Treffpunkt Klassik

Tuba, Blockflöte, Bratsche und Klavier. In dieser außergewöhnlichen Quartettbesetzung mischen die Hanke Brothers schon lange die Klassikszene auf und werden dafür auch mal als „Musikalische Aktivisten“ bezeichnet. Letztes Jahr haben sie dafür einschlägige Meilensteine geschaffen: Den Opus Klassik in der Kategorie Nachwuchsförderung haben sie gewonnen und ein eigenes Festival auf die Beine gestellt: das New Classical Music Festival. 2025 findet es zum zweiten Mal statt und Cosima Obert hat vorbeigeschaut.

Seit 2022 ist Regula Rapp Rektorin der Barenboim-Said-Akademie. Gerade mal ein Jahr nach ihrem Amtsantritt verübt die Hamas am 7. Oktober 2023 einen Anschlag in Israel, 1.182 Menschen werden ermordet. Die Gegenreaktion Israels fordert ebenfalls etliche Todesopfer, Israel wird international dafür kritisiert. An der Barenboim-Said-Akademie studieren und konzertieren sowohl Musiker*innen aus Israel, als auch Palästina und weiteren nah-östlichen Nationen. Wie hier Dialog möglich ist und gefördert wird, erzählt Regula Rapp im SWR Kultur Musikgespräch. Die Grundlage der Arbeit: Begegnung.

Auf Social Media ist Eunike Tanzil einer der jungen Klassik-Stars mit großer Reichweite und treuen Fans. Jetzt hat die Pianistin und Komponistin bei der Deutschen Grammophon ein Album herausgebracht, auf dem sie eigene, sehr persönliche und für sie bedeutende Stücke präsentiert – und sie zum Teil selbst spielt. Hannah Schmidt hat es sich angehört.

Das Finale des ARD-Musikwettbewerbs ist gut zwei Wochen her und für Trompeter Sandro Hirsch ging es im vollen Tempo weiter: Preisträgerkonzert, Umzug und erste Proben im Beethovenorchester Bonn.

Vielfältige Erfahrungen im Wettbewerb

Für Sandro Hirsch berge der Wettbewerb viele unterschiedliche und teilweise stressige oder freudige Erfahrungen, die er machen durfte. Vor allem der Auftritt mit dem Münchener Kammerorchester beim Semifinale sei für ihn unvergesslich.

Das war ein Hochgenuss des Musizierens und von daher eine sehr schöne Erinnerung.

Blick hinter die Kulissen mit Doku „Battle of Brass“

Rettung in der Not

In so einem Wettbewerb kann aber auch einiges schiefgehen. Normalerweise sei die Trompete ein beständiges Instrument, erklärt Sandro Hirsch, da passiere fast nichts. Auf der Bühne in einer Vorspielrunde passiert es ihm dann doch: eine Wasserklappe an seiner Trompete löst sich.

Zum Glück sieht sein Instrumentenbauer das Unglück im Livestream und meldet sich sofort bei Sandro Hirsch. Er fährt sonntags nach München, um die Klappe wieder an die Trompete zu löten.

Nächste Etappe beginnt nach Wettbewerb

Am Ende gewann Sandro Hirsch den zweiten Preis und holte noch zwei Sonderpreise. Die Resonanz ließ nicht lange auf sich warten. Er springt für seinen Professor in Ostrava mit dem Trompetenkonzert von Haydn ein, wird nach Ingolstadt und die Schweiz eingeladen.

„Le dernier sorcier – Der letzte Hexer“ ist eine Salon-Oper von Pauline Viardot-García und Iwan Turgenew, die am 26. und 27. September in Karlsruhe-Durlach in einer Neuinszenierung zu erleben sein wird. Die Sängerin Malika Reyad ist Produzentin dieses außergewöhnlichen Projekts. Sie berichtet in SWR Kultur von den versteckten politischen Anspielungen des Stücks, von den schönsten Stellen und den Herausforderungen im Probenprozess.

Jakob Roth hat es durchgerechnet: Ein gutes Dreiviertel-Jahr Upload bräuchte es an seinem heimischen Steinzeit-Computer, um alle jemals aufgenommenen Musikstücke der Welt auf dieser Kassette zu speichern.

Eine Chronik der Musikgeschichte

Alles friedlich auf einer Kassette vereint, eine Chronik der Musikgeschichte: Beethoven neben Bohlen, Schönberg neben Shakira, Rachmaninow neben Rihanna.

Man könnte diese Kassette dann gleich als Zeitkapsel ins All schießen, in der Hoffnung, dass irgendein Alien-Zivilisationshistoriker irgendwann ein Gerät findet, das sie abspielt.

Vermutlich gäbe es Streit unter Menschheit

Aber bevor wir überhaupt eine abspielbare Kassette hätten, käme ohnehin bei uns auf Erden ein Streit auf, so sind wir Menschen leider. Denn zuerst müssten wir uns darauf einigen, was auf die Kassette darf.

Wirklich alles? Czerny-Etüden und Ballermann-Hits? Auch Helene Fischer? Jede noch so verwegene Zwölftonstudie oder krude, verkorkste Bach-Interpretation?

Zeit nehmen für unsere Lieblingsmusik

Es ist gut, wenn wir uns Zeit nehmen für die Stücke, die uns berühren, und über sie sprechen. Nehmen also auch Sie sich diese Zeit: Spielen und sammeln Sie Ihre eigene Lieblingsmusik.

Sprechen Sie mit Ihren Freunden und Bekannten über Ihre Schätze und vielleicht müssen Sie dabei diskutieren, ob Sie nun Schönheit oder Alien-Donner wahrnehmen.

Mit Hammer und Schneebesen am Klavier

Den Grundstein für seine Social-Media-Karriere legte Louis Philippson auf TikTok mit einem Vlog während einer Urlaubsreise, ohne Bezug zur klassischen Musik. Wieder zuhause angekommen fehlte plötzlich die Contentideen, also filmte sich Philippson bei dem, was er sowieso den ganzen Tag macht: Klavier üben.

Ideen für seine Videos sammelt er im Alltag. Zum Beispiel stieß er auf ein Meme, dass man Chopin mit Schneebesen spielen müsse, Beethoven mit Hämmern. Darin stecke viel Wahrheit, erzählt Philippson. Im Video testet er die Theorie:

Seine Konzerte sind „nicht unbedingt traditionell“

Philippson beschreibt sich selbst als unkonventionellen klassischen Musiker, da seine Konzerte „nicht unbedingt traditionell“ sind. Das könnte daran liegen – so Philippson – dass er schon im frühen Alter eine klassische Ausbildung am Klavier als Jungstudent an der Musikhochschule genoss.

Gleichzeitig ging er noch auf ein Gymnasium und redete dort viel über Social Media. Daraus entstanden ist die Mischform, die heute seine Konzerte prägen.

Bei den Konzerten spielt Philippson auch seine eigenen Kompositionen. Diese entstünden vor allem spontan am Klavier, erzählt der Pianist, denn ein Kompositionsstudium ist noch nicht in seinem Lebenslauf zu finden.

Konzerte im Südwesten

Heute am 6. November tritt Louis Philippson im Sendegebiet auf: Um 20 Uhr gibt er im Stuttgarter Theaterhaus ein Konzert, ein zweites Konzert folgt am am 26. November 2025 im BASF Feierabendhaus in Ludwigshafen. Zwei Dinge schätze er besonders am Südwesten, verrät Philippson: das gute Wetter und Spätzle.

Die erste Frau bei den New York Philharmonikern

Die Regisseurin des Films „Die einzige Frau im Orchester“, Molly O’Brien, ist Orin O’Briens Nichte. Zehn Jahre lang versuchte sie, ihre Tante von dem Filmprojekt, von dieser Dokumentation über sie und ihr Leben, zu überzeugen. Sie fragte sie jedes Jahr aufs Neue – doch erst beim zehnten Mal sagte Orin O’Brien zu.

Die Kontrabassistin spürt nämlich ein Unbehagen: Sie, die erste Frau in den Reihen der New Yorker Philharmoniker, ist seit ihrer Berufung ins Orchester im Jahr 1966 immer wieder gegen ihren Willen ins Rampenlicht gezerrt worden – schließlich war sie die große Ausnahme auf der Bühne.

Dieses Gefühl scheint sie nach wie vor zu prägen: dass sie die Aufmerksamkeit eigentlich nicht verdient habe – und das erfährt man auch beim Schauen der Doku. An einer Stelle sagt sie zu ihrer Nichte:

Ich fühle mich nicht wie eine Künstlerin. Ich glaube nicht, dass ich gut genug bin, dass ich jemals gut genug war.

Lob von Leonard Bernstein

Dabei ist die mittlerweile 90-jährige Orin O’Brien eine große Künstlerin. Sie spielte Leonard Bernstein für die frei gewordene Vollzeitstelle bei den New Yorkern vor und stach alle anderen aus, die sich mit ihr zusammen beworben hatten. Noch Jahre später schwärmte der Dirigent von Orin O’Briens Talent:

Ich liebe Orin, weil sie im Orchester eine Quelle des Glanzes ist. Sie hat sich voll und ganz der Musik verschrieben, und wann immer ich zu ihr hinsehe, staune ich über diese Konzentration. Wie macht sie das? Spielt sie jede Note aus jeder Kontrabassstimme aus jedem Stück, das wir spielen, auswendig? Das ist genauso unmöglich wie jedes andere Wunder.

Orin O’Brien stammt aus einer Künstlerfamilie: Ihre Eltern waren die Schauspielerin Marguerite Churchill und der Schauspieler George O‘Brien, die beide zu ihrer Zeit in Hollywood sehr erfolgreich waren. Zur Musik kam sie aber aus ganz eigenem Antrieb, mit 13 verliebte sie sich in Beethoven, in der Schulbibliothek stöbert sie in sämtlichen Musikbüchern. Den ersten Kontakt zu Praxis hat sie im Schulorchester mit 16 Jahren, dort wird noch eine Kontrabassistin benötigt, O’Brien übt sechs Monate bis sie ins Orchester kommt.

55 Jahre bei den New Yorker Philharmonikern

Die 35-minütige Dokumentation erzählt einerseits Orin O’Briens Leben: vom New York City Ballet, der Metropolitan Opera und dem American Symphony Orchestra zu den New Yorker Philharmonikern und parallel als Lehrerin an verschiedene Colleges und die Manhattan School of Music – natürlich alles mit den obligatorischen Blicken in alte Fotoalben und vielfach sexistische Zeitungsartikel.

Andererseits begleitet der Film die legendäre Musikerin auf ihrem Weg in den Ruhestand. Nach 55 Jahren verlässt sie nämlich die New Yorker Philharmoniker und spielt dort ihr letztes Konzert – und sie zieht nach 51 Jahren aus ihrer immer weiter verfallenden Wohnung aus.

„Ein würdiges Denkmal“

Man spürt beim Zuschauen die Vertrautheit der Regisseurin zu ihrer Tante. Molly O’Brien zeigt sich zwar in ausgewählten Momenten selbst, aber auch wenn nicht, ist sie die ganze Zeit präsent – unter anderem, weil ihre Tante immer wieder direkt mit ihr interagiert. Dadurch entsteht eine große Nähe: Die Kamera beobachtet nicht nur, sondern ist Teil des Geschehens.

Man sitzt daneben, wenn Orin O‘Brien zwischen gepackten Umzugskartons ihre Schülerinnen unterrichtet. Wir beißen gemeinsam mit ihr die Zähne zusammen, wenn die Umzugshelfer die Beine aus ihrem 100 Jahre alten Steinway herausklopfen und das Instrument aus der leer geräumten Wohnung schieben. Und wir stehen neben ihr auf der Wiese, als ihre Orchesterkolleginnen und -Kollegen sie mit einem Abschieds-Ständchen überraschen:

Der Film „Die einzige Frau im Orchester“ wirft ein sensibles Schlaglicht auf eine Künstlerin, die eigentlich überhaupt nicht im Rampenlicht stehen will. In ihrer dialogischen Art schafft es die Dokumentation aber, Orin O’Brien nahe zu kommen, ohne die Distanz zu verletzen, die der vielbeschäftigten Protagonistin so wichtig ist. Ihre Hartnäckigkeit ist Molly O’Brien hoch anzurechnen – sie hat ihrer Tante ein würdiges Denkmal geschaffen.

Es klingt so, als hätte die Platte einen Sprung. Die Sopranistin Sara Maria Sun singt die Arie der Pamina „Ach, ich fühl’s“ aus der „Zauberflöte“ von Wolfgang Amadeus Mozart in einer Bearbeitung des österreichischen Komponisten Bernhard Lang aus seinem Musiktheater „I Hate Mozart“.

Bernhard Langs Komposition ist ein Teil des Musiktheaters „Amopera“, das beim Festival Transart in einer Industriehalle in Bozen über die Bühne geht. Werke aus den letzten 110 Jahren der Musikgeschichte werden in „Amopera“ dekonstruiert, überschrieben und neu montiert.

Peter Paul Kainrath gründete das Transart Festival vor 25 Jahren mit einem kleinen Team und leitet es bis heute. Das Festival ist in ganz Südtirol zu erleben, in Kirchen, Museen, einer alten Kaserne und sogar auf Almen hoch oben in den Bergen.

Überschneidungen von Musik und bildender Kunst

Besonders wichtig sind den Festival-Machern Überschneidungen von Musik und bildender Kunst. Exemplarisch für diesen Brückenschlag ist ein dreiteiliger Abend, der mit einer Video-Schalte mit der großen Performance-Künstlerin Marina Abramović beginnt.

Im Video erinnert sie sich, wie sie vor 23 Jahren beim Transart Festival mit ihrer Performance „The Composer“ zu Gast war und sich darin mit einer Komposition des Zeitgenossen Jorge López auseinandersetzte.

Perfomance mit lebendiger Schlange wiederholt sich

Abramovic stand damals vor einem stummen Orchester und hielt statt eines Dirigentenstabs eine lebendige Schlange. Seit 2002 ist die Performance nie wieder aufgeführt worden und Marina Abramović war seither nicht mehr beim Festival zu Gast.

Zum 25. Geburtstag schaut das Festival nun zurück und erinnert an die legendäre Performance von damals. Wie vor 23 Jahren erklingt im Konzert mit „Blue Cliffs“ eine Komposition von Jorge López.

Dann folgt die Performance, aber diesmal steht statt Marina Abramović die Künstlerin Kira O’Reilly auf dem Podest. Auch sie trägt eine lebendige Python-Schlange. Auf zwei Leinwänden ist der Mund des Komponisten zu sehen, der sein Werk erklärt.

Musik ist gleichzeitig abwesend und allgegenwärtig

Außer der Stimme des Komponisten hört man nichts, denn aus Klangforum Wien ist nun ein „frozen Orchestra“ geworden, ein stummes, in eingefrorener Haltung verharrendes Orchester. Man könnte denken, dass es für das Ensemble einfach ist, nur dazusitzen. Es geht aber darum, ein spielendes Orchester und dessen Energie auszustrahlen.

Musik ist also bei dieser Perfomance zugleich abwesend und allgegenwärtig. Denn man denkt nach über das Phänomen der Zeit, über Bewegung und den Zeitlupentanz, der zwischen Kira O’Reilly und der Schlange entsteht.

Das Publikum zeigt keinerlei Berührungsängste mit dieser fordernden Performance, es ist gut durchmischt, stark kunst-affin und vergleichsweise jung.

Zauberhaftes Zusammenspiel mit französischer Färbung

Wenn das Orchestre National de France und Cristian Măcelaru Ravel spielen, klingt alles einfach und natürlich.

Das Pariser Orchester bietet ein zauberhaftes Zusammenspiel. Die Bläser rufen und antworten, sie hören einander genau zu.

Der besondere Reiz ergibt sich aus dem unverwechselbaren Klang der Blasinstrumente. Ob es die Flöten sind, die Klarinette oder das Englischhorn: Sie alle haben diese besondere französische Färbung: weich, geschmeidig und wunderbar melodiös.

Wunderwerk an Leichtigkeit

Cristian Măcelaru dirigiert Rigaudon aus Ravels „Le Tombeau de Couperin“ als Wunderwerk an Leichtigkeit. Die Rhythmen haben Brio und tänzerischen Elan, doch werden sie vom Orchester mit einer Schwerelosigkeit und Lässigkeit musiziert, die nie auf den Takt tritt oder auf den Boden stampft.

Noch verblüffender ist, dass man bei allem Überschwang jedes Instrument, jede einzelne Stimme hört, in delikaten Abmischungen. Dadurch wirkt dieser altfranzösische Tanz aus der Provence immer filigran.