Treffpunkt Klassik

Sol Gabetta zählt zu den gefragtesten Cellistinnen in der Klassikbranche, sowohl in der Kammermusik als auch bei Solo-Konzerten. Und das „Solo“ bedeutet als Musikerin auch viel Einsamkeit. Im Musikgespräch unterscheidet sie zwischen Alleinsein und Einsamkeit, erzählt, warum der Applaus hilft und warum Zeit-haben so wichtig ist.

Im Jahr 1525 wurde Palestrina geboren, zumindest ungefähr. Der Titel „Fürst der Musik“ steht auf seinem Grab, aber er wird auch von der Nachwelt „Retter der Kirchenmusik“ genannt. Das ist auch das Motto einer Tagung in Mainz: „Palestrina gestern, heute und morgen“. Klaus Pietschmann ist vom musikwissenschaftlichen Institut der Uni Mainz und erzählt mehr über den Komponisten.

Als Laie kennt man viele Chöre: Kirchenchöre, Konzertchöre, Kinderchöre, Männerchöre und so weiter – aber die Opernchöre, die sind zunächst den Profis vorbehalten. Aber gerade diese wunderschönen Chorpartien reizen zum kräftigen Mitschmettern, und so bietet die Staatsoper Stuttgart gelegentlich das sogenannte „Singen durch den Spielplan“ an. Hier kommen interessierte Sängerinnen und Sänger auf ihre Kosten. Sophie-Caroline Menges war am vergangenen Wochenende dabei.

Rückzug als Künslter

Die Psychologie ist gefragt, wenn es um Gefühle geht, um persönliche Befindlichkeiten. Manchmal reicht aber auch menschliche Empathie, um sich zum Beispiel dem kanadischen Pianisten Glenn Gould zu nähern. Es gibt Fotografien, da sitzt Gould einmal als etwa Zweijähriger auf dem Schoß seiner Mutter und übt mit ihr am Klavier; später sitzt sein Hund neben ihm mit den Pfoten auf den Tasten.

Gould zieht sich oft zurück: Vom Konzertpodium, von der Öffentlichkeit, letztlich vor allem von den Menschen. Er selbst spricht nicht von Einsamkeit, wohl aber von davon, dass „Isolation die unverzichtbare Komponente menschlichen Glücks sei“.

Allein oder Einsam?

Heute würden manche sagen: Glenn Gould war irgendwo im Spektrum zwischen Autismus und neurotischer Überfixierung. Er selbst schien jedoch glücklich mit seinem Alleinsein. Er produzierte sogar ein Hörspiel namens „The Solitude Trilogy“; eine „Einsamkeits-Trilogie“, in der er polyphon Menschen sprechen ließ über ihre Erfahrungen mit der kanadischen Landschaft, mit Seen, mit Kälte, aber immer ohne Menschen.

Alleinsein muss manchmal sein. Einsamsein, sich einsam fühlen ist hingegen kein erstrebenswerter Zustand. Viele Künstler und Komponisten verlieren ihre Heimat im Exil. Ernst Krenek findet zwar einen Job und wohl auch manche in Amerika nach seiner Flucht im Jahr 1938.

Aber er fühlt sich wie viele andere Exilanten und Flüchtlinge einsam. Aus der Ferne berichtet Krenek melancholisch über den Verlust „seines“ einstigen Wirkungsorts Wien. Er sei – so O-Ton Krenek – „weder hier noch dort noch zu Hause“.

Töne der Einsamkeit

Ein Komponist, der sich dem Thema Einsamkeit ganz bewusst verschreibt, ist der Spanier Frederic Mompou. Mompou ist von Erik Satie beeinflusst und schreibt zwischen 1951 und 1967 einen großen, mehr als einstündigen Klavierzyklus namens „Música callada“, einer paradoxerweise „stillen Musik“.

Mompou hatte eine Nervenschwäche und konnte seine Pianisten-Karriere wegen seiner extrem ausgeprägten Schüchternheit und Introvertiertheit nicht weiter verfolgen. Seine wenigen, isolierten Töne in der „Música callada“ sind auch autobiographisch zu lesen: Eine geradezu auskomponierte, tief empfundene katalonische Einsamkeit.

Zurückgezogen

Vielfältig sind die Spielarten der Einsamkeit. Über Johann Sebastian Bach und Max Reger schreibt der Musikwissenschaftler Christoph Bossert: „Die Welt dreht sich von ihnen weg – sie drehen sich von der Welt weg.“ Da kommt die abstrakte Weltferne Bachs wieder ins Spiel – und Glenn Gould wieder ins Bewusstsein, der just von den erhabenen Fugen so angetan ist.

Im Fall Max Regers sind einige Süchte und Flüchte im Spiel, die Ursache und Wirkung der selbst empfundenen Einsamkeit sein könnten. Regers übermäßiger Alkoholkonsum ist bekannt, er selbst berichtet über seine studentische „Sturm und Trankzeit“. Exzessiv, fast manisch widmet sich Reger der Arbeit, die letztlich an seinem frühen Herztod beteiligt ist. Ob letztlich alles eine Kompensation ist, ob sich Reger bewusst von den Menschen abwandte oder diese von ihm – das bleibt am Ende spekulativ.

Allein war Max Reger auf alle Fälle oft. Und seine Beschäftigung mit Franz Schuberts Liedern und dessen düster einsamen Winterreise könnte dann doch mehr als ein Indiz sein, dass sich Reger wie Schubert ein ums andere Mal einsam fühlt. Gegen Ende seines Lebens bearbeitet Reger übrigens einige Lieder für Orchester. Darunter auch der tragische Erlkönig. Am Ende ist der Vater allein. Einsam und seelisch verloren.

Aus Jugendorchester wird Staatsorchester

Anlässlich ihres runden Geburtstags touren die Musikerinnen und Musiker momentan durch fünf Bundesländer, geben insgesamt 15 Konzerte in Deutschland. Chefdirigent Sergey Smbatyan gründete im Alter von nur 18 Jahren 2006 das Orchester – eine spontane Idee junger Leute, die die Liebe zur Musik vereinte.

Wir haben unser Orchester im Konversatorium gegründet und damals war es ein Jugendorchester und wir haben geträumt, dass unser Orchester ein großes Orchester wird, und das haben wir geschafft. Für uns ist es sehr wichtig, dass alle Armenier in der ganzen Welt unser Orchester kennen, unser Orchester lieben.

Innerhalb nur weniger Jahre wurde aus dem Jugendorchester ein weltweit gefragtes Sinfonieorchester, das sich als Botschafter der armenischen Musik und Komponisten versteht.

Verständnis und Harmonie als Erfolgsrezept

Der Development Director des Armenian State Symphony Orchestras Martin Tovmasyan verweist auf die wichtige Rolle des Klangkörpers. Als staatliches Orchester habe mein die Verantwortung, den Staats und die Armenier im Ausland zu präsentieren, nicht nur die Musik.

Zum Erfolg, so Konzertmeisterin Anna Andriasova, führte vor allem Verständnis und Harmonie. Man teile die Liebe zur Musik, mit gegenseitigem Respekt könne eine einzigartige Energie mit dem Enthusiamus des Orchesters auf die Bühne gebracht werden.

Armenische Musik in Deutschland

Die ehemals jungen Studentinnen und Studenten sind während ihrer gemeinsamen musikalischen Arbeit gereift, kennen einander sehr gut und haben zusammen zu einer unverwechselbaren Klangqualität sowie einem ausdrucksstarken emotionsgeladenen Aufführungsstil gefunden.

Ulrike Albrecht vom Kulturbüro Göppingen, der ersten Station der Tournee, lobt den schönen homogenen, weichen und gleichzeitig satten Orchesterklang:

Armenien ist ein Land, das hat so eine alte und beeindruckende Kulturgeschichte und ich habe immer das Gefühl, in Europa ist es gar nicht so im Bewusstsein und das hier ein bisschen mehr ins Bewusstsein zu bringen, fanden wir einfach interessant.

Darius Preuß als Ehrenarmenier

In Göppingen übernahm der vielfach ausgezeichnete Violinist Darius Preuß den Solopart und er überzeugte restlos mit Aram Chatschaturjans Konzert für Violine und Orchester in d-Moll.

Herzlich aufgenommen wurde Darius Preuß von den Musikerinnen und Musikern - durfte das Violinkonzert des bekanntesten armenischen Komponisten bereits in Armenien gemeinsam mit ihnen spielen und hat selbstverständlich sofort bemerkt, wie wahnsinnig gut es alle kennen: 

Für mich war es auf jeden Fall eine große Inspiration in dem Land selbst das Werk spielen zu können. Ich glaube nicht, dass man das Konzert wahnsinnig viel besser spielt, nur weil man die Luft da atmet, aber irgendwie ist es dann doch etwas Besonderes und eine Ehre. Es kamen danach auch ein, zwei Armenier zu mir und sagten: 'ja, jetzt bist du auch Ehrenarmenier.'

Und obwohl die Musik armenischer Komponisten dem Orchester eine Herzensangelegenheit ist, so gehören zum Repertoire selbstverständlich auch zum Beispiel Tschaikowski, Beethoven und Dvořák.

„Klares ja“: Musik kann helfen

Zu unserer Themenwoche über Einsamkeit erzählt Musiktherapeutin Mona Dittrich aus ihren Erfahrungen: Kann Musik gegen Einsamkeit helfen? Wie findet die Musik innerhalb der Sitzungen statt und wie setzt man sie bei Einsamkeit ein? Diese und weitere Fragen beantwortet die Musiktherapeutin gegenüber SWR Kultur.

Laut Mona Dittrich kann Musik auf jeden Fall gegen Einsamkeit helfen. Denn Musik aktiviert zum einem das Gehirn, zum andern habe Musik ein verbindendes Element, zum Beispiel beim Singen mit der Menge beim Livekonzert. Gleichzeitig ist die Musik aber kein Allheilmittel und stößt auch bei der Einsamkeit an ihre Grenzen, besonders bei psychischen Erkrankungen.

Rezeptive und aktive Musiktherapie

Es gibt kein bestimmtes Genre, dass bei der Musiktherapie besonders oft eingesetzt wird, da der Musikgeschmack äußerst individuell ist. Jene Musik, die mit positivem Lebensgefühl verbunden ist, hilft auch bei Einsamkeit.

Die Musiktherapie unterscheidet, so Dittrich, in rezeptive und aktive Musiktherapie. Bei der rezeptitven wird Musik vorgespielt, bei der aktiven machen die Patientinnen und Patienten selbst Musik oder machen Rhythmusübungen am eigenen Körper, bei einer Depression hilft das zum Beispiel, um den Körper zu aktivieren.

Ullrich Fichtner hat ein Buch geschrieben, das er „die Macht der Musik“ nennt. Darin erkundet er die Wirkung der Musik auf uns Menschen mit naturwissenschaftlichen und soziologischen Methoden. Auch das Musikmachen habe einen positiven Einfluss, der nicht zu unterschätzen sei, so Fichtner. Im Musikgespräch erzählt er, warum es beispielsweise gar nicht stimmt, wenn man behauptet, man sei „unmusikalisch“.

In Wien ist an Johann Strauss nicht vorbeizukommen – dem großen Sohn der Stadt, der an allen Ecken und Enden Wiens anzutreffen ist, mal vergoldet, mal fast leibhaftig, und in diesem Strauss-Jubel-Jahr, dem 200. Geburtstag erst recht nicht. Doch ist alles Gold, was glänzt?

Es soll Menschen geben, die klassische Musik für etwas Elitäres halten, etwas für Gutbetuchte und Gebildete. In letzter Zeit werden sie aber immer weniger, denn in der Klassik ist vieles in Bewegung geraten.

Nichts beweist das überzeugender als das „Ideenfestival“ des Förderprogramms „tuned“ von der Kulturstiftung des Bundes zur Zukunft der Klassischen Musik.

Herausforderung Burnout und Bürokratie

Lukas Onken will z.B. herausfinden, wie stark die Teilnehmerinnen und Teilnehmer seines Burnout-Workshops von dieser Krankheit bedroht sind. Die sprunghaft gestiegenen Zahlen von Ausfällen und Krankmeldungen wegen Burnout und Depression sind auch für die Klassikszene eine stetig wachsende Gefahr.

„Die Arbeit macht Spaß, aber die Institutionen bringen einen um“, klagte eine Teilnehmerin. Im Kulturbereich, sagt Lukas Onken, gebe es viele Gründe für Burnouts und Depressionen. Nicht nur bürokratische Strukturen zählen dazu, sondern auch prekäre Arbeitsverhältnisse, mangelnde Wertschätzung und private Krisen.

Diversität und Gender in der Konzertprogrammierung

Beim „Ideenfestival“ ging es um Konzertprogrammierung, die alle Geschlechter und Gender abbildet und mitnimmt, um Migrantinnen und Migrantinnen, die längst zu einer eigenen, postmigrantischen Musikkultur gefunden haben. Daneben werden auch Chancen und Grenzen der Festivalgestaltung erörtert.

Das Festival bot auch Gelegenheit, internationale Perspektiven zu betrachten. Toks Dada, Programmmacher des Southbank Centers in London, berichtete von inszenierten Konzerten und Events außerhalb traditioneller Konzerthallen.

Inspiration aus anderen Ländern

Steven Walter, Intendant des Beethovenfests in Bonn, teilte seine Erfahrungen aus den USA. Dort sei genreübergreifendes Arbeiten selbstverständlich, erklärte er: „Pop-Attitüde und zeitgenössische Avantgarde können nebeneinander stehen und ineinanderfließen.“

Beim „Ideenfestival“ fallen bestimmte Slogans und Begriffe immer wieder. Genregrenzen sollen verschwimmen, althergebrachte Strukturen in Frage gestellt werden.

In der Klassik der Zukunft wird es natürlich traditionelle Konzerte geben. Aber auch weniger starre Konventionen, mehr Diversität und einen selbstverständlichen Zugang. Das alles ist in Bochum in lockerer Atmosphäre verhandelt worden.

Ein gefeierter Komponist

Eher selten begegnet man in den Konzertsälen in Deutschland mal einem Werk von Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, meist sind es Klavierstücke und oft nur als Zugabe. Dass es sich bei Čiurlionis um den Nationalkünstler Litauens handelt und dass er auch Maler und Schriftsteller war, wissen die wenigsten. 150 Jahre alt wäre er heuer geworden und das südlichste der baltischen Staaten feiert ihn umfassend.

Bei der Reise nach Litauen und einer Strandung des Fliegers in Riga kommt ins Gespräch mit Litauern. Als der Name Čiurlionis fällt, bekommt eine junge Frau leuchtende Augen. Man werde überwältigt sein, den Stress der Reise vergessen, alles werde gut.

Solche Aufmunterungen, solche Freude erlebt man in den kommenden Tagen noch öfters. Selbst in einem Zentrum für geflohene Weißrussen, wo erwachsene, hoch traumatisierte Männer mit Bauklötzen spielen, öffnet der Name Türen und Herzen.

Naturmystik als zentrales Element

Mikalojus Konstantinas Čiurlionis wird 1875 in einer litauischen Kleinstadt geboren, der Vater ist Organist und sein Sohn interessiert sich bald für die Orgel. Er studiert in Leipzig und Warschau Musik und Kunst. Als Maler und als Komponist begeistert er sich für existentielle Fragen und Naturmystik.

Viele religiöse Motive durchziehen seine oft expressiven Gemälde, manches bezieht sich konkret aufs Christentum, anderes bleibt auch ein wenig fremd und wirkt nach privater Mythologie. Das weitere sind Seestücke, Landschaftsbilder und auch Čiurlionis' wohl berühmtestes Musikstück „Jūra“ (Meer) taucht da im Wortsinn tief ein.

Čiurlionis bekammt Jūra nie vollständig zu hören, da der Orchestersatz teilweise so dicht und vertrackt ist, dass das Stück als unaufführbar galt. Erst jetzt, im Jubiläumsjahr, hat die Dirigentin Mirga Gražinytė-Tyla mit dem litauischen Nationalorchester alle Noten zum Klingen und Schwingen gebracht.

Das Interesse ebbt nicht ab

Die Bedeutung von Čiurlionis ist immens, eine Buchhandlung in Vilnius führt ein Werk über ihn auf Platz 4 der Bestsellerliste, streift man durch eines der zahlreichen Museen, die ihm gerade Ausstellungen widmen, begegnen einem Familien mit Kindern, die an Sandskulpturen arbeiten.

Darüber wacht ein Gemälde mit einem freundlichen Gesicht, in der typischen, leicht verschwommenen, dennoch fast rauschhaften Farbigkeit, die viele Bilder von Čiurlionis bestimmt. Und es gibt natürlich auch passende Musik, die den Raum flutet.

Unvollendete Oper mit KI zur Aufführung gebracht

Die Einzigartigkeit von Čiurlionis' Musik besteht in der engen Verbindung, manchmal auch Verschmelzung, von spätromantischem Klangvokabular mit litauischen Volksliedern und dazu oftmals sanft modernisierten Chorälen.

Was ihm allerdings nicht mehr gelang, war die Komposition einer Oper. Er starb unerwartet bereits 1911 und hatte gemeinsam mit seiner Frau, der Schriftstellern Sofija, an Jūratė gearbeitet. Der Stoff gehört zur baltischen Mythologie und behandelt die tragische Liebe zwischen einem Meereswesen und einem Landbewohner.

Das Contemporary Opera Festival in Vilnius hat jetzt eine 'imaginierte' Oper zur Uraufführung gebracht, gleich drei Komponisten, dazu noch eine KI, haben aus den wenigen überlieferten Skizzen und Musikbausteinen bestehender Werke ein sehr berührendes, heftig beklatschtes Werk geschaffen. Die nie geschriebene Oper klingt in Vilnius gar nicht so imaginär, sondern ziemlich konkret und vor allem klang-über-sinnlich.