Treffpunkt Klassik

„Auf jeden Fall anders“

Reist man Ende Oktober nach Donaueschingen, ist es wie eine Reise ins Herz der Neuen Musik. Hier wird immer wieder aufs Neue die Frage verhandelt: was ist das eigentlich? Die zeitgenössische Musik von heute: experimentell und auf jeden Fall anders. Und wohin geht die Reise? Für die künstlerische Leiterin der Donaueschinger Musiktage Lydia Rilling ist das Zeitgenössische vor allem: divers.

Das was an der Gegenwart so aufregend ist, dass es musikalisch eine unglaubliche Vielfalt gibt. Es gibt nicht eine Szene zeitgenössischer Musik, sondern viele verschiedene. Die oft wenig voneinander wissen und oft getrennt voneinander arbeiten. Und diese an einen Ort zu bringen und Verbindungen herzustellen, ist etwas, was in Donaueschingen auch geschehen soll.

Allein das Symphonieorchester des SWR hebt in jedem Jahr sechs bis acht Uraufführungen aus der Taufe. Dem Orchester gehören auch in diesem Jahr das Eröffnungs- und das Abschlusskonzert.

Respekt in der Musikszene

François-Xavier Roth leitet des Eröffnungskonzert und hat in seinen frühen Jahren den Kampf innerhalb der Musik erlebt, zum Beispiel mit Menschen, die sich gegen die Musik von Pierre Boulez gestemmt haben. Heute sei das anders:

Heute – das ist auch ein Luxus – gibt es wahrscheinlich viel mehr Respekt zwischen verschiedenen Musiken. Und das ist eine Freude, das zu erleben.

Die Donaueschinger Musiktage stellen unter dem Titel „voices unbound“ Künstlerinnen und Künstler ins Zentrum, die ihre Stimme erheben. Vielstimmigkeit werde gefeiert, weil der künstlerische Ausdruck durch aktuelle politische Entwicklungen gefährdet sei, erklärt Lydia Rilling.

Internationale Gäste

In diesem Jahr ist die britische Turntablistin Mariam Rezaei dabei, der griechisch-französische Komponist Georges Aperghis, der für sechs Singstimmen und die Bratscherin Tabea Zimmermann geschrieben hat. Das Klangforum aus Wien ist zu Gast und zum ersten Mal der New Yorker Komponist und Klangkünstler, Tristan Perich, der ein Werk für fünf Mundharmonikas und Elektronik mitbringt.

Der New Yorker komponiert für Instrumente, die traditionell ganz in der Nähe von Donaueschingen, in Trossingen, hergestellt werden. Zu erleben ist das Open-Air-Konzert auf dem Lammplatz.

Gespielt wird traditionell aber vor allem in Turnhallen auf improvisierten Bühnen. Auch für die Musiker des SWR Symphonieorchesters ist das immer ein besonderer Moment im Konzertjahr.

Professorin Diemut Poppen unterrichtet an der Freiburger Musikhochschule Viola und ruft dort zum ersten Mal die Viola Days ins Leben, ein kleines Workshopfestival für Bratschist:innen. Es gibt die Möglichkeit aufzutreten, sich zu neuen Stücken für die Viola zu informieren, Gespräche mit Instrumentenbauern und einen Preis für das „beste Üben“. Mehr zum Festival und wie man richtig übt, erzählt sie im SWR Kultur Musikgespräch.

Die Donaueschinger Musiktage sind ein traditionsreiches Festival, das schon auf eine über 100 Jahre andauernde Geschichte zurückblicken kann. Was viele nicht wissen: Fast wäre es Anfang der 1950er Jahre damit zu Ende gegangen. Dass es nicht so gekommen ist, liegt daran, dass der SWR, der damals noch Südwestfunk hieß, als Mitveranstalter eingesprungen ist und die Donaueschinger Musiktage seit nunmehr 75 Jahren mitbegleitet und gestaltet. Friederike Kenneweg schaut auf 75 Jahre Festivalgeschichte zurück.

Singen im Chor verbindet die Menschen, setzt Glückshormone frei und kann gesellschaftliche Impulse geben. Der Schriftsteller Stefan Moster hat sich in seinem Buch „Vom Glück, im Chor zu singen.“ mit diesem besonderen Phänomen auseinandergesetzt.

Chor als Gemeinschaft ohne Voraussetzungen

Für Stefan Moster liegt ein zentraler Aspekt des Glücksgefühls im Chor in der Gemeinschaft, die voraussetzungslos sei: „Man muss nicht verwandt sein, nicht befreundet sein, es muss kein Begehren geben, die anderen müssen einem nicht mal sympathisch sein“, erklärt er.

Daneben könne man die Sinnerfahrung machen, sich in eine Gemeinschaft hinein zu begeben und Teil von etwas zu sein, dass am Ende vielleicht sogar beklatscht wird und andere begeistert.

Singen als natürliches Antidepressivum

Im Chor mache man Erfahrungen mit Mehrstimmigkeit, was immer einen positiven Effekt auf den Menschen habe. „Es passieren Dinge im Herz und im Kopf“, sagt Moster, „die tatsächlich wirken wie ein Antidepressivum.“

Man könne den Chor auch als ein „kleines gutes Gesellschaftsmodell“ sehen, das unserer oft chaotischen Welt entgegensteht. Man einigt sich darauf, zusammen zu singen, akzeptiert die Leitung durch eine Chorleiterin und folgt den Noten.

Dabei spiele es keine Rolle, wer man ist, wo man herkommt oder welche Gesinnung man hat. Solch eine Konstellation sei selten, findet Moster. Deshalb könne man die Erfahrung des Chorsingens durchaus auf größere gesellschaftliche Zusammenhänge hochrechnen.

Chöre als Schutzraum

Diese Offenheit mache Chöre auch in schwierigen gesellschaftlichen Kontexten zu Schutzräumen. Besonders beeindruckend sei die queere Chorszene, die selbst in Ländern, in denen Homosexualität kriminalisiert wird, existiert.

Hier bieten Chöre einen Raum, in dem sich Menschen sicher fühlen und gleichzeitig ihre Stimme erheben können, sei es zum Protest oder, um sich selbst zu spüren.

Pop oder Hochkultur: Was zählt, ist das gemeinsame Singen

„Die Glücksgefühle kann man von den Beatles bekommen und auch von Bach“, sagt Moster. Während einige Sängerinnen und Sänger die Herausforderung großer hochkultureller Werke suchen, geht es anderen mehr um die Freude am gemeinsamen Singen.

Ein allgemeiner Trend hin zu mehr Pop im Chor sei schwer zu belegen, so Moster. Allerdings gebe es immer mehr Pop-Chöre, die Menschen anziehen, die sich vielleicht weniger für klassische Musik interessieren.

Ein Buch für alle, die den Wert des Singens erkennen wollen

Mit seinem Buch möchte Stefan Moster nicht nur aktive Chorsängerinnen und Chorsänger ansprechen, sondern auch Menschen, die bisher noch nicht den Schritt in einen Chor gewagt haben. „Es geht darum, wichtige Dinge, die wir als Menschen machen, in ihrem Wert zu zeigen“, erklärt Moster.

Viele Chorsängerinnen hätten ihm nach der Veröffentlichung gesagt, dass sie seine Beschreibungen genauso empfinden, aber selbst nicht in Worte fassen könnten. Genau diesen Beitrag möchte Moster mit seinem Buch leisten.

Sofia Gubaidulina war viel mehr als nur die große Mystikerin der zeitgenössischen Musik. Das zeigt dieses Album. Diese Komponistin war extrem offen, sie arbeitete mit seriellen Techniken, mit Geräuschen, mit Elektronik, Zufallsoperationen, Mikrotonalität und wie in „Revuemusik“ auch mit Jazz.

Titus Engel dirigiert das Unterschiedliche mit großer Genauigkeit und mit der Hingabe, die Gubaidulinas Werke unbedingt brauchen, um zu wirken. Unter Engels‘ Leitung wirkt das jüngste Werk des Albums, das Orchesterwerk „Zeitgestalten“ von 1989, wie eine Synthese.

Das Ende dieses Stücks ist, typisch für die Komponistin, nicht nur versöhnlich, sondern verweist in eine andere Dimension. „Ohne Religion“, hat Sofia Gubaidulina einmal gesagt, „hat das Komponieren keinen ernsthaften Grund.“

Mit Richard Wagners frühen Sonatenversuchen hat er es nicht so, gesteht Pianist Matthias Kirschnereit im Beiheft. Und doch eröffnet er sein Album mit einer „Sonate für das Album von Frau M.W.“: Wagners erstes Werk nach dem „Lohengrin“ ist eine musikalische Hommage an Mathilde Wesendonck, seine „Muse“.

Wagner selbst soll später behauptet haben, diese Sonate sei „seicht“ und „nichtssagend“. Matthias Kirschnereit spielt sie jedoch keineswegs seicht oder gar seifig. Er deutet dieses Werk lyrisch und innig.

Wagner Bewunderer und kritische Beziehungen

Kirschnereit paart Wagners Klavierkompositionen mit Werken von Menschen, die zu seinem Leben und Werk in besonderer Beziehung gestanden haben. Etwa Anton Bruckner, ein glühend-ergebener Wagner-Bewunderer.

Auch problematische Beziehungen klammert Matthias Kirschnereit nicht aus. So hat Wagner in seinen späteren Jahren Felix Mendelssohn aufs Übelste diffamiert. Hier nun wird eines von Mendelssohns „Liedern ohne Worte“ umrahmt von zwei Wagner-Stücken. 

Kirschnereit spielt das sehr transparent und mit gut erkennbarem Fokus auf der gesanglich geformten Melodie. Kein Pedalnebel trübt diese Musik, die dadurch all ihre Frische entfaltet. 

Erfreulich uneitles Klavierspiel

Zu den kleinen Binnen-Geschichten, die dieses Album erzählt, gehört auch das Paris-Kapitel in Wagners Leben. Sein „Tannhäuser“ wurde 1861 zum Skandal. Aus dem selben Jahr stammt sein Klavier-Stück „Ankunft bei den schwarzen Schwänen“.

Kirschnereit paart dieses Stück mit einer Nocturne von Georges Bizet, der später von Friedrich Nietzsche zu Wagners Gegenspieler stilisiert worden ist. 

Aus einem düster verschatteten Vorspiel schält Matthias Kirschnereit mit Bedacht und Übersicht die Melodie heraus. Auch hier: ein erfreulich uneitles Klavierspiel, das sich auf Verläufe und Farben konzentriert.

Joseph Rubinstein trotzt Wagners Antisemitismus

Wenig überraschend taucht im zweiten Teil des Albums dann auch der bereits erwähnte Friedrich Nietzsche auf, der selbst Lieder und kleinere Klavierwerke komponiert hat.

Das längste Werk auf diesem Album sind die „Musikalischen Bilder aus ‚Der Ring des Nibelungen‘“, eingerichtet von Joseph Rubinstein.

Auch Rubinstein war jüdischer Herkunft und steht stellvertretend für viele Musiker, die in der Lage waren, Wagners Antisemitismus von der Bedeutung seiner Musik zu trennen. 

Ideenreiche und auch kritische Wagner-Expedition

Am Schluss stehen wir „Am Grabe Richard Wagners“ – so hat Wagners Schwiegervater Franz Liszt eines seiner späten Klavierstücke übertitelt. Damit endet ein programmatisch spannendes, beziehungsreiches Album, das zum Glück keine komprimierte Weihestunde geworden ist, die Richard Wagner ergeben huldigt.

Es ist vielmehr eine ideenreiche und auch kritische Wagner-Expedition. Musikalisch dringt Matthias Kirschnereit mit verfeinerten Mitteln in viele Grenzbereiche vor, er meidet alles Grelle und Plakative und erweist sich so als umsichtiger Beleuchter der jeweiligen Szenerien.

Nach der Ausladung des israelischen Dirigenten Lahav Shani vom Flandern-Festival in Gent hat die Klassikwelt auf Belgien geschaut. Aber wie gut kennen wir überhaupt die Musikszene in unserem Nachbarland? SWR Kultur Kolumnist Albrecht Selge hatte die Möglichkeit, einen Monat lang in Belgien zu leben und zu arbeiten - und dabei durchs Land zu reisen. Seine Impressionen über das musikalische Belgien hat er zurückgebracht.

Worin liegt die Bedeutung der Musikhochschulen in Deutschland? Karolin Schmitt-Weidmann ist Professorin an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart und hat ein Buch dazu geschrieben. Im SWR Kultur Musikgespräch erzählt sie wie die Musikhochschulen mit der Gesellschaft vernetzt werden können.

Gleichstellung in der Wissenschaft ist ein Thema, das seit Jahrzehnten diskutiert wird. Da, wo mehr Geld verdient wird und da, wo es um Führungsposition geht, sitzen Männer.

Es lohnt sich allerdings genauer hinzuschauen. Denn während an den Musikhochschulen in Baden-Württemberg und Rheinland-Pfalz Frauen bei den so genannten W3-Professuren nach wie vor in der Minderheit sind, ist in der Musikwissenschaft vielerorts durchaus Parität erreicht.

Ein Wendepunkt: Die Rolle von Vorbildern

Das ist nicht selbstverständlich und war nicht immer so. Christoph Flamm, geschäftsführender Direktor des Musikwissenschaftlichen Seminars der Universität Heidelberg, erinnert sich: „Hier war die Musikwissenschaft über viele Generationen reine Männersache und es hat relativ lange gedauert, bis Frauen hier Fuß gefasst haben.“

Doch in den 1990er-Jahren kam es an der Universität Heidelberg zu einem Wendepunkt. Beide Professuren wurden damals mit Frauen besetzt. Ein Meilenstein, der den sogenannten Role-Model-Effekt auslöste.

Warum Vorbilder allein nicht ausreichen

Das heißt, die Vorbildfunktion in Hinblick auf das Geschlecht hat sich gewandelt. Frauen, die in Führungspositionen sichtbar sind, erleichtern anderen Frauen den Zugang. Selbstverständlich nicht direkt. Aber über die allgemeine Wahrnehmung.

Beim Treppenaufgang zum Heidelberger Seminar hängen in chronologischer Reihenfolge Konterfeis derjenigen, die hier musikwissenschaftlich gewirkt haben. An den oberen Stufen häufen sich die Fotografien von Frauen.

Gezielte Förderung als Schlüssel zum Erfolg

Damit Frauen den Sprung auf W3-Professuren schaffen, braucht es mehr als einzelne Role Models. Gezielte Maßnahmen entlang der gesamten wissenschaftlichen Laufbahn sind gefordert.

So gut wie alle Universitäten gehen das an. Die Universität Koblenz bietet z.B. speziell promotionsinteressierten Nachwuchswissenschaftlerinnen Unterstützungsangebote wie Coachings oder Workshops an.

Parität in BW und RLP?

Insgesamt steht die Musikwissenschaft beim Thema Gleichstellung besser da als so manche anderen geisteswissenschaftlichen Fächer. Wie Beispiele zeigen, ist der Frauenanteil an den Musikwissenschaftlichen Führungspositionen in Baden-Württemberg und Rheinland-Pfalz so weit gleichberechtigt hergestellt.

In Freiburg leitet mit Stefanie Steiner-Grage eine Frau das Musikwissenschaftliche Seminar. In Mainz sind es zwei Professuren, besetzt mit einer Frau und einem Mann. In Tübingen dagegen hat Stefan Morent gegenwärtig eine Stiftungsprofessur am Musikwissenschaftlichen Institut. 

Förderprogramme zeigen Wirkung – aber es bleibt viel zu tun

Das Musikwissenschaftliche Institut hat sich in den vergangenen Jahrzehnten verkleinert. Dass Frauen hier in absehbarer Zeit an eine W3-Stelle kommen, sei unwahrscheinlich, sagt Stefan Morent.  

Trotzdem laufen auch an der Universität Tübingen gezielte Frauenförderprogramme. Vier Nachwuchswissenschaftlerinnen konnten in der Musikwissenschaft bereits gefördert werden.

Eine von ihnen hat inzwischen einen Ruf auf eine Professur an einer anderen Universität erhalten. Ein Zeichen dafür, dass Gleichstellung auch in kleinen Fächern Wirkung zeigt, wenn die Strukturen es zulassen.

Welche Rolle spielte Russland im Leben und in der Kunst von Richard Wagner? Wie wurde und wird umgekehrt in Russland und in der Sowjetunion mit seinen Opern umgegangen? Der ehemalige Dresdner Operndramaturg Eckart Kröplin hat sich diese Fragen in seinem neuen Buch gestellt, weil Russland im Leben und im Nachleben Wagners eine bedeutende Rolle spielte. Gemessen an den Regalwänden von Büchern zu diesem Komponisten ist dieser Aspekt von Wagners Biographie vergleichsweise wenig erforscht.