Treffpunkt Klassik

Friedrich Nietzsche kommt aus sehr musikalischem Haus. Der Großvater, ein Pastor, war ein ausgezeichneter Organist; der Vater wiederum, ebenfalls Pastor, spielt Klavier, komponiert und bringt seinem Sohn schon sehr früh die Grundbegriffe von Musik und Musizieren näher.

Der junge Nietzsche ist ein Kind seiner Zeit und seine musikalischen Heroen heißen Bach, Haydn, Mozart, Beethoven und Schubert, während er für alles Zeitgenössische einen, wie er sagt „unauslöschbaren Hass“ empfindet. Das ändert sich allerdings bald grundlegend.

Richard Wagner wird schnell zum Idol

Anstoß dazu gibt ein Freundschaftsbund, den Nietzsche mit zwei Mitschülern gründet. Es sollen einander regelmäßig eigene Gedichte, Kompositionen oder Essays vorgelegt werden, um darüber zu debattieren.

1862 beschäftigt man sich mit Richard Wagners Oper „Tristan und Isolde“ und arbeitet mit höchster Leidenschaft den Klavierauszug durch. Wagner ist fortan Friedrich Nietzsches Idol. Nachdem er ihn in Leipzig persönlich kennengelernt hatte, ist der Überschwang perfekt.

Abkehr von Wagner und musikalische Neuorientierung zu Bizet

In den 1870er Jahren kommt dann alles ganz anders. Richard Wagner baut sich seine Welt in Bayreuth. Als Nietzsche die ersten Festspiele mit der kompletten Uraufführung des „Rings des Nibelungen“ besucht, ist ihm Wagner fremd geworden.

„Ich erkannte nichts wieder“, bekennt Nietzsche in seiner Autobiographie „Ecce homo“. Er geht auf Distanz zum deutsch-nationalistischen „Bildungsphilistertum“, zu Wagners Antisemitismus und seiner Selbststilisierung zur Heilgestalt.

Mit dem „Parsifal“ ist der endgültige Bruch zwischen Nietzsche und Wagner besiegelt. Nietzsche wendet sich endgültig ab und orientiert sich musikalisch neu. „Darf ich sagen, dass Bizets Orchesterklang fast der einzige ist, den ich noch aushalte?“, schreibt er in seiner letzten Schrift „Der Fall Wagner“.

Musikalische Reflexion seines Denkens nach Nietzsches Tod

Diese Selbstfindung währt nicht lange. Nach einem psychischen Zusammenbruch ist Nietzsche nicht mehr ansprechbar. Bis zu seinem Tod im August 1900 befindet er sich, wie es in der Diktion der Zeit heißt, „in geistiger Umnachtung“.

Die unvergleichliche Wirkung seiner Philosophie auf die Geistesgeschichte hat er nicht mehr mitbekommen. Auch die musikalische Reflexion seines Denkens nicht, die noch zu seinen Lebzeiten einsetzt. Hier ist es vor allem das poetisch-philosophische Werk „Also sprach Zarathustra“, das zum Sujet wird.

„Diese Konzerte sind das Nonplusultra der Musikgeschichte! Sie regen dermaßen zum Staunen an – und sind gleichzeitig zum Niederknien.“ Das sagt Reinhard Goebel, Dirigent, Musikforscher und leidenschaftliche Anwalt einer historisch informierten Aufführungspraxis, über die „Brandenburgischen Konzerte“ von Johann Sebastian Bach. Für SWR Kultur stellt er alle sechs vor. In Folge 1 spricht er über das 1. Konzert und nimmt dabei auch ein kleines, selten gehörtes Instrument in den Blick.

Ernst Krenek komponiert mal im Stil Franz Schuberts, ein anderes Mal bezieht er sich auf Renaissance-Musik, dann wieder auf französische Komponisten wie Erik Satie oder Claude Debussy oder auch auf die Avantgarde seines 20. Jahrhunderts. Scheuklappen gibt es für ihn nicht. Krenek ist ein offener und liberaler Komponist.

In den 1920er Jahren ist Krenek noch in Deutschland aktiv: Als Assistent des experimentierfreudigen Intendanten Paul Bekker begleitet er Opernproduktionen in Kassel und Wiesbaden.

Jazz-Oper „Jonny spielt auf“ zuerst großer Erfolg

Seine Bühnen-Erfahrungen münden in einen ersten großen Erfolg. „Jonny spielt auf“ wird in Europa auf über 100 Bühnen gespielt. Geschickt verquickt Krenek Elemente der Oper, der Operette und Revue.

„Jonny spielt auf“ trägt den nicht ganz stimmigen Beinamen „Jazz-Oper“. Jazz ist den Nationalsozialisten jedenfalls ein Dorn im Auge, ein afroamerikanischer Protagonist ebenso. Es kommt, wie es kommen muss: Kreneks Werke kommen 1933 auf die schwarze Liste.

Exil in Amerika und Kontakt zur Heimat

Erst hält er sich noch mit Reisen nach Spanien oder Belgien über Wasser und kann noch eine Zeitlang in Wien leben. Als die Zustände durch die, wie Krenek schreibt, „Abgesandten der Hölle“ unerträglich werden geht er ins Exil, nach Amerika. 

Melancholie macht sich breit im Leben Ernst Kreneks, der im Grunde ein Wiener bleibt. Er hält in Amerika Kontakt zu Geistesgrößen seiner Heimat, unter anderem zu Theodor W. Adorno und Arnold Schönberg, die beide ebenso emigrieren mussten.

Konstruierte Klagelieder zur Verarbeitung des Zweiten Weltkriegs

Krenek schreibt manche Stücke in der 12-Ton-Technik. Hochgradig konstruiert sind auch seine „Lamentatio Jeremiae Prophetae“. Eine einstündige Vertonung von Klageliedern aus dem Alten Testament, die den Untergang Jerusalems beschreiben.

Das ist eine Art Apokalypse, die natürlich mit dem Zweiten Weltkrieg und den drastischen Folgen für Ernst Krenek zu tun hat. 

Musik spiegelt ein ganzes Jahrhundert

Just 1900 geboren durchlebt Ernst Krenek fast das gesamte 20. Jahrhundert; er stirbt im kalifornischen Palm Strings im Jahr 1991.

Der kanadische Pianist Glenn Gould brachte Kreneks Schaffen und Leben auf die bündige Formel „one man history of 20th century music“, also eine „Ein-Mann Geschichte der Musik des 20. Jahrhunderts“.

Tatsächlich hat es Krenek in seinen mehr als 250 Werken geschafft, ein persönliches Panorama zu entwerfen, in dem die Musik seines Jahrhunderts mit fast allen ihrer parallelen Entwicklungsstränge widerhallt.

Krenek bleibt ein ewig Suchender

Am Ende geht der ungeheuer vielseitige Krenek als große Ausnahme in die Musikgeschichte ein: als Humanist, als Literat, als von seinen Schülern geschätzter Lehrer und als Komponist, dem das große Ego der meisten seiner Kollegen fremd ist.

Seine fehlende Meinungsstärke, seine bescheidene Zurückhaltung ist erfrischend, hat am Ende aber Konsequenzen: Krenek bleibt ein ewig Suchender und ist am Ende heimatlos – örtlich wie stilistisch.

Nach seinem Debüt bei den Händel-Festspielen in Halle spricht der Countertenor Constantin Zimmermann offen über seinen Karrierestart und dessen Schwierigkeiten, sowie sein neues Konzertprogramm mit Musik von Henry Purcell und Barbara Strozzi.

Es gibt einen Ort, wo die Menschen wie Vöglein trällern, singt der französische Weltenbummler Féloche über die Heimat seines Großvaters, die Kanareninsel „La Gomera“. Auf diesem gebirgigen Paradies im Meer ist nämlich die uralte, klingende Pfeifsprache „El Silbo“ noch lebendig.

Schon seit der Zeit der Guanchen, der Ur-Kanarier, fliegen die virtuosen Pfiffe zwischen den hohen Inselbergen hin und her. Das Pfeifen auf den Fingern dient zur Begrüßung und zum Abschied.

Auch wenn „El Silbo“ nach „La Gomera“ gehört und da sogar Schulfach ist, sind auch die anderen Kanaren-Inseln mächtig stolz auf das Erbe der Guanchen. Seit 2009 ist die Pfeifsprache sogar Teil des immateriellen Kulturerbes der UNESCO. 

Feurige Kanerentänze als Vorbild für Lullys Hof-Ballett

Die spanische Inselgruppe im Atlantik vor Westafrika ist ein Sehnsuchtsort. Die Inseln des ewigen Frühlings versprechen ganzjährig Sonne, Meer, Freiheit. Vom 16. bis zum 18. Jahrhundert boomt in ganz Europa die „Canarie“, ein Paartanz im 3/4 oder 6/8 Takt.

Er bezirzt mit leichtfüßigen Sprüngen und energischem Stampfen von Fuß oder Hacke. Die feurigen Tänze der Kanaren sollen Vorbild sein für die „Canarie“, die Jean Baptiste Lully auf Schloss Versailles sogar ins Hof-Ballett einbaut.

Ob die „Canarie“ wirklich den Sprung vom Strand bis aufs höfische Parkett geschafft hat oder eher ein Exotismus europäischer Komponisten ist, lässt sich heute nicht mehr genau sagen. 

Sound der Kanaren ist so vielseitig wie die Inseln selbst

Unverzichtbar in der Musik der Kanaren: Die kleine vier- bis sechs-saitige Timple, die an eine Ukulele erinnert. Außerdem dürfen auf keinem Volfsfest Chácaras, Gefäßklappern aus Holz oder Knochen, fehlen. Die meisten Inseln besitzen ihre eigenen Flöten und La Gomera und El Hierro haben spezielle Trommeln.

Der Sound der Kanaren ist so vielseitig wie die Inseln selbst. So was wie eine gemeinsame Musik-DNA existiert nicht. Aufgrund der geographischen Lage der Inseln gibt es aber überall ähnlich diverse Einflüsse.

Es gibt Anklänge an wehmütige portugiesischen Fado, die lebhaften Tänze Spaniens, an die Rhythmen Westafrikas und natürlich Latein-Amerikas.

Vermehrte Rückbesinnung auf kanarische Identität

Kanarische Musikerinnen und Musiker in der Gegenwart eint das Wissen, um die Verletzlichkeit ihrer Inseln in Zeiten des Klimawandels.

Insgesamt ist eine Rückbesinnung zu beobachten, auf das, was die kanarische Identität stärkt. So gibt es Rap-Songs im Kanarischen Dialekt und vermehrt Bands, die mit den traditionellen Instrumenten der Kanaren spielen.

Korsika ist berühmt für seine polyphonen geistlichen und weltlichen Gesänge. Eine raue Insel, wild und stolz! Korsika hat immer wieder nach Unabhängigkeit gestrebt; erst von der Seemacht Genua, später von Frankreich. Mit Korsika öffnet sich den Besuchern eine Welt, die französische, italienische und auch arabische Kultur in sich vereint und deren Lieder von Wehmut durchweht sind. Jane Höck unternimmt einen musikalischen Streifzug.

Schon seit 1998 gibt es die Computerspielserie „Anno. Im November erscheint der neueste Teil der Reihe „Anno 117“ und wird im alten Rom spielen. Der SWR hat zu dieser neuen Veröffentlichung ein Hörspiel-Podcast aufgenommen, der am 20. August erscheint. Den Soundtrack dafür hat das SWR Symphonieorchester aufgenommen, Sebastian Kiefl war bei der Orchestereinspielung mit dabei und liefert ein paar Hintergründe.

Klangvolle Sprache der Nubier

Von Assuan aus geht es mit dem Motorboot an kleinen und kleinsten Inseln vorbei flussaufwärts bis zur Insel Sehel. Vor dem Bau des Assuan-Staudamms ist die Insel stets von wilden Wassern umtost. Ein Hexenkessel, in dem die Alten Ägypter die Nilquellen vermuteten und auf der Insel selbst den Sitz von Anekis, Göttin der Nilschwemme und Herrin des Goldlandes Nubien.

Seso, ein junger nubischer Sänger und Musiker, lebt auf Sehel. Wie fast alle Nubier trägt er die dunkle Haut Schwarzafrikas und die Gesichtszüge Nordafrikas. Die Nubier haben ihre eigene klangvolle Sprache. Nubisch in der Schule gibt es nicht. Deshalb singt Seso mit den Dorfkindern nubische Lieder.

Wir waren ein mächtiges Königreich und hatten eine einzigartige Musikkultur.

Er spielt die orientalische Laute Oud, die Jungs trommeln und singen. Über den Nil und die große Vergangenheit, über Heimatlosigkeit und Schmerz. Schuld ist der Assuan-Hochdamm. Durch ihn entsteht Mitte des 20. Jahrhunderts der größte je von Menschenhand geschaffene See. Das uralte Kulturland Nubien geht in den auf-gestauten Nilfluten unter. Ein Trauma bis heute.

Bunte Häuser auf Heissa Island

Das Volk der Nubier wird im Laufe der Zeit vergessen. Einzig das antike Erbe wird gerettet. Das Heiligtum zu Ehren der Göttin Isis auf Philae etwa ist auf die höher gelegene Nachbarinsel verlegt worden und heute ein Touristenmagnet.

Die Tempelanlage liegt südlich von Sehel zwischen der alten, 1902 errichteten Staumauer und dem neuen Hochdamm. Der Nil ist hier bereits ein See. Felsen durchstoßen die Oberfläche: Surreale Fabelwesen, Türme, Tempel, und mittendrin Heissa Island. Eine karge, felsige Insel mit nubischen Häusern in den Farben Orange, Gelb, Ocker, Terrakotta und Braun.

Eine grüne Oase auf der Insel

Wir nehmen Abschied von Nubien, segeln flussabwärts, fast 1000 Kilometer von Assuan nach Kairo. Auch in der Hauptstadt gibt es Inseln. Im dichten Stadtverkehr ist das aber oft schwer zu erkennen. Auf der Nil-Insel Al-Gezira z.B. – Sitz des Kairo-Towers, von Botschaften und Hotels – stellt sich das Inselgefühl nur im Opernpark ein.

„Wenn Du den Opernpark betrittst, befindest Du Dich plötzlich außerhalb von Kairo.“ Schwärmt die Querflöten-Solistin Ines Abdel Dayem, die ab 2012 für kurze Zeit Chefin der Oper Cairo ist. Sie hat recht, denn der Opernpark ist eine Oase. Mit viel Grün, toller Kunst im Museum of modern Art und wunderbarer Musik im Opernhaus.

Der große Saal des Mozarteums ist beim Matinée-Konzert bis auf den letzten Platz gefüllt, obwohl Kyohei Sorita in Westeuropa noch kein Superstar ist. In Japan sind seine Konzerte innerhalb von Minuten ausverkauft und auf Instagram hat er mehr als 100.000 Follower. Seine Fans reisen mit ihm und sind auch in Salzburg dabei.

Kyohei Soritas musikalischer Werdegang war eher ungewöhnlich und keineswegs gradlinig. Aber er begann sehr früh: „Ich habe angefangen mit Geige, da war ich erst zwei Jahre alt. Aber nur für vier Monate, die Geige war nichts für mich. Ich war ein sehr kräftiges Kind, ich hatte eine Menge Energie.“

Erst später habe er mit E-Piano angefangen. Sorita wurde von seinen Eltern nicht zum Klavierspielen getrieben, sondern durfte selbst entscheiden, für was er sich interessiert. „Ich fing an, in die Musikschule zu gehen, aber zur gleichen Zeit hatte ich die Idee, dass ich eigentlich Fußballspieler werden wollte. Ein richtiger Star, so wie Cristiano Ronaldo oder Ronaldino“, erinnert sich Sorita.

Ich konnte auch zu meinen Freunden nicht sagen: Ich gehe jetzt zur Musikschule. Das war nicht cool. Deshalb habe ich immer, wenn ich in die Musikschule ging, gesagt, dass ich zum Fußballtraining gehe.

Liebe zum Dirigieren führt Kyohei Sorita ans Klavier

Lange Zeit betrieb Kyohei Sorita das Klavierspielen eher als Hobby, sein sportlicher Ehrgeiz war stärker. Doch dann kam ein Schlüsselmoment, der alles veränderte.

„Eines Tages nahm ich teil an einem Workshop für Kinder, dabei ging es darum, was eigentlich ein Dirigent macht. Und der Professor sagte: ‚Ein Dirigent ist wie ein Magier!‘ Das fand ich sehr cool und war begeistert“, erzählt Sorita. „Und dann sagte der Maestro: ‚Wer möchte jetzt hier dirigieren? Wir haben ein Orchester hier, ist irgendjemand bereit?‘“

Sorita meldete sich und dirigierte aus dem Stand eine „Mazurka“ aus Tschaikowskys „Schwanensee“, die er nur von der CD kannte. Seit dieser Erfahrung mit zwölf Jahren war er elektrisiert vom Beruf des Dirigenten. Man sagte ihm, dass man für diesen Beruf ausgezeichnet Klavier spielen können sollte. So konzentrierte er sich auf das Klavierspiel.

„Überall Fingen die Augen zu leuchten an“

Siegwald Bütow ist Orchesterdirektor des Mozarteumorchesters Salzburg. Auf Kyohei Sorita wurde er aufmerksam durch ein Video, das dessen Management ihm vor einiger Zeit zuschickte.

„Er hatte ein Mozart-Klavierkonzert geleitet und gespielt“, so Bütow. Als besonders beeindruckend empfand er Koyheis Leistung „in der Natürlichkeit, mit der er gespielt hat. Mit der Leichtigkeit, die er hatte, dann auch im Wechsel der Rollen: vom Spielen zum Dirigieren und wieder zurück.“

Bütow lud Sorita ein in der Doppelrolle als Pianist und Dirigent mit einem gemischten Programm mit Werken von Maurice Ravel, Francis Poulenc und Mozarts Klavierkonzert d-Moll.

Ich habe schon in der Probe beim Durchspielen gesehen und bei der ersten Reaktion des Orchesters auf sein Klavierspiel, wie überall die Augen zu leuchten anfingen und wie so eine ganz kammermusikalische Atmosphäre entstanden ist in der Zusammenarbeit.

2021 belegte Kyohei Sorita beim Chopin-Wettbewerb Platz 2

Gespür für Mozarts Musik und vollkommene Authentizität

Die Rückmeldungen aus dem Orchester waren schon nach den Proben so positiv, dass Siegwald Bütow den damaligen Konzertchef der Salzburger Festspielspiele, Florian Wiegand, spontan ins Konzert einlud. Der war sofort überzeugt und so verging nur ein gutes Jahr vom ersten Auftritt in Salzburg zu seinem Debüt bei den Salzburger Festspielen.

Das Mozarteumorchester Salzburg ist eine Institution in Sachen Mozart-Interpretation. Immer wieder hat der Klangkörper mit Experten für die historische Aufführungspraxis zusammengearbeitet, unter ihnen Ivor Bolton oder Riccardo Minasi.

Kyohei Sorita spielt auf einem modernen Konzertflügel und benutzt auch das rechte Pedal. Seine Mozart-Interpretation ist noch geprägt von klassischen Idealen, denn die historische Aufführungspraxis ist in Japan nur für die Interpretation von Barockmusik bekannt. Aber durch die Zusammenarbeit mit dem Mozarteumorchester gewinnt Sorita hörbar neue, frische Impulse.

„Er hat dieses Gespür dafür und und man merkt auch, es ist nicht gelernt, sondern es ist empfunden“, sagt Orchesterleiter Bütor. „Es ist wirklich vollkommen authentisch und das ist, was ihn so besonders macht. Und das überträgt sich auch auf das Publikum.“

Der Gesang der Lemuren

Ganz Madagaskar ist Klang, selbst die Lemuren singen hier. Die größten unter ihnen, die Indris mit leuchtend blauen Augen, begrüßen jeden neuen Tag mit Duetten und Liedern. Sie sind vom Aussterben bedroht und leben in den letzten Bergregenwäldern im Nordosten Madagaskars.

In ihrer Kindheit ließen sich die sanften Lemuren – wörtlich Schattengeister – mit Brot in den Garten locken, erzählt MFA Kera, madagassisch-korsische Sängerin und Komponistin mit Wahlheimat Berlin.

Es war ein Paradies. Ich denke, was ich habe gekriegt von Madagaskar sind diese Klänge, dieser Gesang, diese wundervolle Inselmusik.

Madagascar: eine Frau

Das Video zu MFA Keras Song „Ylang Ylang Island“ fängt den Zauber des Insel-Kontinents mitten im Indischen Ozean ein. Traditionelle Segelboote gleiten über türkisblaues Wasser, Affenbrotbäume ragen majestätisch in den Himmel. Menschen arbeiten auf Reisfeldern und feilschen auf quirligen Märkten. Sommerregen tropft vom Dach. Frauen in bunten Kleidern und mit schweren Lasten auf dem Kopf tänzeln leichtfüßig über den Strand.

Für Kera ist Madagascar eine Frau, denn das Land sei sanft, lächelnd, fruchtbar, und, vom afrikanischen Kontinent isoliert. eine einzigartige Flora und Fauna hervorgebracht hat. Weiblich auch, weil vor der Kolonialzeit Matriarchat herrscht. Und Keras Mutter ist Madagassin. Nach der Scheidung nimmt der Vater das Mädchen und den Bruder mit in den Senegal. Kera vermisst die Mutter und die Lebensart der Madagassen.

Rock auf der Bambuszither

Madagaskar bedeutet Vielfalt, auch kulturell. Von allen Himmelsrichtungen schwappen unterschiedlichste Klänge ins Inselreich hinein. Die ersten Siedler waren malaysisch-polynesischen Ursprungs und brachten auch das Nationalinstrument der Insel mit: Die Röhrenzither Valiha.

Die legendäre, 1997 verstorbene Mama Sana singt und spielt die Röhrenzither aus Bambus wie eine Rockmusikerin. Die gut 20 Saiten, mit denen die Klangröhre umlaufend bespannt ist, sind ursprünglich aus Bambusrindenfasern, heute aber meist aus alten Bremszügen von Mofas und Fahrrädern.

Instrumentenvielfalt

Zu einer Insel gehört natürlich auch ein Muschelhorn aus dem Meer. Dazu kommen Trommeln und schnarrende Rasseln, eine kleine drei-saitige Geige und das perkussiv gespielte Saiteninstrument Kabosy, das vermutlich mit den Arabern auf die Insel kam.

Selbst das Akkordeon oder Trompetenklänge aus dem Jazz fügen sich heute harmonisch ein, in diese musikalische Wundertüte, die auch großartige mehrstimmige Gesänge enthält.