Treffpunkt Klassik

Valerie Eickhoff träumt am Anfang ihrer Karriere davon, was Angel Joy Blue seit 15 Jahren im Rampenlicht erlebt. Renata Scotto hat das alles bereits hinter sich und blickt auf ihre Karriere zurück.

Der Film soll den Kreislauf eines Sängerlebens zeigen

Die Entscheidung, diese drei Sängerinnen zu begleiten, hat sich für Juliane Sauter entwickelt. Ihre ursprüngliche Idee war, einen Film über den Druck in der klassischen Musik. Sie sei bei der Auswahl von passenden Musikern bei Sängern hängengeblieben, weil deren Instrument so unmittelbar mit einem selbst zu tun habe.

Beim Singen könne man sich nicht hinter dem eigenen Instrument verstecken. Da war für die Regisseurin schnell klar, dass sie nicht mehr nur exemplarisch mit einer Sängerin die Geschichte erzählen will, sondern den Kreislauf zu zeigen: Vom Leben einer Sängerin, die alle mehr oder weniger dasselbe durchmachen.

Drei Sängerinnen werden über fünf Jahre begleitet

Juliane Sauter hat viel Zeit damit verbracht, mit entsprechenden Stars in Kontakt zu kommen. Bei den drei Protagonistinnen ihres Filmes, Valerie Eickhoff, Angel Joy und Renata Scotto, habe es direkt Klick gemacht und geklappt.

Die drei Sängerinnen haben sich im echten Leben nie getroffen. Juliane Sauter habe während der Dreharbeiten aber transparent darüber aufgeklärt, dass sie einen Film über alle drei Frauen macht. Insgesamt fünf Jahre inklusive einem Jahr Pause wegen Corona wurden sie begleitet.

Die Kino-Doku „Prima Donna or Nothing“ ist eine eine SWR-Koproduktion und ist ab dem 07. August in ausgewählten Kinos zu sehen.

Das neue Buch über die Historie des Festspielhauses basiert auf einer Vorgängerausgabe aus dem Jahr 2007. Doch handelt es sich nicht um ein simples Remake, sondern um eine gründliche Revision.

So sind beispielsweise alle Fotos aus der Gegenwart neu entstanden und bilden einen wesentlichen Bestandteil dieses Buches. Immer wieder stellt sich beim Lesen und Betrachten das Gefühl ein, einem Rundgang durch Eingangshalle, Probenräume, Orchestergraben, Werkstätten zu folgen.

Alle Facetten werden beleuchtet

Dieser gründlich überarbeitete und ergänzte Band zeichnet die Geschichte des berühmten Theaters in allen Facetten nach: von vagen Ursprungs-Ideen über die erste Ortsbegehung und die Frage: Welcher Architekt soll den Bau eigentlich verantworten?

Bis zum Zusammenspiel mit der Stadt Bayreuth. Auch der immer als besonders schmucklos geltende Zuschauerraum wird genauer vorgestellt und natürlich die berühmte Akustik. 

Kluge Kapitelaufteilung ohne durchkomponierte Handlung

Die kluge Kapitelaufteilung erlaubt, dass man das Buch immer wieder zur Hand nehmen kann, denn es gibt keine im engeren Sinne durchkomponierte Handlung durch die Geschichte.

Wo möglich, kommt es zu erhellenden Vergleichen zwischen Damals und Heute. Die übrigens entblößen auch manche Fehleinschätzung von Spiritus rector Richard Wagner.

Markus Kiesel, Joachim Mildner und Dietmar Schuth haben den neuen Band ediert. Für 58 Euro gibt es 272 in jeder Hinsicht lohnende Seiten. Möge dem Haus weiterhin das Schicksal von Walhall im „Nibelungen-Ring“ erspart bleiben.

Nach Rheinland-Pfalz hat in der vergangenen Woche auch in Baden-Württemberg die Sommerpause für Schulen und Musikschulen begonnen. Zeit, um sich zurückzulehnen und auf vergangene Zeiten zurückzublicken. So macht es jedenfalls unser Treffpunkt-Klassik-Kolumnist, der Kabarettist René Sydow. Auch er hat einmal klein angefangen und ist in die Musikschule und zu privaten Musiklehrern gegangen, um auf seinem Instrument weiterzukommen.

Die Geschäftsführerin des Bundesmusikverbands Chor und Orchester (BMCO) Theresa Demandt spricht über das Förderprogramm „Musik für Alle!“.

Das Programm ist vom BMCO initiiert und soll musikalisches Bildungsangebot an sozial benachteiligte Kinder und Familien bringen. Demandt gibt einen Überblick über verschiedene Projekte im Rahmen des Programms.

Wir spielen die traditionelle Musik der Insel La Réunion: den Maloya, der sich aus den Liedern und Tänzen der Sklaven entwickelt hat. So haben die Sklaven damals ihr Leid, ihren Schmerz und ihren Widerstand ausgedrückt. Dieser Musikstil ist mit dem Blues in den USA vergleichbar.

Das Wort Maloya, sagt Marie Claude Lambert-Philéas, bedeute „sprechen“. Sie ist stolz darauf, dass sie als Tochter des legendären Maloya-Musikers Gramoun Lélé die musikalischen Traditionen der Insel weiterführt.

Votia spielen den Maloya, um an ihr kulturelle Erbe zu erinnern

Seit 2019 leitet die Sängerin und Songschreiberin die Familienband Votia. Der Bandname ist der Familienname ihrer Mutter und bedeutet „Berggipfel“. Zur Formation gehören ihr Ehemann, ihre Brüder, Cousins und Kinder.

Votia spielen eine kraftvolle und schnelle Maloya-Version aus dem Osten der Insel und stehen für die Bewahrung und das Erinnern an das kulturelle Erbe, gerade auch für die jüngeren Generationen.

„Vergesst nicht eure Kultur und Traditionen“  

Maloya ist für Lambert-Philéas schon immer eine Familienangelegenheit, sie ist damit aufgewachsen. Sehr früh fängt sie selbst mit der Maloya-Musik an, schon mit drei steht sie auf der Bühne, tanzt und singt. Eines Tages beginnt sie, selbst Lieder zu schreiben. Ihre Band Votia hat gerade das Album „Vié Kaz“ (Das alte Haus) veröffentlicht. 

„‚Vié Kaz‘ ist unser Familienhaus, in dem meine Geschwister und ich groß geworden sind“, erklärt Lambert-Philéas den Album-Titel. „Dort haben mein Vater und meine Brüder ihre Alben realisiert. Auch ich habe an diesem Ort viele meiner Werke geschaffen, darunter auch die neue Veröffentlichung.“

Im Lied „L’identité“ wenden sich Votia direkt an die junge Bevölkerung von La Réunion: „Denkt daran, woher ihr kommt und vergesst nicht eure Kultur und Traditionen. Der Maloya macht euch aus. Das ist eure Identität. Besinnt euch auf eure Wurzeln.“

Eine Musik voll Polyphonie und Perkussion

Maloya: Das ist nicht nur der Musik- und Gesangsstil, sondern auch der Tanzstil der Insel im indischen Ozean. Heute ist das Genre ein wichtiger Bestandteil der Kultur von La Réunion und wurde von der UNESCO 2009 als immaterielles Kulturerbe der Menschheit anerkannt.

Komponiert und gesungen wird auf Madagassisch und Kreolisch. Geprägt ist die Musik von Polyphonie und Perkussion, sie vereint die Einflüsse von indischen und afrikanischen Musiktraditionen. 

„Der Roulèr ist das Herz der Maloya-Rhythmen“, erklärt Marie-Claude Lambert-Philéas. Doch neben der großen Zylindertrommel Roulèr kommen noch andere Schlaginstrumente zum Einsatz: der Kayamb, eine Rassel aus Zuckerrohr und Samen und der Pikèr aus Bambus. 

„Ich fühle mich lebendig, wenn ich zu den Maloya-Rhythmen singe“

Die Bevölkerung der Insel La Réunion setzt sich aus verschiedenen ethnischen Gruppen zusammen. Die meisten Bewohner sind Kreolen, Nachkommen von afrikanischen, indischen, madagassischen und europäischen Siedlern. Es gibt auch Gemeinschaften von Tamilen, Chinesen und Festlandfranzosen. 

Bei all diesem Mix spielt der Mayola eine völkerverbindende Rolle: „Ich fühle mich lebendig, wenn ich auf der Bühne bin und zu den Maloya-Rhythmen singe“, so die Sängerin. „Das ist der Moment, in dem ich mich am besten ausdrücken kann. Das ist meine Therapie.“

Beim Singen fühle sie eine tiefe Verbindung zu ihren Vorfahren, erklärt Marie-Claude Lambert-Philéas: „Ich gedenke der Ahnen und respektiere sie. Diese haben unbeirrt für die Mayola-Musik gekämpft. Ohne unsere Vorfahren hätten wir heute nicht diese wunderbare Musik.“

Ein Klavierkonzert mit dem Pianisten Kirill Gerstein in der Berliner Waldbühne. Etwa zwanzigtausend Menschen  hören zu. Für sich genommen eine beeindruckende Zahl – doch ist deshalb ein Konzertort wie dieser gleich ein „Musikort für alle“?

Die Gesellschaft diversifiziert sich, und damit ist oft völlig unklar, wer diese „Alle“ eigentlich sind. Aber die Definition wird dringender: Die Spielstätten in Deutschland werden immer älter und baufälliger. Für immer mehr öffentliches Geld müssen sie saniert werden.

Irgendjemand stellt immer die Frage: Soll es ausgerechnet jenes Gebäude sein, in dem die öffentlich förderungswürdige Musik, also die „Musik für Alle“, gespielt werden soll?

Elbphilharmonie: Überteuerter Elite-Tempel oder Musikort für Alle?

„Bei der Elbphilharmonie haben wir sehr früh und sehr klar und bis heute sehr eindeutig auf die Strategie gesetzt, dass alle Besuchenden tatsächlich eine Idee davon bekommen sollen, was im Konzertsaal passiert“, schreibt der Hamburger Kultursenator Carsten Brosda in seinem kurzen Beitrag zum Buch.

Der Blick auf Musikorte ist bei allen Autorinnen und Autoren des Bandes je nach beruflicher Herkunft sehr unterschiedlich. Der Blick des Kulturpolitikers Brosda ist erstaunlich eindimensional. Er besingt die überteuert gebaute Elbphilharmonie in Hamburg: Jeder könne mitbekommen, was dort passiert, meint er.

Das Streben nach perfekter Akustik geht am Interesse der Bevölkerung vorbei

Und wen eben gar nicht interessiert, was dort passiert, weil der Konzertsaal vor allem für klassische Musik gedacht ist? Haben diese Menschen dann Pech gehabt? Der Münchner Architekt Markus Stenger kritisiert, dass man sich bei der Elbphilharmonie weiterhin vor allem für eine Perfektionierung der Akustik interessiere. Das gehe am öffentlichen Interesse vorbei.

Die Klassik ist eine Form von vielen. Und wenn man sich dann überlegt, dass die Elbphilharmonie wirklich eine Befriedigung dieses einen Bedürfnisses ist, und das in einer Perfektion macht (...) -- dann ist für mich die Rechtfertigung dieser noch weiteren und Überperfektionierung zweifelhaft.

Markus Stenger ist der Meinung, dass in der Entwicklung von Konzerthäusern ein Ende erreicht sei. Das Publikum selbst würde dabei helfen, sich auf das Wesentliche zu besinnen: „Wo die Menschen jetzt plötzlich feststellen: Wenn sie das Machen, das eigentliche Musikmachen spüren, sehen, erleben: dass diese Unmittelbarkeit, die da entsteht in der Empfindung, plötzlich Sachen triggert, die man schon für verloren geglaubt hatte.“

Viele erfolgreiche Musikorte wurden nicht für perfekte Hörerlebnisse gebaut

Ausgerechnet ein Architekt wie Markus Stenger interessiert sich auffällig für das Fluide, nicht Statische, das Musikorte auch besitzen können. Genau wie sich auch gesellschaftliche und musikalische Bedürfnisse ändern. Stenger gibt zu bedenken, dass Musik heute via Kopfhörer und Smartphone doch eigentlich ortlos sei, um genau dies dann als illusorisch zu entlarven.

Auch heute bräuchten wir, so Stenger, physische Orte für Musik -- nur sei die jahrelang ausgetüftelte Akustik in Luzern, in Hamburg oder im Berliner Boulez-Saal für das Publikum oft unwichtig.

Die Mit-Herausgeberin des Bändchens, Musikjournalistin Michaela Fridrich, erinnert daran, dass einige der heute erfolgreichsten Orte für Kultur solche sind, die ursprünglich gar nicht zu diesem Zweck gebaut wurden: das Radialsystem Berlin etwa, ein ehemaliges Abwasserpumpwerk; oder die Zeche Zollverein in einem ehemaligen Steinkohlebergwerk.

Komische Oper Berlin bringt die Oper in die Kieze

Zwei Sänger und drei Musiker an Geige, Akkordeon und Kontrabass: So klingt es, wenn der türkische Opernbus der Komischen Oper Berlin in einem Hinterhof in Berlin Kreuzberg Station macht. Mustafa Akca hat den Opernbus an der Komischen Oper initiiert, der heute durch die Kieze tingelt.

Auch Akca kommt in „Musikorte für Alle“ zu Wort, und er beschreibt Musikorte nicht als etwas steinern Gefügtes, sondern als etwas, das in den Menschen selbst liege. Wenn das tatsächlich so sei, findet er, dann könne man eben auch in Turnhallen, Vereinshäusern einer Fußballmannschaft, einem Boxring, der Wartehalle eines Flughafens, auf dem Bolzplatz oder in der Waschküche ganz tolle Oper machen.

Wenn's keine Herzenswärme ist und wenn man das nicht gerne macht, dann klappt das nicht. Der Ort ist wurst. 

Musik entsteht mit jedem Interpreten

Musik ist auch hier nicht ortlos, aber es kommt für Akca sicher nicht auf die Akustik der jeweiligen Waschküche an. Vielmehr entsteht mit jedem Interpreten, der für eins der Mini-Konzerte sein Instrument auspackt, ein neuer Ort. Womit wir wieder bei den Nomaden wären und bei ihrem Lagerfeuer.

Sollen Musikorte wirklich „für Alle“ sein, werden sie es wohl umso mehr, je durchlässiger und nicht je ausgeklügelter und teurer sie sind. In der derzeitigen Diskussion um aufwändig sanierte Konzerthäuser überall in Deutschland ist das eine überraschende und durchaus pikante Pointe.

Robert Wilson wurde 1941 in Texas geboren. Neben seiner Arbeit als Regisseur und Theaterautor war er auch Maler, Lichtdesigner, Bühnenbildner, Videokünstler und Architekt.

Mit seinen minimalistisch choreografierten Inszenierungen hat er einen völlig eigenen Theaterstil kreiert, er arbeitete mehrfach mit den Komponisten Philip Glass und Tom Waits zusammen. Später inszeniert er auch zunehmend klassisches Opernrepertoire.

Theater mit extremer Entschleunigung

SWR Kultur Redakteur Bernd Künzig weiß: „Bob Wilson hat als Tänzer und dann als Choreograf angefangen und das hat immer sein Theater geprägt. Da war immer ein Stück weit Musik drin.“

Wilsons Theater sei von extremer Entschleunigung geprägt gewesen, erzählt Künzig. Das bedeutet, dass Wilson sich immer mit Zeit auseinandergesetzt habe. Das große Zeitmedium im Theater sei natürlich die Oper. Musik sei dabei ideal für Wilson gewesen, da sein Theater kein großes Erzähltheater gewesen sei.

Das führte, natürlicherweise, wie Künzig findet, zu einer Zusammenarbeit mit Philip Glass. Die beiden hätten Musiktheater ganz neu definiert und entschleunigt, wie z.B. mit der Oper „Einstein On The Beach“.

Minimale Bewegungen und Maskierung als Markenzeichen

Robert Wilsons Inszenierungen hatten eine spezielle Theaterästhetik mit minimalen Bewegungen der Darsteller, so Künzig. Einen großen Einfluss auf ihn hätte dabei das japanische Theater gehabt.

Außerdem spielte Maskierung eine wichtige Rolle in seinen Inszenierungen. Musikalische Gesten seien in der Oper sehr präsent, deswegen konnte er das gut inszenieren, erklärt Bernd Künzig. Oper sei auch immer ein Ritual, findet er, das sei eine Steilvorlage für Wilsons Ritualtheater gewesen.

Der Stil des Theatermachers Robert Wilson sei so markant gewesen, dass Künzig klar vom Wilson-Stil spricht. Wilson sei der einflussreichste Theatermann in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts gewesen.

Konzertpianist Joja Wendt spielte wie jedes Jahr ein Neujahrskonzert in der Elbphilharmonie in Hamburg, als er mit Holger Hübner, Mitorganisator und Erfinder des Wacken Open Airs, ins Gespräch kam. Er lädt den Pianisten nach Wacken ein.

Was Joja Wendt zunächst als Scherz abtut, weckt bald den Erfindergeist in ihm: „Wenn das so sein soll, dann muss ich mir auch was Besonderes einfallen lassen.“ Er will den ersten Heavy-Metal-Flügel bauen, den es jemals in der Geschichte gegeben hat.

Aus einer Zeichnung wird das „Biest“

Normalerweise dauert der Bau eines Konzertflügels um die drei Jahre. Für den Flügel aus Metall war nur ein gutes Jahr Zeit. Eine Herausforderung für Joja Wendt, die ihm aber auch Spaß macht. Am Anfang stand eine Zeichnung.

Ich dachte, das muss in die Richtung Alien gehen, wie aus Stahl gewordenes organisches Material. Das muss leben.

Mithilfe von KI wird aus der Zeichnung ein dreidimensionales Modell, die Wendt einem Metallbauer vorlegt. Insgesamt arbeitet ein Team von 20 Leuten an dem Instrument aus Metall. Die Kosten dafür liegen im sechs-stelligen Bereich.

Ein feuerspuckendes Klavier mit Hörnern und Schweif

Das „Biest“, wie Joja Wendt sein neues Instrument liebevoll nennt, hat Hörner und einen Schweif. Außerdem kann es Funken sprühen. In dem Flügel ganz aus Metall ist nämlich Pyrotechnik verbaut.

Eisen-Tasten für Beethoven und Metallica

Für Joja Wendt war klar, wer auf der härtesten Bühne spielt, braucht auch Tasten aus Eisen. Eine große Herausforderung für den Pianisten, denn die Tasten haben eine ganz andere Haptik und auch ein anderes Gewicht.

Beim Wacken Open-Air-Festival spielt Joja Wendt in seiner Show „Iron Keys“ eine Mischung aus alten Metal-Klassikern, die jeder kennt und mitsingen kann, und klassischer Musik. Denn Beethoven, so sage man, sei der erste Hardrocker gewesen, den es gegeben hat.

Ein Konzertsaal aus Beton, hoch oben im Schwarzwald, mitten in der Sendeanlage eines Funkturms. Beim TONarten-Festival 2025 in Sasbachwalden wird der SWR-Sendeturm auf der Hornisgrinde zum Klangkörper. Eingeladen wird dieses Jahr unter andrem zu einer besonderen Klanginstallation – mit Vogelstimmen, hängenden Geigen und einer Musik, die Natur und Technik, Kunst und Umwelt auf ganz eigene Weise miteinander verschränkt. Sven Scherz-Schade war bei den Proben dabei.

Eine der schönsten Bemerkungen über den Pianisten Swiatoslaw Richter verdankt die Musikwelt dem Dirigenten Kurt Sanderling. Richter, so Sanderling, könne nämlich nicht nur Klavier spielen, sondern auch Noten lesen. Was er damit meinte: Exzentrik allein genügt nicht, man braucht auch Respekt vor dem Werk. Zu hören ist das jetzt auf einem neuen Richter-Album mit Beethoven-Sonaten.