Treffpunkt Klassik

„Eine der ersten Fragen in meinem Studium war, was denn das schwerste Stück sei, was je für Klavier komponiert wurde“, sagt der Pianist Alexander Krichel. Die Antwort, die er am Ende bekommt: Gaspard de la nuit von Maurice Ravel. Mittlerweile spielt der Künstler alle drei Zyklen des Franzosen und auch die Klavierkonzerte gerne. Im Gespräch beantwortet er Fragen zu Gefühl und Verstand in dieser Musik und: Was ist daran eigentlich Impressionismus?

Posamentir wird zu Posa

Das Andante für Klavier und Violoncello in d-Moll, entstanden um 1900 herum hat eine vertraute Melodie, von der man meint, man habe sie schon öfters gehört. Der Komponist ist ein gewisser Oskar C. Posa. Der Name hört sich an wie ein Pseudonym und ist den allermeisten nicht vertraut.

Aber diesen Oskar C. Posa gab es wirklich. Geboren in der Wiener Leopoldstadt im Jahre 1873, als ältester Sohn der Familie Posamentir. Davon leitet sich sein Künstlername "Posa" ab, den er sich zulegte, nachdem er zum Katholizismus übergetreten war, um eine feste Stelle als Kapellmeister in Graz anzutreten.

Karrierestop nach "Anschluss"

Seine Umbenennung hat also nichts zu tun mit jenem tapferen Tyrannenfeind, dem Marquis de Posa, aus Schillers Schauspiel "Don Carlos" bzw. Verdis Oper; aber doch viel mit den Diskriminierungen, denen ein jüdischer Pianist, Musiklehrer, Dirigent und Komponist im Wien des Fin de Siècle ausgesetzt war.

Seine Stelle als Dozent an der Wiener Universität für Musik und darstellende Kunst hat Oskar C. Posa 1938 verloren. Er wurde wegen seiner jüdischen Herkunft direkt nach dem sogenannten "Anschluss" Österreichs entlassen. Posa überlebte die Hitlerzeit in Wien. Wie, ist nicht bekannt. Dort starb er 1951, verarmt und vereinsamt. Eines seiner letzten Werke ist ein Streichquartett in F-Dur, op.18.

Spätromantik im 20. Jahrhundert

Ein Avantgardist war Posa ganz sicher nicht. Noch sein spätes Streichquartett, entstanden 1948, orientiert sich an der seit Haydn üblichen Satzfolge und mündet in eine zünftige, kapellmeisterliche Fuge: eine "Fuga capricciosa".

Oskar C.Posas spätes Streichquartett ist das Herzstück einer zweiteiligen CD-Edition des frisch gegründeten französischen Labels "Voilà!" Präsentiert werden auch noch eine Violinsonate von Posa, ein Albumblatt und 24 Klavierlieder.

Sämtlich sind es Ersteinspielungen, bestritten von jungen Künstlern. Der Labelchef, Olivier Lalane, der persönlich das Booklet verfasst und die Recherchen dazu gemacht hat, feiert die Wiederentdeckung Posas als diskographische Sensation.

Er verortet das Œuvre dieses verschollenen Komponisten zwischen Brahms und Wagner und findet zumal das Liedschaffen Posas, mit dem der um 1900 herum seine größten Erfolge feiern konnte, stilistisch "außergewöhnlich".

Mitglied im "Verein schaffender Tonkünstler Wiens"

Über 80 Lieder hat Oskar C. Posa komponiert, viele Strophenlieder mit dominant ausuferndem Klavierpart.

"Erwartung", nach einem Text von Detlev von Liliencron, gehört zu einem Zyklus namens "Soldatenlieder", der – in der Fassung für Orchester – uraufgeführt wurde in jenem berühmt gewordenen Konzert im Wiener Musikvereins-Saal, in dem auch Arnold Schönbergs seine symphonische Dichtung "Pelleas und Melisande" erstmals vorgestellt hat, sowie Alexander von Zemlinsky seinerseits die Orchesterfantasie "Die Seejungfrau".

In diesem legendären Kontext wurde der Name Posas in musikwissenschaftlichen Kreisen aktenkundig. Es gibt sogar eine Dissertation von 1996, die ihm gewidmet ist. Posa hat ebenfalls mitgewirkt im "Verein schaffender Tonkünstler Wiens", der mit diesem Konzert anno 1904 von Zemlinksy und Schönberg gegründet wurde. Sogar an der Abfassung des Manifests dazu war Posa beteiligt.

Die Entdeckung eines Genies?

Dass diese Fußnote der Schönbergforschung jetzt zum Klingen gebracht wurde, ist ein hoher Verdienst. Ob damit aber ein Original-Genie wieder entdeckt wurde, wie der Herausgeber Olivier Lalande mutmaßt? Eher nicht. Aber Posas Musik ist interessant, als Phänomen: melancholisch-melodisch, eklektisch-gestrig, formal oft einfallslos Sequenz an Sequenz reihend.

Eine kleine Kritik allerdings gibt es an dieser prunkvoll mit einem pfundschweren, höchst informativen Booklet ausgestatteten Edition. Sie informiert nur auf französisch und englisch. Da wird nun munter hinüber- und herübersetzt, und ausgerechnet die deutschen Klassik-Kunden gehen mal wieder leer aus, wie so oft bei französischen Klassik-Labels. Warum?

Orchester sind hierarchisch organisiert

Orchester sind traditionell streng hierarchisch organisierte Institutionen, und in dieser Organisationsform verharren sie zumeist statisch. Dazu zählen nicht nur die tradierten Hierarchien von der Intendanz bis runter zum einzelnen Pultplatz auf der Bühne, sondern auch die Arbeitsweise.

Die ist für Außenstehende kaum in allen Einzelheiten greifbar und komplex aufgespannt zwischen Tarifverträgen, engen Spielplänen und detaillierten musikalischen Interpretationsvorgaben. Die einzelnen Musikerinnen und Musiker haben zumeist nicht viel zu melden, wenn es um die konkrete Ausführung ihres Jobs am Instrument geht.

Und gar darüber abzustimmen, ob man ein Stück spielt oder nicht, stehe ihnen laut dem Orchestervorstand der Essener Philharmoniker erst recht nicht zu.

Intendantin gab Komposition in Auftrag

In diesem konkreten Fall in Essen war es die Intendantin der Philharmonie, die eine Komposition bei Clara Iannotta in Auftrag gegeben hat. Daraufhin hat die Komponistin laut ihren eigenen Ausführungen mit dem Orchestermanagement weiterverhandelt.

Unter anderem darüber, dass sie zusätzliche klingende Objekte verwenden will, das entspricht den üblichen Abläufen.

Orchester forderte finanzielle Zulagen

Die Orchestermusikerinnen und -musiker haben dann nach dem Blick in die Partitur gefordert, dass die zusätzlichen Objekte – in diesem Fall kleine Steine, Vogelpfeifen oder Weingläser – als vollwertige Instrumente kategorisiert werden, kurzum: dass sie für das Spielen dieser Instrumente eine finanzielle Zulage bekommen.

Außerdem hatten sie in einem konkreten Fall Sorgen um die Unversehrtheit ihrer Instrumente, was bei zeitgenössischer Musik ebenfalls keine Seltenheit ist. Diese mehrere Tausend bis Zehntausend Euro teuren Musikinstrumente sind für Berufsmusiker wie Verlängerungen ihres eigenen Körpers.

Erst Abstimmung, dann Absage

Die Musikerinnen und Musiker verhandeln also mit ihrem Arbeitgeber über eine Sondervergütung ihrer Leistung, die Orchesterleitung erfragt ein Stimmungsbild.

Was genau bei dieser Abstimmung herauskam, ist nicht klar, laut Orchester hätte ein Großteil, aber nicht einstimmig, gern zugestimmt das Stück wie gehabt zu spielen.

In der Folge entschied das Management dann, das Konzert abzusagen. Die offizielle Begründung: Die Partitur sei zu spät eingereicht worden, weshalb eine professionelle Einstudierung nicht möglich gewesen sei.

Entscheidung über alle Köpfe hinweg?

Solche Absagen passieren immer mal wieder, die Gründe dafür sind unterschiedlich, das allein ist also kein Skandal. Wie es aussieht, geschah diese Entscheidung allerdings ohne Rücksprache mit der Komponistin, der Dirigentin und der Solistin und nach Angabe des Orchesters auch über die Köpfe des Orchesters hinweg.

Iannotta schreibt, es hätte zum Zeitpunkt der Absage noch die Möglichkeit gegeben, Dinge anzupassen. Sie sei zum Beispiel bereit gewesen, bestimmte Objekte wieder komplett aus der Partitur zu streichen, oder dem Orchester Instrumententeile zur Verfügung zu stellen.

Orchester war überrascht

War den Musikerinnen und Musikern klar, dass das Management das Konzert absagen würde, wenn sie sich nicht einigen? Dem Statement des Orchesters zufolge war das Orchester von der Entscheidung überrascht.

Demnach hat das Management über seine Köpfe hinweg die Entscheidung getroffen und sie in die Öffentlichkeit kommuniziert, mitsamt Anschuldigungen gegen die Komponistin.

Entschuldigung für „nicht eindeutige“ Kommunikation

Hier liegt vielleicht die eigentliche Krux: Dass eine Stelle im Haus das überhaupt tun kann, ist ein strukturelles Problem. Aber zum Glück keines, das nicht reflektiert, bearbeitet und behoben werden könnte.

Immerhin hat sich das NOW!-Festival, bei dem das Stück hätte aufgeführt werden sollen, mittlerweile bei Clara Iannotta für die „nicht eindeutige“ Kommunikation entschuldigt. Ob ihr Stück doch irgendwann aufgeführt wird oder nicht, dazu gibt es bisher keine offizielle Information.

In Munderkingen finden das erste Mal die „Festspiele Oberschwaben“ statt. Mit zeitgenössischer Musik an mehreren Spielorten, mit interkulturellen Begegnungen und vielfältigen Klangwelten will sich das Festival etablieren. Die künstlerische Leitung besteht unter anderem aus dem Kontrabassisten und Komponisten Meinrad Kneer. Mehr zum neuen Festival und zu dieser Idee erzählt er im SWR Kultur Musikgespräch.

Sol Gabetta und die Pianistin Irina Zahharenkova mit einem Schubert-Arrangement, sehr schön und sanglich musiziert, trotzdem fragt man sich: warum spielen die so etwas? Die Antwort gibt Gabettas neues Album, eine Feier ihrer vergessenen Cellistinnen-Kollegin Lise Cristiani.

Faible für bekannte Melodien

Cristiani hatte ein Faible für bekannte Melodien. Das Leben dieser Künstlerin ist so rätselhaft wie spektakulär und man wundert sich, dass es so lange gedauert hat, sie wieder zu entdecken. Wo war hier die Frauenmusikforschung, fragt man sich.

Lise Cristiani wurde 1825 unehelich als Lise Barbier Chrétien in Paris geboren und starb nur 27 Jahre später in Russland an Cholera. Sie war groß, schön, liebte extravagante Kleider und riskierte als eine der ersten Frauen ihrer Zeit eine Karriere als professionelle Musikerin.

Leichtfüßiges und musikantisches Spiel

Gabetta und Zahharenkova spielen dieses „Air de ballett“ von Jacques Offenbach leichtfüßig und musikantisch. Zahharenkova am Fortepiano, warmer Ton, wunderbar phrasiert, mit „Luft“ zwischen den Fingerkuppen und Saiten.

„Es stärkt uns, wenn wir merken: wir machen das nicht alleine“, sagt der Chefdirigent des SWR Vokalensembles Yuval Weinberg über das jährlich stattfindende Chorprojekt mit 600 Kindern. Kinderchöre und ganze Schulklassen singen dann gemeinsam mit dem SWR Vokalensemble Weihnachtslieder und teilen ihre Begeisterung für die Musik.

Die spanische Sängerin und Songwriterin Rosalía wurde bekannt mit Musik, die traditionelle spanische Melodien und Rhythmen, insbesondere Flamenco, mit Pop und Electro kombiniert. Mit Erfolg: 2020 gewann ihr Album „El Mal Querer“ den Grammy für das beste Latin Rock Album, ein Triumph, den sie drei Jahre später mit „Motomami“ wiederholte.

Nun erscheint am 7. November 2025 das neue Album „Lux“, die Lead-Single „Berghain“ wurde am 27. Oktober veröffentlicht und wurde binnen 7 Tagen mehr als 15 Millionen mal auf YouTube geklickt.

Im Song, für den Rosalía mit der isländischen Sängerin Björk und dem amerikanischen Experimentalmusiker Yves Tumor kollaborierte, wird die Sängerin vom London Symphony Orchestra begleitet. Musikalisch ist das deutlich an den Winter aus Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ angelehnt.

Rosalía performt teilweise mit einer Klassik-inspirierten Gesangstechnik, Ein Chor singt dazu auf Deutsch:

Seine Angst ist meine Angst, Seine Wut ist meine Wut, Seine Liebe ist meine Liebe, Sein Blut ist mein Blut

Die Klassik-Welt reagiert auf den Rosalía-Hype

Auch die Klassikwelt reagiert auf den Erfolg in der Pop-Welt. So etwa die Oper Frankfurt, die sich auf TikTok und Instagram scherzhaft auf den Ansturm der Rosalía-Fans vorbereitet:

Kornelius Paede, Chefdramaturg für Musiktheater am Staatstheater Kassel, hat in den sozialen Medien reagiert. Er kommentierte ebenfalls auf Instagram: „Der Song hat mehr für die Oper getan als jedes Spielzeitmotto in den letzten zehn Jahren.“

Er habe das ein bisschen polemisch gemeint, erklärt Paede. Seitens der Klassik sei der Dialog zum Pop nicht immer gut gelaufen, so der Dramaturg. „Da hat man sich immer wieder ziemlich in die Nesseln gesetzt und so viel potentielles neues Publikum vielleicht auch verloren. Ich glaube, da muss man auch mal ehrlich zu sich sein und versuchen, diese Debatte dieses Mal ein bisschen anders zu führen.

Oper als Katalysator für Gefühl und Melodramatik

Den Song im Sinne der Klassik ausdeuten zu wollen, hält Paede für nicht zielführend. „Ich glaube, es ist eben wirklich ein wahnsinnig virtuoses Spiel mit verschiedenen Bezugnahmen, die einerseits aus der Popkultur kommen und vor allem auch damit einen bestimmten ironischen, campy Umgang finden. Und auf der anderen Seite aber eben ein Spiel mit musikalischen Formen, die auch immer eben wieder an ein großes Pathos, an große Formen und an große Emotionen erinnern.

Das entspreche auch dem landläufigen Bild, das man von Oper habe, so Paede: das landläufige Ideal von großen Gefühlen und Melodramatik. „Und ich glaube, der Witz an dem Stück ist genau diese Spannung und, dass diese Sachen jetzt tatsächlich erstmals zusammengebracht werden.“

Hat der Song die Chance, Klassik- und Pop-Fans zusammenzubringen? Kornelius Paede meint, dass gerade jüngere Menschen diesen Unterschied nicht mehr so sehr machen. Dieser liege vor allem in den Strukturen der Kulturinstitutionen. Der Song biete in jedem Fall eine Chance, Vorurteile und Barrieren abzubauen.

Liebe und Wahnisnn, Träume und Tod, rauschhafte Zustände und Gefühlschaos – all das behandelt die „Symphonie fantastique“ von Hector Berlioz. Im ersten Konzert für Junge Leute in dieser Spielzeit am Mainzer Staatstheater gibt es gleich die ganze Gefühlspalette zu hören.

Und der neue Dirigent Gabriel Venzago setzt hier noch einen drauf: Er kombiniert die Musik, mit vier Autor*innen der Spoken Word Performance. Nach jedem Satz der Symphonie tritt eine Poetry Slammerin oder ein Poetry Slammer auf und liest einen eigenen Text dazu. Wie passt denn das zusammen?

Das passe total super, findet Dirigent Gabriel Venzago., die „Symphonie fantastique“ trage schon in sich eine starke Geschichte: „Es ist ein junger Mensch, der in die Welt herausgeht und mit Enttäuschungen und deren Verarbeitungen konfrontiert ist“, erklärt der Dirigent.

Ich finde, das ist eine wahnsinnig tolle Energie, dass wir heute junge Menschen da haben, die sich darüber ihre Gedanken machen. Deswegen kriegt das Programm eine zweite und dritte Ebene und kann wirklich abheben.

„Ich spüre diese tiefen Emotionen von Berlioz“ 

Innerliche Zerrissenheit zwischen der eigenen Innen- und Außenwahrnehmung und Selbstliebe sind die Themen von Aileen Schneiders Text.

Es sei genau dieses innerliche Durcheinander, das sie auch in Berlioz' Musik spüre, sagt die Poetry-Slammerin Schenider: „Ich spüre diese tiefen Emotionen, das Verstandenwerdenwollen von Berlioz, was ja ein sehr spätromantischer Gefühlsgedanke ist: Wie schaffe ich es, meinen Emotionen freien Raum zu lassen? Wie schaffe ich es, sie rauszulassen? Und wie schaffe ich es, da in eine Kommunikation zu treten? Und daher habe ich das Gefühl, das passt sehr gut zueinander.“

Das SWR Symphonieorchester unter Christoph Eschenbach spielt Berlioz

Lyrische Auseinandersetzung mit der Musik

Die Slammer*innen wie auch ihre Themen sind ganz unterschiedlich. Leander Bauer zum Beispiel, der einen Text über die Liebe in Zeiten des Krieges vorträgt, war noch nie in einem klassischen Konzert. Aileen Schneider dagegen inszeniert selbst Opern. Doch was alle Texte gemeinsam haben: Sie sind ernst und nachdenklich.

Sie erzählen von Liebe, die nicht sein darf. Vom Konflikt zwischen den Generationen. Vom Unverständnis der Alten für die Jugend. Von Träumen, aus denen man gerissen wird, und Alpträumen aus denen es kein Erwachen gibt. Von Selbstzweifel und innerer Zerrissenheit.

Die Texte sind keine 1:1-Übersetzungen der Musik. Sie greifen einen Gedanken der Musik auf, entwickelt ihn ganz individuell weiter und machen eine Metaebene auf. Die Musik trennt die Texte voneinander, und die Texte die Musik. Dadurch entsteht eine sehr kraftvolle Wechselwirkung.

Ein Theatererlebnis von jungen Menschen für junge Menschen

Die Slammer*innen haben eine besondere Begabung, Gefühle zu transportieren, sagt Dirigent Venzago: „Da gibt es keine Grenze, keine Mauer, die treffen einfach mit ihren Worten direkt ins Herz. Und wenn man die Sinfonie am Stück dirigiert, dann hat die auch ihren eigenen Bogen, dann kann man sich an den Noten die Welt ergründen.“

Die Slammer*innen hat Venzago selbst gemeinsam mit seiner Mitarbeiterin Maya Herrera Torrez gesucht, gefunden und eingeladen. Sie konnten sich ihre Texte selbst zu einem bestimmten Satz der Sinfonie auswählen. So wird das erste Konzert der Reihe „Konzert für junge Leute“ zu einem besonderen Theatererlebnis, Nicht nur für, sondern auch von jungen Menschen.

Am 2. November feiert das „Haus Wahnsinn“ Premiere an der Hochschule für Musik in Karlsruhe. Die Produktion ist Teil des Projekts „RiWa 26“ - kurz für Richard Wagner 26. Anlässlich des 150-jährigen Jubiläums der Bayreuther Festspiele setzen sich Studierende in ganz unterschiedlichen Formaten mit Wagners Werk auseinander.

Sie ist Sängerin, Choreografin, Komponistin und Regisseurin, und sie hat sechs Jahrzehnte Zeitgeschichte aktiv mitgestaltet. Die US-Amerikanerin Meredith Monk hat mit John Cage und mit Phil Glass zusammengearbeitet, die Coen-Brüder haben ihre Musik als Soundtrack für ihre Filme benutzt. Mittlerweile ist die Künstlerin 83 Jahre alt und sie hat ein neues Album herausgebracht, das SWR Kultur-Kritikerin Susanne Benda in eine andere Welt aus feinen und leisen Tönen beamt.