Víve la fotografía

Ya que me han ido llegando últimamente bastantes comentarios con dudas sobre los trípodes he pensado que sería interesante ver cuales serían las cualidades más importantes que se le podrían pedir a un trípode, qué tipo de rótulas (la pieza que sirve para sujetar y mover la cámara en el trípode).

El trípode seguramente es la primera compra que te aconsejo después de tu cámara. Por no mucho dinero, a partir de unos 100€, te da unas posibilidades que no puedes despreciar.

Ya sabes que a velocidades por debajo de 1/60 s hay mucho riesgo de que tus fotografías salgan movidas, trepidadas.

Qué nos permite usar un trípode:

Pues básicamente dos cosas:

Tal y como comento, tendrás que llegar a un compromiso entre peso y estabilidad. Un trípode de unos 2 Kg. de peso ya es bastante estable.

En el episodio también comento distintos tipos de trípodes:

En el episodio comento sus partes más destacadas:

Siempre te recomiendo que las patas se puedan abrir completamente, no te compres un trípode de los que llevan las patas unidas con una pieza central ya que van a limitar mucho el uso que le das a trípode.

Básicamente existen 3 tipos de rótulas:

A parte del peso, que ya hemos comentado, puedes tener en cuanta la altura máxima a la que llega una vez desplegado. Si eres una persona alta trabajarás más cómodo con un trípode que permita elevarse más, pero también será un trípode más pesado y abultado.

La otra cosa que te aconsejo que tengas en cuanta es el volumen que ocupa una vez plegado. Está claro que a menor volumen mejor, ya que siempre lo podrás transportar mejor.

Si viajas mucho es algo a tener en cuanta.

Algunos soportes adicionales que comento son los «clamp» o «pinzas» (como la Manfrotto Superclamp 035) y los pie de flash.

Estos 3 trípodes para empezar están bien y su calidad/precio es muy interesante (te dejo el enlace de Amazon por si quieres echarles un vistazo):

Y anímate a participar en el reto de la semana, más información: https://theimagen.com/reto/reto-la-semana-1-invierno/

¿Qué te ha parecido este episodio? ¿Se me olvida algo? ¿Estás de acuerdo conmigo? Déjame tu opinión. Y si dejas un “Me gusta” en Ivoox, tu valoración en iTunes, te suscribes al canal o compartes en las redes este Podcast seguro que me sacas una sonrisa de oreja a oreja :).

La entrada 39. De trípodes y rótulas se publicó primero en the imagen.

En este episodio intento dar respuesta o aportar algo de luz sobre esta pregunta, que seguro que te has hecho varias ocasiones.

Más información en el Blog: https://theimagen.com/sabes-cuando-usar-blanco-y-negro-o-color-en-tus-fotografias/

Me gustaría saber tu opinión, déjate un comentario y cuéntame tu opinión al respecto .

Aunque la mayoría de las cámaras digitales permiten configurarlas para capturar en blanco y negro. Pero no es buena idea capturar ya en blanco y negro, porque si después quieres cambiar de idea no podrás hacerlo.

Sin embargo, una imagen en color se puede cambiar a blanco y negro fácilmente. Además tendrás el control del proceso.

Al igual que eliges un encuadre determinado, que eliges un formato (vertical u horizontal), eliges una focal determinada, etc., elegir si usas o no el color en tus fotografías es otra decisión básica.

En este sentido insisto en que debes intentar ser cada vez más consciente de los colores que ves por tu visor o en el LCD de la pantalla de tu cámara. Solo así irás tomando mayor control sobre el color

Comento que el color transmite diferentes sentimientos o emociones y saber cómo actúa en nuestras fotografías, hará que sepamos cómo usarlo para transmitir aquello que quieres en tus fotografías.

Recuerda, para mejorar nuestras fotografías algo fundamental es tener intención. Si sabes qué buscas, estarás más cerca de poder encontrarlo.

Y como vemos el mundo en color, usar el blanco y negro, nos resulta más extraño y puede retener más la mirada sobre nuestras fotografías.

Además, al eliminar el color se centra más la atención a otros elementos y puede ser esto lo que nos interese.

En el episodio comento que la principal razón es que el color transmite emociones y sentimientos, por lo tanto es un elemento que podemos usar.

También comento sobre el modelo de color que utilizan los dispositivos digitales, que es RGB. Todas las cámaras capturan los colores usando el modelo RGB, por lo que nos centraremos aquí en él.

En este modelo los colores primarios son rojo, verde y azul y los secundarios son el cian, magenta y amarillo.

Conocerlos para combinarlos es algo muy interesante.

Hago un repaso a lo que transmiten varios colores, como los primarios. Debemos usar esto en nuestras fotografías.

Comento también algunos aspectos prácticos interesantes para aplicar desde ya a tus fotografías son:

El principal problema al usar el color es utilizarlo sin mucho criterio y meter muchos colores, lo que suele distraer la atención.

Y una máxima en fotografía que debes conocer, lo que no suma, generalmente resta.

Mi consejo, comienza usando colores de forma controlada, primero un color, después dos, etc.

El blanco y negro simplifica, ya que elimina la variable color de las fotografías.

Al eliminar el color, se centra más la atención en otros elementos como son:

También comento unos cuantos fotógrafos que son referentes en el manejo del color y el blanco y negro.

Existen muchísimos fotógrafos que han manejado y  manejan con maestría el blanco y negro.

Aquí tienes cinco de los más conocidos:

Aquí te indico algunos de los más fotógrafos referentes en el uso del color:

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La entrada 38. ¿Sabes cuándo usar blanco y negro o color en tus fotografías? se publicó primero en the imagen.

En este episodio voy a repasar varias preguntas que me han ido llegando sobre el uso del flash de mano y he pensado que sería interesante verlas juntas sobre esta temática.

Y también voy a hablarte de un estupendo libro del uso del flash.

Más información: https://theimagen.com/podcast/37

La primera pregunta es de Lucía  y es sobre qué flash le recomiendo entre dos flashes, el Neewer NW985C (que recomendé en el episodio 20) y el Neewer NW670.

La diferencia entre los dos era que uno llevaba alta velocidad de sincronía y no. Esto me sirve para hacer un repaso a las funcionalidades básicas de un flash de mano.

Repaso las características más importantes, como son: el número guía, los modos de disparo, el zoom, el tiempo de reciclaje y la alta velocidad de sincronía.

Más información en el episodio 20 o en el Blog (https://theimagen.com/guia/superar-miedo-al-flash/flash-me-compro-guia-definitiva/)

La segunda pregunta de Javier, que se acababa de comprar un flash Yongnuo YN-568EX me preguntaba cómo separarlo de su cámara Nikon D3200.

El flash directamente disparado de la cámara provoca una luz frontal poco favorecedora, por eso es útil separarlo de la cámara.

En el Episodio 14 ya hablé de cómo mejorar su luz aún sin separarlo de la cámara, rebotando la luz al techo o a una pared.

Puedes revisar este tema también en el Blog: https://theimagen.com/guia/superar-miedo-al-flash/

Para separar el flash de la cámara puedes hacerlo de varias formas, unos te conservan los automatismos y otros no. A Javier le aconsejé los disparadores por radio (inalámbricos), en concreto los que son manuales (se pierden los automatismos) Yongnuo RF-603 que valen para Canon, Nikon, etc.

Si se compran estos disparadores que conserven los automatismos (TTL, alta velocidad de sincronía, …) debes tener cuidado en que sean compatibles con tu cámara.

La tercera pregunta de Ana  va sobre comprar otro flash (ya tiene uno) para poder seguir esquemas de iluminación que usen varios flashes.

Mi consejo es que  no se complique, que empiece por una luz y que poco a poco cuando la domine pase a más luces. Mejor invertir modificadores de luz que te permiten controlar mejor la luz.

El libro en cuestión es «Sin miedo al flash» de José Antonio Fernández.

El libro consta de 9 capítulos, 7 muy profundos sobre el manejo flash, un capítulo sobre esquemas de luz interesantes y un último capítulo llamado «Resultados asombrosos» con ejemplos explicados.

Páginas: más de 250 páginas

Editorial: JdeJ Editores

Lo puedes encontrar aquí: http://amzn.to/2ilmtEN

El libro es muy ameno de leer, con muchas imágenes de apoyo, gráficos, etc. Vamos un imprescindible.

José Antonio Fernández es un prestigioso fotógrafo profesional, experto en iluminación que ha obtenido numerosos reconocimientos en concursos internacionales. Entre los galardones nacionales, destacan 10 Premios Lux (Premios Nacionales de Fotografía Profesional).

Es un estupendo formador y codirector de la escuela de fotografía La Máquina, situada en Madrid.

¿Qué te ha parecido este capítulo? ¿Conoces el libro? Déjame un comentario y cuéntame. Y si dejas un “Me gusta” en Ivoox, tu valoración en iTunes, te suscribes al canal o compartes en las redes este Podcast seguro que me sacas una sonrisa de oreja a oreja :).

La entrada 37. Preguntas sobre el flash y un estupendo libro recomendado se publicó primero en the imagen.

¿Te imaginas terminar este nuevo año haciendo mejores fotografías?

A mí desde luego me encantaría. Por eso, te voy a recomendar una serie de acciones o pasos que estoy seguro te ayudarán a conseguirlo.

Si los llevas a cabo, avanzarás mucho en tu aprendizaje fotográfico ¿te animas?

Más información en el Blog: https://theimagen.com/podcast/36

Si no controlas completamente tu cámara tienes que conseguirlo: Tendrás confianza en ti mismo y estarás listo para el momento de disparar.

Debes controlar completamente lo básico: la apertura del diafragma, tiempo de exposición e ISO. Si no lo controlas bien recuerda mi curso gratuito (https://theimagen.com/curso-basico/).

Si controlas todo lo básico, pero sigues teniendo aspectos que no terminas de controlar, deberías ponerle remedio.

La práctica es fundamental para ir cogiendo soltura con tu cámara y no tener dudas a la hora de disparar.

En el episodio te propongo practicar todos los días, aunque sea 5 minutos. Puedes hacerlo en casa, lo importante es que cojas tu cámara, pruebes a cambiar de modos, etc.

El objetivo es tener esa soltura técnica necesaria con nuestra cámara, para cuando nos haga falta.

Aquí, el magnífico profesor de fotografía Oscar Colorado nos propone un estupendo y completo método para coger esta rutina, el PhotoGym.

Y para practicar he pensado poner en marcha el reto de la semana. Una actividad que se realiza en muchos grupos de fotografía para forzarse un poco a fotografiar ¡Anímate a participar!

Si sigues este Podcast o el Blog asociado (theimagen.com) sabrás la importancia que le doy a la formación, frente a otras inversiones, como puede ser ampliar nuestro material.

Un buen libro de fotografía es una estupenda y económica forma de seguir aprendiendo. Aquí vamos viendo varios libros interesantes.

Y algo muy importante, es que no se centren sólo en la técnica.

Como te comento puedes aprender muchísimo de sus obras, de su forma de trabajar, etc. Y además, pueden servirte de inspiración.

Te propongo que cada mes intentes estudiar a un fotógrafo clásico y otro más contemporáneo. Al cabo del año tendrás la referencia de 24 grandes fotógrafos.

Debes averiguar una pequeña biografía suya, revisar todas las fotografías suyas que encuentres por Internet o en libros. Y si puedes indagar un poco en su forma de trabajo, también te tendrá genial.

He creado una plantilla anual para imprimir y facilitarte la tarea, descárgala aquí: https://theimagen.com/7-acciones-crecer-fotografo-2017/

En esta plantilla también he añadido un listado de 100 fotógrafos referentes clásicos y actuales, para facilitarte la tarea de investigación .

Te comento que visitar exposiciones de estos grandes maestros y ver su obra a gran tamaño es una actividad muy enriquecedora.

También te aconsejo llevar siempre un cuaderno encima para tomar notas de tus ideas, de tus sensaciones, etc. cuando visites estas exposiciones.

En todos los lugares se celebran eventos y festivales de fotografía a los que suelen acudir grandes fotógrafos, se dan charlas, se realizan exposiciones, etc.

En España alguno de estos festivales más famosos son:

Otros eventos de fotografía en España son PhotOn (Valencia), GextoPhoto (Gexto, País Vasco), Congreso Nacional de Fotografía y Vídeo de Asturias (Gijón, Asturias), Formentera Fotográfica (Islas Baleares), Pa-ta-ta Festival (Granada), Art Photo Bcn (Barcelona), Photoquivir (Sevilla),… entre otros.

También existen festivales especializados en alguna disciplina fotográfica como son:

Y por último, también puedes asistir a otros eventos de pintura o arte en general, como puede ser ARCO Madrid, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo.

Un buen curso es una estupenda forma de acelerar tu aprendizaje.

Tendrás a mano a esos expertos poder hacer esas preguntas que te surgen y que bien resueltas, te permitirán avanzar.

En el Episodio 29 recomendaba 6 estupendos cursos de fotografía.

Sean estos u otros que conozcas, te aconsejo realizar un curso fotográfico como propósito para este año.

Al principio uno va haciendo siempre fotografías un poco al azar. Ahora me gusta esto, ahora aquello.

Pero tras un tiempo fotografiando, es posible que caigas en la cuenta de que tu obra en conjunto está muy dispersa, hay de todo un poco, nada destaca.

Hay gente que está buscando constantemente su estilo, pero no caen en la cuenta, que quieran o no, ya lo tienen.

Mira a tu alrededor, indaga un poco en tus gustos y aficiones y encontrarás seguro algún tema que da para hacer entre 15 y 20 fotografías que lo aborden desde tu punto de vista.

Hay proyectos como el de 365 fotografías en un año, que no considero que sea un proyecto. Más bien, lo considero una práctica, ya que en un año abordarás un montón de temas diversos y será muy difícil que se centre en algo.

Planifica, investiga, prueba qué tipo de técnicas o estilos fotográficos te ayudan a transmitir mejor ese tema (blanco y negro o color, focales largas o cortas, etc.) y ponte a ello.

¿Qué te ha parecido este capítulo? ¿Te parecen interesantes estas acciones? Déjame un comentario y cuéntame. Y si dejas un “Me gusta” en Ivoox, tu valoración en iTunes, te suscribes al canal o compartes en las redes este Podcast seguro que me sacas una sonrisa de oreja a oreja :).

La entrada 36. 7 acciones para crecer como fotógrafo en 2017 se publicó primero en the imagen.

Hoy en la Escuela de Fotografía contamos con un maestro de la fotografía, que no es otro que José Benito Ruiz (http://josebruiz.com/), un reconocido fotógrafo de Naturaleza reconocido tanto nacional como  internacionalmente.

(Min. 2:59)

José Benito Ruiz, ha escrito varios libros de fotografía y formador por vocación. Un fotógrafo que se ha ido formando de forma autodidacta.

Sus fotografías se publican en más de 40 países alrededor del mundo en revistas tan prestigiosas como National Geographic Magazine USA y Geo Internacional.

Ha ganado múltiples premios y galardones fotográficos tanto nacionales como internacionales. El más prestigioso de su categoría, el concurso «Fotógrafo de naturaleza del año» del Museo de Historia Natural de Londres (Inglaterra), ha obtenido varias galardones y premios (entre 1993-2005), entre otros muchos.

Comentamos una noticia de actualidad, sólo queda la ratificación de la Asamblea General para que José Benito Ruiz sea el próximo Presidente de la Federación Internacional de Fotógrafos de Naturaleza (IFWP)

José Benito ha ejercido como asesor en temas medio ambientales a distintos organismos y su obra siempre ha tenido una vocación conservacionista.

(Min. 8:18)

Comentamos alguno de sus más destacados proyectos. Entre ellos.

(Min. 17:04)

Es autor de más de 10 libros de fotografía: Fotografía nocturna, fotografía creativa del paisaje, etc.

Pero especialmente relevante para el aprendizaje de la fotografía es la trilogía de sus libros:

(Min. 18:38)

De sus cursos le comento a José Benito el proceso de síntesis y análisis que nos explico para analizar y tomar nuestras fotografías. Un proceso para intentar usar el menor número de elementos en ellas (síntesis) y tener cuidado de quitar elementos de distracción (análisis).

(Min. 22:04)

José Benito es un fotógrafo que suele incidir en la relación de la pintura y la fotografía. Charlamos sobre sus pintores referentes. Y comenta que suele estudiar a distintos pintores, según el elemento en el que son maestros, y nos comenta varios:

(Min. 24:30)

También comentamos cuales son sus fotógrafos referentes, tanto clásicos como contemporáneos.

José Benito nos comenta algunos fotógrafos clásicos:

Y también varios fotógrafos contemporáneos que son referentes para él:

Naturalmente entre otros muchísimos, la lista puede hacerse interminable. José Benito nos recomienda conocer al menos 200 fotógrafos para conocer con ciertas garantías para moverse en la historia de la fotografía.

Y sus preferidos, si tuviese que quedarse sólo con uno son:

(Min. 30:36)

José Benito es un fotógrafo que prefiere centrarse en la fotografía más que en el revelado. No suele revelar ni procesar sus fotografías, más allá de algún pequeño recorte y algún ajuste básico.

Y cuando lo hace, le gusta utilizar los programas de revelado de los fabricantes, que según diversas Agencias y Editoriales nos indica que son los que le piden utilizar.

Sobre el procesado de imágenes, comentamos la necesidad de dejar clara la procedencia de las imágenes, para no confundir al espectador sobre este asunto. El arte puede utilizar cualquier medio (Photoshop, etc.), pero debería quedar claro qué proceso se ha usado.

(Min. 36:00)

Le pregunto a José Benito por el uso de filtros, pero me indica que sólo los considera una herramienta más, no les da más importancia. Pero sí nos da varios consejos que considera relevantes para mejorar nuestras fotografías.

Sobre el error más habitual de sus alumnos nos indica que suele ser la falta de expresividad, que las imágenes que hacemos se puedan transmitir sensaciones. José Benito comenta unas fotografías en las que está trabajando, y hace referencia a una fotografía mía que le inspiró en una de las suyas, algo que para mi es un auténtico placer.

Al final le pregunto si tiene alguna fotografía pendiente, alguna espinita clavada, y me indica que es el trabajo que acabamos de comentar, su proyecto «Mundos interiores», en el que ya lleva un tiempo y que cadas vez le cuesta un poco más. Seguro que lo vemos pronto y nos sorprende, como todos sus trabajos.

¿Qué te ha parecido este capítulo? ¿Te gustan las fotografías de José Benito? Si tienes cualquier duda, déjame un comentario, te estaré muy agradecido y encantado de poder ayudarte. Y si dejas un “Me gusta” en Ivoox, tu valoración en iTunes, te suscribes al canal o compartes en las redes este Podcast seguro que me sacas una sonrisa de oreja a oreja :).

La entrada 35. Aprendiendo fotografía con José Benito Ruiz se publicó primero en the imagen.

Este es un episodio especial, un pequeño y humilde homenaje a todas aquellas personas que han dedicado gran parte de su vida, y siguen haciéndolo, a informar sobre los hechos históricos más importantes y sobre muchos sucesos injustos.

Por desgracia, la fotografía no es siempre felicidad, la fotografía no sólo es fotos de gatitos, flores, dulces o cupcakes.

La fotografía puede y debe mostrar todas nuestras caras.

En este episodio repasamos esta disciplina de la fotografía, y nos adentramos con Robert Capa en la cruenta batalla del día D, en el desembarco de Normandía.

(Min. 2:41)

El fotoperiodismo es un género periodístico que tiene como objetivo representar y comunicar a través de fotografías determinados acontecimientos, personajes, temáticas o sucesos. Los periodistas que se dedican a este género se denominan reporteros gráficos o fotoperiodistas.

El desarrollo de la fotografía periodística se ha realizado especialmente en los conflictos bélicas.

Si bien que hoy día existen muchos tipos de fotoperiodismo, el de guerra y conflictos armados, el deportivo, el que sigue la actualidad de los famosos y en estos últimos años se ha puesto de moda incluso el de bodas.

Hoy quiero centrarme en el fotoperiodismo de guerra o conflictos, aquel que muestra las situaciones que no podemos o no queremos ver.

Este es para mí el fotoperiodismo necesario, y que estos últimos años con la ingente cantidad de imágenes diarias, parece perder protagonismo.

Pero por desgracia, los conflictos no cesan están ahí, y la capacidad de conocerlos con objetividad debería ser un anhelo como sociedad que busca la paz y la justicia.

Hoy es Siria, pero ¿Cuántos conflictos hay abiertos en el mundo? ¿Cuántas injusticias que merecen ser conocidas y solucionadas?

Para ello la concienciación social es muy importante para terminar con ellas. Y aquí el periodismo en general juega un papel fundamental.

(Min. 6:08)

En 1880 el Daily Graphic de Nueva York hizo la primera publicación de noticias en fotografía real de la historia.

Son incontables los trabajos fotográficos que han cambiado muchas situaciones injustas en la historia: desde el fotógrafo danés Jacob Riis, los fotógrafos Estadounidenses Lewis Hine, Dorothea Lange o Walker Evans, etc.

El siglo XX significó un gran desarrollo del fotoperiodismo, de la mano de célebres reporteros gráficos como Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, W. Eugene Smith, David Seymour, etc.

(Min. 8:42)

La primera organización nacional de reporteros gráficos del mundo se fundó en 1912 y posteriormente en Estados Unidos la Asociación Nacional de Fotógrafos de Prensa, y la Agencia Magnum en Francia, etc.

Precisamente la denominada edad dorada del fotoperiodismo (1930-1950) coincide con la II Guerra Mundial, tiempo en el cual se dio un notable avance tecnológico de la fotografía de guerra.

(Min. 9:46)

La Segunda Guerra Mundial fue un conflicto militar global que se desarrolló entre 1939 y 1945.

Enfrentó a los Aliados (inicialmente Francia, Polonia e Inglaterra) con las Potencias del Eje (Alemania, Italia y Japón).

Fue la mayor contienda bélica de la Historia, con más de cien millones de militares movilizados y un estado de «guerra total» en que los grandes contendientes destinaron toda su capacidad económica, militar y científica al servicio de la guerra.

Una guerra en la que por primera vez una muerte masiva de civiles, el Holocausto y el uso, por primera y única vez, de armas nucleares en un conflicto militar, la Segunda Guerra Mundial fue el conflicto más mortífero en la historia de la humanidad

(Min. 10:40)

La guerra comenzó en 1939 con la invasión alemana de Polonia.

Desde finales de 1939 hasta inicios de 1941, merced a una serie de fulgurantes campañas militares y la firma de tratados, Alemania conquistó o sometió gran parte de la Europa continental.

En junio de 1941 las potencias europeas del Eje comenzaron la invasión de la Unión Soviética.

A finales de 1941 tras el ataque de Japón a Pearl Harbor, Estados Unidos se incorpora a los Aliados y poco después China, algo crucial para las fuerzas de los Aliados

1942 es un año decisivo en el desenlace de esta guerra, el avance de las fuerzas del Eje fue detenido por los Aliados, tras la derrota de Japón en varias batallas navales y de las tropas europeas del Eje en el Norte de África y en la decisiva batalla de Stalingrado.

En 1943, como consecuencia de los diversos reveses de los alemanes en Europa del Este, la invasión aliada de la Italia Fascista y las victorias de los Estados Unidos en el Pacífico, el Eje perdió la iniciativa y tuvo que emprender la retirada estratégica en todos los frentes.

(Min. 12:09)

El primer ministro inglés, Winston Churchill, estaba convencido  de que la única forma de derrotar a los alemanes era combatir contra ellos directamente en territorio francés.

En la Conferencia Trident de Washington D. C., en 1943, Roosevelt por los Estados Unidos, Stalin por la Unión Soviética y Churchill por la Gran Bretaña, decidieron preparar una vasta ofensiva que permitiera abrir un segundo frente en Europa occidental.

El lugar elegido fue la costa de la región francesa de Normandía, donde se seleccionaron cinco playas a las que se dieron nombres en clave: Utah y Omaha, que serían atacadas por los estadounidenses, Sword y Gold, por los británicos, y la playa Juno, por los canadienses.

El día 6 de junio de 1944, el llamado día D, ciento sesenta mil soldados británicos, canadienses y estadounidenses cruzaron el canal de la Mancha de Inglaterra a Francia.

Robert Capa, fue uno de los pocos fotógrafos elegidos a los que se les permitió acompañar a los soldados en el desembarco.

Robert Capa llevaba una Rolleiflex, para los momentos de calma y un par de Contax de 35 mm, más versátiles, para capturar con rapidez los instantes decisivos de la batalla.

Acompañaría a los soldados de la playa de Omaha.

(Min. 13:47)

Mientras, los aliados veían las costas iluminadas por miles de explosiones, y asumían que los soldados alemanes estaban muriendo bajo los escombres.

La primera ola de asalto de esta playa estaba compuesta de 1.450 soldados transportados en 36 lanchas de desembarco, tocó tierra a las 6:36 am.

Los alemanes estaban listos para defender sus posiciones, y esperaron hasta el último momento para abrir fuego, y así evitar revelar sus posiciones.

En cuanto las lanchas de desembarco tocaron tierra, una lluvia de bombas y balas cayeron sobre los americanos. La primera ola de asalto fue literalmente diezmada, 90% de los soldados quedaron fuera de combate en los primeros cinco minutos.

A Robert Capa le tocó desembarcar en la playa más complicada y sangrienta, allí estaba a las 7:00 h. con la segunda oleada entre una lluvia de proyectiles, explosiones y trampas.

El fuego alemán prácticamente no había disminuido en intensidad y sus 17 puntos de defensa seguían masacrando a los soldados que desembarcaban.

Apenas si estuvo en tierra menos de una hora y media. El tiempo suficiente para tomar un carrete con cada una de sus Contax y volver hacia los barcos de retaguardia por donde había venido. No intentó recargar sus cámaras, una operación muy difícil en aquellas circunstancias, hasta que se encontró de regreso en una lancha de desembarco rumbo hacia un barco nodriza. Había tomado 72 imágenes.

Las posiciones ganadas durante el día D en la Playa de Omaha, dos puntos aislados, fueron las más modestas de todas las playas del día D.

Las bajas se estimaron en 3000 muertos y desaparecidos.

El propio Capa lo describe muy bien en sus memorias:

La cámara vacía me temblaba en las manos. Era un nuevo tipo de miedo el que me sacudía el cuerpo de pies a cabeza y me crispaba la cara. Robert Capa.

Por su arrojo, Robert Capa se jugó la vida una y otra vez, hasta que una mina acabó con él un 25 de mayo de 1954, en Vietnam.

(Min. 18:25)

La operación en Normandía fue el primer paso hacia la liberación de Europa, junto con la contraofensiva soviética

La segunda guerra mundial terminó en Berlín, con la rendición incondicional alemana el 8 de mayo de 1945.

Pero la guerra en Asia siguió hasta el bombardeo atómico sobre Hiroshima y Nagasaki por parte de los Estados Unidos y la invasión soviética de Manchuria, tras la que Japón aceptó la rendición incondicional, el 15 de agosto de 1945.

La guerra acabó con una victoria de los Aliados sobre el Eje en 1945.

Una guerra que dejó entre 50 y 70 millones de víctimas.

Y las víctimas militares no fueron las mayores, en Normandía fueron muchas más las muertes civiles ocasionadas por uno y otro bando.

Traigo aquí el ejemplo de Robert Capa, como un fotoperiodista más, y la épica de estos momentos históricos para hablar de la importancia del fotoperiodismo.

(Min. 21:12)

Desde que Enrique Facio, el fotógrafo malagueño, que fue el primer fotógrafo corresponsal de guerra, cubriendo la “Guerra de África” en 1859.

Pasando, por muchos otros como Manuel Compañy, Juan José Serrano, Alfonso Sánchez Portela, etc. que nos contaron los sucesos de nuestra horrible Guerra Civil.

Hasta los fotoperiodistas actuales, como el veterano Gervasio Sánchez. Un veterano fotoperiodista independiente, que cubrió los conflictos armados en la antigua Yugoslavia y la mayoría de los últimos conflictos en África, Asia y América Latina.

Y sin olvidar a otros muchos como Diego Ibarra, Ricardo García Vilanova, Bernat Armangué, Samuel Aranda, Manu Bravo, entre otros.

La lista puede ser muy grande y  todos ellos se merecen nuestro reconocimiento.

(Min. 22:18)

Conocí a Gervasio Sánchez a través del fantástico libro de Arturo Pérez Reverte, Territorio Comanche, recuerdo una cita del comienzo:

Una auténtica historia de guerra nunca es moral. No instruye, ni alienta la virtud, ni sugiere modelos de comportamiento humano correcto, ni impide que los hombres hagan las cosas que los hombres siempre han hecho. Si una historia parece moral, no la creáis.

Del libro de Tim O’Brien, Las cosas que llevaban los hombres que lucharon.

No hay historia de conflicto que sea moral. Exijamos una información veraz a nuestros gobernantes.

En alguna de las últimas charlas que ha dado Gervasio Sánchez, cree que el interés periodístico y social se ha sustituido con frecuencia por el interés económico.

Y acabo con una cita del fotógrafo Gervasio Sánchez, en 2008, cuando ganó el Premio Ortega y Gasset de Fotografía:

Les aseguro que no hay nada más bello en el mundo que ver a una víctima de la guerra perseguir la felicidad. Gervasio Sánchez.

No les robemos la felicidad que todos buscamos y luchemos cada día porque haya menos víctimas en el mundo.

¿Qué te ha parecido este capítulo? Si te ha gustado y crees que puede interesarle a más gente, compártelo para cada vez más personas seamos conscientes de lo que nos jugamos con este tema. Me encantaría también saber tu opinión sobre esta disciplina, déjame un comentario.

La entrada 34. Especial fotoperiodismo: la fotografía necesaria se publicó primero en the imagen.

Hoy te propongo una curiosa y creativa práctica ¡Vamos a divertirnos!

Y que además te sirve para aprender cómo funciona la exposición en tu cámara. Además de empezar a jugar con el modo manual (M).

Blog, con la fotografía de ejemplo: https://theimagen.com/practica/6

La práctica consiste en mezclar 2 imágenes, en este caso la única diferencia es que en una aparece una persona y en otra no, por lo que esa persona aparece «transparente», dejando ver lo que hay detrás.

Este efecto de doble exposición se podría realizar de forma muy sencilla mezclando 2 fotografías en Photoshop.

Sin embargo, voy a explicarte cómo obtenerla por medios exclusivamente fotográficos, en una única toma.

Es una toma de varios segundos por lo que necesitarás un trípode. También una cartulina, mejor negra u oscura.

Busca un lugar con no demasiada luz, para que la exposición pueda ser de varios segundos sin que se queme.

Por supuesto necesitarás un trípode y también un trozo de cartulina, mejor negra o oscura.

Piensa en un motivo, en este caso aparece una persona, pero puede ser un objeto, o lo que quieras… ¡venga, piensa un poco! Seguro que algo se te ocurre .

En el episodio explico cómo realizar esta fotografía a través de una sola toma y cómo utilizar la cartulina para tapar el objetivo y que la persona pueda salir de la escena.

El resultado es curioso y puede ayudarte mucho a entender la exposición de tu cámara.

Y hoy hablo de André Kertész que es todo un referente de la fotografía historia de la fotografía Es un maestro de la composición fotográfica y del ensayo fotográfico.

Muchas de sus fotografías están catalogadas entre las más valiosas del siglo XX.

Que contó con la admiración de fotógrafos muy reconocidos de su época. Brassai, otro estupendo fotógrafo húngaro, dijo que poseía un don innato para conjuntar la innovación formal y la perfección compositiva. Y Henri Cartier-Bresson tenía hacia él una admiración reverencial, llegando a afirmar:

“Inventemos lo que inventemos, Kertész siempre fue el primero”. Henri Cartier-Bresson

Andor Kertész (que ese era su verdadero nombre) nació 1894 en Budapest (Hungría)

Kertész fue un fotógrafo autodidacta. Kertész tiene una capacidad innata para componer y encuadrar sus escenas. Sus fotografías provienen de su forma de ver el mundo, con un acercamiento al mundo de lo sencillo, de lo anónimo, para darle una hermosa elegancia.

Su carrera se divide en periodos, según sus países de estancia: Hungría, Francia y Estados Unidos.

En 1912 acabó sus estudios Comercio, pero no tuvo ningún interés por esta carrera. Ese mismo año se compró su primera cámara. En 1914 estalla la Primera Guerra Mundial y a los 20 años se alista como voluntario.

En París conoció a otros artistas y fotógrafos, como Brassai, Robert Capa, Man Ray, entre otros muchos.

En este periodo realizó una famosa serie fotográfica llamada “Distorsiones”, que mostraba reflejos distorsionados de personas en espejos deformados.

Allí obtuvo éxito comercial y de crítica realizando trabajos por encargo para varias revistas europeas.

André Kertész emigró a Estados Unidos en octubre de 1936 huyendo de la II Guerra mundial, pero los americanos le ignoraron. Y además, por su origen húngaro tuvo muchas dificultades para difundir su trabajo hasta bien entrada la segunda mitad del siglo XX.

Para sobrevivir, allí hizo su trabajo más comercial, fotografías que nunca reconoció como propias, porque las consideraba vacías. Y realizó menos trabajos personales.

Sus fotografías plasman la vida tal y como él la concebía, con tranquilidad y nostalgia.

Sus fotografías muestran el mundo con una mirada poética y sentimental, que pocos fotógrafos de su época podían transmitir.

André Kertész murió en Nueva York en Septiembre de 1985.

Hay muchos libros publicados con su obra, de todos sus periodos, aunque de su periodo Húngaro se conservan muchas menos fotografías. Te recomiendo por ejemplo: André Kertész: Paris, Autumn 1963.

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La entrada 33. Práctica: doble exposición y fotógrafo André Kertész se publicó primero en the imagen.

En este episodio repasamos algo que suele liar bastante a mucha gente, los distintos métodos de enfoque de las cámaras.

¿Te gustaría que tus fotografías siempre tengan el enfoque adecuado?

Más información y ejemplos en el Blog: https://theimagen.com/enfocando-tus-fotografias-domina-los-metodos-enfoque/

Pero si eres un loco del enfoque, de la nitidez, lo primero que me gustaría es recordarte la cita del genial fotógrafo clásico Ansel Adams:

“No hay nada peor que la imagen nítida de un concepto difuso”. Ansel Adams

No pierdas nunca de vista este concepto. Y pongo como ejemplo la famosa fotografía de Robert Capa, en el desembarco el día D en Normandia.

¿Qué importa que le falte nitidez a esta fotografía? Lo importante es el momento histórico que captó y el movimiento o caos que muestra.

En el episodio repaso los dos modos básicos de enfoque:

El enfoque automático es más rápido y más cómodo. Sin embargo, será la cámara la responsable de enfocar y en ocasiones puede fallar.

El enfoque manual es más lento, pero tienes todo el control. Es muy útil para cuando no se dan buenas condiciones para el enfoque automático.

Como son la fotografía nocturna (por la ausencia de luz) o en la fotografía macro (por el ajuste muy preciso necesario).

También comento los elementos a tener en cuenta en el enfoque: la distancia al sujeto, la apertura del diafragma y la distancia focal.

Y hago un repaso de los 3 modos de enfoque automático más habituales:

Comento también la utilidad de los métodos de enfoque de las cámaras, que pueden configurarse para que los elija automáticamente la cámara o los elijas tú manualmente, para tener más control.

Hablo de la técnica del Bloqueo del enfoque, muy similar al bloqueo de la exposición, pero para el enfoque.

Y por último doy algunos consejos para intentar no fallar con el enfoque:

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La entrada 32. Enfocando tus fotografías: domina los métodos de enfoque se publicó primero en the imagen.

En este episodio nos acercamos al retrato con un fotógrafo profesional experto en esta disciplina. Sinuhé Gorris es la persona que está detrás de la empresa Onírica Fotógrafos (www.oniricafotografos.com), junto a Fanny, su mujer.

Hablamos de la importancia de las distintas fuentes que puede beber un fotógrafo para inspirarse. Como son la literatura, los comics, la pintura, etc.

Onírica fotógrafos es un equipo formado por dos personas, Sinuhé y Fanny, su mujer. Y ambos forman el tándem que hace funcionar esta empresa de fotografía.

Sinuhé cuenta la importancia de las tareas de gestión para el buen funcionamiento de todo.

Comentamos el tipo de trabajos fotográficos que realiza Onírica Fotógrafos. Aunque hacen bodas, no es su pilar de trabajo y su base siempre es el retrato. También desde hace unos 8 años se dedican a la formación.

Sinuhé se dedicaba profesionalmente a la alfarería y un día se cansó y decidió cambiar. La fotografía digital fue un impulso para él, porque reconoce que no le gustaba nada todo el trabajo extra que conllevaba la fotografía analógica.

Onírica Fotógrafos se inicio como un estudio de fotografía clásico pero pronto fue orientándose exclusivamente hacia los trabajos de encargo. Lo que permitió a Sinuhé y su mujer tener mejores horarios de trabajo.

Hablamos del material mínimo para adentrarnos en la fotografía de retrato. Sinuhé suele trabajar sólo con luz natural en el retrato de exteriores.

Comentamos que es mejor invertir en objetivos, que en cámaras, que los objetivos te dan más oportunidades.

Sobre la búsqueda del estilo propio, nos habla de una fotógrafa que de vez en cuando se «resetea» visualmente, algo que le gusta. Esta fotógrafa es Mara Saiz (marasaizphoto.com) una fotógrafa madrileña.

Hablamos de varios objetivos y el que más le gusta a Sinuhé es el Canon 135 f/2. Aunque nos comenta que se ha pasado a Sigma, porque sus objetivos son muy buenos y son más económicas. Nos comenta sobre el Sigma 85mm.

Nos indica que las localizaciones en exteriores es algo muy importante y que él intenta no repetir localizaciones. A él le gusta el medio natural, la naturaleza, pero claro esto depende del tipo de fotografía que se haga.

A Sinuhé le gusta trabajar con ellos porque no tienen los vicios en el posado que tienen ya los adultos. Suelen trabajar con niños de 5-6 años por el tipo de posado que les gusta hacer.

Le gusta una foto de niños menos habitual, más intimista, buscando una imagen más adulta, no tan clásica, siempre sonrientes, etc.

Nos comenta que en España no hay costumbre de hacer fotografía en niños de esta edad. Sin embargo, esto ya es mucho más habitual en otros países como Estados Unidos o los países del norte de Europa.

Nos aconseja empezar con amigos y familiares y poco a poco intentar hacer fotos a gente menos conocida. Con la práctica se va cogiendo soltura.

Comentamos de la importancia de saber qué buscamos para explicárselo a los modelos y conseguir un buen resultado.

Para Sinuhé una fotografía es como un lienzo en blanco en el que trabajar en el procesado. Aunque se preocupa mucho por la toma.

En la toma se imagina ya el resultado y luego en la edición intenta llegar a ese resultado.

Sólo trabaja con Photoshop y sin usar Presets (ajustes preestablecidos) o plugin adicionales. Ya que le gusta hacer todo el trabajo a sus imágenes.

Sinuhé es un fotógrafo muy creativo y nos aconseja llevar siempre encima una libreta donde anotar cualquier idea que nos pase por la cabeza.

Es un buen consejo, porque de ahí pueden salir grandes proyectos. Y si no se anotan, se pueden perder enseguida.

Nos comenta Sinuhé que tiene un proyecto pendiente desde hace años en la nieve y que lo tiene todo listo para este próximo enero, para ver si no se le escapa.

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En este episodio repasamos un tema que crea bastante confusión muchas veces, y es cómo mide tu cámara la luz.

Seguramente has escuchado hablar de términos como “compensar la exposición”, bloquear la exposición, medición puntual, etc.

Más información, ejemplos, etc. en el Blog: https://theimagen.com/sabes-como-mide-la-luz-tu-camara-domina-los-metodos-de-medicion/

En este episodio me gustaría que comprendas cómo mide tu cámara la luz, por qué a veces se equivoca y cómo solucionarlo .

Lo primero que tienes que comprender es que el fotómetro de tu cámara mide la luz reflejada que llega a la misma de los elementos que aparecen en la escena. El fotómetro sólo es capaz de medir la luz que llega, nada más.

Con esa medición la cámara, si utilizas un modo automático o semiautomático ajusta la exposición con los parámetros disponibles (recuerda los parámetros básicos de disparo que vimos en el episodio 2: apertura del diafragma, tiempo de exposición e ISO) para obtener una fotografía bien expuesta.

Sin embargo, utilizas el modo manual la cámara te muestra a través del exposímetro si la exposición es correcta o si falta o sobra luz y serás tú el encargado de ajustarla.

El problema es cuando en la escena hay predominancia de tonos oscuros o claros, en ese caso el fotómetro de la cámara no funciona bien porque está ajustado a un valor de referencia habitual. Ya que de media, las fotografías contienen elementos que reflejan la luz de forma equivalente a una superficie gris al 18%.

En esas situaciones puedes corregir ese fallo en la medida compensando la exposición.

En las ocasiones donde hay muchos tonos oscuros, conviene subexponer la toma (compensando con valores negativos). Y en aquellas que hay predominancia de tonos claros, a la inversa, conviene sobreexponer la toma (compensando con valores positivos).

Para configurar la compensación de la exposición se suele hacer apretando el botón de la cámara +/- y alguna ruleta manual o mediante los botones.

Si con la compensación no tienes suficiente y quieres afinar la exposición sobre ciertas partes de la escena, puedes utilizar los modos de medición.

Los modos de medición de la luz permiten definir qué partes de la escena tienen que tenerse en cuenta para la medición.

Y básicamente existen 3 modos:

Medición Matricial o Evaluativa. En este modo de medición la cámara tiene en cuenta la luz de toda la escena y hace una media. Es la que viene configurada por defecto y generalmente no da mal resultado.

Medición Evaluativa Parcial o Ponderada al centro. Tiene en cuenta toda la escena pero da más importancia a la parte del centro de la imagen.

Medición central o Puntual. Únicamente considera la iluminación de la superficie central de la imagen a fotografiar, entre un 2 y un 4%. Es la más precisa, pero también la más delicada, ya que con pequeños movimientos por la escena cambia mucho la medición.

Si el sujeto no está en el centro de la escena, para medir la exposición correcta se encuadra en el centro al sujeto, se aprieta el botón de disparo hasta la mitad o el botón * (Canon) o botón AE-L (Nikon) y sin soltarlo, se reencuadra a la toma deseada y se dispara, de esa forma la cámara no pierde la medición de la exposición anterior.

¿Qué te ha parecido este capítulo? ¿Te ha quedado claro cómo mide tu cámara la luz? Si tienes cualquier duda, dejame un comentario, te estaré muy agradecido y encantado de poder ayudarte. Y si dejas un “Me gusta” en Ivoox, tu valoración en iTunes, te suscribes al canal o compartes en las redes este Podcast seguro que me sacas una sonrisa de oreja a oreja :).

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