Víve la fotografía

En este episodio te animo a que hagas una tarea, un ejercicio, para conocernos mejor como fotógrafos y así podamos buscar el tipo de fotografías que más nos gustan. Y también te recomiendo un estupendo libro para aprender fotografía.

El fundamento de este ejercicio te lo comenté ya en el episodio nº 10, cuando te recomendé crearte una Fototeca y una Pinacoteca.

El ejercicio consiste en que hagas una selección de al menos 30-40 fotografías tuyas (si son más mejor aún), las que más te gusten, que las imprimas y que sobre una mesa, empieces a ordenarlas de alguna forma, en grupos, por lo que te transmiten.

Para imprimirlas, a un tamaño pequeño, por ejemplo el habitual 10×15 cm. es suficiente, cualquier laboratorio puede imprimirlas a un precio bastante económico. Esas 30-40 fotografías pueden costarte unos euros.

Y también puedes imprimirlas tú en casa, con tu impresora, aunque no tengan mucha calidad, ya que eso no importa para este ejercicio.

Si es importante que sean fotografías que te gusten a ti, aunque no sean las que más gusten a otras personas, ya que si no te dedicas profesionalmente a la fotografía, tienes la libertad de hacer las fotos que más te gusten, así disfrutarás mucho más de tu afición ¿de acuerdo?

Con las fotografías sobre la mesa comienza a hacer grupos de fotografías. Es algo que te llevará tu tiempo, y habrá fotografías que se muevan de un sitio para otro o incluso que queden «sueltas», sin grupo. Esos grupos te irán indicando las cosas que te llaman la atención, que darán indicios de cómo te gusta capturar esos momentos, etc.

Puedes probar a realizar este ejercicio con otras personas, así contrastarás tu interpretación con las de otras personas, algo que ayuda mucho.

Créeme, es muy interesante que hagas este ejercicio, te servirá mucho a conocerte y eso te irá conduciendo por el tipo de fotografía, estilos, etc. que más te gustan.

Ahora ya sabes mejor lo que buscas, y te vendrá de perlas cuando hagas tus fotografías, ya que puedes buscar ya esos patrones que sabes que son con los que más te identificas.

El libro que te recomiendo es «Los secretos de la fotografía. Guía de campo.» de Bryan Peterson (Editorial Tutor). Su autor es un estupendo fotógrafo, que cuenta con muchos años de experiencia formativa y eso se nota.

Es un libro estupendo para adentrarse en la fotografía porque es un libro muy completo, que aúna la técnica con el aprendizaje de la expresividad en tus fotografías, con el aprendizaje del lenguaje visual. Algo en lo que te vengo insistiendo desde hace tiempo.

Es un libro muy completo y ameno de leer, ya que cada concepto viene explicado con muchas fotografías, cada fotografía viene con sus datos de captura (diafragma, tiempo de exposición, etc.), propone ejercicios, etc. Su tamaño es manejable y puedes llevarlo siempre encima, en cualquier bolso.

Y además en un libro que puedes conseguir a un precio bastante económico para lo completo que es: http://amzn.to/2eP7P9a

Descubre las libros en la sección de libros del Blog: www.theimagen.com/libros/

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¡Gracias por estar ahí y nos vemos en el próximo capítulo!

La entrada 19. Aprende de tus fotografías y libro recomendado se publicó primero en the imagen.

En este episodio repaso porque si te esfuerzas en aprender a expresarte visualmente es mucho más productivo que invertir en material fotográfico, además de mucho más económico .

Más información y ejemplo en el Blog: https://theimagen.com/guia/aprende-composicion-basica/

Te animo a participar en el grupo de Facebook para subir tus prácticas, comentar fotografías, etc. y así aprender más rápido: https://www.facebook.com/groups/laescueladefotografia/

En este episodio te cuento como perdí mucho tiempo y dinero en mejorar mi equipo fotográfico y como eso no me sirvió para nada, ya que realizaba exactamente las mismas fotografías.

También comento cómo si te das una vuelta por plataformas de fotografía como Flickr, 500px.com o 1x.com, también vas a ver fotografías tomadas con cámaras como la tuya o de gama más baja que te sorprenderán.

Lo que va a hacer que mejoren tus fotografías es que domines el lenguaje visual, cómo influye la disposición de los elementos que aparecen en tus fotografías a lo que transmiten. A esto se le llama composición, a cómo realizas y pones un orden determinado en la escena a tus fotografías.

En el episodio 4, sobre cómo llenar el encuadre y en el episodio 6, sobre el centro de interés, ya nos adentramos en la composición fotográfica.

Y si investigas cómo mejorar la composición en tus fotografías pronto te vas topar con la famosa «Regla o ley de los tercios«. Esta pretendida regla o ley, nos dice que es preferible descentrar al sujeto fotografiado y colocarlo más cerca de los bordes. Se trata de dividir el encuadre en 3 partes iguales tanto vertical como horizontalmente y colocar el centro de interés sobre estas líneas o tercios.

Otra regla de este tipo, que se aplica a los horizontes es la «regla del horizonte«, que indica que el horizonte no hay que centrarlo, si no colocarlo en el tercio inferior o superior de la escena, que eso hace una fotografía mucho más interesante.

Pues bien, ni una ni otra son reglas inquebrantables. Ambas proceden de otro concepto que es la proporción áurea, usada desde la antigüedad, muy aplicada en arquitectura y diseño y que se observó de relaciones encontradas en la naturaleza. Es decir, tienen su razón de ser, pero no son reglas o leyes, pueden ser recomendaciones, y es bueno que las conozcas, pero no las tomes como reglas ¿de acuerdo?

Lo mismo ocurre con la regla de la mirada, que comento en el episodio.

En este episodio quiero dejarte claro estos aspectos, y cómo es importante aprender composición, pero que no te quedes con estas reglas o leyes que realmente te limitan y tratan de establecer lo correcto y lo incorrecto. Cuando la riqueza que nos da conocer todo lo posible el lenguaje visual, es muchísimo más interesante y creativo.

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La entrada 18. Por qué aprender composición te resultará mucho más productivo que invertir en equipo fotográfico se publicó primero en the imagen.

En este episodio te propongo una práctica, ya sabes que es la mejor forma de aprender fotografía. En este caso vamos a contar una historia utilizando la profundidad de campo.

Más información sobre la práctica (ejemplos, parámetros, etc.) en: https://theimagen.com/practica/3/

Puedes subir tus fotografías de las prácticas al grupo de Facebook para que cmás: https://www.facebook.com/groups/laescueladefotografia/

Si en una fotografía aparecen partes nítidas y desenfocadas, podemos utilizar ese efecto para centrar la atención en el sujeto enfocado, pero mostrando también un contexto que nos aporta información para interpretar de qué va la fotografía.

Técnicamente es una práctica muy sencilla, se trata de usar el modo de prioridad a la apertura (modo A o Av), y probar distintos valores de apertura hasta conseguir el desenfoque deseado entre el elemento principal y el contexto. Recuerda que en el episodio 8 vimos  todos los parámetros a tener en cuenta para controlar la profundidad de campo.

En este episodio también hablamos del creativo fotógrafo español Chema Madoz. De sus fotografías se dicen que son poemas visuales, metáforas visuales, etc. Lo que es cierto es que con un estilo muy personal, dando una vida más allá del uso habitual que tienen la mayoría de objetos.

Chema Madoz nación en 1958 y en el año 2000 recibió el Premio Nacional de Fotografía, en España. Sus obras se han expuesto por todo el mundo y por su lenguaje, muy universal, tienen una aceptación muy grande allá donde van.

De Chema Madoz en este episodio te aconsejo un libro que muestra parte de su obra, su biografía, etc. El libro se llama «Ars Combinatoria» y tiene un coste más o menos asequible para la calidad de impresión. Su Web es: http://www.chemamadoz.com

Y en el episodio también te aconsejo visitar la sección de libros del Blog: https://theimagen.com/libros/. Donde iré subiendo libros recomendados. En este episodio te recomiendo el libro «Lea este libro si desea tomar buenas fotografías» de Henry Carrol (Editorial Blume). Tras un título un tanto pretencioso, realmente se esconde un libro sencillo, que va en bastante en la línea del Blog, y que se centra mucho menos en el manejo de la cámara y mucho más en mejorar nuestra visión. Y lo hace a través del ejemplo de muchas fotografías, de más de 50 grandes fotógrafos. Es un libro bastante recomendable y económico.

ACTUALIZACIÓN: Un buen lector, Kanzi , me ha recordado un reportaje muy bueno sobre Chema Madoz que se emitió en TVE y que olvidé comentar en el Podcast. En este reportaje, el propio Chema Madoz explica su forma de trabajo y de entender la fotografía: http://www.rtve.es/alacarta/videos/imprescindibles/imprescindibles-chema-madoz-regar-escondido/1687267/ ¡Muchas a todos por vuestros comentarios, y en este caso, especialmente a Kanzi por su aportación!

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La entrada 17. Práctica, Chema Madoz y libro recomendado se publicó primero en the imagen.

En este episodio repasamos los conceptos de tamaño de imagen, resolución o píxeles por pulgada, etc. Ya que aunque detrás hay conceptos sencillos, es un tema que lía mucho.

Más información, ejemplos, etc.: https://theimagen.com/guia/pixeles-por-pulgada-de-verdad-es-tan-complicado

En el episodio repaso estos conceptos y me gustaría que aprendas a calcular el tamaño máximo al que puedes imprimir tus fotografías. Algo que espero que te sea de interés. Como sabes, siempre te aconsejo publicar e imprimir las fotografías que más te gusten, que no se queden hay guardadas en una carpeta sin que nadie las vea. Así no estás disfrutando de tu afición, créeme.

Como ya sabes una imagen tiene un determinado número de píxeles, los que es capaz de generar el sensor de la cámara. En la imagen digital obtenida por el sensor, la única medida válida son los píxeles. Hablar de píxeles por pulgada sólo tiene sentido cuando hablamos de imágenes impresas o mostradas en una pantalla.

Como sabes, el sensor de la cámara digital es el encargado de capturar la luz de la escena. El sensor está dividido en forma de rejilla, y cada una de esas celdas guarda información de la luz que le llega. Cada celda de esa rejilla es un píxel. La unión de todos esos puntos de la rejilla forma nuestra fotografía digital.

Pensemos que la cámara es capaz de capturar 4000 píxeles a lo ancho del sensor y 3000 píxeles a lo alto. Así, el número de píxeles total será: 4000 x 3000 = 12.000.000 píxeles. Es decir, 12 megapíxeles.

También insisto en que tener más megapíxeles no significa tener más calidad en tus imágenes. Generalmente el factor más importante es el tamaño del sensor, no el número de megapíxeles. De hecho, tener muchos megapíxeles en un sensor pequeño, como el de los móviles, no es algo que ayude.

En el episodio explico cómo calcular la resolución, los famosos puntos por pulgada (ppp), de cualquier imagen y que para obtener una calidad de impresión aceptable, al menos, necesitamos aproximadamente 150 ppp. La resolución de impresión más adecuada sin embargo es de unos 300 ppp. Imprimir una fotografía a menos de 150 ppp puede arrojar unos malos resultados.

Cuando mediante algún programa de edición, le indicamos que cambie el tamaño de la imagen, ese programa realiza un proceso de remuestreo. Pero tienes que tener mucho cuidado, porque como te explico es un proceso destructivo, los píxeles que se modifican, una vez que guardamos la imagen no se pueden recuperar.

Comento el programa Gimp, la alternativa gratuita a Photoshop que se puede descargar de: https://www.gimp.org/

Ya veremos más adelante, cómo exportar imágenes para la Internet y para la impresión, y otros conceptos del manejo del color, como son los espacios de color, etc.

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La entrada 16. Píxeles por pulgada ¿De verdad es tan complicado? se publicó primero en the imagen.

En este episodio entrevisto a Pedro J. Sánchez, más conocido como Pedro Tripiyon (www.tripiyon.com), todo un experto en el uso de esta herramienta y del cuál podemos aprender mucho, ya que Pedro además de profesional de la edición digital es Youtuber, y su canal de Videotutoriales Tripiyon (https://www.youtube.com/user/Tripiyon/) cuenta con más de 30.000 suscriptores.

Pedro comenzó de forma prácticamente autodidacta, allá por 1997 y ha llegado a ser profesor de Photoshop Avanzado en Escuela Universitaria de Diseño, Innovación y Tecnología (ESNE) (Madrid), colaborador y ponente varios años en la Campus Party y forma parte del equipo oficial de formadores de Adobe, llamado Conecta Tutoriales (http://adobe.conectatutoriales.com), donde se pueden encontrar estupendos tutoriales de Photoshop.

Gracias a 3D Studio, Pedro se acercó a Photoshop, y poco a poco fue conociéndolo hasta utilizarlo de forma profesional.

Para adentrarnos en el uso de Photoshop, Pedro nos da varios consejos:

Hablamos también sobre los límites del revelado y el procesado. Y sobre si el revelado puede arreglar una mala fotografía, como ya suponíamos Pedro nos dice que es imposible arreglar una fotografía que se haya tomado mal, que tenga muchos errores de captura.

Si no tienes Photoshop, anímate a descargarlo de Adobe y probar el mes gratis. Después existe hoy día un paquete que incluye Photoshop y Lightroom, y que cuesta 10€ al mes. Si no quieres pagar, pues por Internet siempre hay soluciones para todo.

Espero que estos temas de inicio, planteados por Pedro, te sean de interés y ya los iremos viendo también en forma de videotutoriales en el Blog: http://www.theimagen.com

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La entrada 15. Nos acercamos a Photoshop con Pedro J. Sánchez (Tripiyon) se publicó primero en the imagen.

A través de este episodio me gustaría que perdieses el miedo a usar el flash de tu cámara. ya que es muy posible que lo hayas usado alguna vez y no te haya gustado el resultado. Vamos a ver porque ocurre esto y cómo solucionarlo.

Más información, ejemplos, etc. en el Blog: https://theimagen.com/superar-miedo-al-flash/

En el episodio repaso porque no suele gustar mucho la luz que genera el flash incorporado en tu cámara, y esto es básicamente por dos razones.

La primera es que genera una luz muy frontal que no ayuda a nuestro ojo a distinguir los volúmenes, la textura, y que nos resulta extraña.

La segunda es que produce una luz muy dura, que provoca sombras muy marcadas, algo que tampoco resulta muy favorecedor.

La solución pasaría por disponer de un tamaño de la fuente de luz más grande y por poder cambiar la dirección de la luz, para que no siempre sea frontal ¿Cómo hacerlo? Pues la solución más sencilla y funcional es mediante un flash de mano, también llamado flash externo.

En este episodio no se habla de cómo usar el flash de mano, ya que es algo que veremos en otros episodios más adelante. Y aunque el flash externo aporta muchas soluciones, su luz directa también es muy dura. Para eso hablo de la técnica del rebote, que consiste en disparar el flash no hacia la escena, si no hacia una superficie donde se rebota la luz y así se consigue aumentar el tamaño de la fuente de luz.

Puedes ver ejemplos en Blog: https://theimagen.com/superar-miedo-al-flash/

También comento lo interesante que supone separar el flash de la cámara, algo que ya veremos en profundidad en próximos episodios.

En el artículo del Blog también hago una prueba casera para mejorar la luz generada por tu flash integrado ¡algo casero que funciona!

Espero que con este episodio hayas podido comprender por qué el flash de tu cámara está limitado y te haya picado la curiosidad de usar un flash de mano.

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La entrada 14. Cómo superar tu miedo al flash se publicó primero en the imagen.

En este episodio te vuelvo a sugerir una práctica, ya sabes que es la mejor forma de aprender fotografía. He creado un grupo de Facebook donde puedes subir tus fotografías para que las comentemos, seguro que así aprendemos más: https://www.facebook.com/groups/laescueladefotografia/

Más información sobre la práctica (ejemplos, parámetros, etc.) en: https://theimagen.com/practica/2/

La practica consiste en mostrar movimiento o quietud. Para eso vamos a usar un tiempo de exposición largo, seguramente de varios segundos y vamos a mostrar movimiento, pero no siguiendo al sujeto que se mueve, si no dejando que deje una estela.

Si mezclas elementos en movimiento y otros parados en tu encuadre, estarás mostrando movimiento, pero sobre todo quietud, si el elemento quieto tiene cierto peso en el encuadre, ya que el elemento en movimiento siempre deja una estela y centra menos la atención.

En este episodio también hablamos del mítico fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson, considerado uno de los padres del fotoreportaje, del fotoperiodismo. Cartier-Bresson también podría ser considerado un fotógrafo de calle.

Henri Cartier-Bresson nació en 1908 y murió en 2004. Es un maestro de la composición y su fotografía se dirigió por el instante decisivo. Se trataba, de alinear la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento y captar la acción. Pero en el episodio explico que este instante no es universal, es «su instante» decisivo, el que Cartier-Bressson reconocía como suyo.

Fue cofundador de la Agencia Magnum, junto a Robert Capa, David Seymour, y más fotógrafos. Una agencia que sigue en activo y que reúne a los mejores fotógrafos del fotoperiodismo y fotoreportaje.

En el episodio también te aconsejo un libro sobre él para acercarse a su personalidad, a su forma de pensar y vivir la fotografía. Es un libro de la Editorial Gustavo Gili, llamado «Ver es un todo. Entrevistas y conversaciones. 1951-1998«. En el episodio comento varias frases sacadas de este libro que considero muy interesantes.

¿Qué te ha parecido este capítulo? ¿Tienes dudas, sugerencias, etc.? No dudes en dejarme un comentario, te estaré muy agradecido y encantado de poder ayudarte. Y si dejas un “Me gusta” en Ivoox, tu valoración en iTunes, te suscribes al canal o compartes en las redes este Podcast seguro que me sacas una sonrisa de oreja a oreja .

¡Gracias por estar ahí y nos vemos en el próximo capítulo!

La entrada 13. Práctica, Henri Cartier-Bresson y libro recomendado se publicó primero en the imagen.

Seguramente sabes que deberías revelar tus fotografías, pero no tienes mucho tiempo para hacerlo y además es posible que no sepas por dónde empezar.

Pues después de escuchar este episodio, espero que si no tienes instalado un programa de revelado, sepas qué programa instalarte y te pongas a ello. Voy a explicarte de forma sencilla en qué consiste el revelado y prepararte para sacar todo el potencial a tus fotografías.

Si tu cámara te permite configurar el modo de disparo RAW debes usarlo ya que es el formato que te permitirá realizar un revelado con toda la calidad que brinda el sensor de tu cámara.

Si guardas en JPEG la cámara realiza por ti un procesado automático, hace un balance de blancos, aplica un contraste, sube la saturación de colores, aplica cierto enfoque, etc. Y además, al guardar la imagen en JPEG, se realiza una compresión con pérdida de información.

Sin embargo, al guardar en formato Raw tu cámara no realiza ningún procesado automático y comprime la información sin pérdida de información. Lo que va a permitir revelar con la máxima calidad. Es cierto que ahora tendremos que hacer nosotros el revelado, pero ese trabajo extra, queda más que justificado con las posibilidades que te ofrece.

¿Qué programas puedes usar para revelar? Pues básicamente los programas de revelado que te ofrece el fabricante de tu cámara de forma gratuita o usar otros programas específicos: como Camera Raw, Lightroom, Capture One, etc.

Los más extendidos actualmente son Camera Raw y Lightroom, ambos de Adobe, y son los que te recomiendo.

Camera Raw viene incluido con Photoshop y con que abras tus archivos RAW con Photoshop, te los abrirá Camera Raw. Es muy sencillo de utilizar y su manejo básico es muy rápido.

La versión actual de Camera Raw es la 9.6.Es posible que si tienes una versión de Photoshop antigua y una cámara muy reciente, puedas tener problemas de compatibilidad y si quieres utilizar los archivos Raw de tu cámara tengas que actualizar la versión de Photoshop.

Si te quieres saber qué versión mínima de Camera Raw necesitas para tu modelo de cámara puedes verlo en esta dirección de Adobe:

https://helpx.adobe.com/es/photoshop/kb/camera-raw-plug-supported-cameras.html

Ligthroom por su parte está más orientado desde su origen a la fotografía y cubre un abanico más amplio del flujo de trabajo. Desde que descargas los archivos de tu tarjeta (importación) hasta que se imprimen o se suben a Internet. Aunque realmente el motor de revelado es exactamente el mismo en ambos programas.

Para que Camera Raw tenga esta funcionalidad tenemos que usar Adobe Bridge, otro programa de Adobe, para trabajar con nuestro catálogo de imágenes.

Mi consejo: si ya usas Photoshop empieza por usar Camera Raw, ya que te será muy fácil usarlo, como vamos a ir viendo. Sin embargo si no usas Photoshop mi consejo es que comiences a usar ya directamente Lightroom, ya que es el más completo.

Pronto veremos en el Blog theimagen.com y en este Podcast cómo ir revelando nuestras fotografías.

Ya sabes, prepárate porque pronto vamos a usar estos programas de revelado .

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La entrada 12. ¿Por qué todos los fotógrafos deberían revelar sus fotografías? se publicó primero en the imagen.

En este episodio nos acercamos con Fran Collado (frankcroft.com) a la fotografía de estudio, material mínimo, trabajo con modelos, grupos TFCD, etc.

Fran Collado, que usa el nombre artístico de «Frankcroft», es un joven fotógrafo cercano muy Creativo, de Albacete, donde tiene su estudio de trabajo. En sus trabajos Fran tiene una parte más comercial, otra más de fantástica (con series cómo Lara Croft, Avatar, …) y otra más personal, más íntima. Fran nos cuenta cómo compagina estos trabajos para no estancarse y seguir disfrutando de la fotografía.

Hablamos del material mínimo para acercarse a la fotografía de estudio, y Fran nos habla de los flashes de estudio, de la importancia de que tengan luz de «modelado». Esta luz está encendida mientras el flash no se dispara y ayuda a ver dónde provoca sombras, dónde ilumina el flash antes de dispararlo.

Comentamos la iluminación «Strobist«, un tipo de iluminación con flash de mano, que permite realizar mucho tipos de trabajos, como fotografía de estudio, de una forma bastante económica.

Con un flash de mano (los que no llevan modos automáticos y sólo disparan en manual valen para «casi» todas las cámaras y además son económicos), un disparador remoto (para permitir disparar el flash fuera de la cámara, hay que asegurarse que es compatible con tu cámara) y algún modificador de luz sencillo, como un paraguas (que sujetamos con una rótula de flash de mano y un pie de flash o un trípode) que ya permite hacer muchos tipos de fotografías.

Fran nos habla también cómo es el trabajo con modelos, y nos da unos consejos sencillos que te pueden venir muy bien cuando quieres realizar este tipo de sesiones.

Con la práctica, poco a poco, se va cogiendo confianza y es muy posible que llegues a fotografías donde es muy interesante tener un equipo de trabajo con modelos, peluqueros, maquilladores, estilistas, etc. Algo que parece que es imposible tener al principio, pero que gracias a los grupos TFCD no es algo imposible.

Estos grupos permiten que de forma «altruista» trabaje gente diversa en un proyecto fotográfico. En este trabajo compartido todos salen ganando porque el fotógrafo tienen unas fotografías que puede enseñar, y los modelos, maquilladores, estilistas, etc. igualmente pueden mostrar a los demás sus trabajos. Para comenzar y acercarse a este tipo de trabajos son grupos muy interesantes. Puedes buscar por Internet y ver si hay algún grupo TFCD cercano.

Página Web de Fran Collado: http://www.frankcroft.com/

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Más información en el Blog: https://theimagen.com/podcast

En este capítulo respondo alguna pregunta sobre objetivos y te propongo crear una Fototeca con las fotografías que te gusten, que te impactan por algún motivo. Imágenes que puedes ver por Internet, paseando por la calle, en revistas o libros, etc., dónde sea.

Ya te he comentado varias veces que es muy interesante ver la obra de otros fotógrafos para ir aprendiendo fotografía. Y también de pintores, ya que la fotografía tiene mucho que ver con la pintura. Como es el caso de los retratos de Rembrandt o los paisajes del pintor Holandés Jacob Van Ruisdael.

Puedes crear en tu ordenador una carpeta llamada “Imágenes” y dentro de ella puedes crear dos subcarpetas, una llamada “Fototeca” y otra “Pinacoteca”. Hay debes guardar todas esas imágenes que te llaman la atención, que te atraen por alguna razón.

Da igual el tipo de imágenes que sean, de fotógrafos o pintores reconocidos, de tus fotografías familiares, de tus vacaciones, publicidad que ves en una revista, lo que sea.

Archivar las imágenes que nos impactansupone un esfuerzo mental, supone pensar, detenernos en una imagen y eso hará que sin coger la cámara estemos ampliando nuestra visión.

En el episodio te aconsejo utilizar varias fuentes para nutrir tu archivo de imágenes:

También puedes utilizar revistas, publicidad impresa, postales, etc. Si te es posible recorta esas imágenes y guárdalas en una carpeta física.

Debemos preocuparnos de ir añadiendo poco a poco, las imágenes que nos atraen. Y por quitar las que ya no nos gusten, es normal y no pasa nada, significa que nuestra visión va cambiando.

En el episodio te aconsejo tener un tablero en la pared para ir colgando esas fotos, imágenes de cuadros, etc. que más te gusten. Eso te ayudará a ver relaciones o patrones entre las imágenes.

Esas relaciones, esos patrones pueden orientarte visualmente y ser una fuente de inspiración para tus fotografías.

También te aconsejo guardar citas, eslóganes, textos, etc. que nos interesen en una carpeta llamada “Textos”. Así no caerán en el olvido y seguirán ahí, pudiendo ser una fuente de inspiración.

¡No dejes de utilizar tener tu Fototeca-Pinacoteca!

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La entrada 10. Cómo una Fototeca-Pinacoteca puede ayudarte a mejorar tus fotografías se publicó primero en the imagen.