Treffpunkt Klassik

Der Großteil ist kostenlos

Besonderes Festival-Highlight werden die 1:1-Konzerte auf dem Karlsruher Marktplatz sein, bei denen die Besucher*innen den Musiker*innen direkt gegenüber sitzen. Ein transparentes Kuppelzelt bietet für jeweils eine*n Besucher*in und eine*n Musiker*in Platz, täglich werden hier zwischen 12 und 13 Uhr 5-Minuten-Konzerte für das Laufpublikum der Innenstadt angeboten. Intimer ist Musik kaum zu erleben.

Insgesamt 21 Veranstaltungen werden im Rahmen des Festivals angeboten, bis auf eine Veranstaltung sind alle kostenlos.

Die Vielfalt drückt sich vor allem auch dadurch aus, indem man möglichst vielfältigen Menschen sowohl eine Bühne bietet, als auch damit hoffentlich möglichst vielfältigen Menschen eine Einladung ausspricht.  

Luciano Berio wäre am 24. Oktober 100 Jahre alt geworden. Geboren wurde er in Oneglia an der Riviera di Ponente. In seinem Elternhaus war ausschließlich klassische Musik zu hören, Strawinsky, Schönberg oder Bartók waren tabu.

Nach dem Zweiten Weltkrieg spielte Berio mit Übergängen zwischen Gesang und Geräusch und zählte später zu einem der berühmtesten italienischen Komponisten.

Ganz vorsichtig tastet sich die Bratschenstimme an die lose schwingenden Töne des Klaviers heran.

„I’ll Bid My Heart Be Still“ singt sie: Ich werde mein Herz zur Ruhe bringen. Es ist eine alte schottische Melodie. Rebecca Clarke schreibt zu diesen traditionellen Klängen eine freie Klavierbegleitung, die wirkt, als würde sie über die Melodie nachdenken – in ganz eigenen Schleifen und Wendungen.

Beim Hören denkt man an andächtige religiöse Choräle und folkloristische Lieder genau wie an impressionistische und noch weitaus modernere Klänge. Der getragene, schreitende Charakter der Melodie vermischt sich mit Pentatonik und experimentellen Harmonien in der Begleitung.

Eine der bedeutendsten britischen Komponistinnen der Zwischenkriegsjahre

Genau diese Mischung macht den besonderen Klang von Rebecca Clarkes Kompositionen aus. Im Booklet zum Album von Ekaterina Valiulina, Margherita Santi und Giulia Panchieri heißt es, Clarkes Musik „beobachtet die Welt, nimmt das Unsichtbare wahr und versteht es, entscheidet sich jedoch dafür, nicht einzugreifen“.

Die Geigerin Ekaterina Valiulina, die Bratschistin Giulia Panchieri und die Pianistin Margherita Santi wollen Rebecca Clarkes Musik für Violine, Bratsche und Klavier mit ihrem Album ein Denkmal setzen. Sie spielen Werke aus allen Schaffensperioden der Komponistin – das früheste aus dem Jahr 1909, die spätesten aus den 1940er-Jahren.

Clarke lebte zwar bis 1979, doch nach ihrer Heirat mit dem Pianisten James Friskin im Jahr 1944 hörte sie auf zu komponieren. Deshalb ist das „Trio Dumka“ eines ihrer letzten bekannten Werke. Hier verschmelzen Erinnerungen an tschechische Tänze mit avantgardistischer Harmonik:

Zeitgenossen hielten Rebecca Clarke für einen männlichen Komponisten

Eines ihrer Hauptwerke ist die dreisätzige Bratschensonate aus dem Jahr 1918 – geschrieben auf einer Konzerttournee, für sich selbst. Als sie das Werk ein Jahr später zu einem Wettbewerb einsandte, dachten die Juroren, es stamme aus der Feder von Maurice Ravel.

So aufregend sprudelt die harmonische Mischung, so farbenreich glänzt die Dynamik – und so wenig konnten sie sich vorstellen, dass diese geniale Musik eine Frau komponiert hatte. Sie hielten es sogar für wahrscheinlicher, dass „Rebecca Clarke“ das Pseudonym eines männlichen Komponisten sei.

Giulia Panchieri und Margherita Santi arbeiten in ihrer Interpretation besonders den sprunghaften, zwanglosen Charakter heraus, den die Komponistin im Zusammenspiel von Bratsche und Klavier angelegt hat.

Sensible Aufnahme würdigt das Vermächtnis von Rebecca Clarke

Immer wieder bezieht sich Rebecca Clarke auch auf Einflüsse traditioneller fernöstlicher Musik, auf irische, englische und schottische Volksweisen. Ihre Passacaglia auf ein altes englisches Thema, das Thomas Tallis zugeschrieben wird, hat sie wohl für die Beerdigung ihres engen Freundes Frank Bridge komponiert.

Panchieri und Santi tragen die düstere Musik auf die Bühne wie einen kostbaren Gegenstand. Sie folgen der Partitur einerseits voller Bewunderung und schaffen es gleichzeitig, ihre Stimmen so klingen zu lassen, als entstünden die Melodien aus ganz spontanen Regungen heraus.

Es ist schwer nachvollziehbar, wie diese Musik Jahrzehntelang verschollen und vergessen gewesen sein kann. Umso wichtiger sind sensible Aufnahmen wie diese. Jede weitere stärkt das Vermächtnis dieser großartigen Komponistin.

Gregor Simon hat den ersten Preis des erstmals von den Dresdner Kapellknaben ausgeschriebenen Komposition-Wettbewerbs gewonnen. Ausgeschrieben waren Messkompositionen. Was ihn an diesem Genre so fasziniert und was an seiner Komposition besonders „innovativ“ ist, erzählt er im SWR Kultur Musikgespräch.

Ein Raunen aus Oktaven. So hat es Frédéric Chopin in einer seiner Etüden komponiert, und so gestaltet es auch Eric Lu beim diesjährigen 19. Chopin-Wettbewerb.

Lu hat 2015 schon einmal in Warschau vorgespielt. Damals erreichte er den vierten Platz – mit gerade einmal 17 Jahren als jüngster Preisträger in der gesamten Wettbewerbs-Geschichte. Nun ist er gereift und nimmt wieder teil. Kein Wunder, dass sein Name auch unter den elf Finalisten zu finden ist. 

Prominente Gewinner von Martha Argerich bis Bruce Liu

Wer also wird Nachfolger von Bruce Liu, der 2021 die letzte Ausgabe dieses berühmten Wettbewerbs gewonnen hat? Die Liste mit renommierten Preisträgern ist lang: Seong-Jin Cho und Yuliana Avdeeva in den 2000er-Jahren, Krystian Zimerman 1975 oder Martha Argerich 1965.

Als Jury-Mitglied kehrte Argerich 1980 nach Warschau zurück – und sorgte für einen Eklat: Sie verließ die Jury, weil ihr Favorit Ivo Pogorelich nicht ins Finale einziehen durfte. Ihre Worte sind berühmt geworden: „Er ist ein Genie.“ 

Maurizio Pollini begegnet in Warschau Arthur Rubinstein

Zu den berühmtesten Preisträgern zählt auch Maurizio Pollini im Jahr 1960, bis heute der einzige italienische Gewinner. In der Jury saß damals der legendäre Pianist Arthur Rubinstein. Der nahm Pollini am Rande des Wettbewerbs zur Seite.

„Er gab mir wohl den besten Rat, den ich in all den Jahren als Pianist bekommen habe“, erinnerte sich Pollini später. „Rubinstein legte einen Mittelfinger auf die Schulter und sagte: ‚Ich spiele immer mit Gewicht, und darum werde ich nie müde.‘ Er ließ uns dabei dieses Gewicht spüren, und das war sehr beeindruckend. Und daher rührte auch der fantastische Klang, den er besaß.“

Allein die Liste früherer Juroren liest sich wie ein Who’s who: Karol Szymanowski, Wiltold Lutosławski, Heinrich Neuhaus, Arturo Benedetti-Michelangeli, Wladimir Aschkenasi – um nur einige zu nennen.

Nur Frédéric Chopin wird gespielt in Warschau

Seit fast hundert Jahren, genauer: seit 1927, werden in Warschau alle fünf Jahre die besten Chopin-Interpreten gekürt. Das Repertoire ist ausschließlich dem Namensgeber des Wettbewerbs vorbehalten: der Klaviermusik von Frédéric Chopin.

Neu in diesem Jahr ist, dass die Polonaise-Fantaisie zum Pflichtprogramm erst im Finale und einer der Walzer bereits verbindlich zur ersten Runde gehört.

Erstmals übernimmt kein Pole den Vorsitz der Wettbewerbsjury

Jury-Vorsitzender in diesem Jahr ist der amerikanische Pianist Garrick Ohlsson, der den Wettbewerb 1970 für sich entscheiden konnte.

Ohlsson ist als Jury-Vorsitzender der erste Nicht-Pole in der Geschichte des Wettbewerbs. Entsprechend geehrt fühlt er sich. Und wie immer gilt: Die Jury  achtet nicht nur darauf, wer über die besten technischen Fähigkeiten verfügt, sondern auch, wer das tiefste Verständnis für die Musik von Chopin aufweist. 

Nie gab es mehr Bewerbungen

Längst hat sich der Wettbewerb zu einem großen Medienereignis gewandelt. Alle Auftritte können im Internet verfolgt werden. Live-Übertragungen gibt es auch im polnischen Fernsehen und im Rundfunk sowie landesweit als Public Viewing. Sogar eine Chopin-Metro fährt durch die Stadt. Tickets für die Endrunde sind seit einem Jahr ausverkauft.

Einen Rekord vermelden die Veranstalter auch bei den Bewerbungen: 642, nie waren es mehr. Teilnehmen dürfen Pianisten zwischen 16 und 30 Jahren. In die jetzige Endrunde schafften es 85 Bewerber aus 20 Ländern.

Erfolg für Eric Lu

In den frühen Morgenstunden des 21. Oktober 2025 stehen die Preisträger des 19. Chopin-Wettbewerbs fest. Insgesamt sechs Preise und mehrere Sonderpreise wurden vergeben.

Gewonnen hat Eric Lu mit einem herausragend feinsinnigen Vortrag des 2. Chopin-Klavierkonzerts. Nach der Piano Competition von Leeds 2018 hat er jetzt mit dem Chopin-Wettbewerb zwei der weltweit bedeutendsten Auszeichnungen für junge Pianisten für sich entscheiden können.

Ab und zu packt mich dann doch mal wieder der Ehrgeiz, ein neues Stück auf der Gitarre oder dem Klavier zu lernen. Aber schon bei den Spielanweisungen muss ich oft den Klavierdeckel wieder zuklappen und zwei Stunden nachdenken, was die Meister da eigentlich von mir wollen?

Ich spreche jetzt nicht von den Fortissimi und Andantes! Selbst mit „molto espressivo“ weiß ich gerade noch was anzufangen. Aber es gibt da einige,  sagen wir mal, exotische Anweisungen, bei denen man sich schon fragt, ob da nicht ein Glas Absinth zu viel im Spiel war.

Zwischen schmachtender Grazie und tierischer Gemächlichkeit

Alexander Skrjabins „Guirlandes“ fordern beispielsweise ein „avec une grâce languissante“, also „mit schmachtender Grazie“. Also, mit Verlaub, ich schmachte höchst selten und graziös sieht das dann schon mal gar nicht aus. Eher so wie die Spielanweisung, die ich bei Richard Strauss finde: „gemächlich wie eine Kuh“.

Ich durchforste die Literatur auf der Suche nach Werken, die mir vielleicht etwas mehr liegen. Ah, Mahlers 9. Sinfonie in einer Klavierfassung! „Etwas täppisch und sehr derb“, heißt es da – das kriege ich hin! Zumal alles, was ich auf dem Klavier selbst spiele, täppisch klingt.

Da lachen wohl auch Haydn und Mozart

Ich denke ja, dass viele Komponisten wesentlich humorvoller waren, als es die überlieferten Bilder von ihnen suggerieren. Die Spielanweisungen verraten es: Sie wollten die Interpreten ihrer Musik damit ein klein wenig ärgern, wenn sie von ihnen verlangen, „sich zu verlieren“ oder „immer leise und süß“ zu spielen.

Ich kann mir vorstellen, wie Haydn und Mozart, von denen diese Anweisungen stammen, zusammen auf einer Cembalo-ähnlichen Wolke sitzen und sich kichernd in die Seiten knuffen, wenn sie dabei zusehen, wie sich wieder mal ein Klavierschüler bemüht oder „leise und süß“ zu spielen.

Schumann will's schneller als möglich, Debussy fordert fast nichts

Ganz mein Humor ist übrigens eine Anweisung von Robert Schumann, die er in der Klaviersonate op. 22 gibt. Da steht einmal „so schnell wie möglich“ und ein paar Takte später: „noch schneller“.

Man hört förmlich, wie seine Frau Clara vom Klavier aufsehend zum schallend lachenden Robert sagte: „Robert, du hast einen Vogel. Aber mit drei Meter Spannweite!“

Ach so, wenn Sie sich jetzt fragen, welches Stück ich als neue Übung angehen möchte: Nun, nach intensiver Beschäftigung mit den Noten halte ich mich vielleicht einfach an eine Spielanweisung von Claude Debussy: „presque rien“ – fast nichts.

Bei mir heißt das dann „gar nichts“ und ich lege einfach die CD ein und lausche der Aufnahme eines brillanten Pianisten, der mit dieser Anweisung offensichtlich mehr anzufangen wusste als ich.

Öffnen Sie den Kopf!

Oder aber man spricht mit mir so, damit ich es auch wirklich verstehe. Ich bin zum Beispiel ein ausgezeichneter Satie-Interpret, denn seine Spielanweisungen entsprechen genau meinem Naturell und meiner Art zu denken.

Ich weiß sofort, was damit anzufangen ist, wenn er schreibt: „Rüsten Sie sich mit Hellsichtigkeit!“. Oder: „Stellen Sie sich selbst infrage“. Und meine liebste Anweisung von Satie, die ohnehin auf das ganze Leben zutrifft: „Öffnen Sie den Kopf!“

Ein Schuhkonzert von Félix Blume

Félix Blume nennt sein Schuhkonzert „Andante“, in der Musik die Bezeichnung für ein langsames, ruhiges Tempo - oder eben einfach italienisch für: „gehend“. Der Klangkünstler aus Frankreich hat Menschen in Donaueschingen beim Spazierengehen begleitet.

In der Alten Molkerei hat er dann 20 Holz-Säulen aufgestellt, die an Cajons erinnern. Auf jeder Cajon steht ein Schuh, aber da es sich um eine Klanginstallation handelt, stehen die Schuhe natürlich nicht still, sondern schreiten, steppen, pulsieren. Jeder Schuh hat seinen eigenen spezifischen Rhythmus.

Das Schuhkonzert verhält sich wie ein Chor oder ein Orchester: Betritt man den Raum und lauscht aus einiger Entfernung, nimmt man das Klang-Gemisch wahr, die Verbindung aus allen Einzel-Klängen. Tritt man näher und geht auf einen einzelnen Schuh zu, treten seine Schritte hervor und übertönen die anderen.

Keine Scheu vor Neuer Musik

Manche Menschen haben Respekt vor Klanginstallationen oder auch vor Neuer Musik und den Donaueschinger Musiktagen generell. Sie haben Angst, sie könnten etwas nicht verstehen, es nicht begreifen, falsch interpretieren.

Félix Blume kann beruhigen, dass es nichts zu verstehen gibt. „Es ist eher eine Erfahrung, und die Erfahrung von jedem wird anders.“

Klanginstallation im Fischhaus über Träume

Der Klangkünstler ist auf den Donaueschinger Musiktagen gleich zweimal vertreten. Seine andere Klanginstallation, Ao Pé do Ouvido, portugiesisch für „Am Ohr“, ist im Fischhaus, ganz in der Nähe zum Donau-Ursprung zu erleben.

Es ist eine Installation mit 50 verschiedenen Lautsprechern, die die Träume von Leuten wiedergeben, die nach São Paulo in Brasilien kommen.

Blumes Installation passt sehr gut zum diesjährigen Motto der Donaueschinger Musiktage: Voices unbound, also: entfesselte Stimmen. Alle Stimmen sind zwar miteinander verbunden, aber eben nicht gefesselt.

Vor 75 Jahren stieg der damalige Südwestfunk und heutige SWR als Veranstalter bei den Donaueschinger Musiktagen ein und verwandelte das Festival durch seine Klangkörper zu einem großen Orchester- und Vokalfest. Die Musikjournalistin Eleonore Büning hält am Eröffnungsabend die Festrede und wirft einen Blick in Geschichte und Zukunft, Festival-Leiterin Lydia Rilling verortet die Donaueschinger Musiktage in der Gegenwart. SWR-Musikredakteur Michael Rebhahn hat mit ihnen am Freitagvormittag, kurz vor Eröffnung des Festivals, gesprochen.

Sperrig, anti-„homogen“. Keine „schmeichelnden Texturen“ und dergleichen, wie man es sonst oft an Kammermusik-Ensembles lobt. Das ist hier nicht aus Unvermögen anders, sondern mit Absicht.

Das international besetzte Ensemble Tamuz, gegründet 2017 in Berlin, hat sich diese Spielweise bewusst auf die Fahnen geschrieben.

70 Streichquartette und -quintette komponiert

Obwohl George Onslow alles Mögliche komponierte, auch Opern und Sinfonien, hatte vor allem seine kunstvolle Kammermusik Erfolg, unter anderem 70 Streichquartette und -quintette.

Da gibt es logischerweise noch einiges zu entdecken. So ist auch eines der beiden Streichquintette, die das Ensemble Tamuz für sein Debüt-Album aufgenommen hat, eine offizielle Weltersteinspielung.

Musik voller Schmerz

Beide aufgenommene Werke stammen aus den späteren Jahren von Onslow, von 1839 und von 1848, fünf Jahre vor Onslows Tod. Diese Musik ist nicht nur kontrapunktisch gefinkelt, sondern steckt auch voller Schmerz.

Beide Quintette sind tief besetzt, also nicht mit doppelter Bratsche, sondern mit zwei Celli. Bei den extremen Tempoverschiebungen der Aufnahme kann einen schon mal das Gefühl beschleichen, da fehle ein „Grundtempo“, so dass für unser heutiges Ohr manchmal zunächst der Zusammenhang zu zerfallen droht.

Historisch improvisatorische Praxis

Aber die Interpretation folgt einem strikten Konzept, das das Ensemble im Album-Beiheft genau darlegt: Historische Spielweise heißt hier nicht bloß ein bisschen Vibrato-Scham und Darmsaiten aus dem Bioladen.

Stattdessen sollen historische improvisatorische Praktiken nachgeformt werden: neben den Tempowechseln und Portamenti sind das etwa „ornamentale Tremolo-Effekte“ und freie Verzierungen, gerade bei Wiederholungen.

2022 gab Ai Weiwei in Rom sein Operndebüt mit Puccinis unvollendeter Oper „Turandot“. Die Vorbereitungen der aufwendigen, gigantischen Produktion dauerten zwei Jahre, da die Proben zwischenzeitlich wegen der Covid-Pandemie unterbrochen werden mussten. Der italienische Filmemacher Maxim Derevianko war mit der Kamera über den langen Zeitraum dabei und hat zahlreiche Mitwirkende sowie die Intendanz des Theaters zu diesem besonderen Projekt befragt. Seine Dokumentation „Ai Weiweis Turandot“ kommt am 16. Oktober in die Kinos. Kirsten Liese hat ihn bereits gesehen.