Vision(s)

Chaque vision est singulière, porteuse de sens et de changement. Le but de ce format est de rassembler de nombreux artistes et que chacun nous délivre sa vision et son expérience de la photographie.

En entrant dans l’appartement, nous découvrons des dizaines de tirages et des planches contacts entassées ou simplement posées où il y a de place, entre les tasses de café, le ruban adhésif et les différents stylos, sur la grande table du salon. L’endroit est lumineux. Notre invité a une voix rauque. Le timbre est certes voilé mais il arbore un sourire dénoué de toute rigidité. On branche les micros, je m’installe sur une chaise beaucoup trop basse pour moi. J’appuie sur le bouton record. Le photographe commence à raconter l’histoire de l’une de ses photos tirées de son projet L’attente. Dès les premières minutes, je sens chez mon invité une véritable passion pour l’image et une envie très forte de partager. C’est un « raconteur d’histoires ». ­Je souris intérieurement. 

Pour ce treizième Vision, c’est avec un grand plaisir que nous recevons Alexandre Guirkinger, photographe parisien né en 1980. Après des études à l’IEP de Lille et un passage comme chargé de production au sein de l’agence Magnum Photos, Alexandre Guirkinger décide de se consacrer au medium photographique en 2006. 

Il développe une écriture protéiforme entre espace, portraits, natures mortes et images d’archives. Sa photographie, uniquement argentique, oblige à une certaine frugalité à la prise de vue. À partir de 2010, il produit des pièces collaboratives avec, par exemple, Étienne Chambaud, Tristan Garcia, Florence Aubenas ou Tarek Atoui. Parallèlement, il développe des recherches personnelles s’apparentant au documentaire conceptuel. En 2015, il met un terme à son projet au long cours autour de la ligne Maginot, exposé aux Rencontres d’Arles en 2016 et publié chez RVB Books­­­. 

Alexandre Guirkinger est également représenté par l’agence Rose à Paris. À travers des commandes pour le magazine M Le Monde, le Wall Street Journal Magazine, AD, les Inrockuptibles ou T Magazine, il développe également un travail conséquent en presse. Très bonne écoute ! 

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Pour aller plus loin

Walker Evans, Lewis Baltz, August Sander, Bernd et Hilla Becher, W. G. Sebald, Walter Benjamin, Tristan Garcia, Jean-Baptiste Talbourdet, Tarek Atoui, Eric La Casa, Mathieu Charon, Rémi Faucheux, Florence Aubenas, Gérald Thomassin, Réseau Diagonal, Le Point du Jour, Olivia Mayolle, Chris Marker, Andreï Tarkovski, Éric Baudelaire, Jean-Luc Moulène, Wolfgang Tillmans, Comme un Légo – Alain Bashung

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Chaque vision est singulière, porteuse de sens et de changement. Le but de ce format est de rassembler de nombreux artistes et que chacun nous délivre sa vision et son expérience de la photographie.

Une voix douce (qui ressemble étrangement à celle de Julien Mignot, un autre photographe invité il y a quelques mois), un corps longiforme, des baskets Nike aux pieds et d’imposantes bagues aux doigts. Le photographe semble content d’être là et de pouvoir parler de ses différents projets, notamment le dernier, Le Décor, qui venait tout juste d’être récompensé par le prix Eurazeo, au moment de l’enregistrement. Cela fait longtemps que je suis l’excellent travail de Frédéric Stucin, que l’on reçoit dans un petit appartement dans le 11ème arrondissement à Paris, et j’ai donc hâte d’en entendre davantage.

Diplômé des arts décoratifs de Strasbourg et de l'École Louis Lumière, Fred Stucin a commencé à travailler comme photographe de presse en 2002, et collabore depuis avec plusieurs médias. Ses photographies sont publiées dans Libération, Le Monde, Vanity Fair, L'Obs, L'Express, Les Inrocks, Time Magazine, Stern... 

On commence le podcast en évoquant ses différents portraits, notamment ceux avec Benoît Poelvoorde ou Mélanie Thierry, qui sont marquants. Fred Stucin évoque ses techniques, sa manière si singulière d’interagir avec ses modèles, souvent dans un laps de temps très court. 

En 2017, il participe au projet collectif La France vue d'ici, d'où ont découlé deux expositions personnelles au Festival ImageSingulières de Sète et une troisième dans la gare Saint-Lazare. Frédéric choisit de photographier les voyageurs de la gare Saint-Lazare, solitudes happées dans le flot compact et oppressant des flux métronomiques. En 2019, il publie Only Bleeding, le résultat de nombreux allers-retours à Las Vegas. Il ne choisit pas les stéréotypes qu’offrent la ville, entre néons et paillettes, mais il raconte plutôt l'errance des laissés-pour-compte du rêve américain. L’occasion également pour nous d’évoquer son rapport particulier au noir et blanc.

Nous terminons le podcast en parlant de ses projets plus récents, notamment d’une résidence marquante à la Villa Perochon de Niort, où il photographie le service psychiatrique de l’hôpital de cette même ville. Fred Stucin nous explique, d’une manière très touchante, comment il aborde ce projet et sa relation avec les sujets photographiés. Nous vous souhaitons une excellente écoute ! 

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Pour aller plus loin

William Casby - Richard Avedon, Man Ray, August Sanders, Garry Winogrand, It's Alright Ma (I'm Only Bleeding) – Bob Dylan, Irving Penn, Down By Law - Jim Jarmusch, Gueorgui Pinkhassov, Charles Marville, Hippolyte Girardot, Alex Majoli, Philip-Lorca diCorcia , Aki Kaurismäki , Andreï Tarkovski, Under the Skin - Jonathan Glazer, À la folie - Joy Sorman, Un week-end dans le Michigan - Richard Ford, Russell Banks, L'Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford - Andrew Dominik.

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Chaque vision est singulière, porteuse de sens et de changement. Le but de ce format est de rassembler de nombreux artistes et que chacun nous délivre sa vision et son expérience de la photographie.

Pour ce onzième Vision, nous sommes très heureux de recevoir Clémentine Schneidermann, l’une des photographes documentaires les plus doué.e.s de sa génération. 

Clémentine a grandi en banlieue parisienne, à Clamart, dans une famille n’ayant aucun lien avec le monde de l’image. Après le bac, elle décide de partir s’inscrire dans une école de photo à Vevey puis continue son parcours au Pays de Galles, à Newport. La jeune femme commence à s’intéresser à la représentation des milieux populaires du Royaume-Uni, et aux territoires oubliés. En 2016, elle remporte le prix Leica Oskar Barnack Newcomer pour son projet réalisé dans la région minière du sud du pays.

Dans ce podcast, Clémentine Schneidermann va nous parler de son travail, notamment de sa série (I Called Her Lisa Marie) sur les fans d’Elvis et de sa résidence avec Images Singulières, à Sète. Pourquoi s’intéresser à l’idolâtrie, aux gens qui vouent une passion presque démesurée ? Est-elle elle-même une fan ?

Elle a aussi tout récemment exposé son projet plus actuel appelé It's Called Ffasiwn à la Martin Parr Foundation, à Bristol. Fruit d’une collaboration avec la directrice artistique Charlotte James, ce projet mélange plusieurs sujets : la photo documentaire, l’engagement social, le Pays de Galles, mais aussi la mise en scène, les costumes et la mode. Un podcast passionnant, très bonne écoute à vous !

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Pour aller plus loin

Alec Soth, Susan Meiselas, Mary Ellen Mark, Lise Sarfati, Julian Germain, Tom Wood, Tim Walker, William Eggleston, The Last Elvis (Ultimo Elvis), Bieke Depoorter, Juliana Beasley, Yto Barrada, Abdellatif Kechiche.

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Grand retour de notre format épisode dans lequel nous accueillons toujours plusieurs invité-e-s autour d’un thème particulier. Comme vu l’avez vu dans le titre, le sujet aujourd’hui est  : « comment lancer un média photo aujourd’hui ? »

Pour répondre à cette question, quoi de mieux que d’inviter Jean-Matthieu Gautier et Ambroise Touvet, qui sont les deux fondateurs d’une nouvelle revue autour de l’image, qui s’appelle Epic. 

Après des études de journalisme et une expérience en édition, Jean-Matthieu a sillonné l’Asie du Sud-Est pour le magazine d’une ONG. Revenu en France il créé la revue trimestrielle de photoreportage “EPIC-stories” et occupe parallèlement le poste de photo éditeur pendant 4 ans au sein de l’agence photo CIRIC, filiale du groupe Bayard Presse. Comme photographe, il alterne projets personnels et commandes pour la presse, des institutions ou des entreprises. Ambroise Touvet est, quant à lui, ingénieur en agriculture de formation. Il est à l’origine de plusieurs ouvrages de cuisine. À l’image de sa propre trajectoire, il a lancé il y a près de 8 ans une agence appelée "Oblique", spécialisée dans la photographie et dans la vidéo.

« Média lent, images larges », c’est la devise de cette nouvelle publication. Epic c’est une revue “non jetable et durable”, avec plusieurs reportages et projets qui ne sont pas toujours liés à l’actualité, des entretiens passionnants et surtout, surtout, une large place donnée à la photographie.

Pourquoi et comment lancer une revue papier dans ce contexte actuel ? Quel modèle économique et quelle ligne éditoriale choisir ? Quels visuels et photographes choisir ? Ce sont ce type de questions que l’on se pose dans ce podcast.

Nous avons la chance d’avoir de nombreux médias autour de l’image, que cela soit sous un format papier, numérique, audio mais c’est toujours passionnant de pouvoir parler d’un nouveau média et de le comparer à ce qui a été fait dans le passé et ou à ce qui se fait actuellement. Bonne écoute ! 

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Pour aller plus loin 

Agence Oblique, Sylvain Biard, Tamara Eckhardt, Agence Oblique, Cyril Abad, Wilfrid Esteve, Cloé Kerhoas Özmen, Cédric Roux.

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Neuvième podcast dans un format focus avec l’incontournable Brigitte Patient, porte-parole de la photographie, qui a conduit la seule émission de radio qui parlait d’image pendant près de 8 ans.

Brigitte Patient est née à Bourges, elle a commencé en tant qu’institutrice puis a découvert la radio grâce à l’un ses professeurs et fait ses débuts en 1982. Après plusieurs expériences, elle rejoint France Inter en 1990 où elle y anime diverses émissions pour finalement créer celle qui a laissé une trace importante dans le monde la photographie : Regardez Voir.

Elle a été et est toujours un témoin unique d’un médium en plein développement en réalisant des interviews et en se déplaçant dans plusieurs festivals et foires photographiques. Durant l’été 2019, elle a également réalisé la série « photos mythiques », neuf émissions sur les images qui ont marqué l’histoire comme La petite fille au napalm de Nick Ut ou Identical Twins de Diane Arbus.

Sa voix, que vous entendez aujourd’hui, a été et est encore synonyme de couleurs, de douceur, de passion et d’une grande sensibilité. Prenez ce podcast comme un hommage car c’est véritablement le cas. D’une certaine façon, sans Brigitte Patient et sans son implication dans le monde de la photographie sous ce format, le podcast Vision(s) n’aurait pas été créé. Très bonne écoute à vous ! 

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Pour aller plus loin

Paul Pouvreau, Cafe Lehmitz – Anders Petersen, Diane Arbus, Lella - Édouard Boubat, Brassaï, Robert Doisneau, Willy Ronis, Eugène Atget, Denis Brihat, Christian Caujolle, Laurence Leblanc, Olivier Cullman, Dominique Sagot-Duvauroux, François Cheval, Sarah Moon, Bogdan Konopka, Letizia Battaglia, Day by Day - JH Engström, Crépuscules - Irene Jonas, Je vous écris avec la chair des mots - Michaël Serfaty, Out of Sight - Delphine Parodi, Yoko Tawada.

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Pour ce dixième Vision, préparez vos valises, on part direction le Japon avec Chloé Jafé ! 

Née à Lyon en 1984, elle travaille en 2006 comme assistante au studio Pin-Up à Paris. En 2009, elle développe un intérêt pour la photographie en sortant diplômée du Central Saint Martins à Londres. Chloé Jafé travaille ensuite de 2010 à 2012 au bureau de Magnum Photos à Londres. Sur un coup de tête, elle décide de partir au Japon avec une amie et en 2014, elle s’y installe pour réaliser un premier travail personnel. 

Chloé Jafé va s’intéresser dans un premier temps à l'univers des yakuzas, au coeur du crime organisé japonais, et plus spécifiquement à leurs femmes. Grâce à une rencontre fortuite avec l’un de leurs chefs, à Tokyo, elle photographie le quotidien de certains de ses membres pendant près de six ans. Vous vous en doutez, Chloé a beaucoup d’anecdotes et d’histoires passionnantes à nous raconter !

Ce podcast nous donne également l’occasion de parler de ses différents projets (la trilogie comprenant Inochi Azukemasu, Okinawa mon Amour et Osaka Ben) et de ses superbes livres. Inochi Azukemasu a notamment remporté la Bourse du Talent 2017 et a été exposé à la Bibliothèque Nationale de France à Paris. Chloé Jafé est actuellement représentée par la galerie Akio Nagasawa à Tokyo. Une bonne écoute à vous ! 

Merci à la galerie Echo 119 pour le lieu d’enregistrement et la mise en relation. Vous pouvez y voir le travail de Chloé jusqu’au 20 mars. Plus d’infos ici.

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Yakuza moon - Shōko Tendō, Simon Baker, Akio Nagasawa, Daidō Moriyama, Shōmei Tōmatsu, Reminders Project, Yumi Goto, Teun van der Heijden, Sandra van der Doelen, In the mood for love, Yumeji's theme - Shigeru Umebayashi, Ai no Sanka - Fubuki Koshiji.

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1m98, une grosse barbe, une voix imposante : le moins que l’on puisse dire, c’est que Thomas Klotz ne laisse pas indifférent. Originaire du Nord de la France, le photographe s’est fait connaître par un premier ouvrage paru en 2019 aux éditions EYD, Northscape, consacré à une série sur les paysages péri-urbains de sa région, dans la lignée du mouvement américain des «New Topographics». 

Thomas a ensuite sorti tout récemment un deuxième livre intitulé Eve, la montagne et la jeune fille. « Ça paraît simple, mais ça parle de présence dans les lieux, donc une poésie de l’attente, mais attente de quoi ? » Bernard Plossu nous annonce la couleur dans la préface. Avec un travail plus narratif et personnel, Thomas Klotz documente le quotidien de sa fille d’une manière très touchante : les lieux qu’elle traverse, son appartement, son regard, ses amies, ses doutes...

Thomas Klotz, c’est une vie haute en couleurs, comme ses photos. Avocat de formation, il a aussi été producteur de film, notamment de La prochaine fois je viserai le cœur, avec Guillaume Canet. Adolescent, il veut devenir photographe, comme son père, mais se « range » finalement en réalisant un métier plus viable. Il revient à la photographie récemment et y consacre désormais la plupart de son temps. Un artiste­ dont en entendra parler, pour sûr. 

Dans ce podcast, il se livre sur son approche de l’image, ses multiples références, son rapport à la couleur, son amour pour le Dye Transfer, ses livres et leurs conceptions… Il ne reste plus qu’à vous souhaiter une excellente écoute ! 

Merci à la galerie Nathalie Obadia pour le lieu d’enregistrement et la mise en relation.

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Pour aller plus loin

Caroline Champetier, Thomas Hardmeier, Henri Cartier-Bresson, Willy Ronis, Josef Koudelka, William Eggleston, Luigi Ghirri, André Kertész, Man Ray, Sonia Voss, Guy Bourdin, Caroline de Greef, Bettina Haneke (Laboratoire Dye Transfer), Illanit Illouz, Bernard Plossu, Sophie Letourneur, Cédric Anger, Alain Attal, Anne Rapczyk, Three Billboards : Les Panneaux de la vengeance  - Martin McDonagh, Coup de cœur - Francis Ford Coppola, Robert Frost, Clémentine Schneidermann, Lucile Boiron, Diana Markosian, Fred Stucin, Todd Hido, Peter Mitchell, Adrien Boyer, Martin Parr, Ute Mahler.

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On continue notre format passionnant appelé Focus sur les métiers autour de l'image et c'est à Thomas Sauvin de passer derrière notre micro.

Né en 1983, Thomas Sauvin a une pratique polymorphe : collectionneur, éditeur, artiste, commissaire d’exposition, « sauveur d’images ». 

Après avoir sillonné la Chine pendant plus de dix ans pour l’organisation et éditeur Archive of Modern Conflict basé à Londres, qui a pour mission de collecter et de préserver la photographie, il se lance dans une aventure hors du commun : récolter des négatifs abandonnés dans une zone de recyclage au nord de Pékin et destinés à être détruits. 

Il réalise l’un des travaux d’archive les plus colossaux et importants en Chine.

Thomas va nous parler de ce projet fascinant appelé Beijing Silvermine, de ses différents projets de livres, de son parcours et des multiples fonctions qu'il exerce aujourd’hui. Bonne écoute !

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« Avec du recul, le corps est le sujet principal de mon travail. C’est le corps qu’on maquille, qu’on costume, qu’on démultiplie, qu’on imite. C’est une matière infinie d’inspiration. L’humain aussi et la psychologie de certaines personnes. Je dirais que je suis aussi intéressée par les marges, les gens qui paraissent un peu hors-circuit, hors-normes, qui challengent ces normes ou qui n’ont pas peur de se montrer à côté de ce qu’on attend d’eux... »

Ces quelques mots sont tirés de ce huitième podcast dans un format Vision avec Estelle Hanania, photographe française de 41 ans, qui nous dévoile ici l’essence de son travail. 

Diplômée des Beaux-Arts de Paris et lauréate du prix de photographie du Festival de Hyères, récemment exposée à la MEP, Estelle Hanania ne peut pas être réduite à une seule forme artistique. Sa pratique se situe à la frontière de plusieurs territoires : photographie plasticienne, documentaire ou même de rue. Ces dernières années, elle crée différents projets qui jouent avec les perceptions des spectateurs : entre réalité et fiction et visible et invisible. Ses photographies sont complexes, mystérieuses, ésotériques, drôles parfois.

En parallèle, Estelle Hanania est représentée par l’agence M.A.P. et a une pratique de la photographie de mode, en lien avec l’esthétique et les sujets de son travail personnel. 

Dans ce podcast passionnant d'environ une heure, nous abordons avec elle différents sujets : ses livres, son parcours et son évolution, son intérêt premier pour les rites, costumes et folklore et ses diverses collaborations, notamment avec la chorégraphe Gisèle Vienne dernièrement… À vos écouteurs, casques, enceintes et bonne écoute !

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Pour aller plus loin

Les Krims, Abbas Kiarostami, Les Blank, Makala d’Emmanuel Gras, Danielle Jacqui, Cassandro « El Exotico », George Grosz, Masques des Alpes de Clemens Zerling, Scrapbooks (1969-1985) de Walter Pfeiffer, Casa de Lava de Pedro Costa, Le diable sucré de Christine Armengaud.

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Grande première pour le podcast, nous invitons notre premier duo de photographes : Elsa Parra et Johanna Benaïnous, artistes plasticiennes, photographes et réalisatrices !

Originaires respectivement du Pays basque et de Bretagne, Elsa & Johanna se rencontrent à la School of Visual Arts de New York. En 2015, elles se font connaître avec la série d'autoportraits, A Couple of Them, dans laquelle elles incarnent des personnages fictifs, occupant à la fois le rôle de modèles, de photographes, de stylistes et de scénographes. La mise en scène de soi devient un thème récurrent de leur travail personnel.

En 2016, les artistes sont invitées au Salon de Montrouge, sont finalistes du Prix HSBC pour la photographie et de la Bourse Révélation Emerige. Leur œuvre entre dans la collection du Fond d’Acquisition d’Art Contemporain de la Ville de Paris en 2018. Elsa & Johanna remportent le Prix du public au Festival de Hyères 2019 dans la section photo et sont finalistes du Prix Découverte Louis Roederer pour Les Rencontres d'Arles 2020. 

Pour cet entretien, Elsa & Johanna nous accueillent chaleureusement dans le 5ème arrondissement, juste avant le vernissage de leur dernière exposition à PhotoSaintGermain. Il s'en suit un échange riche où le duo nous livre entre autres leurs influences respectives, leur processus créatif singulier pour chaque série, leurs manières d’interpréter les personnages… Nous parlerons également de la sortie de leur nouveau livre Beyond the Shadows, publié aux éditions H2l2. Bonne écoute !

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Diane Arbus, Bruce Wrighton, David Hockney, Philip-Lorca diCorcia, Rineke Dijkstra, Jeff Wall, François Halard, William Eggleston, Martin Parr, Pedro Almodóvar.

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