Treffpunkt Klassik

Jedes Jahr im November geht für knapp fünf Wochen das Festival „Wien Modern“ über die großen und kleinen Bühnen der Stadt. Die 38. Ausgabe stellt sich breiter auf als je zuvor. Untersucht wird, wie die zunehmende Diversität sich in den Künsten widerspiegelt und welches Publikum erreicht wird.

Es geht darum, mit dem Tempo der gesellschaftlichen Dynamik mitzuhalten, ohne die Wurzeln des Festivals aufzugeben, die in der westlichen Avantgarde der Nachkriegszeit liegen. So ist auch Helmut Lachenmann in Wien zu erleben. Regine Müller hat vielfältige Eindrücke gesammelt.

Geburtstagskonzert für Helmut Lachenmann mit dem SWR Symphonieorchester

Die Musik in der Mitte des 20. Jahrhunderts als ein einziger Wettlauf, wer's am atonalsten und revolutionärsten kann? Das war immer schon ein Trugbild. Die Wahrheit ist weitaus vielfältiger. Zu den großen musikgeschichtlichen Schätzen, die hierzulande noch immer nicht recht gehoben sind, gehört das reiche Werk des britischen Komponisten Ralph Vaughan Williams. Ein neues Album, aufgenommen vom London Symphony Orchestra, ist mal wieder Gelegenheit, in diese sinfonische Welt einzutauchen.

Jeder Flügel hat seine eigene Charakteristik. Manche klingen weicher, manche härter. Weich passt zu Brahms, hart zu Schostakowitsch. Für die richtige Intonation sorgt Frank Preiss, Intoneur bei Steinway & Sons. Wie man zu dem Beruf kommt und wie lange es dauert, bis man guter Intoneur ist, erzählt er in SWR Kultur.

Nur fünf Jahre nach dem Brand in Notre-Dame wurde die weltberühmte Kathedrale im neuen Glanz feierlich wiedereröffnet. Zu diesem Anlass schuf Titularorganist und Komponist Thierry Escaich ein „Te Deum“. Beim Label Alpha ist jetzt eine Einspielung dieses monumentalen Werks entstanden, aufgenommen im Sommer 2025 direkt in Notre-Dame. Thilo Braun stellt das Album vor.

Ende September kam Benjamins Brittens „The Turn of the Screw“ auf die Bühne des Teatro dell’Opera di Roma. Eine spannende Inszenierung der britischen Regisseurin Deborah Warner, mit Ian Bostridge als Quant und Anna Prohaska in der Rolle der Gouvernante.

Nur wenige Tage später faszinierte eine Inszenierung von Kaija Saariahos Meisterwerk „Adriana Mater”. Regisseur Peters Sellers ließ die vier Protagonisten mitten im Orchester singen, das er auf der Bühne platziert hatte. Saariaho-Experte Ernest Martínez i Izquierdo dirigierte das Orchester des Opernhauses.

Janáček, Poulenc und Pergolesi mischen den Spielplan auf

Fast zeitgleich war auf der kleinen Bühne des römischen Opernhauses, im Teatro Nazionale, das Diptychon „Tagebuch eines Verschwundenen” von Leoš Janáček und „La Voix humane” von Francis Poulenc zu hören.

https://youtu.be/ByEOjGDR8_8?si=aUVI9QEwc-BPHRYnMit Matthias Koziorowski als Jan, Veronica Simeoni als Zefka und einer ergreifenden Anna Caterina Antonacci als von ihrem Liebhaber verlassene Frau in Poulencs Einakter.

Das italienische enfant terrible der Opernregie, Romeo Castellucci, inszenierte in der Basilika Santa Maria in Aracoeli auf dem Kapitolshügel das „Stabat Mater” als Bühnenwerk. Mit Musik von Giovanni Battista Pergolesi und dem italienischen Experimentalkomponisten Giacinto Scelsi, mit den Sängerinnen Emöke Baráth und Sara Mingardo.

Zwölf Produktionen pro Spielzeit

Vier verschiedene Aufführungen des römisches Opernhauses in nur vier Wochen. Das ist einmalig in Italien, wo die Opernhäuser in der Regel nicht zeitgleich verschiedene Inszenierungen bieten. Die ausgehende Saison bot insgesamt zwölf verschiedene Opernproduktionen, sechs Konzertabende und zahlreiche Ballettaufführungen.

Ende dieses Monats beginnt die neue Spielzeit und hier werden es ebenfalls zwölf Operninszenierungen sein. Darunter, wie inzwischen jedes Jahr, auch eine Auftragsoper: „Inferno” von Italiens wohl international bekanntester Komponistin Lucia Ronchetti.

Weniger Belcanto - aber „Tosca” geht immer

Italiens Musikkritiker sind sich einig: Die Opera di Roma bietet heute die spannendste Saison des Landes. Vor allem dank Francesco Giambrone. Der Sizilianer ist seit 2021 Intendant des römischen Opernhauses.

„Das ist das Resultat eines Projekts mit dem wir vor vier Jahren begonnen haben. Ein Projekt mit dem Ziel, in Rom nicht nur klassische Belcanto-Opern auf die Bühne zu bringen, sondern endlich auch und immer öfter Neues, Provozierendes, Experimentelles, mit den besten Sängern und Regisseuren, die wir engagieren können”, erklärt Giambrone im Gespräch.

Er sei davon überzeugt, dass man ein skeptisches Publikum mit richtig guter Qualität überzeugen könne, auch wenn Roms traditionelles Publikum natürlich auch Klassiker wie „Tosca” zu sehen bekomme. Puccinis Oper ist ein Dauerhit an der Oper Rom. Vor allem in der Inszenierung der Uraufführung im Jahr 1900, mit den beeindruckenden Bühnenbildern des deutschen Malers Rolf Hohenstein.

Rom bespielt regulär vier Opernbühnen

Mit dem entschiedenen Kampf gegen einen immensen Schuldenberg in Höhe von rund 48 Millionen Euro begann im Jahr 2017 eine neue Epoche für die Oper Rom. Dem damals neuen Intendanten Carlo Fuortes gelang es, Schulden abzubauen und mehr und vor allem junges Publikum mit einem weniger traditionellen Spielplan anzulocken.

Doch erst mit Francesco Giambrone kam es zu einer echten Revolution. Der Intendant, der zuvor das Teatro Massimo in Palermo leitete, bespielt heute vier Bühnen.

Neben dem Opernhaus auch die kleine Bühne des Teatro Nazionale und, während des Caracalla Festivals im Sommer die Riesenbühne für zirka 5.000 Zuschauer in der antiken Caracalla-Therme sowie die kleine Freiluftbühne für 1.500 Zuschauer in der Basilika di Massenzio auf dem Forum Romanum. 

Vor allem junges Publikum wird von den neuen Spielplänen angezogen. Und von deren Vielfalt.

„Dass eine Oper von Sariaaho während aller Aufführungen zu rund 80 Prozent ausverkauft ist, ist für unser Opernhaus ein voller Erfolg”, so Giambrone. „Ich will weiter wagen, das ist anscheinend unser Erfolgsrezept.”

Cleveres Marketing in den sozialen Medien

Giambrone verfolgt auch eine clevere Marketingstrategie. Gezielt werden in der U-Bahn, wo stets große Kino- Blockbuster beworben werden, und auf den Bussen der öffentlichen Verkehrsmittel die jeweiligen Aufführungen präsentiert.

In den sozialen Medien ist das Opernhaus mit jungen Gesichtern präsent, die die neuesten Produktionen in einfachen Worten vorstellen.

Für Rom ist das etwas Neues. Die Opera di Roma ist heute in der italienischen Hauptstadt und weit darüber hinaus in aller Munde.

So kann das Opernhaus die vielen Anfragen aus dem Ausland für die Saisoneröffnung am 27. November 2025 mit Wagners „Lohengrin” mit Dmitry Korchak in der Hauptrolle, Jennifer Holloway als Elsa und einer Regie von Damiano Michieletto nicht befriedigen. Die Premieren-Karten sind seit Wochen ausverkauft.

Eine Liebeserklärung – an eine Frau, aber auch an die Heimat, obwohl die nur eine sandige Illusion ist. „Here I’ll Stay“ ist einer der amerikanischen Songs von Kurt Weill. Bekannt, aber nicht zum Standard geworden. Vielleicht auch, weil sein Kontext so im Dunkeln liegt.

Der Fortschritt, der hier besungen wird, ob der nun auch das Bühnenstück erreicht, aus dem er stammt? Das nämlich ist ein Musical über eine Ehe, die zerbricht. Das könnte ein Stück des 2021 verstorbenen Broadway-Avantgardisten Stephen Sondheim sein.

Eine Ehe, die Jahrhunderte andauert

Aber es geht hier nicht um einfache, langsam sich entliebende Zweisamkeit. Hier dauert das Versickern der Gefühle von 1791 bis 1948. Die Protagonisten Sam und Susan durchleben ihre sich ändernden Emotionen wie ihre sich wandelnde Umwelt. Sie werden dabei keinen Tag älter.

Die Autoren wollten so über eine Ehe, aber eben auch über die wechselnden Zeitumstände reflektieren. Denn 1948, das war auch die Gegenwart von „Love Life“. Geschrieben hat es der Librettist Alan Jay Lerner, der später mit „My Fair Lady“ weltberühmt wurde.

Und sehr bekannt war, zunächst in Deutschland, auch der Komponist Kurt Weill, ein Kantorensohn aus Dessau. Der freilich musste sich nach seiner Emigration nach New York am Broadway neu erfinden.

Ursprünglich ein Flop unter Weills Musical-Erfolgen

Der Musical-Weill hatte in den Staaten Erfolg. Doch das „Vaudeville“ genannte „Love Life“ war ein Flopp – zu modern für seine Zeit: Auch weil die ungemein vielfältige, anspielungsreiche Musik, die zwischen Madrigal, Operette und Swing switcht, nur wenige Hits aufweist, aber großartig in die spannende, von Tänzen durchwirkte Handlung integriert ist.

Die spricht in ihren selbst heute noch cleveren Texten sogar unterhaltungsferne Themen wie Kapitalismus und die Frauenbewegung an. Ein Streik verhinderte 1948 eine Original-Cast-Aufnahme. So blieb dieses progressive Zweisamkeits-Musical lange das unbekannteste der US-Stücke Kurt Weills.

Susan emanzipiert sich und entfremdet sich von ihrem Mann

Sam bleibt die konservative, gute Seele, die die Veränderung der Zeit bestaunt. Susan aber ist diejenige, die sie mitgeht, die sich emanzipiert und ihre Liebe von einst in der langsam fade werdenden Ehe nicht mehr findet: Sie trennt sich. Da war 1948 ungewöhnlich.

Auch deshalb ist das progressive, mutige „Love Life“ wohl keineswegs ein Klassiker geworden. Aber seine Form war wegweisend für das Konzeptmusical – ein Genre, das eine Generation später in Shows wie „Cabaret“ und „Chicago“ von Kander und Ebb sowie „Company“ und „Follies“ von Sondheim seine Blütezeit erlebte.

Die letzte Lücke der Kurt-Weill-Einspielungen ist geschlossen

Sogar ein „Scheidungsballett“ findet sich in Kurt Weills buntscheckig-experimentierfreudiger Partitur. Die deutsche Erstaufführung von „Love Life“ war übrigens erst 2017 in Freiburg. Und endlich gibt es jetzt eine ganz wunderbare, komplette Einspielung – als hervorragenden Mitschnitt einer Produktion der britischen Opera North in Leeds.

Das Label Capriccio hat sie seiner reichen Weill-Kollektion einverleibt. Ein idiomatisch-überzeugendes Ensemble begeistert ebenso wie die stimmungsvoll klangsatte Orchesterleitung von James Holmes. Und endlich ist so die letzte Kurt-Weill-Lücke der Diskografie perfekt geschlossen. Zeit wurde es.

Es ist eine alte Geschichte, doch bleibt sie immer neu: Die Fortbewegung mit der Deutschen Bahn. Wer wüsste nicht ein Lied davon zu singen - Musikerinnen und Musiker mit zum Teil oft schwerem Gerät inklusive! Auch der SWR Kultur-Glossist, Schauspieler und Kabarettist René Sydow ist viel auf Achse und gibt uns hier einen Einblick in seine ganz persönlichen Bahnfahr-Erlebnisse.

Vom Schlosser zum Waffenmeister

Wenn das Wort „Waffenmeister“ fällt, denken viele zunächst an Gewalt. Doch im Theater hat dieser Beruf eine ganz andere Bedeutung.

Thomas Rechtenwald ist Waffenmeister am Mannheimer Nationaltheater. Neben Waffen gehören auch Pyrotechnik, Rüstungen und Requisiten zu seinem Aufgabenbereich.

Rechtenwald hat in der Bühnentechnik angefangen und kam über die Requisite zum Waffenmeister. Er ist gelernter Betriebsschlosser, was ihm bei der Reparatur von Waffen und Requisiten zugute kommt.

Sicherheit auf der Bühne

Neben der Wartung von Waffen ist die Pyrotechnik ein zentraler Bestandteil von Rechtenwalds Arbeit. Auf der Bühne gebe es durchaus echtes Feuer, erzählt er.

Dabei spielt Sicherheit eine entscheidende Rolle: Jedes Feuer wird vorab von der Feuerwehr geprüft, und Feuermelder in der Nähe werden gezielt deaktiviert, um Fehlalarme zu vermeiden.

Ein kreativer und vielseitiger Beruf

Rechtenwald liebt die Vielfalt an seinem Beruf. Er ist für Dolche oder ganze Rüstungen zuständig. Dabei muss er auf die richtige Patronenart bei Gewehren achten, damit diese die Musik nicht übertönen.

Echte Munition kommt am Theater nicht zum Einsatz. Der tragische Vorfall in Hollywood, bei dem eine geladene Waffe versehentlich mit tödlichem Ausgang eingesetzt wurde, hat auch Rechtenwald beschäftigt. „Ich war entsetzt, wie leichtsinnig in Amerika damit umgegangen wird. In Deutschland ist das undenkbar“, sagt er.

Ein Highlight seiner Karriere war, als er Gewehre mit pyrotechnischen Effekten ausstattete. „Die Darsteller sollten schießen können, aber ohne die Lautstärke echter Munition“, berichtet er.

Eine neue App des Tonkünstler-Orchesters Niederösterreich versucht nicht nur Wohlklang zu versprechen, sondern direkt erlebbar zu machen. „Euphonya“ heißt sie und nimmt ihre Nutzerinnen und Nutzer mitten hinein ins Orchester. Andreas Maurer vermittelt einen guten Eindruck davon, wie nahe man einem Orchester heute digital rücken kann.

Die Klassik-Welt befindet sich im Wandel – auch die Labels suchen zunehmend nach neuen Wegen. Das zeigt etwa die Deutsche Grammophon, das prestigeträchtige Gelb-Label, mit zwei Veröffentlichungen, die derzeit physisch nicht im Handel sind, aber als reine Digitalalben sehr unterschiedliche Wege gehen. Christoph Vratz hat sich die Aufnahmen mit Alice Sara Ott und Rafał Blechacz angehört und erklärt, was die Alben über die Deutsche Grammophon verraten.