Víve la fotografía

En este episodio contamos con un estupendo fotógrafo de bodas español Víctor Lax.

Más allá de los numerosos premios recibidos, nacionales e internacionales, Víctor Lax es una persona muy natural, un fotógrafo que reconvirtió su profesión de fotoperiodista a fotógrafo de bodas y que con mucho trabajo y buen hacer, se ha convertido, sin duda, en uno de los mejores fotógrafos de boda.

Puedes ver parte de su trabajo a través de su Web: http://www.victorlax.net

También te recuerdo que puedes participar en el reto fotográfico sobre un amanecer o un atardecer, hasta el próximo 2 de julio: https://theimagen.com/reto/15

(Minuto 3:23)

Víctor nació en un pueblecito de Huesca, Alcolea de Cinca, después ya se trasladó a en Zaragoza, donde vive actualmente.

En 2001 acabó estudios de fotografía y comenzó a trabajar como fotoperiodista, primero en el Periódico de Aragón, después también para la agencia EFE y otros medios.

Hasta 2008, cuando el sector se empezaba a complicar comenzó en el mundo de las bodas y ya en 2010-11 se dedicó a ello por completo.

Víctor ha ganado más de veinte premios en los últimos tres años, diez de ellos en 2016. El más destacado es el «Premio Fearless al Mejor Fotógrafo de Año» del famoso directorio “Fearless Photographer”, creado en EEUU y que reúne a más de 3000 fotógrafos.

Aunque, con humildad, nos aclara que estos premios sirven para tener reconocimiento pero que realmente hay que relativizarlos y que hay fotógrafos muy muy buenos que no obtienen premios, además de que económicamente de poco sirven estos premios.

(Minuto 7:41)

Víctor nos habla de que sus inicios en las bodas fueron por dinero, por sacarse un extra, pero que no pensaba dedicarse a este tipo de fotografía. Comenzó como ayudante de su amigo Pedro Etura, que ya tenía junto a otros socios un negocio bien establecido.

Pero poco a poco comenzó a ver qué se podía hacer un tipo de fotografía distinto al habitual en este tipo de fotografía. Aunque él era reacio porque ya estaba trabajando en la prensa y parecía que era bajar un escalón.

Tuvo la suerte de que su pasión por la fotografía tocó techo cuando comenzaba a hacer fotografía de bodas, lo que le enganchó más a la misma.

(Minuto 10:44)

Nos cuenta que efectivamente sus años en la prensa le sirvió para conocer bien el medio y tener el contacto con mucha gente, una escuela que considera muy positiva para él.

(Minuto 11:34)

Hablamos sobre lo que Víctor busca en sus fotografías, y nos cuenta que es captar el momento y jugar con los elementos.

También le pregunto sobre su trabajo en blanco y negro y color. Víctor nos indica que quizás un criterio para elegir uno u otro es que cuando en una fotografía hay más de 3 colores que no son complementarios y sabe que no va a funcionar, la trabaja en blanco y negro y otras veces tiene claro con qué trabajar desde el principio. Aunque hace mucho en blanco y negro, Víctor se considera un fotógrafo en color

(Minuto 14:17)

Le pregunto a Víctor por las obligaciones que requiere un negocio fotográfico de este tipo que va mucho más allá de hacer fotografías. Y efectivamente nos cuenta que es algo muy complicado, que hay que echarle muchas horas y hacer de todo.

Le recuerdo que en su charla en Fotogenio, el año pasado, comentó que su mujer le ayudaba mucho con el trato a los clientes, y nos confirma que así es, que le aporta muchas cosas que quizás como hombre no es capaz de ver y que pueden ayudar a distinguirse.

Aquí le hago llegar varias preguntas de los suscriptores del Blog (http://www.theimagen.com)

Javier Alonso García: Víctor Lax tiene un estilo propio muy definió ¿Cómo haces para convertir este estilo en pasión? ¿Qué hace que sus fotos transmitan pasión y se diferencien del resto de fotos de boda?

(Minuto 18:18)

Víctor cree que no cree que sea bueno decir cómo disparar, considera que lo mejor es plantearte cómo harías tú una fotografía, cómo la ves y cómo la ejecutarías, que confíes en esa visión.

Fran Socorro: ¿Cuál crees que es el material mínimo necesario para una persona que empieza y que pueda abordar con garantías esos primeros encargos?

(Minuto 21:07)

Nos cuenta que lo mínimo que él considera es: una cámara réflex (a ser posible Full Frame), con un 24-70mm, un flash y un emisor y receptor para dispararlo y quizás una lámpara led, además de una buena mochila.

Nos cuenta el material que suele llevar él junto con su mujer. Nos habla un poco sobre focales.

Víctor: Tiene 2 preguntas, la primera ¿Piensas tus fotografías antes de la toma, como captas el instante y lo transformas en una imagen cargada de sentido?

(Minuto 27:00)

En la actualidad nos dice que no suele pensarlas, que si intenta llevar las ideas claras y prepararse para contar una historia. Considera que es la forma de conseguir mejores fotografías, más que pensar en fotos concretas.

Antes de la boda si que averigua cosas de la pareja, su familia, e intenta ir a los lugares antes, no tanto para ver la luz, que puede cambiar, si no para ver distancias, buscar ya ciertos encuadres.

Víctor: Su segunda pregunta,  ¿algún consejo para tratar a la gente y perder un poco la timidez?

(Minuto 31:09)

Nos indica que él viene de un pueblo muy pequeño y que era muy tímido y que lo mejor es ponerse a ello cuanto antes, que la mejor escuela es la práctica.

Jóse Ramón Bañon: ¿Cómo llegaste a superar el miedo a hacer un reportaje tan especial y de que cualquier cosa fallara (tarjeta memoria, cámara, flashes, etc…) y las posibles consecuencias?

(Minuto 31:49)

Víctor nos dice que al principio le sudaban tanto las manos que le costaba sujetar la cámara. Que esos nervios están pero que la única forma es estar motivado y ponerse a ello, con la práctica se pierde ese miedo.

Vicente Martín

¿En qué otro tipo de fotografía te encuentras a gusto o realizado? ¿Qué otras disciplinas de la fotografía prácticas y qué te aportan?

(Minuto 33:48)

La fotografía de bodas le absorbe todo el tiempo pero la fotografía de calle es la que más le gusta, aparte de la fotografía de bodas.

Iván Ibanez Quirant: Tiene 2 preguntas, la primera ¿Cuál es el proceso de formación (según la opinión del entrevistado) que debe seguir un fotógrafo que quiera dedicarse a bodas?

(Minuto 35:03)

Nos indica que aunque haya cursos, cree que lo mejor es la práctica y recomienda comenzar como asistente, ya que estás viendo cómo funciona todo y en real.

Iván Ibanez Quirant: Su segunda pregunta, ¿Qué fotógrafos de boda son sus referentes?»

(Minuto 36:39)

Nos indica varios. En España quizás sus preferidos son: Virginia Gimeno, Susana Barbera, Pedro Etura y Marco Rojo. Y de países vecinos, cita al francés Fran Botunez, el italiano Andrea Corsi, y el mexicano Fer Juaristi, que es uno de sus preferidos.

Paqui Navarrete: Tiene 2 preguntas, la primera ¿Cómo consigues plasmar en tus fotografías esa esencia personal y única de la que hablas y que te identifica en tus fotos?

(Minuto 37:54)

Víctor nos indica que no sabría decir, que en cualquier caso es su forma de fotografiar, es su mejor solución de luz y momento, pero no deja de ser su interpretación, insiste en que no hay fórmulas que puedan servir para todos.

Paqui Navarrete: Su segunda pregunta, ¿En alguna ocasión una pareja te ha dicho, no realmente no era lo que queríamos no has acertado?

(Minuto 39:03)

Nos dice que por supuesto, que todos cometemos errores, y que a su tercera o cuarta boda le pasó, pero que realmente cree que se debió a que la novia no sabía exactamente qué tipo de fotos hacía él. En la actualidad con las entrevistas previas, etc, los clientes ya saben qué tipos de fotos se van a encontrar y evitan estas cosas.

(Minuto 41:50)

Le comento a Víctor un tema del que ya le escuché hablar a él sobre forzar determinado tipo de fotografías en las bodas: ir a determinados lugares, poses muy forzadas, etc. Víctor cuenta que él también lo ha hecho en ocasiones, pero que cree que es un error y es algo que no hace ya porque así lo ve él también.

(Minuto 44:10)

Nos dice que no lleva mucho tiempo y que debido a su falta de formación pedagógica le imponían bastante, que como ya tiene algo de experiencia ya se maneja mejor, pero él realmente se considera un fotógrafo y los cursos son algo accesorio.

En septiembre imparte un curso de un par de días en Madrid y con un enfoque siempre muy práctico, para abordar completamente una boda. En su Web se pueden ver las fechas concretas.

(Minuto 47:33)

Tienes muchas pero nos habla de una fotografía suya que se ve la silueta de la novia y su padre en la entrada de la iglesia pero donde no se ven, que le tiene un cariño especial (puedes verla aquí).

(Minuto 49:34)

Nos habla de varios fotógrafos: James Nachtwey, Robert Franck, Sebastiao Salgado, Steve Mc Curry, del mexicano Luis Garvan y del fotoperiodista español Daniel Ochoa De Olza.

Terminamos hablando un poco de la profesión y Víctor nos deja su visión personal y aconseja trabajo y trabajo y pide paciencia para que lleguen los resultados

Víctor Lax es un estupendo fotógrafo de bodas, el mejor a nivel internacional según “Fearless Photographer” Pero a pesar de los numerosos premios es una persona humilde y todo un currante. Puedes ver parte de su estupenda obra en: http://www.victorlax.net/

¿Qué te ha parecido la entrevista? ¿Conocías a Víctor Lax? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 79. Víctor Lax nos habla de la fotografía de boda se publicó primero en the imagen.

Estos meses de junio y julio son buenos meses para fotografiar la Vía Láctea y obtener estupendas fotografías nocturnas.

En este episodio te quiero dar unos consejos que me parecen interesantes para que puedas conseguir plasmar de la mejor forma posible este espectacular elemento de la naturaleza.

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre un amanecer o un atardecer: https://theimagen.com/reto/15

La Vía Láctea realmente se ve durante todo el año. Pero las fotografías nocturnas donde vemos la Vía Láctea que nos gustan lo que estamos viendo es el Centro galáctico, donde se condensan más estrellas.

En el hemisferio norte el Centro Galáctico es visible de marzo a octubre, pero cuando mejor se ve es desde finales de abril y a finales de julio, debido a que es visible por más tiempo durante la noche. De noviembre a febrero no puedes fotografiarla porque no es visible

Siendo junio y julio los meses con un tiempo de visibilidad máximo. Durante esta época del año, el Centro Galáctico es visible durante toda la noche.

Si vives en el hemisferio norte por encima de una latitud de +55° no podrás ver el Centro Galáctico. Aunque si una parte del núcleo.

En el hemisferio sur, el Centro Galáctico es visible un poco antes, de febrero a octubre, siendo los meses de junio y julio, cuando es visible durante más tiempo. No lo busques de noviembre a enero

El centro galáctico nunca lo veremos orientado hacia el norte, sino hacia el sur. En los meses más visibles, de mayo y julio irá del sureste al suroeste.

En cuanto a la inclinación, de marzo a mayo es más horizontal y a partir de mayo a julio es más vertical, a partir de julio sería casi totalmente vertical.

Para poder ver el mayor número de estrellas, se precisan de cielos despejados, sin nubes. Consulta el tiempo días antes, para intentar evitar esos días.

Cielos lo más oscuros posibles, sin luna (calendario lunar). 3-4 días entre la luna nueva.

Intenta visitar el sitio con antelación, puedes hacerlo de día cuando quieras para orientarte y ver hacia el sur qué se ve (puedes llevar un brújula si te orientas mal).

Si conoces la zona donde hay elementos de interés estupendo y si no la conoces te puedes ayudar de Google Earth y Google Maps.

Ya en el lugar si quieres saber dónde va a estar la Vía Láctea puedes ir unos días antes de noche o si tienes alguna aplicación con Photopills, pues puedes ver incluso por dónde saldrá con la simulación que realiza a través de la realidad aumentada.

Decide dónde colocar el Centro galáctico.

Incluye puntos de interés: árboles, edificios.

Puedes incluso iluminar la escena, lightpainting.

Aléjate de la contaminación lumínica, como te recomendaba con la luna, para tener cielos que se vean muchas estrellas

Como ya te he dicho debes usar un trípode y el modo de disparo manual, ya que vamos a tener que establecer nosotros todos los valores de disparo.

Para que las estrellas no se muevan tienes que usar tiempos de exposición en torno a 30 s.

Aunque realmente puedes usar la regla del 500 o del 600, que consiste en dividir 500 (o 600) entre la distancia focal equivalente en 35mm (Full Frame). Por ejemplo para mi Tokina 11-16 mm para APS-C el tiempo máximo para exponer sería = 500 / (11*1,6) = 28 s. Ese sería el tiempo máximo con mi objetivo para que las estrellas no dejen estela.

Configura ese tiempo máximo como tiempo de exposición.

Tendrás que utilizar valores de apertura de diafragma abiertos como f/2.8 o f/3.5, pon el diafragma más abierto que te permita tu objetivo.

El ISO te tendrás que mover en valores de unos 1600-3200 ISO, primero empieza con valores más bajos 800, por ejemplo y ve incrementando poco a poco, hasta conseguir la exposición correcta

Para el enfoque puedes usar la hiperfocal, como expliqué en el episodio 44 o si no tienes elementos cercanos enfocar a infinito, menos un pelín, suele funcionar bien

Y por supuesto, captura en RAW, para permitir un mejor revelado.

Conviene oscurecer el cielo y subir los blancos, los puntos de las estrellas para subir el contraste.

Te dejo el enlace a un videotutorial de Fernando Ortega, que lo tuvimos en el episodio 64, y ya nos habló de este videotutorial.

http://lightroom.fotonatura.org/2015/03/tutorial-de-revelado-de-via-lactea-con-lightroom/

Para inspirarte te recomiendo la obra de un fantástico fotógrafo estadounidense: Aaron Groen

En la agenda de hoy comento 4 noticias:

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Has fotografiado alguna vez la Vía Láctea? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 78. Consejos para fotografiar la Vía Láctea se publicó primero en the imagen.

Sandra Vallaure es una fotógrafa especializada en viajes y una Podcaster muy conocida por su estupendo Podcast de fotografía «Destino Sifakka«. Hoya charlo con ella de viajes, fotografía y mucho más

Blog y podcast de Sandra Vallaure «Destino Sifakka»: http://www.sifakka.com/blog

Sandra ha viajado  por cerca de 40 países y habla 4 idiomas, actualmente vive en Sevilla y ha vivido también en varios países.

Aparte de viajar tu otra pasión es la fotografía y eso te llevó a crear el Podcast sobre fotografía de viajes “Destino Sifakka”

Te recuerdo que para practicar puedes participar en el ejercicio que te propuse en el episodio 60 sobre crear una fotografía a partir de un texto, el texto es el siguiente:

Una mañana, sin embargo, al despertarnos, un profundo silencio se encargó de anunciarnos que también él se había marchado.

Julio LLamazares, La lluvia amarilla

Puedes enviar la fotografía a [email protected]

Y también a participar en el reto #15 sobre un amanecer o un atardecer, más información: https://theimagen.com/reto/15

(Minuto 4:22)

Le pregunto a Sandra si antes fueron los viajes o la fotografía. Me comenta que en su caso lo primero fueron los viajes. Que su padre por motivos de trabajo tuvo que vivir en otros países y pronto comenzó a viajar.

A su padre también le gustaba la fotografía y con 7 u 8 años le regaló una cámara Agfa, naturalmente analógica, que le servio para adentrarse en la fotografía.

En sus numerosos viajes, me supongo que Sandra habrá aprendido mucho, le pregunto a Sandra por la lección más importante que ha sacado de sus viajes.

Sandra me indica que pronto se dio cuenta de lo afortunada que era de haber nacido en un lugar donde se trata «casi» por igual a hombres y mujeres, algo que ha visto que no es así en muchas otras culturas. Charlamos un rato de este problema.

(Minuto 12:06)

Ahora que tenemos el verano por delante, todos viajamos más, le comento a Sandra que nos de unos consejos para fotografiar en nuestros viajes.

Nos comenta 2 fundamentales: no obsesionarse con el material (algo que te sonará jejeje) y otro es pensar con qué tipo de fotografías quieres volver, que sean variadas y se ajusten a lo que sentiste en el viaje.

(Minuto 17:48)

Sandra nos indica que como nunca viaja sola porque no le gusta, por lo que no le queda más remedio que llegar a un consenso con las personas que viaja.

Pero no le obsesiona no poder llevarse alguna foto que le gustaría porque es consciente de las limitaciones que tiene al viajar así y se queda con lo que ha podido capturar.

(Minuto 23:16)

A Sandra si que le gusta planificar bastante sus viajes, intenta empaparse todo lo que pueda del destino.

Lo hace para aprovechar al máximo sus viajes, aunque al final siempre hay que tener presente que habrá imprevistos y que hay que adaptarse.

(Minuto 25:15)

Cambió de una réflex a una cámara sin espejo una Sony A6000, por peso.

Suele llevar sus 3 objetivos: 16-70mm f/4, 10-18mm f/4 y un objetivo Sigma 35mm f/2.8. Además, un trípode, ya que se declara una enamorada de la hora azul

Los filtros suele llevárselos cuando va a hacer paisajes.

(Minuto 29:41)

El Podcast de Sandra no sólo habla de fotografía de viajes y le pregunto cuando supo que el formato audio era el formato que quería usar para llegar a los demás.

Nos cuenta que lo tenía muy claro desde el principio, que por las cualidades de los Podcast, que permiten su escucha haciendo otras cosas. Además, otros medios, como el vídeo le da pánico.

También le pregunto por la lección más importante que ha sacado de su Podcast, de tantas entrevistas a tan grandes fotógrafos. Y aunque me dice que es una pregunta difícil finalmente me indica que lo más importante seguramente es que «si quieres puedes», ya que ella era algo que veía imposible y que finalmente ha conseguido.

(Minuto 37:22)

Sandra asistió a este primer Congreso y como es algo que yo recomiendo asistir, a Congresos de fotografía, le pregunto sobre este evento.

Y la verdad es que Sandra logra ponernos los dientes muy muy largos por la oportunidad tan estupenda y la vivencia que ha tenido en este gran evento. Ha sido un evento súper intensivo fotografiando mano a mano con grandes fotógrafos.

Charlamos un buen rato sobre la gran oportunidad de acercarnos a grandes fotógrafos que tenemos con este tipo de iniciativas. Ya sabes que yo te aconsejo asistir a alguno de ellos al año

(Minuto 52:40)

Le comento a Sandra que nos hable un poco de este nuevo proyecto suyo del que me enteré hace muy poco, sobre visitas guiadas y fotográficas por Sevilla. Nos habla sobre el proyecto y nos cuenta que busca mostrar una Sevilla distinta, así como ayudar a aquellos fotógrafos que tienen dudas, etc.

La Web del proyecto: http://saruphototours.com

(Minuto 55:16)

Le pregunto por sus próximos viajes, por sus destinos pendientes. Y Sandra nos habla de:

(Minuto 56:20)

El libro que nos recomienda «La fotografía móvil» de Rodrigo Rivas.

Y sobre el fotógrafo Gonzalo Sáenz de Santa María, un fotógrafo de viajes que ha conocido recientemente, se pueden ver sus obras en su Web: www.phototravel.es

Sandra Vallaure es una apasionada de la fotografía, y más concretamente, de la fotografía de viajes, que además mantiene el Podcast de fotografía «Destino Sifakka». A través de su Blog y su Podcast quiere ayudar a fotógrafos como tú a conseguir imágenes durante tus viajes que le ayuden a conservar recuerdos imborrables.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Sandra Vallaure y su estupendo Podcast de fotografía? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 77. Emprendemos destino a Sifakka con Sandra Vallaure se publicó primero en the imagen.

Las horas mágicas son unos momentos de luz natural que son interesantes por la cualidad de la luz. En este episodio repaso estas horas mágicas, ahora que los días son muy largos y duran más.

También es una época en la que viajamos más y podemos hacer más fotografías

Más información y ejemplos en el Blog: https://theimagen.com/conoces-la-hora-dorada-azul-aprovecha-las-horas-magicas-tus-fotografias/

Te animo a dejarme tu valoración y reseña en iTunes para hacer más visible este programa, puedes hacerlo desde tu ordenador, tu iPhone o tu iPad, si no sabes bien cómo dejar estas valoraciones y reseñas aquí te lo explico https://theimagen.com/itunes

También te animo a participar en el reto #15: sobre amanecer o atardecer

Hay momentos del día con una luz especial, muy utilizados para la fotografía, el cine, etc. Esos momentos son los crepúsculos.

Y dentro de los crepúsculos, son conocidos ciertos momentos especiales llamadas horas mágicas: la hora dorada, por su dominante cálida, y la hora azul, por su dominante fría

En el amanecer después de la noche llega lo que se conoce como crepúsculo náutico, y tras este momento aparece la hora azul y la hora dorada.

Estas horas mágicas varían según la estación del año, lugar geográfico que nos encontremos y por supuesto de la meteorología y otras condiciones atmosféricas, como la niebla, bruma, etc. Para conocer la hora de aparición y la duración de estas horas hay distintas herramientas que puedes utilizar:

En estos momentos por ejemplo la hora dorada en España, a finales de junio, dura aproximadamente unos 40 minutos.

La hora dorada es el espacio de tiempo en que la luz del sol adquiere unos tonos cálidos, naranjados, teniendo una temperatura de color cálida.

Si el sol no se ha ocultado, se producen sombras alargadas algo que puedes aprovechar, al igual que los rayos del sol entre edificios, personas, etc.

Si el sol se acaba de ocultar, la luz es suave y difusa, una luz favorecedora generalmente para paisaje, retrato, etc.

La hora dorada es estupenda también para realizar contraluces muy bonitos, espectaculares.

Comento algunas cuestiones sobre la exposición y aconsejo usar reflectores y un trípode si el disparo se alarga.

Durante la hora azul el cielo tiene una tonalidad azul intenso y una temperatura de color fría.

Se produce cuando ya el sol se ha ocultado hace un momento y todavía quedan algunos tonos cálidos justo en el horizonte, pero pocos

Este momento de luz es muy interesante para la fotografía urbana, ya que la iluminación de las farolas suele ser cálida, y existe un buen contraste con el cielo azul. Aunque naturalmente por esa graduación de tonos entre cálidos y azules también es muy interesante para fotografía de paisaje.

Aconsejo usar en este hora un trípode para no utilizar ISOs altos.

Para aprovechar las dominantes de color cálido y frío de estos momentos especiales del día, aconsejo tener el balance de blancos en «Auto».

Aunque si disparas en formato RAW en el revelado puedes ajustar fácilmente la temperatura de color. Si disparas en JPEG si que es crítico este balance de blancos y mi consejo es usar:

En el Blog, puedes descargar unas acciones gratuitamente para potenciar estos efectos: https://theimagen.com/conoces-la-hora-dorada-azul-aprovecha-las-horas-magicas-tus-fotografias/

En la agenda de hoy comento 3 noticias:

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías estas horas de luz? ¿Sueles usarlas en tus fotografías? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 76. Saca provecho de las horas mágicas en tus fotografías se publicó primero en the imagen.

Hoy contamos con un fotógrafo experto en fotografía de estudio, iluminación y retrato que no es otro que Antonio Garci, un youtuber también muy conocido.

Hablamos sobre fotografía de estudio, dirección de modelos, material mínimo para empezar y mucho más durante un buen rato ;).

Su Web: http://www.garcifotografia.com/

Su Canal de Youtube: https://www.youtube.com/user/ledzep82

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre el enmarcado natural: https://theimagen.com/reto/14

(Minuto 4:05)

Antonio Garci se formó en la escuela EFTI (Centro Internacional de Fotografía y Cine) y después se estableció como fotógrafo en Madrid.

Actualmente compagina su trabajo como fotógrafo con la docencia. Su trabajo fotográfico se centra en la fotografía de estudio y retrato, buscando siempre ofrecer una visión personal y diferente.

En cuanto a la docencia, además de impartir sus propios talleres y cursos y forma parte de la escuela de fotografía Too Many Flash.

Y como no, además mantiene tu estupendo canal de Youtube, camino ya de los 60.000 suscriptores.

(Minuto 6:26)

Antonio Garci nunca se había planteado que se fuese a ganar la vida como fotógrafo, fue a través de un grupo de amigos que se aficionó cuando descubrió el mundo fotográfico. Aunque él ya tenía curiosidad por el mundo audiovisual.

Trabajaba como programador Web, algo ya conocía de Photoshop, y no tardó en engancharse en la fotografía.

(Minuto 8:18)

En la academia EFTI comenzó a tener contacto con modelos, a trabajar con la fotografía de estudio y allí lo vio claro.

Le apasionó la fotografía de moda y los grandes maestros clásicos.

(Minuto 10:12)

Antonio nos cuenta que se inició en la fotografía por los cacharros y se quedó por las personas El trato con los demás es algo que le gusta mucho.

Cree que algo muy importante en la dirección de modelos es la confianza en sí mismo, que por lo menos se transmita confianza, que transmitamos seguridad como fotógrafos.

Hablamos de la importancia de centrarse en una cosa cada vez, y tener las cosas claras sobre qué buscamos en las fotografías para ayudar al modelo a conseguir esa fotografía.

(Minuto 19:22)

Antonio cree que lo que busca es hablar de los demás, se ha movido en muchos ambientes, y le gusta ver todas las facetas de la gente.

En sus retratos intenta hablar de la belleza, de la mujer y su liberación. Quiere que sus fotografías no estén encorsetadas, que se expresen con libertad.

(Minuto 22:12)

Un suscriptor, Javier Alonso, me hizo llegar esta pregunta:

Antonio repasa el material básico que se puede utilizar: un pie de flash, una rótula, un flash de mano, unos disparadores y un paraguas es suficiente para empezar. Y también hablamos de las medidas que podría tener un estudio y también sobre como con algo básico, una sola luz, han fotografiado grandes maestros como Richard Avedon o Irving Penn.

Otra pregunta de Javier es:

(Minuto 29:55)

Antonio nos habla del libro «Iluminar, disparar y retocar» de Scott Kelby, un libro de la editorial Anaya que por desgracia está descatalogado. Nos comenta también el libro «Sin miedo al flash», de Jose Antonio Fernández, del que ya hemos hablado en este Podcast. También nos habla de varias plataformas de cursos por Internet como Udemy, Domestika o Creative Lights.

Otra pregunta de otro suscriptor, Miguel Ángel Gómez, es:

(Minuto 32:40)

Antonio explica de la forma mas sencilla esta suma de luces y cómo mediarlas por separado es algo aconsejable.

(Minuto 38:50)

Antonio nos cuenta que quizás creer que la luz es lineal, que su función es sólo iluminar, cuando cuando se juega con sus cualidades podemos intentar contar muchas más cosas.

Hablamos de cómo una buena iluminación juega con las luces y las sombras.

(Minuto 41:24)

Antonio sube un vídeo a la semana a su canal y el contenido es sobre iluminación en estudio, dirección de modelos y alguna que otra «review» de algún producto.

Intenta transmitir esa cultura del trabajo con flashes y modelos.

También hablamos de un nuevo canal en el que participa Antonio Garci junto a otros 15 fotógrafos y videógrafos, el canal Phototubers.

(Minuto 45:48)

Antonio nos dice que tiene 2 espinitas por falta de una… jejeje. Nos cuenta que está trabajando en un curso de iluminación más avanzado del que ya hizo para Domestika, centrado un poco en la fotografía «boudoir».

También nos habla de su trabajo «Body Rock» que le gustaría ver en una exposición algún día.

(Minuto 49:36)

Antonio nos habla de que utiliza dos formatos: las clases personalizadas de trabajos con él directamente y los talleres y cursos. Este año se ha movido más por la geografía española y piensa continuar más.

Nos habla de sus próximos destinos para sus cursos, puedes echar un vistazo a su Web si te interesa asistir a alguno de ellos.

Terminamos hablando de la importancia de la información y sobre el estupendo medio de expresión que es la fotografía

Antonio Garci es un fotógrafo de estudio y retrato, formador y con un conocido canal de Youtube donde habla de todo lo relacionado con estas disciplinas de la fotografía que le tienen enganchado. Su Web: http://www.garcifotografia.com/  y su canal en Youtube: https://www.youtube.com/user/ledzep82

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Antonio Garci y su canal de Yotube? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 75. Fotografía de estudio con Antonio Garci se publicó primero en the imagen.

En este episodio te quiero hablar del uso que tienen los filtros en tus objetivos, algo que puede cambiar mucho tus fotografías.

Seguro que conoces los filtros de los programas y las aplicaciones como Instagram, pero ¿sabes qué son los filtros para tu cámara de fotos? A ello dedico este episodio.

Para practicar te recuerdo que puedes participar en el reto #14 sobre «enmarcado natural»: https://theimagen.com/reto/14

También te recuerdo el ejercicio de convertir un texto en una imagen del episodio 60

La cita de hoy es:

Hay siempre dos personas en cada cuadro: el fotógrafo y el espectador.

Ansel Adams

Los filtros, como su nombre lo indica, son accesorios que se colocan delante del objetivo con la finalidad de modificar la luz que entra en la cámara.

Hoy día, con la fotografía digital, muchos de los efectos sobre la fotografía que puedes conseguir con estos filtros se puede “imitar” mediante los programas de revelado o edición, aunque no todos, por eso siguen siendo útiles.

La ventaja fundamental es que ya desde el momento de la toma estás ajustando la luz que captura la cámara, por lo que estarás mucho más cerca de conseguir las fotografías que tanto te gustan, reduciendo mucho el tiempo de revelado o edición posterior.

Básicamente te vas a encontrar con 2 formatos: los circulares y los cuadrados o rectangulares.

Se enroscan al objetivo y tienen que ser del mismo diámetro que el objetivo. Su principal ventaja es que al anclarse tan cerca de las lentes exteriores del objetivo produce pocos efectos indeseados, como viñeteos.

Cara solucionar el problema del cambio de diámetro entre objetivo comento el tema de los anillos adaptadores.

Se montan en un portafiltros tienen la ventaja de que se pueden reutilizar más para los distintos tamaños de tus objetivos y además permiten más movimientos de los filtros, facilitan la colocación de varios, etc.

Este tipo de filtros suelen ser más polivalentes, y sólo requieren un anillo adaptador por tamaño de objetivo distinto para poner el portafiltros. Como desventaja suelen afectar más al viñeteo, etc.

Este tipo de filtros absorben los rayos UV sin alterar la gama cromática de las fotos. Se suelen utilizar para proteger los objetivos ya que su efecto en la fotografía casi es despreciable.

Si lo usas que sea de calidad, aunque no es un filtro que recomiende hoy día.

Los filtros polarizadores se caracterizan por dejar pasar únicamente la luz polarizada. Consiguen así reducir los reflejos en algunas superficies metálicas, de cristal o de agua, realzar el azul del cielo en contraste con el blanco de las nubes y el color de las plantas.

En general elevan el contraste y son circulares porque su efecto cambia con el giro. También se aconseja posicionarse con un cierto ángulo con respecto a la luz que se desea eliminar el brillo, ya que si es totalmente frontal no tiene efecto.

Estos filtros no tienen efecto alguno sobre el color de la escena, ya que su principal utilidad es la de reducir considerablemente la cantidad de luz que llega al sensor. Esto permite utilizar una velocidad de obturación menor, alargando los tiempos de exposición.

Algo que se utiliza para crear el efecto seda en el agua o esas nubes que dejan largos rastros.

Un filtro ND2 reduce 1 paso la luz disponible, un ND4 dos pasos, un ND8 3 pasos, ND16, 4 pasos y algunos especiales un ND400 entre 8 y 9 pasos, el ND1000, sobre 10 pasos de luz.

Comento también los filtros ND variables, que se usan sobre todo en vídeo.

Comento el caso especial y muy interesante de los filtros ND degradados, y recomiendo el 0.9ND de 3 pasos.

Comento los filtros infrarrojos y los filtros de colores, como ejemplos de otro tipo de filtros que también se suelen usar.

Realmente existen infinidad de filtros..

Empieza poco a poco, mi consejo para empezar:

Sobre precios huye de los que sean muy económicos, porque seguramente no te servirán.

De resina comento como marca interesante los filtros de Hitech.

De cristal hay más marcas como Lee, B+W, que son muy buenas y comento también Zomei y Haida, como marcas más económicas que están muy bien.

Comento estas noticias:

¿Qué te parece este episodio? ¿Sueles usar filtros? ¿Conoces sus efectos? Déjame un comentario y hablamos. Y si te ha gustado genial si compartes esta práctica en las redes sociales, así llegará a más gente.

La entrada 74. Dale vidilla a tus fotografías con los filtros se publicó primero en the imagen.

Nuevo episodio donde voy a responder varias de las preguntas que me van llegando. En esta ocasión hablo de enfoque en vídeo, tabletas, equipo para un bautizo, fotografiar la luna y trípodes.

Cita del episodio:

La fotografía es un secreto de un secreto. Cuanto mas te dice, menos sabes.

Diane Arbus

Antes de empezar tengo para ti varios recordatorios:

Te recuerdo el reto fotográfico #14: Enmarcado natural – hasta el 18 de junio (inclusive): https://theimagen.com/reto/14

El ejercicio que te proponía convertir un texto a una imagen (PENSAR), en el episodio 60.

Te voy a pedir un favor, si sueles usar iTunes o App Podcasts, he creado una página para explicarte cómo hacer una reseña desde tu ordenador, tu móvil o iPad: https://theimagen.com/resena-itunes/

César me pregunta sobre un artilugio casero que utilizo en el vídeo sobre la fotografía de «Feliz 2017» (https://www.youtube.com/watch?v=cavCED5RYk4) para mover el enfoque.

Le explico cómo hice ese artilugio casero, pero la verdad se pueden encontrar fácilmente por Internet y es económico, se llama «anillo de enfoque» o «follow focus».

José Antonio quiere comprarse una tableta como usar Photoshop y Lightroom y me pide consejo. Le indico que para fotografía no es necesario que sea grande, le recomiendo marcas conocidas, como Wacom o Genius y repaso algunas cuestiones sobre su uso.

José Antonio también me comentó otra duda sobre fotografiar la luna, para que saliese con la mayor calidad  posible.

Le recomiendo usar la apertura del punto dulce de su objetivo, para aprovechar al máximo su calidad y si quiere asegurarse de maximizar la profundidad de campo usar la hiperfocal, como ya expliqué en el episodio 44.

Ana me pregunta sobre su equipo para unas fotos de un bautizo a unos amigos que va a hacer. Hablo del uso del flash, de las focales y de algunos otros aspectos. Recomendación, revisa siempre todo antes de salir

Pruden de Asturias me hace llegar dos informaciones interesantes:

¿Qué te ha parecido el episodio? Hazme llegar tus dudas y comentarios también. Y si te parece interesante, encantado si lo compartes en tus redes, para que otras personas sean conscientes de estos problemas y puedan ponerles remedio 

La entrada 73. Preguntas y respuestas: enfoque en vídeo, tabletas, … se publicó primero en the imagen.

En este episodio quiero hablarte de una práctica curiosa que más allá de su aplicación práctica, creo que te puede venir estupendamente para entender varios aspectos de tu cámara y sobre iluminación.

Te puede venir genial para entender cómo funciona el balance de blancos en tu cámara y otros temas de iluminación.

Más información y ejemplos en el Blog: https://theimagen.com/practica/10

La noche americana es una técnica de iluminación utilizada para simular una ambientación nocturna en una escena que sin embargo está rodada a plena luz del día, originaría de Estados Unidos en los años 70, utilizada por la dificultad de rodar por la noche.

El primer paso será tener menos luz, para acercarte a lanoche. Debes subexponer la fotografía -2 o -3EV, pasos de luz.

El segundo paso será enfriar la temperatura de color de la luz. Pon un balance de blancos cálido, para que la cámara ponga un filtro interno «frío» ¿Por qué? Porque la cámara actúa así, si me dices que hay un tono cálido en la escena, pues pongo un filtro frío y contrarresto esa dominancia de color, obteniendo colores “neutros”.

Pon en tu cámara un balance de blancos cálido, por ejemplo “tungsteno” o si puede elegir la temperatura, que sea de unos 2700-3200 K. Por si no lo sabes la escala de temperatura Kelvin va al revés, a menos Kelvin más calor, a más Kelvin, por ejemplo 8000 K, más frío

El último paso será iluminar la escena con una luz cálida que aporte luz al primer plano y contrarrestar esta dominante fría de la imagen.

La luz la puedes aportar luz con un flash de mano o con el flash integrado de la cámara.

Para hacerla cálida mejor es usar un filtro o gel cálido, conocidos como CTO (del inglés Color Temperature Orange) y colocarlo delante del flash.  Si no tienes un filtro así puedes hacerte uno con papel celofan naranja, que sea bastante claro.

Ejemplos en el Blog: https://theimagen.com/practica/10

Si no tienes un flash de mano y tienes una luz muy potente como una linterna o un foco de obra, por ejemplo, también puedes usarlo.

Para prácticar, te recuerdo el reto #13 de encontrar caritas: https://theimagen.com/reto/13 y también el ejercicio de convertir un texto en una fotografía que te propuse en el episodio 60.

¡Venga anímate a practicar y a disfrutar de la fotografía!

¿Qué te parece este episodio? ¿Conocías esta técnica? Déjame un comentario y hablamos. Y si te ha gustado genial si compartes esta práctica en las redes sociales, así llegará a más gente.

La entrada 72. Práctica divertida: la noche americana se publicó primero en the imagen.

En este episodio vamos a hablar de composición, de las famosas «reglas» de composición, y cómo tenerlas presente en el momento de la captura

Cita del episodio (nueva iniciativa):

Quiero hacer retratos tan intensos como las personas.

Richard Avedon

Antes de empezar tengo para ti varios recordatorios:

Te recuerdo el reto fotográfico #13: Encuentra una “carita” – hasta el 4 de junio (inclusive): https://theimagen.com/reto/13

El ejercicio que te proponía convertir un texto a una imagen (PENSAR), en el episodio 60, que dice así:

Una mañana, sin embargo, al despertarnos, un profundo silencio se encargó de anunciarnos que también él se había marchado. (Julio Llamazares, La lluvia amarilla)

Te recuerdo también la quedada que te propuse, puedes dejar tu preferencia en: https://theimagen.com/quedada/

Te voy a pedir un favor, si sueles usar iTunes o App Podcasts, he creado una página para explicarte cómo hacer una reseña desde tu ordenador, tu móvil o iPad: https://theimagen.com/resena-itunes/

Seguro que ya conoces la regla de los tercios, esa división horizontal y vertical en tercios de la imagen, y cuyos puntos de corte crear unos puntos de interés donde en teoría es conveniente situar los elementos de interés en la imagen.

De esta regla se derivan otra: regla del horizonte, regla de la mirada o espacio activo

En el episodio hablo de esta regla y a partir de un artículo del gran fotógrafo José Benito Ruiz, donde habla de hasta 9 proporciones distintas (http://josebruiz.com/blog/las-proporciones-mas-utilizadas-en-fotografia/)

En este estupendo artículo, José Benito Ruiz compara varias proporciones desde la que otorga una proporción de 10% – 90% entre el cielo y la tierra, conocida como proporción Sturgeon, hasta la proporción Tatami, de origen Japonés, 50%-50%, centra el horizonte.

Pasando por esa división en tercios que es la “regla de los tercios”, y por la proporción Aurea.

Pero la división en tercios es UNA MÁS, no la única o la mejor. Cuando utilizar una u otra dependerá del peso y la relación que queramos mostrar.

La otra regla derivada de los tercios es la regla de la mirada o espacio activo, que propone que todo animal, ser humano u objeto tenga espacio libre en la dirección que mira o se mueve.

Parece natural dejar espacio a un sujeto en movimiento, y la mirada es un elemento que nos llama mucho la atención. Pero naturalmente no tiene por qué utilizarse un tercio para posicionar siempre a un sujeto en movimiento o la mirada de una persona.

Pruden de Asturias me hace llegar dos informaciones interesantes:

Antonio Ortega, otro oyente me ha dado a conocer esta interesante Web:

Exposición de Médicos sin Fronteras “De la Acción a la Palabra”, está en el CentroCentro Palacio de Cibeles (Madrid), abierta hasta el próximo 17 de septiembre, con entrada gratuita: https://www.albedomedia.com/cultura/estado-del-arte/de-la-accion-a-la-palabra-msf-en-madrid/

Comento también un dispositivo para conseguir la imagen perfecta, según su inventor Ryan Stout, llamado «Arsenal«, que es capaz de reconocer muchos tipos de escena y aplicar los ajustes óptimos en cada ocasión, jugando con hasta 18 parámetros diferentes.

Es capaz de ajustar correctamente la exposición, indicarte la focal más adecuado, unir varias imágenes para mejorar el resultado, hacer timelapse, etc. De momento sólo un proyecto, que podría estar disponibles a principios de 2018.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Sueles aplicar así las reglas de composición? Déjame un comentario y cuéntame qué te parecen. Y si te parece interesante, encantado si lo compartes en tus redes, para que otras personas sean conscientes de estos problemas y puedan ponerles remedio 

La entrada 71. Sobre ¿las reglas de composición? se publicó primero en the imagen.

Si en el episodio anterior, el episodio 69, te comentaba las razones más importantes que pueden hacer que no consigas avanzar adecuadamente en tu aprendizaje, en este episodio quiero que conozcas los riesgos que no solucionar alguno de esos problemas si es que crees que puedes sufrir alguno de ellos 

Como sabes es fundamental aprender de los grandes maestros de la fotografía y hoy también quiero hablarte de un fotógrafo clásico, Edward Steichen, y un libro que recoge la estupenda exposición que dirigió en 1955 y que influyó mucho en la fotografía, «La familia del hombre«.

Los riesgos que te quiero comentar son fruto de mi experiencia como fotógrafo y como formador, y mi intención es que no caigas en ellos

Este es el primer riesgo que te advertía en el artículo del lunes, que te acabo de comentar, no conseguir esas fotografías que tanto te gustan, los objetivos que te hayas fijado.

Como te insisto, la fotografía es un camino y no vas a ser un estupendo fotógrafo o conseguir esos objetivos de la noche a la mañana.

Pero si enfocas bien tu camino de aprendizaje, claro que puedes obtener las fotografías que buscas, que te gustaría conseguir.

En cambio, si no enfocas bien ese camino, puede que nunca llegues a conseguir esas fotografías u objetivos.

Lo que puede hacerte creer erróneamente que no eres capaz de conseguir los resultados que buscas.

Como he perdido mucho tiempo inútilmente, no me gustaría que perdieses el tiempo en cuestiones que no te van a hacer mejor fotógrafo.

Las cámaras y demás cacharreo, son herramientas necesarias y nada más. Todos tus esfuerzos tienen que ir orientados al conocimiento del lenguaje visual, de las posibilidades expresivas y creativas de la fotografía.

Hay infinidad de material fotográfico, de distintas calidades y precios, y como sabes no es especialmente barato. De ese abanico tienes que saber cuál es el más adecuado para ti, si no quieres malgastar tu dinero.

No se trata de comprar la «mejor» cámara, que pensamos que es la más cara, ya que puede que esa no sea la que necesitas, y lejos de ayudarte puede hacerte que no disfrutes de la fotografía.

Si no consigues avanzar lo suficiente, no has comprado el material correcto o ves que tus fotografías no progresan mucho, puedes pensar que la fotografía es algo muy complicado y que las buenas fotografías están reservadas a los profesionales, a otras personas y que la fotografía no es lo tuyo.

A esta situación no ayudan en nada comentarios poco acertados de otras personas o críticos sin más, sin espíritu constructivo. Esos comentarios pueden hacerte sentir mal y que empieces a dudar de tus posibilidades. Si no recibes estímulos positivos de tu hobby, de tu pasión, puedes desmotivarte rápidamente.

Todo lo anterior o parte de ello, puede conducirte a “colgar su cámara”, que la guardes en un armario y ahí se quede guardada. Ese es mi principal temor

Te comento este riesgo porque conozco personas que unos meses después de adquirir su flamante cámara, acaban desmotivadas.

Por desgracia, no han visto que sus esfuerzos condujeses a mucho y se han cansado, sin llegar a ver el potencial de la fotografía, y de su creatividad.

En el episodio 69 te comenté los aspectos en los que puedes estar fallando.

Ahora tienes claro que el problema no eres tú, ni tu cámara, ni los medios que tengas… si no la forma en las que estás avanzando, hacia dónde te han dicho o has ido viendo, que tenías que dirigir tus esfuerzos para conseguir mejores resultados.

Si te gusta la fotografía y quieres mejorar, no tires la toalla, no abandones, todavía estás a tiempo de reaccionar y cambiar aquello que consideres.

Quiero que sepas que no estás solo en tu camino de aprendizaje 

¡Tú puedes conseguir las fotografías que te propongas!

Edward Steichen fue un fotógrafo, nacido en 1879 en Luxemburgo; falleció en 1973 en EEUU.

Con dos años emigra con su familia a los Estados Unidos de América y a los 16 comenzó a fotografiar.

Perteneció al movimiento Photo-Secession el cual tenía la intención de elevar la fotografía como un medio artístico en sí mismo, sin necesidad de imitación a otras artes.

Durante la primera guerra mundial se dedicó en ella como fotógrafo.

Más tarde trabajó para las prestigiosas revistas de moda Vanity Fair y Vogue y durante la segunda guerra mundial dirigió la sección de fotografía de la marina Estadounidense.

Después pasó a dirigir la sección de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).

Su obra destaca por su delicadeza y por su carácter íntimo. Y además de su obra, su aportación más importante a la fotografía es la exposición «The Family of Man» que dirigió para el MoMA en 1955.

El libro que te recomiendo es el que recoge la obra de la exposición del mismo nombre.

Esta exposición es el punto culminante de la fotografía «humanista» surgida tras la Segunda Guerra Mundial.

El promotor de la misma fue el fotógrafo Edward Steichen, que junto con su ayudante Wayne Miller visionaron durante tres años más de dos millones de fotografías.

La exposición reúne 503 fotografías en blanco y negro de 273 fotógrafos de 68 países, tanto profesionales como aficionados, famosos y desconocidos.

Fue una exposición muy novedosa, con un diseño atractivo. Y la misma ofrece un retrato de la humanidad, poniendo el foco en todo lo que nos une, en esa pertenencia a la familia humana.

La exposición fue todo un éxito y en nueve años recibió más de nueve millones de visitantes. En 1964 Steichen solicitó al gobierno de EEUU su traslado a Luxemburgo, su país natal donde se encuentra actualmente.

El libro recoge las obras de la exposición y tiene un precio comedido, algo más de 20€.

¿Crees que estos riesgos son reales? ¿Crees que son importantes? Déjame un comentario y cuéntame qué te parecen. Y si te parecen interesantes, encantado si lo compartes en tus redes, para que otras personas sean conscientes de estos problemas y puedan ponerles remedio 

La entrada 70. Pon buen rumbo en tu aprendizaje, el fotógrafo Edward Steichen y libro recomendado se publicó primero en the imagen.