Treffpunkt Klassik

Es ist die kleine, aber feine musikalische Seele der Stadt Pforzheim: das Südwestdeutsche Kammerorchester. Gegründet wurde es 1950, da lag Pforzheim nach dem Krieg noch in Trümmern. Und trotzdem – oder gerade deshalb – gründete der Geiger und Dirigent Friedrich Tilegant dieses Ensemble. Jetzt, 75 Jahre später, gehört das Südwestdeutsche Kammerorchester Pforzheim zu den bekanntesten Kammerensembles Europas. Es gibt rund 80 Konzerte pro Jahr, tourt sowohl durchs Bundesland als auch auf internationalen Tourneen und hat in seiner Geschichte zahlreiche Tonträger-Produktionen eingespielt. In dieser Saison feiert das Orchester sein großes Jubiläum. Tradition und Aufbruch gehen dabei wunderbar zusammen.

Die Stiftung Villa Musica, getragen vom Land Rheinland-Pfalz unter Mitbeteiligung des SWR, ist eine einzigartige Talentschmiede. Musiker*innen, die später große Karriere machen, gehen hier ein und aus, leben und musizieren zusammen und konzertieren. Auch in dieser Saison gibt es 120 Konzerte mit hochkarätiger Kammermusik, darunter auch eines mit Ikonen der queeren klassischen Musik. Karl Böhmer, Verwaltungsleiter und langjähriger Dramaturg der Stiftung, gibt in SWR Kultur Einblicke in die Hintergründe dieser Erfolgsgeschichte.

Chancenlose Konkurrenz

Höher, länger, schöner konnte es wohl keiner. 1990 schmettert Luciano Pavarotti das hohe H in „Nessun dorma“, der Arie des Prinz Kalaf aus Puccinis „Turandot“ in die enorme Ruinen-Weite der Caracalla-Thermen in Rom. Das Konzert war ein kultureller Begleithöhepunkt der Fußball-WM und damit auch eine Form des vokalen Leistungssports.

Denn Pavarotti hat für dieses von etwa einer Milliarde Fernsehzuschauer verfolgte vokale Superspektakel mit seinem Dirigenten-Freund Zubin Mehta auch gleich die Konkurrenz mit Placido Domingo und José Carreras eingeladen. Am Ende wiederholten die drei Tenöre gemeinsam Pavarottis Puccini-Auftritt. Aber die beiden anderen sind chancenlos.

Ein Operntenor bei den Teenie-Bands

Die erotische Kraft dieser Tenorstimme ist bis heute nicht übertroffen, auch fast zwanzig Jahre nach dem Tod Pavarottis 2007 in Folge seiner Bauchspeicheldrüsenkrebserkrankung. Pavarotti sang damals nur noch wenig auf der Opernbühne.

Seine enorme Körperfülle schränkte szenisches Agieren ein und so verlegte er sich zunehmend auf Konzerte mit Arien und Liedern, aber auch auf genreübergreifende Auftritte mit Stars aus der Popmusik wie der Teenie-Band Boyzone, Ricky Martin, Bono von U2 oder Joe Cocker.

Zu diesen auch kommerziell enormen Erfolgen brachte ihn sein Manager Herbert Breslin. Von ihm trennt er sich 2002, nachdem er sich scheiden lässt und seine Sekretärin Nicoletta Mantovani heiratet. Sie übernimmt auch sein Management.

Erotik war für ihn nicht nur eine stimmliche Angelegenheit. Das macht den Charme eines italienischen Verführers aus und man verbindet so etwas gerne mit einem südländischen Ragazzo.

Mehr Marketing als Gesang

Pavarotti stammt eigentlich aus dem norditalienischen Modena. Dort ist der Bäckersohn am 12. Oktober 1935 geboren. Mit seinem Lachen bezaubert er das Publikum mit großen Stimm-Events, er winkt mit weißem Taschentuch, „lachte, weinte, barmte, siegte“, wie die „Zeit“ in ihrem Nachruf schreibt.

Aus dem Tenor-Star hat er den Star-Tenor gemacht und damit Schule. Bei den drei Tenören ist es nicht geblieben. Es folgten viele Trios in diversen Stimmlagen, aber alles nur ein müder Abklatsch des Originals.

Solches Marketing und merkantiler Geschäftssinn, verbunden mit Wohltätigkeit für Kinderhilfen in Guatemala, täuscht über die Ausnahmeerscheinung eines Jahrhunderttenors etwas hinweg.

Der „reine“ Tenor

Pavarottis Tenor kommt nicht aus der Tradition der baritonal gestützten Stimmlage eines Enrico Caruso. Das war mehr die Sache eines Carlo Bergonzi oder von Pavarottis Konkurrenten Placido Domingo.

Pavarotti hingegen verfügt über die himmelwärts strebende Höhe des reinen Tenors, fast körperlos, sagen wir es ruhig, geradezu geschlechtslos, die erotische Anziehung des Eunuchen.

Aus dieser Stimme ist immer das knabenhaft Knäbische zu hören, die Schönheit des singenden Kindes, das rabiat sein kann. Das Paradebeispiel ist der Herzog in Verdis „Rigoletto“: ein umwerfend mit allem um sich werfendes Kind, viril, verantwortungslos, das einfach umwerfend schön singt.

Kurz nach seinem Bühnen-Debüt 1961 in Reggio di Emilia hat er diese Partie in drei Jahren bereits 27 Mal auf der Bühne verkörpert.

Unschuldig statt jammernd

Zu seinen Glücksmomenten zählt kurz vor der Mailänder „Bohème“ die Begegnung mit der Diva Joan Sutherland und ihrem dirigierenden Ehemann Richard Bonynge in Bel Canto-Partien Donizettis. Sie habe ihm erst das richtige Atmen beigebracht und das Durchhaltevermögen, sagt er.

Donizetti und Bellini sind die idealen Komponisten für den hohen Tenor. Und auch beim Nemorino im „Liebestrank“ ist es wieder da: das knäbisch Unschuldige, das die widerborstige Aldina durch erotischen Stimmschmelz verführt, der keineswegs wie bei vielen seiner Nachfolger jämmerlich sentimental klingt.

Unübertroffen

Die tenoralen Steigerungen – wobei ein Messa di Voce, das An- und Abschwellen der Stimme seine Sache nicht ist – bei gleichzeitig anwachsendem Körperumfang bringen ihm die Spottbezeichnung „Do – re – mi – fat“ ein.

Mit seiner Stimme verzeihen die Regisseure dem „Don immobile“ alles, was sie bei vergleichbaren Kolleginnen nicht tun. Und im Konzert feiert Pavarotti folglich Triumphe.

Unvergleichlich sein lyrischer „Otello“ in Verdis vorletzter Oper, den er nie auf der Bühne singt und vollständig nur einmal konzertant unter Georg Solti zu dessen Abschied beim Chicago Symphony Orchestra 1991. Das ist kein tiefenpsychologisch geschärftes Porträt des heldischen Abgrunds, aber in seiner tragischen Schönheit unübertroffen und eben nur einmal.

Verführerisch begabt

Möglicherweise ist Pavarotti seinem Lieblingskomponisten Verdi gefolgt, der einmal bekannte: „Wer weiß, ob ich nicht eines Morgens aufwache und Millionär bin. Welch wunderbares Wort und welch tiefer Sinn! Und wie leer sind Worte wie ‚Bekanntheit‘, ‚Ruhm‘, ‚Begabung‘.“

Aber es stimmt natürlich nicht ganz. Denn Pavarotti war beängstigend verführerisch begabt, ohne das intellektuell begreifen zu können oder möglicherweise das sogar glücklicherweise nicht zu wollen.

Die Heidelberger Sinfoniker bekommen für ihre Haydn-Einspielung an diesem Wochenende den OPUS Klassik verliehen. 108 Sinfonien hat Joseph Haydn geschrieben, und sie alle aufzunehmen war ein großer Brocken Arbeit. Aber das schreckte die Heidelberger Sinfoniker unter der Leitung von Johannes Klumpp nicht ab: 20 Jahre lang arbeiteten sie an einer Gesamteinspielung.

Für SWR Kultur erzählt Johannes Klumpp, wie sich der junge Haydn in seinen frühen vier Sinfonien entwickelt und wie es ihm gelingt, in jedem neuen Sinfoniebeginn eine andere Genialität zu offenbaren.

2024 spielten die Heidelberger Sinfoniker unter Johannes Klumpp alle Sinfonien von Joseph Haydn ein, dafür haben sie 2025 den Opus Klassik 2025 „Sinfonische Einspielung des Jahres“ bekommen.

Schon längst haben Pianist*innen auch die Tastenmusik der alten Meister für sich entdeckt. Man spielt Scarlatti oder Bach oder Händel ganz selbstverständlich auf dem Steinway. So auch der britische Pianist Daniel-Ben Pienaar. Er lehrt an der Royal Academy of Music in London und hat sich mit seinem eigenwilligen Repertoire Freunde und Feinde gemacht. Jetzt hat er die „Pieces de clavessin“ von Gaspard le Roux neu eingespielt, erstmalig auf einem Konzertflügel. Ein Stilbruch, der sich unbedingt lohnt, findet Eleonore Büning.

Es gibt Mythen, die viel zu charmant sind, um sie gleich spießbürgerlich mit Fakten zu entzaubern. Der „Fluch der Neunten Sinfonie“ gehört da sicher dazu. Er besagt: Wer als Komponist seine Neunte Sinfonie beendet hat, stirbt. Und zwar noch vor oder während er die Zehnte überhaupt schreiben kann! Jakob Roth hat sich so seine Gedanken dazu gemacht.

Über Bach und sein Leben und Werk gibt es bereits unendlich viele Bücher auf dem Markt. Buxtehude dagegen fristet immer noch ein Dasein im Schatten des großen Bachs, obwohl letzterer extra nach Lübeck gereist ist, um Buxtehude zu hören. Das hat den Mainzer Musikwissenschaftler Birger Petersen, selbst gebürtiger Lübecker, zu einer neuen Biografie über Buxtehude angeregt: „Dieterich Buxtehude und seine Zeit“. Jan Ritterstaedt hat das Werk gelesen.

„Es ist wie eine erweiterte Lunge“ sagt Eva Zöllner über das Akkordeon. Dadurch werde das Instrument sehr menschlich. Schon über 300 Werke hat sie auf dem Instrument uraufgeführt und ist damit eine der wichtigsten Interpretinnen der zeitgenössischen Musik. Sie ist die erste Preisträgerin des Interpret:innenpreises der Deutschen Gesellschaft für Neue Musik. Was ihr der Preis bedeutet und warum sich das Akkorden besonders gut für zeitgenössische Musik eignet, erzählt sie im SWR Kultur Musikgespräch.

Die Schriftstellerin und Performerin Mara Genschel ist in ihrer Reihe „Versteckte Gefahren der klassischen Musik“ nun schon beim Buchstaben G angekommen und spricht über Adorno und, um dem Buchstaben gerecht zu werden, von „geilen Stellen“. Was es damit auf sich hat, klärt sie in ihrer Glosse.

Die Uraufführung von Camille Saint-Saëns‘ 13. Oper „L’Ancêtre“ – „die Alte“ fand 1906 im prunkvollen Opernhaus in Monte-Carlo statt. Doch dann wurde der kurze Dreiakter vergessen. Bei der konzertanten Neu-Aufführung im Oktober 2024 in Monaco, mit dem Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo stand der japanische Dirigent Kazuki Yamada am Pult. Damals ist „L’Ancêtre“ erstmals aufgenommen worden.