.

Musizieren hält fit und kann Spaß machen in jeder Lebensphase – auch und gerade im Alter. Unter dem Motto „Mitmachen. Auftreten. Weiterbilden“ haben sich vergangenes Wochenende rund 900 Senior:innen zum „Bundesmusiktreffen 60plus“ in Bruchsal getroffen. Veranstaltet vom Bundesmusikverband Chor & Orchester, dem Dachverband der Amateurmusik in Deutschland, gab es Konzerte und ein vielfältiges Seminarangebot mit Workshops und Unterricht.

Fürs Erlernen eines Musikinstruments ist es nie zu spät, meint Hans Hermann Wickel, emeritierter Professor für Musikpädagogik und Autor des Buches „Musik kennt kein Alter“.

Im Gespräch mit SWR Kultur erläutert er aus eigener Erfahrung, wie beglückend es sein kann, auch im Erwachsenenalter auf einem Instrument neu anzufangen und in der Gemeinschaft zu musizieren. Wichtig sei, Mut zu haben und die eigenen Erwartungen nicht allzu hochzuhängen.