Treffpunkt Klassik

Inseln sind Sehnsuchtsorte. Viele denken dabei an die Karibik oder den Indischen Ozean, an türkisgrünes Wasser und kilometerlange weiße Sandstrände im Süden. Seltener jedoch an Schottland.

Dabei hat Schottland Hunderte von Inseln, viele davon mit menschenleeren Traumstränden. Die Hebriden im Atlantik vor der Westküste Schottlands bilden gleich eine ganze Inselkette. Hier wird bis heute Gälisch gesprochen, und hier gibt es eine lebendige Musikkultur. Insel-Hopping auf den Äußeren Hebriden: von Barra im Süden bis rauf zu den Tweed-Inseln Harris and Lewis im Norden.

Die Innsbrucker Festwochen der Alten Musik sind eine Institution in der Szene der historischen Aufführungspraxis. Seit 1976 geben sich dort die gefragtesten Alte-Musik-Spezialisten die Klinke in die Hand, seit 1997 verantwortete zwölf Jahre lang René Jacobs die künstlerische Leitung, im vergangenen Jahr hat Ottavio Dantone die Leitung im Duo mit Eva-Maria Sens übernommen. Regine Müller war vor Ort und hat zwei Aufführungen verfolgt.

Bis in unbekannte Klassik-Traditionen hinein soll der Blick von „Young Euro Classic“ künftig reichen. Ein neues Format im Festival heißt „Dialog ohne Worte“.

Ein gemeinsames Vokabular entwickeln, musikalische Worte, darum geht es, so erklärt der Komponist Mathias Hinke. Gemeinsam mit dem Cellisten Alban Gerhardt bildet er das neue künstlerische Leitungsduo von Young Euro Classic.

Die Klangwelt der jeweils anderen Gruppe entdecken und mit der eigenen Musik darauf antworten, dieser Gedanke steckt in den „Dialogen ohne Worte“.

Über den eigenen Tellerrand hinaushören

Jugendliche und Studierende in Jugendorchestern sollen Gelegenheit haben, sich nicht nur mit anderen westlich-klassischen Orchestermusikerinnen und -Musikern zu vernetzen, sondern vor allem, über den eigenen Tellerrand hinauszuhören.

Mit dem neuen Programmelement „Dialog ohne Worte“ schafft Young Euro Classic eine neue transtraditionelle Ebene in seinem Jugendorchesterprogramm. Und trägt zu recht den Slogan „Hier spielt die Zukunft“.

Steven Walter war bis vor Kurzem als Thomas-Mann-Fellow in Los Angeles (USA). Dort hat er über den zeitgenössischen Kulturtransfer zwischen den USA und Deutschland geforscht. Mit Martin Hagen spricht der Intendant des Beethoven Fests Bonn mit amerikanischen Eltern über die dortige Lage der Klassischen Musik-Szene, aktuelle Kulturpolitik in Amerika und die Inspirationen, die er im dortigen Musikbetrieb gefunden hat.

Am Anfang war das Wort, bei Wim Wenders die Musik. „Sex and Violence waren nie mein Ding, ich stand immer schon mehr auf Sax and Violins“, hat der Regisseur mal gesagt; Saxofone und Violinen also statt Sex und Gewalt.

Klassische Orchester-Soundtracks findet man bei Wenders selten, dafür aber viel Rock und Pop; oft live gefilmt und das nicht nur im „Buena Vista Social Club“. Schon seine Abschlussarbeit 1969/70 hatte die US-Band „The Kinks“ zum Inhalt.

Wim Wenders arbeitet häufig mit dem Komponisten Jürgen Knieper zusammen. Die Romanadaption „Falsche Bewegung“ erhielt 1975 in sieben Kategorien den Deutschen Filmpreis, unter anderem für die Musik. Und nicht zuletzt Kniepers karge Streicher verleihen Wenders Engeln in „Der Himmel über Berlin“ 1987 Flügel.

Anders als üblich: Musik überspielt Bild

In „Palermo Shooting“ strömen 2008 unentwegt Songs und Irmin Schmidts Verfremdungen von Johann Sebastian Bachs Matthäus-Passion aus den Kopfhörern des Protagonisten. Die Irrfahrten eines Fotografen-Odysseus werden nach dem Soundtrack gedreht – umgekehrt wie üblich, wo Musik dem Bilde dient. Hier rächt sie sich und „überspielt“ das Bild!

Die Balance von Bild und Ton freilich ist fragil. Auch Wim Wenders hat da gelegentlich was zerbrochen. Im 3D-Tanzfilm „Pina“ über die Ballettikone Pina Bausch etwa, waten die Tänzer 2011 regelrecht durch Thomas Hanreichs oft Minimal-ähnlich-groovige Musik.

Perfekte Balance von Bild und Musik in „Anselm – Das Rauschen der Zeit“

Ein Regisseur, der außer Musiker auch mal Künstler werden wollte, zeigt 2023 einen Maler, der mal Regisseur werden wollte: „Anselm – Das Rauschen der Zeit“ über Anselm Kiefer. Die Orchestermusik vom damals 27-jährigen Leonard Küßner verwandelt die Doku in eine Art Oper, mit den Bildern als Protagonisten auf der Bühne von Kiefers Studio im französischen La Ribaute.

So viel Orchestermacht könnte kargere Bilder übermalen. Die Kunst Kiefers aber ist so stark, dass sie Küßners Kompositionen Stand hält. Hier findet Wenders perfekt die Balance von Bild und Musik.

Spätes Debüt an der Berliner Staatsoper

Erstaunlich für einen Regisseur, der Musik so in Szene setzt: Wenders findet erst spät, 2017, auf die Bühne; und das ausgerechnet mit Georges Bizets „Perlenfischern“, einer Oper, die als schwierig zu inszenieren gilt.

Sein Debüt an der Berliner Staatsoper gerät antiquiert statisch, finden einige Kritiker; aber Wenders ist das wurscht: „Ich geh’ grundsätzlich nach links, wenn Leute sagen, nach rechts, da ist alles interessant; dann geh’ ich nach links.“

Die Lobgesang-Aufführungen in Engers, Bad Ems, Trier und Neustadt an der Weinstraße werden unter dem Motto „Vom Dunklen ins Helle – 80 Jahre Kriegsende“ stehen.

Programmpunkt davor: Der gemeinsame Besuch der Gedenkstätte Konzentrationslager Osthofen. Hier hatte das NS-Regime in den Jahren 1933 und 1934 vor allem politische Gegner und Gewerkschafter, aber auch Sinti, Juden und Zeugen Jehovas inhaftiert.

Ein musikalisches Projekt für Frieden und Menschlichkeit

Diese Lobgesang-Arbeitsphase der Landesmusikakademie Rheinland-Pfalz am Ende der Sommerferien mit mehr als einhundert Mitwirkenden: Sie ist ein in jeder Hinsicht großes Projekt, auch für Frieden und Menschlichkeit.

Chormanager Maximilian Rajczyk hat sich mit Dirigentin Katharina Morin abgesprochen. Ganz besonders wichtig ist beiden die Textverständlichkeit. Hier verdichtet Mendelssohn Aussagen aus biblischen Psalmen, in denen es um das Vertrauen auf Gott in schweren Zeiten geht.

Obwohl das Werk schon 185 Jahre alt ist, wirken einige der Lobgesang-Textzeilen auch heute sehr aktuell. Bei diesem großen Projekt geht es nicht nur um musikalische Bildung, sondern auch um Friedens-Bildung

Symphonie Nr. 2 („Lobgesang“) von Felix Mendelssohn Bartholdy

Intendant Martin Hinterhäuser setzt bewusst auf ungewöhnliche Akzente im Opernprogramm- von Händels „Giolio Cesare in Egitto“ über selten gehörten Belcanto bis hin zur modernen Oper Tri sestri (Drei Schwestern) des ungarischen Komponisten Peter Eötvös. Ergänzt wird das Ganze durch Schwerpunktreihen – zum Beispiel zu Schostakovich – und Produktionen, die ein jüngeres Publikum ansprechen.

Einen lauten Akzent setzt die Produktion Maria Stuarda im Festspielhaus- eine Belcanto- Oper, wie sie auf dem Salzburger Spielplan bisher selten zu finden war. Seine „Maria Stuarda“ ist nach der Vorlage von Friedrich Schiller ausgerichtet. Eigentlich ist das Drama eine Art Kammerstück, das die Auseinandersetzung von Maria Stuarda und Elisabeth I darstellt. Also eher intim -- könnte man meinen.

Auf die Salzburger Inszenierung trifft das nicht zu: Ulrich Rasche hat auf die große Bühne des Festspielhauses eine seiner gewaltigen Bühnenmaschinen gestellt. Zwei sich drehende Scheiben für die verschiedenen Welten von Elisabeth und Maria, die dann miteinander konfrontiert werden. Was in der Schiller-Vorlage nie eintrifft, doch gerade für eine Oper ist so eine Konfrontation wichtig.

Die zwei Solistinnen treffen aufeinander: Lisette Oropesa überzeugt als Maria mit junger, aber wuchtiger Stimme, während Kate Lindsey die Elisabeth mit etwas abgeschatteter Stimme singt, was durchaus zur Rolle passt. Die beiden Sängerinnen in Kombination mit dem abstrakten Bühnenbild stoßen beim Publikum auf große Begeisterung.

Eine Schattenseite der Donizetti-Aufführung: Die Wiener Philharmoniker zeigen sich alle andere als in Bestform. Im Feuilleton gibt es heftige Kritik am renommierten Orchester. Trotz beherztem Antreiben des Dirigenten Antonella Manacorda wirken die Musiker*innen unterspannt. Sie spielen das Stück runter, schleppen, es gibt Unsauberkeiten.

Haben die Philharmoniker tatsächlich keine Lust auf Donizetti, oder haben sie die Belcanto-Begleitung einfach unterschätzt? So oder so, es lässt eine leichte Arroganz vermuten, zumal gerade ein Donizetti eine musikalische Herausarbeitung der Klangfarben verlangt. Das Orchester ist nicht häufig mit derartigen Werken konfrontiert. Es fehlt wohl die Motivation, sich in etwas Neues hineinzustürzen.

Neue Musik ist unverzichtbar auf dem Programm, Intendant Markus Hinterhäuser bringt dafür auch eine persönliche Affinität mit. Als Pianist spielte er zum Beispiel das gesamte Klavierwerk der zweiten Wiener Schule.

Dieses Jahr gibt es ein modernes Highlight: „Drei Schwestern“, ein spätes Tschechow-Drama, 1998 als Oper vertont vom Ungarn Peter Eötvös. Es ist dessen erste von insgesamt neun Opern, aber er stellt gleich hohe Anforderungen ans ausführende Haus: Vier Counter-Tenöre sollen in die vier weiblichen Hauptrollen schlüpfen. Zur Entstehungszeit der Oper war es noch schwierig, gute Countertenöre zu finden und dann zu besetzen, momentan gibt es einen regelrechten Überfluss an Falsett-Stimmen.

Bei der Salzburger Inszenierung der Drei Schwestern sticht Dennis Oriana hervor. Der Gewinner des ersten Farinelli-Wettbewerbs bei den Händel-Festspielen Karlsruhe ist von Haus aus Sopranist, seine Stimme und Verkörperung der Irina löst bei den Besucher*innen Hochstimmung aus.

Stücke wie „Drei Schwestern“ sind keine Neuheit bei den Salzburger Festspielen. Immer wieder weicht Intendant Markus Hinterhäuser in seinem Programm grob vom Weg des Kassenschlagers ab. In den letzten Jahren hatte er den Schwerpunkt auf die Festivalgeschichte gesetzt, wichtige Produktionen der Festspiele sollten wiederaufgenommen werden. Das ging nicht immer auf, selbst wenn es mal nicht am Regiewechsel scheiterte.

Ein glücklicheres Händchen hat Hinterhäuser mit weniger gespielten, der breiten Masse unbekannten Stücken. 2023 die „Griechische Passion“ von Bohuslav Martinu, im vergangenen Jahr der „Idiot“ von Mieczysław Weinberg und dieses Jahr die „Drei Schwestern“. Alle sehr erfolgreich, mit hoher Auslastung.

Für einen Besuch bei den „Drei Schwestern“ muss man ganz schön viel Geld auf den Tisch legen. Das verhält sich aber nicht bei jeder Produktion so. Auch dieses Jahr gibt es bei den Festspielen das Jugendprogramm „Jung und Jeder“, im Mittelpunkt steht bei diesem die neue Kinder- und Jugendoper „die Musketiere“, eine Auftragsarbeit von Sebastian Schwab, auf dem berühmten Dumas-Roman basierend.

Kinder und Jugendliche sollen angefixt werden von der Oper, auch durch geringere Preise. Das bezieht sich aber nur auf die Produktionen in kleineren Häusern, auf die, die speziell auf junge Leute ausgerichtet sind. Ein Geheimtipp ist in dem Kontext auch die Aufführung von Igor Stravinsky’s „L’histoire du soldat“, eine Co-Produktion mit dem Salzburger Marionettentheater.

Handschriften, Erstdrucke, Briefe und Fotografien – die Sammlung des Lübecker Brahms-Instituts ist genauso einmalig wie sie umfangreich ist. Um die wertvollen Dokumente einer möglichst breiten Öffentlichkeit zugänglich zu machen, hat man sich in Lübeck nun dazu entschieden, den Bestand zu digitalisieren und im Rahmen des neuen „Brahms-Portals“ online verfügbar zu machen.

Über 10.000 digitalisierte Objekte sind bereits online abrufbar. Das Besondere: Von Musikwissenschaftler*innen geschriebene und journalistisch aufbereitete Werkeinführungen sowie Videopartituren geben profunde Einblicke in die Welt von Johannes Brahms.

Videopartitur zu Brahms' Klavierquartett A-Dur op. 26

„Brahms wäre kein Fan gewesen“

Brahms selbst hätte sich wohl nicht sonderlich für ein derartiges Projekt erwärmen können, scherzt Dr. Teresa Cäcilia Ramming, kommissarische Geschäftsführerin des Brahms-Instituts.

Der Komponist galt als sehr kritisch, was die Veröffentlichung seiner Kompositionsskizzen und Korrespondenzen betraf. Seine Briefe an Clara Schumann versenkt er etwa bei einer Dampferfahrt in den Fluten des Rheins.

Einem Digitalisierungsprojekt hätte der ohnehin eher konservative Komponist daher wohl kritisch gegenübergestanden, meint Ramming. Wobei: Vielleicht wäre er dem Ansinnen etwas offener begegnet, wenn er geahnt hätte, dass seine Werke noch mehr als 125 Jahre nach seinem Tod gehört und geliebt werden.

Internationales Kompetenzzentrum der Brahms-Forschung

Das Brahms-Insitut der Musikhochschule Lübeck gilt als internationales Kompetenzzentrum der Brahms-Forschung. Den Grundstein bildete die Sammlung Hofmann, die 1991 in den Besitz der Musikhochschule überging und bis dahin als weltweit größte private Brahms-Sammlung galt.

Wichtig für die Mitarbeitenden des Brahms-Instituts sei, dass das „Brahms-Portal“ nicht nur als Datenbank für Musikwissenschaftler*innen genutzt werde, so Institutsleiterin Teresa Cäcilia Ramming. Auch interessierte Laien könnten sich so vor einem Konzertbesuch einlesen oder auf die Recherche nach historischen Aufnahmen machen.

Das neue Portal werde laufend erweitert. „Wir werden die Bestände weiter erfassen und mit Digitalisaten ausstaffieren“, sp Ramming. Auch der Einsatz von K.I. und eine Ausweitung auf den Bereich der Musikvermittlung seien künftig denkbar. Doch das sei aktuell noch Zukunftsmusik.

Vladimir Jurowski ist Generalmusikdirektor der Bayerischen Staatsoper und Chef des Rundfunk-Sinfonieorchesters Berlin. Seine Familie hat eine enge persönliche Beziehung zu Dmitrij Schostakowitsch: Der Komponist war ein Freund der Familie, mit Jurowskis Vater spielte er gerne vierhändig Klavier.

Trotzdem entschied sich Jurowksi als junger Erwachsener dafür, dass ihm vieles an der Musik Schostakowitschs nicht schmeckt. Bis heute bleibe sein Zugang zu Schostakowitschs Musik zwiespältig. Es gäbe viele Stücke, die er für besondere Anlässe geschrieben habe, und das nicht immer freiwillig.

Trotzdem findet Jurowski, dass Schostakowitsch „ein großartiger und genial begabter Musiker“ gewesen sei.

Schostakowitsch 50 Jahre nach seinem Tod so aktuell wie nie

Der Komponist ist in seinem 50. Todesjahr aktuell wie nie: aufgrund der politischen Dimension, aber auch wegen seiner Musik und dramatischen Biografie. In Russland feiert man Schostakowitsch, wobei ihn der Kreml auch heute wieder für seine politischen Zwecke instrumentalisiere.

Vor kurzem wurde von Schostakowitsch ein Tagebuch in Moskau entdeckt, das seither nicht verlegt wurde. Vladimir Jurowski vermutet, dass Russlands Regime das absichtlich verhindere:

Schostakowitsch spricht dort Tacheles. Er ist wirklich offen in seiner Ablehnung des Regimes und auch der führenden Persönlichkeiten der damaligen Zeit.

Musik mit Schmerz und Dramatik, aber auch Befreiung und Humanismus

In Schostakowitschs Musik liegt viel Dramatik, Schmerz, Druck und Befreiung. In diesen Zeiten kann seine Musik auch als Warnung gehört werden. Eine der stärksten Eigenschaften sei ihr Humanismus, sagt Vladimir Jurowski.

Denn Musik gebe sich oft als abstrakte Tonkunst: „Aber Schostakowitsch geniert sich nicht, sich mit Menschen, ihrem Leben mit den Problemen auseinanderzusetzen und darüber mit musikalischen Mitteln zu berichten.“, so der Dirigent.

In Zeiten, in denen es immer weniger Organistinnen und Organisten gibt, die zum Beispiel Gottesdienste begleiten können, muss dringend Nachwuchs gefunden werden. Doch hat es die Orgel schwerer als andere Instrumente, denn sie kann man nicht ohne Weiteres direkt zu Kindern bringen. In Mainz wurde deshalb ein neues Format entwickelt: Am ersten Augustwochenende hat das erste Orgelfestival für Kinder stattgefunden.