Víve la fotografía

Vuelta a la carga, hoy está con nosotros Eva Mansilla, una fotógrafa española especializada en fotografía social, familiar, de niños y recién nacidos, con bastantes años de experiencia.

Hace años apostó por la fotografía creando su propia empresa de fotografía, y hoy como todos los profesionales asume con resignación y ganas un futuro un tanto incierto. Charlamos sobre este tema y cómo seguir adelante a pesar de las adversidades

Web: http://www.evamansilla.com/  | Instagram: @evamansillafotografa

(Minuto 8:02)

En su casa lo ha pensado mucho y ha planificado los cambios hasta donde ha podido. También se ha puesto en contacto con los novios para tranquilizarles y quedar a su disposición. Las Comuniones también están aplazadas.

Comentamos cómo en estos momentos hay que tener empatía con los clientes, ponerse en su piel, que eso es importante para demostrar nuestra preocupación y que sea como sea queremos ayudarles.

(Minuto 8:10)

Eva cree que los fotógrafos, como solemos trabajar bastante delante del ordenador, no estamos llevando mal el confinamiento.

Y considera que estas crisis traen nuevas oportunidades que hay que aprovechar. Ella ha aprovechado para relacionarse con compañeros y amigos para seguir adelante.

(Minuto 14:15)

Eva nos cuenta que pertenece a varias Comunidades de fotografía, a nivel Nacional e Internacional y hay uno en Cantabria, de fotografía documental de bodas, que al principio se contaban los problemas que estaban teniendo, pero se dieron cuenta de que tenían que cambiar el chip para no desmoralizarsen.

Crearon un Directorio con las fechas de bodas, para que entre ellos se fuesen ayudando si se solapaban trabajos, etc. Y también pensaron en cómo ampliar el Portfolio fotográfico, para abrir más servicios y que problemas como el actual, no afecten tanto.

La Comunidad a la que se refiere Eva se llama “Flecha en blanco” y si alguien está interesado, y trabaja en fotografía social documental, puede rellenar el formulario para poder entrar en la Comunidad.

Comentamos lo bueno que es crear relaciones con otros compañeros, para ayudarse, para aprender, etc.

(Minuto 20:02)

Independiente de lo que uno haga, al final todo se puede llevar a tu terreno y es bueno tener referencias y aprendizajes de otras áreas de la fotografía.

Comentamos que tanto para lo fotográfico, como para el negocio, es bueno diversificar las fuentes de ingresos.

(Minuto 21:40)

Eva y yo nos conocimos en un curso de Productividad, y le pregunto por este tema.

Eva nos comenta que muchas veces en fotografía nos dejamos llevar por el ego, por el artisteo, pero que hace ya un tiempo vio lo importante que era por ejemplo temas como el marketing.

Organización, planificación y enfoque, son las 3 cuestiones fundamentales de las que nos habla para llevar a buen puerto tu proyecto.

(Minuto 26:06)

Eva nos explica que venía de una familia bastante humilde, y que con esfuerzo realizó su Secretaria en un Multinacional, pero por una

Eva montó su tienda de fotografía, y con el paso del tiempo empezó a ver que no era lo que quería. Y a los 3 años decidió cerrar el estudio y dedicarse a lo que le llenaba, la fotografía social, familiar, de niños y recién nacidos, etc.

(Minuto 31:15)

Realmente nos cuenta que no percibía que fuese a ser difícil, por su carácter optimista.

En su caso, lo más duro fue a partir de una dura enfermedad hace unos años, a la vuelta tuvo que reinventarse y eso

(Minuto 36:20)

Sin duda para ella son las personas, a ella le motiva mucho el legado visual que los fotógrafos podemos dejar con nuestro trabajo.

Son tesoros que disfruta mucho. Y también cómo no, la satisfacción personal de ver las obras que va consiguiendo.

Nos habla de algunas fotos familiares suyas y comentamos la magia de la fotografía para guardar recuerdos.

Ella recomienda a sus alumnos quedarse sólo con una fotografía por sesión.

(Minuto 42:42)

Nos explica que es más el aprendizaje a nivel personal y que ahí no cambiaría nada, todo le ha aportado y está agradecida.

A nivel profesional hacer las cosas bien, tener claro desde el principio que esto es un negocio.

(Minuto 49:56)

La naturalidad de lo que está pasando, de la persona que tiene delante. Aunque sea un escenario preparado, que no lo parezca.

Ve muchas veces cosas poco naturales y comenta los retratos corporativos, y nos explica que ella insiste a sus retratados que si quieren aparecer riendo que rian de verdad, para que eso se transmita en las fotos.

(Minuto 53:28)

Nos cuenta que muchas veces veía que emprendedoras y emprendedores cuidaban las fotos de su Web, etc., pero que en redes sociales no las cuidaban mucho.

Por eso se le ocurrió al principio del confinamiento hacer un reto para que ellos mismos se hiciesen sus propios autorretratos. Nos explica la diferencia entre en Selfie y un Autorretrato, al aplicar una intención y un cuidado estético en la foto.

(Minuto 1:00:57)

Nos habla de una fotógrafa mexicana que se llama Flor Garduño, cuya obra le inspira mucho. Su libro “Flor”, nos cuenta que es una introspectiva de la mujer, que le parece muy inspiradora.

También nos habla de dos libros de un amigo suyo, Jon Rodríguez Bilbao, llamados “Sound checkin” Vol. 1 y 2. Unos libros autoeditados que recoge retratos realizados por este fotógrafo en un bar musical a distintos músicos, cantantes,… como por ejemplo al Gran Wyoming.

Terminamos hablando de las oportunidades y el aprendizaje que podemos sacar a partir de esta situación del Coronavirus. Ojalá así sea

Eva Mansilla es una fotógrafa de bodas, fotografía familiar, recién nacidos, … una fotógrafa profesional con bastantes años de experiencia que intenta plasmar en sus fotografías las vivencias que ve, de forma natural, siendo consciente del valor que tiene la fotografía. Web: http://www.evamansilla.com/  | Instagram: @evamansillafotografa

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Eva Mansilla? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 177. Seguir adelante en la adversidad con Eva Mansilla se publicó primero en the imagen.

Hoy te quiero hablar de un proyecto solidario interesante, se trata del proyecto SUMARTE. Una iniciativa que empieza ya, este próximo fin de semana 2 y 3 de mayo 2020.

Nos cuentan sobre este proyecto Marta Iraola, como Coordinadora del proyecto y Javier Tles, como fotógrafo participante.

Instagram del proyecto: @sum_arte2020

El proyecto consiste en una serie de subastas benéficas de fotografía llevadas a cabo a través de las redes sociales, con el propósito de ayudar a las personas más afectadas por la crisis del COVID-19. La iniciativa surge con un compromiso: apoyar a las organizaciones que, a pesar del enorme desafío que supone la pandemia actual, continúan ayudando en primera línea. Todo el dinero que se genere con la venta del ARTE de los fotógrafos participantes, a través de las subastas solidarias, irá directo al Banco de Alimentos de Madrid.

Como parte de la comunidad artística, los creadores del proyecto tienen un fin claro: aportar todo lo que esté en su mano. De esta manera, mediante SUMARTE se trata de convertir el ARTE en ALIMENTOS.

La primera subasta se realizará el día 2 de mayo de 10.00 a 22.00 horas. Cada artista subirá la foto a subastar en su perfil, y para pujar, los usuarios escribirán su oferta en los comentarios.

La puja más elevada al terminar el plazo se llevará la obra, y el dinero irá destinado íntegramente al Banco de Alimentos de Madrid. Tras abonar 15 € de gastos de envío y de impresión, el usuario ganador de la subasta recibirá su copia de la foto. Pueden consultarse las bases en @sum_arte2020

Si quieres participar como fotógrafo ponte en contacto con Marta mediante el correo «[email protected]» o mediante Instagram: @marta_iraola

Pero sobre todo también te animo a colaborar económicamente comprando alguna de las obras.  ¡SÚMATE! 

Javier también nos habla de este proyecto para documentar mediante la fotografía las vivencias de este momento histórico, puedes ver las fotografías del proyecto y colaborar en este perfil de Instagram: @we_are_closer

Nunca hemos estado tan necesitados de ARTE, pues como dijo Twyla Tharp: ”El arte es la única forma de escapar sin salir de casa”.

La entrada Proyecto SUMARTE: convierte ARTE en ALIMENTOS se publicó primero en the imagen.

Espero que estés llevando de la mejor forma posible el confinamiento del Coronavirus

Hoy nos visita  Martí Sans, un fotógrafo español especializado en fotografía de producto, gastronómica y life style que cuenta ya con mucha experiencia.

Ha trabajado para importantes marcas como Chupa Chups, Danone, Gallina Blanca, Roca, entre otros. Además dedica parte de su tiempo a la formación y es autor del libro “Aprende a fotografiar productos como un profesional”.

Web: http://martisans.com/  | Instagram: @martisansphoto

(Minuto 4:14)

Para Martí lo más importante es que cumpla su función de venta, de que cuándo una persona vea la foto le acerque a la compra.

Luego la parte estética es muy importante para él, pero lo fundamental es que sea una foto que venda.

(Minuto 5:38)

O intenta transmitir mucha naturalidad, con luces muy suaves y agradable o se va a algo más surrealista, más colorido, más loco.

Generalmente se mueve entre ambos extremos.

(Minuto 7:01)

Empezó a estudiar cocina, después pastelería, ya que le encanta cocinar. Pero con sus primeros trabajos de cocinero se compró su primer réflex básica y comenzó a fotografiar sus platos. Al final vio que le gustaban ambas cosas, pero la fotografía le daba más libertad de horarios.

Reivindica el valor de la palabra «bodegones», se considera autor de bodegones

(Minuto 9:42)

Nos cuenta que efectivamente no hacen falta mucho medios. A veces considera que la falta de equipo es la excusa para no hacer cosas, pero que si no se logra sacar una buena foto con medios más básicos, será difícil hacer buenas fotos con muchos más medios.

Explica cómo en sus cursos intenta mostrar esto y con una cámara réflex básica y un objetivo 50mm súper barato, demuestra que se pueden hacer fotos muy buenas, sobre todo pensando que en la fotografía de producto se puede usar trípode y la respuesta al ISO no es algo crucial.

Comentamos también la necesidad de un buen trípode, que sea pesado y estable, que no sea de estos súper baratos que son muy inestables.

(Minuto 15:37)

Sus ópticas básicas son un 100mm y un 50mm. El 100mm es un objetivo estrella, con el que siente más cómodo, ya que muestra la porción justa de escena que quiere, la compresión de objetos, etc.

Recientemente está innovando, nos explica y se ha comprado un 90mm descentrable y ahora quiere comprar un 35mm para ciertas tomas cenitales que necesita cubrir un área más grande.

Comentamos que este tema de focales es importante, porque hay fotógrafos de producto que usan distintas focales, lo que afecta a su obra. Algo más importante, que hablar de cámaras.

(Minuto 18:29)

Martí suele usar iluminación artificial, porque es más versátil para él, no tiene que estar pendiente de los cambios de la luz natural.

Con un flexo de escritorio pueden conseguir buenas fotos para empezar. Con un poco de papel de horno blanco (como difusor).

En caso de querer comprar un flash, aconseja comprar uno sólo, no un kit de varios flashes. Nos cuenta que un flash es un problema, dos flashes, dos problemas

(Minuto 21:12)

Martí sí que anima a dedicarse a ello si , no está tan mal como el fotoperiodismo.

Tendrás que hacer más e-commerce al principio, con fotos de catálogo, pero poco a poco, vas adquiriendo clientes y confianza.

Enfrentarte a una botella de vino es una buena forma de empezar, por la complejidad de los reflejos.

Considera que este tipo de fotografía tiene bastante tirón y que si te lo tomas como un aprendizaje, aunque al principio ganes poco dinero, seguro que tienes conocidos o empresas cercanas con las que comenzar a trabajar.

(Minuto 24:38)

Martí vende fotos en una de las páginas más reconocidas de fotografía de stock, que es Stocksy.

Prácticamente para él representa la mitad de sus ingresos y podría vivir sólo de este tipo de fotografía, pero también nos explica que es un tanto aburrida porque trabajas completamente sólo y tienes que ser muy disciplinado.

(Minuto 27:16)

Le pregunto a Martí Sans si los clientes suelen marcarle mucho su trabajo o le dejan más manga ancha.

Nos explica que cuando le llegan muy cerrados es porque generalmente vienen de una agencia, pero otras veces le llegan propuestas sin definir.

La verdad es que disfruta ambas cosas, y cree que cada vez los clientes confían más en su visión y cuentan más con él.

(Minuto 29:50)

Sobre todo sigue a otros fotógrafos de producto por Instagram, pero confiesa que a pesar de vivir de la fotografía, no se considera especialmente amante de la fotografía.

La pintura por ejemplo sí que le gusta mucho, va bastantes veces al Prado, en Madrid.

Aunque últimamente sí que está dedicando más tiempo a ver la obra de otros fotógrafos, algo que había rehusado por el miedo a copiarles sin querer, a contagiarse de sus ideas. Pero superando ese miedo a copiar ideas, quizás algo obsesivo nos explica, ahora sí que intenta conocer más fotógrafos.

(Minuto 33:11)

Su libro “Aprende a fotografiar productos como un profesional” es muy completo y le pregunto por la preproducción.

Para Martí es muy importante por los errores que evitas. Con el tiempo la preproducción le lleva más tiempo y menos el shotting, la captura.

Desde un buen presupuesto que esté todo bien atado con el cliente, hasta tener todo el material que vas a utilizar, siendo precavidos.

Nos da otro consejo, tener una Checklist con las cosas que necesita preparar antes de salir de casa para ir a hacer un trabajo.

Comentamos la importancia de crear rutinas y sistemas que optimicen nuestro tiempo, y de que muchas veces damos por hecho que hay que trabajar mucho, cuando debemos centrarnos en vivir y disfrutar de las cosas

(Minuto 39:15)

Cree que lo que más usa son rollos de  de las marcas “Lee” y “Rosco”. Con ello tiene más libertad para ajustar más el tamaño y la posición respecto a la luz, que un softbox tradicional.

Aunque luego como segunda luz, sí que usa un softbox 90×60 cm, que ya da una luz suave si se acerca a la escena y si lo necesita, puede tapar parte de él y crear un “Stripbox”, para crear reflejos delgados.

(Minuto 41:32)

Le pregunto a Martí Sans por esta técnica de enfoque que está muy bien explicada en su libro.

Nos explica en qué consiste esta técnica para maximizar el enfoque uniendo varias fotos que tienen distinto punto de enfoque, para cuándo por la profundidad de campo, con una sóla imagen, no se puede sacar todo enfocado, por mucho que se quiera.

El suele hacerlo en Photoshop o con el software “Helicon focus”, que también va muy bien.

Comentamos también que hay cámaras que ya empiezan a aplicar este proceso de forma automática, lo que puede ahorrar mucho tiempo. Esto nos lleva a que Martí se reafirme en que es algo estupendo, porque no busca trabajar muchas horas, si no lo justo para disfrutar de sus pequeños placeres, algo que convenimos, justo ahora especialmente, en estos momentos con la pandemia del Coronavirus, tiene mucho sentido

(Minuto 45:02)

Martí Sans suele trabajar ahora con su compañera, Senia, que es Directora de Arte, lo que le ha llevado a optimizar todo lo que invierte en atrezo y a conseguir un mejor resultado.

Está claro que tener una persona especialista en el uso del color y otros temas es algo súper interesante.

(Minuto 48:35)

Para Martí es una parte más del proceso, no es ningún radical, hace lo que tiene que hacer y listo. Generalmente piensa qué le va a llevar menos trabajo, si crear algo digitalmente o en la producción y elige, poniendo siempre por delante conseguir un buen resultado, no sacrificar calidad.

Para él el postprocedo es una herramienta más y la usa sobre todo para limpiar impurezas, pequeños cambios de color.

Comentamos un poco sobre las herramientas de revelado Lightroom y Capture One. Martí Sans suele usar Capture One, que le gusta más. Pero terminamos hablando del experto Hugo Rodríguez y un alumno suyo, Jose Pereira, que es todavía más “friki” (jejeje) y tiene un artículo sobre las diferencias de gestión de color de ambos programas: http://www.jpereira.net/apuntes-breves/capture-one-vs-adobe-camera-raw-la-reproduccion-del-color

(Minuto 54:21)

Martí Sans es profesor habitual de WorkShop Expirience en Madrid. Ahora está dando talleres de fin de semana.

Y en Domestika tiene 3 cursos sencillos, pero muy prácticos y amenos:

Comentamos la importancia de la formación y de ponerla en práctica, que no nos quedemos sólo en la compra, si no que le saquemos provecho

Martí Sans es un fotógrafo español especializado en fotografía de producto, gastronómica y life style, que ha trabajado para grandes marcas como Chupa Chups, Danone, Gallina Blanca, Roca, entre otros. Es también formador y autor del libro “Aprende a fotografiar productos como un profesional”. Web: http://martisans.com/ |Instagram: @martisansphoto

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Martí Sans? ¿Qué te parece su obra? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 176. Fotografía de producto con Martí Sans se publicó primero en the imagen.

Hoy nos visita Víctor Torres, un fotógrafo especializado en fotografía de Stock que cuenta con mucha experiencia.

La fotografía de Stock es una forma de obtener unos ingresos para aquellas personas que quieran vivir de la fotografía u obtener unos ingresos «extra».

En la entrevista Víctor nos cuenta cómo acceder al sector y nos da unos estupendos consejos para empezar en este mundillo.

Blog: https://mymicrostock.net/  Instagram: @somatuscani | @addictivestock

Para desarrollar tu creatividad y que no te aburras en casa, te animo a participar en los ejercicios visuales que te propuse en el episodio 174

(Minuto 6:23)

Víctor nos relata que nunca pensó dedicarse a la fotografía.

Su incursión a la fotografía fue totalmente amarteur, ya que venía del mundo de la publicidad y del diseño gráfico. Durante muchos años trabajó en una agencia de publicidad, era encargado de comprar fotos en bancos de imágenes para los diseños que se hacían y un día vio que también podía subir sus fotos a los bancos de imágenes, poco a poco iba subiendo fotos vendía algunas, iba mejorando, fue como un hobby, la fotografía fue algo que siempre le gusto pero, en principio tenía un nivel muy básico.

(Minuto 8:44)

Víctor nos cuenta que es fotógrafo gracias al stock.

Considera que lo bueno que tiene el stock, que es fotografía publicitaria, es la exigencia de calidad y la  técnica, son superiores, y le ha hecho aprender muchísimo, incluso recibiendo muchas críticas y correcciones en fotografías que parecían perfectas.

Víctor también nos comenta que al comenzar era como  un hobby para él, así que cada momento fue de gran aprendizaje. Además no aconseja que hay que saber recibir las críticas para aprender y nos confiesa que la fotografía publicitaria ha sido su mejor escuela de fotografía.

(Minuto 12:32)

Eduardo nos relata que se dieron varias circunstancias, debido a que llevaba varios años en al agencia donde estaba, llevaba varios años subiendo fotos a los bancos de imagenes y trabajos en particulares, llegó a un punto donde estaba ganando lo mismo con los bancos de imágenes y la agencia donde estaba trabajando.

Tiempo después le hicieron una oferta de una escuela de fotografía en Madrid y decidió probar, le dio más tiempo libre para dedicarle más tiempo al stock de una manera más profesional, y realizar sesiones comerciales que es lo que vende en stock.

(Minuto 16:16)

Víctor nos cuenta que en el año 2006-2007 fue cuando empezó con esto, fue la época dorada del stock, en ese momento no lo sabía, en los cursos que dicta hoy, les dice a sus alumnos que hay que olvidarse de hacerse millonario en un mes, es un negocio lento, que es muy transparente, cuando más propongas, más arriesgues y mejor seas, más posibilidades tienes de ganar mucho dinero con esto.

Lo bueno que tiene, es que como no tienes ningún tipo de compromiso con las agencias con la cantidad de fotos al mes, lo puedes acoplar a tu medio de vida, puedes dedicarle algunas horas al día como Víctor hizo al principio, pero si realmente le quieres meter esfuerzo y dedicarte a esto, es exigente, porque tienes que tener poder mental fuerte para asumir que vas a trabajar mucho al principio sin ningún beneficio.

(Minuto 22:48)

Víctor nos comenta que depende de muchas cosas, del portafolio, la cantidad de imágenes, del estilo de fotografía, si son fotografías comerciales, entre otros.

Por ejemplo, nos indica que hay portafolios de 50.000 imágenes y no venden muchos y hay portafolios con 3.000 imágenes pero son bestseller y venden una barbaridad.

Nos confiesa que, alguien que lleve mucho tiempo en esto, puede llegar a un sueldo de 5 cifras, es bastante normal, debes tener un contenido comercial realmente bueno. Además, un caso normal, digamos un buen portafolio de unas 2.000-3.000 imágenes, no es difícil de llegar a un sueldo de 2.000-3.000 dólares mensuales, puede ser 1- 2 años trabajando para llegar a esas cifras.

(Minuto 29:11)

Realmente no hace falta un equipo profesional para empezar, Víctor tiene muchas fotos a la venta hechas con su móvil, por supuesto cuanto mejor sea el equipo que tengas puedes obtener mejores resultados, con una cámara de gama media- gama baja puedes empezar a hacer tus sesiones en stock.

Cuando Víctor empezó era una cámara muy básica, y nos confiesa que de esas tiene muchísimas fotos a la venta. Sin embargo, el problema es la competencia que hay hoy en día y el nivel de exigencia es cada vez mayor, así que contar con un equipo de calidad es importante y dependiendo también el tipo de fotografías de hagas.

(Minuto 31:36)

Víctor nos comenta que ese proceso de evaluación es diferente en cada agencia, en algunas no hay prueba de ingreso, las que consideren buenas las tomas y las que no, las rechazan.

Víctor nos recomienda, no arriesgar demasiado en el contenido que se sube para el examen de ingreso, intentar con fotos más normales, pero que estén perfectas técnicamente, luz, color, foco, ruido, una vez aprobado ese examen empieza a subir contenido más arriesgado.

(Minuto 37:09)

Víctor nos explica de una manera sencilla para entenderlo, la diferencia viene definida por el precio que tienen las imágenes.

Microstock los precios son muy baratos y se vende en gran volumen, y en macrostock son más caras, son más exclusivas y hay estilos de imágenes que no se aceptan.

(Minuto 39:46)

Depende del tipo de foto que se haga, Víctor nos recomienda empezar con microstock, para empaparse en cómo funciona todo el sector del stock, cómo poner a la venta la fotografía, palabras claves, metadatos, todas esas cosas súper importantes de postproducción.

(Minuto 41:12)

Víctor considera que si quieres ganar dinero con esto, tienes que enfocarte un poco a las temáticas que más venden, estilos de vidas, familias, parejas, personas haciendo tareas cotidianas, medicina, salud y belleza.

Además, ha recomendado ver mucha publicidad, hay que estar al día con el tipo de fotografía, la paleta de color, el mood, deportes, viajes, paisajes, gastronomía..

Lo bueno del stock es que como se vende de todo, cualquier fotógrafo tiene cabida en el stock.

(Minuto 43:49)

Si es importante, en el stock es complejo que vale más cantidad o calidad,  Víctor en sus  inicios reconoce que calidad no tenía, pero ha tenido sorpresas ya que he tenido fotos que pensó que no le iban a funcionar para nada y resulta que le han dado mucho dinero.

Al principio no descarta subir todo lo que se pueda, igual no es fácil subir una foto ya que hay que invertirle mucho tiempo.

(Minuto 46:48)

Con subir 100-150 fotos al mes, es más que suficiente para ir creciendo a un volumen importante, al cabo del año estas en 1000 y pico de fotos a cabo de ese año ya tienes que ver un retorno en ventas, con que hagas una sesión cada 2 semanas ya lo tienes, pero depende del tipo de fotografía en el stock siempre hay que optimizar todos los recursos que tengas.

Le pregunto también por las fotos a subir de cada tipo de sesión y nos explica que realmente depende del tipo de foto que hagas, si por ejemplo de una sesión de 2 horas, mínimo suele sacar 1000 fotos, al final las buenas son 50.

(Minuto 53:06)

Víctor nos comenta que lo de trabajar con personas o modelos, es el paso que hay que dar para ver que tus ventas se disparan, fotos de personas haciendo cosas cotidianas es lo que se vende en general.

En su experiencia, no se sentía cómodo tomando fotos a personas o modelos, es normal que se generen esos momentos de duda, es muy importante que se nos quite ese miedo ya que necesitas ser un buen fotógrafo y saber dirigir a los modelos, eso es fundamental para captar los momentos en las fotos y obtener mejores resultados y es algo que normalmente no se dan en las escuelas de fotografía.

(Minuto 56:19)

Para Víctor, la ayuda de Denia, su mujer, lo es todo. Sin el trabajo que realiza ella, la pasaría mal.

Nos comenta que a veces él le da una idea de una sesión o incluso ella misma se le ocurre una idea, entonces ella misma se encarga de encontrar modelos y entre los dos decidimos que modelos puede funcionar mejor para desarrollar esa idea, se realiza toda la pre-producción fundamental para que el dia de la sesión para que todo vaya bien y todo funcione.

Víctor nos dice de acuerdo a su experiencia que al principio cuando no tienes todos los recursos, o tienes la suerte de contar con tu pareja o trabajas con alguien de confianza que te ayude de manera desinteresada, resulta muy difícil todo ese trabajo de gestionar todo ya que te puede llevar semanas de trabajo hacer todo eso.

(Minuto 1:01:53)

Víctor nos cuenta que antes de empezar a dar cursos presenciales, había montado su blog, y se dio cuenta que la mayoría de fotógrafos que conocía no tenían ni idea de lo que era el stock, de que era o cómo funcionaba.

Referente a los cursos presenciales pasa lo mismo, de no tener una idea clara de qué es comercial y qué es lo que vende.

En los cursos se ven ejemplos de Víctor y de otras personas, se ven fotografías que han generado mucho dinero para entender porqué hay fotografías que se han logrado vender bien y porque otras no.

Una vez entendido que hay que producir y que hacer, te das cuenta que no todo lo que tienes realmente vale para la venta.

Víctor siempre dice que cuando tengas una imagen tuya en la pantalla, siempre piensa quién compraría esa foto y para qué tipo de campaña publicitaria la usaría.

(Minuto 1:07:15)

De momento Víctor no tiene ninguno curso abierto, pero si luego de este problema del virus quiere programar otro curso en algunos meses, que se publicará en su blog http://mymicrostock.net/, espera que en un par de meses para ver que todo esté en orden, para realizar 3-4 cursos al año.

El día 11 de abril imparte un taller de iniciación, al que te puedes registrar aquí: https://www.crowdcast.io/e/victortorres/register

(Minuto 1:08:04)

Le pregunto a Víctor por su ambicioso proyecto de distribución de imágenes “AddictiveStock” (www.addictivestock.com) y nos explica cómo surgió y de qué forma ayuda a los fotógrafos quitándole la faena de publicar sus fotos en distintas agencias y además poder llegar a agencias “Premium” que es muy difícil poder acceder a ellas.

(Minuto 1:13:05)

Nos cuenta que ver la publicidad de vez en cuándo para ver cómo se hacen esos anuncios, así como el cine, que otra de sus fuentes de inspiración.

Víctor Torres es un fotógrafo español especializado en fotografía de Stock. Es un fotógrafo que cuenta ya con mucha experiencia y que publica sus fotos de stock en las agencias más importantes a nivel mundial. Creador del blog MymicroStock.net y la distribuidora de imágenes AddictiveStock.

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La entrada 175. Fotografía de stock con Víctor Torres se publicó primero en the imagen.

Este episodio iba a ser una entrevista a un fotógrafo, pero dadas la situación actual, me es imposible abstraerme y continuar casi como si no ocurriese nada.

Es cierto que hay que intentar en la medida de lo posible “normalizar” la situación y seguir con nuestras vidas, pero la situación es difícil y creo que merece hablar sobre ella, más allá de generar contenido para entretener.

Han surgido muchas iniciativas para paliar el confinamiento al que nos ha sumido el Coronavirus (COVID-19), pero también creo que es momento de reconocer nuestros miedos, incertidumbres, etc.

Hoy está con nosotros Elena Dapra, una psicóloga clínica que ya tuvimos en el episodio 147 y que nos deja unos buenos consejos par sobrellevar estos momentos.

Lo que está sucediendo es muy grave y la verdad es que no puedo evitar que me afecte. En este episodio quiero trasladarte la reflexión principal que creo que más nos puede ayudar en esta situación, ahora que nos hemos visto obligados a parar y a revisar algunas de nuestras creencias.

Para no aburrirte en casa : https://theimagen.com/10-tematicas-practicar-en-casa/

(Minuto 27:03)

A modo de resumen Elena nos aconseja:

Y nos recomienda practicar a diario:

Documento recomendaciones Elena Dapra: https://theimagen.com/documento-elena-dapra/

(Minuto 49:03)

Te propongo 2 ejercicios fotográficos para fomentar tu creatividad y distraerte :

Puedes enviar una foto de cada ejercicio al correo: ejerciciovisual(arroba)theimagen.com

Luego prepararé un lugar en Internet donde mostrar los trabajos

Termino el episodio leyendo un texto sobre una leyenda de Alejandro Magno, el rey macedonio, extraído del interesante libro «¿Qué harías si no tuvieses miedo?» de Borja Vilaseca.

Ojalá podamos crear algo bueno partiendo de esta situación y al menos el Coronavirus, la enorme desgracia que ha traído, que haya quedado en balde.

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La entrada 174. Y llegó el Coronavirus se publicó primero en the imagen.

Ya iba tocando un episodio de contenido, se ha echo un poco de esperar, pero aquí está, en plena crisis en España con el Coronavirus.

En este episodio quiero mostrarte que puedes conseguir las metas que te propongas en la fotografía, pero deberás superar ciertos mitos que existen al respecto.

Muchas de las cosas que te comento aquí las he ido aprendiendo a lo largo de los años y espero que te ayuden en tu propio camino para conseguir tus sueños

Artículo del Blog:  https://theimagen.com/metas-fotografia/

La fotografía puede aportar mucho a tu desarrollo personal, al ver cumplidas tus expectativas creativas, expresivas, al sentir y ver tu evolución

Y si tu sueño es dedicarte a ella, vivir de la fotografía, también puedes conseguirlo, aunque no sea fácil

Todos tenemos un potencial creativo ilimitado, pero la vida, la sociedad tal y como la tenemos montada, nos limita y no nos deja crecer.

Apretar un botón de disparo de una cámara es muy sencillo, pero fotografiar bien, conseguir buenas imágenes, que expresen, que emocionen, ya es otro cantar.

Que ser un buen fotógrafo sea difícil no es descorazonador ni debe desmotivarte, es justo al contrario.

Si la buena fotografía fuese cuestión de unos pocos elegidos por su talento o algo tan sencillo como aplicar unos cuantos trucos y métodos infalibles, entonces la fotografía sería algo injusto y no un bonito medio de expresión y un arte.

Si te pones a trabajar, pones foco en lo importante y además utilizas un sistema de trabajo óptimo (ahora hablaremos de él), estarás en la senda de alcanzar tus metas.

Además, es una senda que no va a seguir todo el mundo, porque implica trabajo, organización y esfuerzo.

Pero para dominar algo, incluido lo artístico, el talento y la creatividad innatas son irrelevantes.

Si crees tener ese talento, enhorabuena, el mito suena bien y querrás creerlo. Por el contrario, si crees no tener ese talento, será la excusa perfecta para no seguir avanzando.

¿En lugar de talento que necesitas?

Sistemas, sí una palabra un tanto fea si hablamos de crear buenas fotografías y de arte ¿Verdad?

Para hacer un gran trabajo y ser un estupendo músico o fotógrafo, el talento no es clave.

El precio es el trabajo y el esfuerzo.

No creas que tu pasión lo es todo, que sólo con pasión vas a vencer cualquier obstáculo.

Mi consejo es que vayas poco a poco. Por seguir tu pasión, para nada te aconsejo dejar tu trabajo sin un plan B.

Que tu pasión sea gasolina “extra” para avanzar, pero no le confíes todo a ella y crea un sistema que te permita avanzar y que sea realmente tu vehículo

Otro de mis grandes aprendizajes es que cada persona tiene que seguir su camino, tiene que encontrar su propio camino hacia el éxito.

De nada sirve seguir la senda de otras personas. Esas sendas nos sirven de aprendizaje, de referencia, de inspiración… pero nada más.

Si no tienes grandes metas, sólo mejorar un poco tus fotos o dominar tu cámara, no te será demasiado complicado, aunque tendrás que echarle también su tiempo.

Ahora, si tienes metas más elevadas, te gustaría conseguir imágenes que te llenen, con las que te sientas realizado, sí que vas a tener que dedicar bastante más tiempo.

Y si quieres llegar a vivir de la fotografía o ya vives pero quieres mejorar tu negocio, además de lo anterior, mi consejo es que aprendas también todo lo que puedas sobre productividad, marketing, etc.

Hoy día he conseguido ser un CREADOR de imágenes que me llenan, de las que estoy orgulloso, y también he podido CREAR un negocio propio, como plan B, de un trabajo que no me llenaba.

Por si andas atascado en tu camino y crees que necesitas ayudar, he creado mi programa CREADORES.

Es un programa ambicioso porque busco provocar esa transformación y para ello vas a estar durante 6 meses conmigo, justo a mi lado.

Quiero que avances hacia tus sueños y seas un rotundo caso de éxito.

El programa empezará en abril de 2020.

Sólo puedo comprometerme a ayudar a 5 personas, haré una selección, si te interesa completa este formulario:

>> Completa el formulario con tus datos

Si te animas, leeré con cariño tu situación y ojalá nos veamos dentro pronto.

¡Buen viaje y felices fotografías!  

Hoy en la agenda visual hablo de estos temas:

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Qué opinas de los mitos que he comentado? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 173. Cómo alcanzar tus sueños en la fotografía se publicó primero en the imagen.

Hoy nos visita Eduardo Blanco, un reconocido fotógrafo español especializado en fotografía de naturaleza y paisaje. Sin ir más lejos, el año pasado fue galardonado con el premio “GDT European Wildlife Photographer of the Year 2019«, por la Asociación Nacional de fotógrafos de Naturaleza de Alemania.

Autor del libro «Fotografiar con mal tiempo», hablamos de su visión de la fotografía, nos da unos buenos consejos para sacar provecho a todas las condiciones climáticas, comentamos sobre su equipo, etc.

Web: https://ebmfoto.com/  |  Instagram: @ebmfoto

Te animo a participar en el reto fotográfico #49 sobre un día nublado: https://theimagen.com/reto/49

También te dejo mi Web de fotografía comercial : https://www.fotoenamora.com/

(Minuto 5:37)

Eduardo considera que al final es normal que por un lado queramos salir al campo a conocer más sobre la naturaleza y eso te lleva a querer registrar lo que ves.

En su caso que estudio guarda forestal y cuándo tuvo un cambio de contratación vio la oportunidad de dedicarse a la fotografía.

(Minuto 7:15)

Eduardo ve más difícil sacar todo el potencial de algo que no se ama. A él le llegan peticiones de fotografía social (bodas, comuniones, …) y no es algo que le llena.

Sin embargo, si tiene que madrugar 10 días seguidos para conseguir una foto en concreta no le cuesta.

Comentamos que cuándo te gusta un tema, te informas y eso te prepara mejor para capturar de la mejor forma posible ese tema o disciplina.

(Minuto 9:34 )

Para él depende de que tipo de fotografía sea, si es de un paisaje, un animal, una planta, etc.

Nos habla de que según lo que se busque mostrar, se puede mostrar distintas cuestiones y comentamos que no siempre se debe buscar “lo bonito”.

En ese sentido, Eduardo nos comenta que puede ser interesante que trabajemos en proyectos de cosas que tenemos cerca. Muchas veces nos atrae cosas lejanas, cuándo desconocemos lo que hay cerca y somos las personas más idóneas para capturarlas.

Hablamos sobre la importancia de analizar bien un tema, porque en todos sitios hay cosas que aunque nos parezcan “normales”, pueden ser interesantes para muchas personas.

(Minuto 15:48)

Eduardo nos explica que lo primero es adquirir unas habilidades fotográficas, las propias de cada disciplina. Así como tener el equipo que mejor se adapte a las necesidades.

Después, considera, que lo importante es ir encontrando nuestro propio estilo, más allá de las fotos que nos gustan. Aunque aclara que el estilo no debe ser repetir siempre el mismo tipo de fotos.

Le comento la importancia del autoconocimiento, para este tema.

(Minuto 20:01)

Le comento a Eduardo que al principio uno parece que busca días soleados, de buen tiempo, como buenos días para fotografiar, pero que luego no es así,

Si queremos conseguir fotos diferentes, hay que salir a fotografiar en momentos diferentes.

Nos comenta que se pueden conseguir fotos interesantes con cualquier condición atmosférica, pero cree que se pueden conseguir fotos más llamativas cuándo hay condiciones extremas, porque serán fotos menos vistas.

(Minuto 24:23)

Le pregunto a Eduardo, cómo aprovechar esta condición climática, que sé que le gusta y que es un buen momento, ya que

Eduardo nos explica que la niebla aporta varias cosas interesantes. En primer lugar simplifica mucho una escena al ocultar mucha información, y luego nos habla de las 3 situaciones en que podemos estar: sobre la niebla, a la altura del límite o dentro de ella. Y nos cuenta aspectos interesantes sobre cada situación.

(Minuto 28:48)

Nos cuenta que realmente le toca hacer un poco de todo. En ocasiones tiene la foto clara, y le toca esperar el momento oportuno.

Pero que siempre hay que estar abierto a las cosas que vemos espontáneas. Comentamos sobre la luz y cómo podemos aprovecharla en cualquier circunstancia.

(Minuto 31:38)

Nos explica Eduardo que en este libro quería mostrar su mirada sobre este peculiar paraje.

Esta visión está contada a modo de guión, a través de la luz, por lo que nos explica que hay fotos que no ha incluido finalmente porque no encajaban en ese guión, a pesar de que al principio pensaba que no podían faltar, pero cree que ha quedado así un libro más interesante.

Un libro en el que ha estado trabajando 20 años, nos cuenta.

Considera que lo cercano puede ser de mucho aprendizaje, para él las “Bardenas Reales” ha sido su escuela. Y nos habla de sus inicios y cómo comenzó a fotografiar en este lugar.

(Minuto 37:40)

Nos cuenta que él se planteó una espiral, conocer primero lo cercano e ir ampliando el radio poco a poco.

Eduardo nos explica que comenzó recorriendo todas las calles de su pueblo, quería empezar desde lo más cercano y nos da para hablar un poco sobre la importancia de agudizar la mirada para sacar

(Minuto 40:21)

Nos comenta que efectivamente en todos los sitios puede haber buenas fotos y son destinos interesantes.

Los destinos a los que va son puramente por gustos personales. Nos explica que le gusta buscar lugares distintos a lo que vivimos en occidente. Eso le ha llevado a valorar mucho lo que tiene.

Comentamos un poco sobre los valores, muchas veces equivocados, que tenemos y el excesivo peso que damos a lo material.

(Minuto 44:36)

Eduardo nos comenta que hacen viajes cercanos de fin de semana y también viajes a lugares que le gustan como nos ha comentado.

En Croacia suele visitar a los lagos de Plitvice, en Mongolia la fiesta del Naadam, Etiopía a la depresión del Danakil y luego visita países como Irlanda, Finlandia, Alaska… entre otros.

(Minuto 48:40)

En su caso utiliza objetivos zoom por no ir tan cargado. Eso le permite con pocos objetivos conseguir un gran abanico de fotos.

El objetivo que más usa es el 24-105mm y para animales 100-400mm. Si va a hacer fotografía macro, suele incluir ya algún flash, tubos de extensión, etc.

Los objetivos fijos que más utiliza son el 100mm macro y el 14mm f/1.8 más para fotografía nocturna.

(Minuto 55:03)

Más que un error, Eduardo trata de hacer conscientes a los alumnos lo que buscan transmitir. Que no se queden sólo en lo bonito.

Comentamos lo importante que es la intención y usar las herramientas para conseguir un resultado y no quedarnos sólo en aplicar determinadas técnicas o usar esas herramientas.

(Minuto 57:45)

Nos recomienda ver el trabajo de alguien pero con mucha calma. Hoy día que vemos muchas fotos, pero de forma rápida, su recomendación es ver una exposición o un libro de autores tranquilamente.

Comentamos la experiencia de coger un libro impreso, que nada tiene que ver con el vértigo del medio digital.

Terminamos hablando de la situación actual de venta de libros de fotografía, tanto formativos como de autor. Y hablamos sobre sus iniciativas para autoeditar sus libros.

Y su último consejo es que disfrutemos de la fotografía

Eduardo Blanco es un reconocido fotógrafo español de naturaleza y paisaje, socio destacado de AEFONA, el año pasado fue galardonado con el premio “GDT European Wildlife Photographer of the Year 2019«, por la Asociación Nacional de fotógrafos de Naturaleza de Alemania. Es autor de varios libros de fotografía, como «Fotografiar con mal tiempo». Web: https://ebmfoto.com/ |  Instagram: @ebmfoto

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Eduardo Blanco? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 172. La fotografía de naturaleza y paisaje de Eduardo Blanco se publicó primero en the imagen.

Segunda parte de la entrevista a Hugo Rodríguez, el experto en captura digital, gestión de color, revelado, etc.

En el episodio 168 publiqué la primera parte y en esta ocasión nos centramos en el revelado e impresión

Su Blog: https://www.hugorodriguez.com/

Su canal de Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCTlMJz3r-6WxoOUIntNkmng

Como novedad os presento mi Web de fotografía comercial: http://www.fotoenamora.com/

(Min. 6:03)

En su canal de Youtube está comparando varios programas de revelado y le pregunto por su recomendación.

Nos explica que depende del tipo de usuario. Comentamos que hay programas de revelado gratuitos como RawTherapee o Darktable que se van convirtiendo en herramientas muy  válidas, aunque tengan interfaces un poco más toscas.

Para una persona que no se quiera complicar mucho, Hugo nos recomienda Camera Raw que viene junto a Photoshop. Y para una persona que no le de miedo complicarse un poco más la vida, pero teniendo más opciones, recomienda Lightroom y Capture One.

(Min. 16:05)

Hugo nos comenta el problema que ha detectado en el proceso de enfoque de Adobe, que no termina de funcionar bien, y es algo a mejorar por Adobe.

Nos comenta que Capture One es mucho más potente en esta funcionalidad de enfoque.

(Min. 19:08)

Hugo nos explica que es un proceso de revelado que le costó años llegar a optimizar. 

A él le surgió la duda de cómo realizar el revelado, si daba igual seguir un orden de pasos u otro. Con esa curiosidad, a base de pruebas encontró un flujo de trabajo concreto para ir aplicando los pasos en un orden que un paso no afecta al anterior.

Este proceso lo explica en su libro “Captura digital y revelado Raw”. También comentamos la importancia de antes de tocar nada, tener claro qué se busca.

(Min. 28:24) 

Le comento a Hugo un error que suelo detectar a menudo, la intención previa a empezar a tocar deslizadores.

Al final hablamos de cómo en el revelado aplica lo mismo que en la captura, deberíamos tener claro qué queremos conseguir para utilizar las herramientas que nos conduzcan a ese objetivo.

(Min. 29:55)

Antes de hacer un gasto en impresión, lo ideal sería conocer cómo va a salir en la impresión.

Para ello existen los perfiles ICC que se cargan en nuestro programa de revelado o procesado para ver cómo quedaría antes de imprimir. 

El problema es que no todos los laboratorios se toman  Saal Digital

Hugo trabaja en los laboratorios EGM de Barcelona como técnico de color y naturalmente esto se lo toma muy en serio.

(Min. 34:03) 

Hugo tuvo una idea, que es una persona que se encargue del revelado cuándo una persona no se quiera complicar con tantas cuestiones técnicas..

Aunque hay gente que presta estos servicios, tiene la impresión de que va dirigido sólo a grandes fotógrafos que no se han adaptado a la fotografía digital.

(Min. 40:47) 

Nos habla de un servicio profesional de retocadores en la India. Por ejemplo para tiendas online, muchísimas empresas de mercados grandes y firmas de moda.

Sin duda, son efectos de la globalización que hoy día pueden generar un debate sobre este tipo de trabajos.

(Min. 43:24) 

Comentamos que siempre está disponible la opción de prueba/error en la impresión cuándo uno no puede hacer todo el proceso que hemos comentado, por ejemplo por no tener los medios necesarios.

(Min. 44:35)

Le pregunto a Hugo por dónde empezar. Nos recomienda sin duda empezar por su libro “La guía completa de la imagen digital”.

La idea de este libro partió de que veía muchos libros en las librerías sobre captura de las fotografías, pero no sobre la base de los archivos de imagen digital.

Nos habla un poco por encima sobre qué versan sus libros.

Terminamos hablando sobre la imagen digital y los retos que tenemos por delante, como la revolución que va a suponer el formato Webp de Google.

Hugo Rodríguez es todo un experto en la gestión de color, calibración, revelado…, que hace ya bastantes años creo un Blog para hablar de estos temas, tiene mucha experiencia como formador y ha publicado numerosos libros sobre estas temáticas. Web: https://www.hugorodriguez.com.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Hugo Rodríguez? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 171. De la captura a la impresión (II) con Hugo Rodríguez se publicó primero en the imagen.

Hoy nos visita la fotógrafa española Carla Monge, especializada en fotografía de Lifestyle y más concretamente en fotografía familiar, maternidad y recién nacidos.

Hablamos sobre cómo hizo finalmente de su pasión una profesión,  y nos da unos estupendos consejos para capturar de la mejor forma posible los momentos que vivimos con nuestros seres queridos.

Su fotografía intenta ser muy natural, alejada de las típicas fotos «estampas bonitas» sobre recién nacidos, etc.

Web: https://www.carlamonge.com/   |  Instagram: @carla.monge

Para practicar te animo a participar en el reto fotográfico sobre el color rojo: https://theimagen.com/reto/48

(Minuto 5:57)

Carla nos explica que es un hobby que ha tenido desde siempre para documentar sus vivencias y se lo ha tomado siempre muy en serio.

Además, tanto su madre como su padre, e incluso su abuelo, ya tenían cierta afición por la fotografía.

Cuándo nació su primer hijo le hizo sentir que lo que estaba viendo y sintiendo lo quería reflejar en sus fotos. Así su fotografía se hizo más personal e íntima.

(Minuto 9:29)

Durante varios años siguió siendo un hobby, pero poco a poco más personas conocidas

Después intentó trabajar a tiempo parcial para compaginar su trabajo con la fotografía, pero no pudo y llegó un momento que se lanzó.

(Minuto 11:38)

Le pregunto a Carla sobre este tema que hoy día, con la revolución de la fotografía digital, parece haber perdido fuerza.

Nos cuenta que ella quiere pensar que sigue teniendo el mismo valor. Ella intenta tener una caja de fotos del año que luego suele ver con sus hijos.

Convenimos sobre la importancia de imprimir las fotos para disfrutarlas más. Al imprimir además hacemos una selección y esas fotos tienen todo el sentido del mundo porque recogen muchos momentos vividos.

(Minuto 15:13)

Carla nos dice que por la capacidad de la fotografía de retener un momento para siempre, algo de lo que fue muy consciente cuándo nació su primer, cuándo se daba cuenta de la fugacidad de esos momentos ya que los niños crecen muy rápido.

Comentamos que la fotografía tiene esa magia especial de hacernos centrar en un instante y percibirlo plenamente.

También le pregunto qué busca transmitir con sus fotos. Y Carla nos explica que le gustaría que sus hijos vuelvan a sentir su infancia a ver sus fotos, no sólo a verla. Nos explica que un momento determinado perdemos ese espíritu de niños que todos tuvimos.

(Minuto 19:08)

Carla cree plenamente en ello, es algo que intenta inculcar esa idea en los alumnos de sus cursos.

Nos cuenta que cada niño tiene sus peculiaridades y sólo un padre es capaz de captar eso.

(Minuto 21:36)

Cree que sí, por lo menos en su caso así es, sobre todo su hija de 5 años. De camino al cole por ejemplo, muchas veces le comentan curiosidades de la luz en ese momento.

La verdad es que resulta curioso que niños tan pequeños sean capaces de eso, y es que sin duda, los niños nos sorprenden a diario con las cosas que pueden hacer

(Minuto 23:33)

Le comento el consejo de tener la cámara cerca y lista para disparar y Carla nos confirma que es uno de los más importantes, tener la cámara lista para disparar en interior y que el disparo sea cuestión de segundos casi.

(Minuto 25:11)

Le pregunto por el hecho de si debemos ser pacientes para esperar los momentos oportunos o ir a la caza de esas fotos.

A Carla las que más le gustan las fotos robadas, donde no hay posados.

Nos explica que con los niños más pequeños, es más fácil estar más con la cámara más tiempo, cuándo crecen se cansan antes.

Le pregunto si es buena práctica ser un poco pesado con la cámara hasta que ya lo le hagan caso. Carla nos cuenta que nunca llama la atención sobre el hecho de hacer fotos y se centra en la actividad que están haciendo.

Incluso en los autorretratos, intenta que todos estén hablando o haciendo algo para evitar las poses más clásicas.

(Minuto 31:00)

El mejor consejo, nos explica Carla, es fijarnos de dónde viene la luz. Muchas veces las prisas nos hacen no darnos cuenta de ese factor para posicionarnos en la escena, según busquemos un contraluz, una luz lateral, etc.

Le pregunto a Carla si suele buscar más una luz suave y nos dice que la usa muy frecuentemente, pero que eso no quita que la luz dura de un mediodía soleado no sea buena para hacer fotos, que hay que aprovechar ambas.

(Minuto 33:23)

Nos cuenta que sólo utiliza luz natural por simplicidad. La luz artificial que usa es la que está presente en la escena.

No ha intentado usar nunca el flash porque naturalmente es más engorroso y también busca naturalidad en la escena.

(Minuto 35:26)

Carla siempre intenta estar por encima de 1/250 s para asegurar la falta de movimiento y si le falta luz, puede llegar a 1/125 s.

Alguna vez sí que suele disparar más lento para mostrar cierto movimiento, pero como algo muy puntual.

(Minuto 37:56)

La focal preferida de Carla es el 35mm. Le permite estar cerca sin deformar y al tiempo dando un pasito hacia atrás,

A Carla le gusta estar cerca y tener conexión con las personas fotografiadas.

Ahora mismo está migrando a Sony por la portabilidad de las cámaras sin espejo. Comentamos un poco sobre esta tendencia.

(Minuto 42:22)

Carla nos explica que estuvo años sin salir en ninguna foto, y cuándo se juntó con otras fotógrafas, comenzaron a hacer un proyecto dónde aparecieran ellas también en sus fotos, por lo que desde hace un tiempo presta mucha más atención a este tema.

Como nos ha contado antes, en este tipo de fotos intenta que sean naturales, pone el trípode y el disparador y la cámara va haciendo fotos mientras está con sus hijos.

(Minuto 45:11)

Maternidad y recién nacidos. Carla se desplaza a las casas y hace un reportaje muy natural.

En la maternidad suele ir un par de meses antes del parto y una vez que se produce el mismo.

Ahora no está haciendo muchas familia, porque con 3 niños ya en casa, prefiere no liarse los fines de semana y los recién nacidos le permiten trabajar entre semana, que es lo que ahora mismo quiere.

Comentamos las ventajas de la especialización en fotografía, para distinguirse de los demás y avanzar en un campo.

También hablamos de los lazos que al final, en este tipo de fotografía, se crean entre el fotógrafo y las familias.

(Minuto 50:39)

Carla imparte el curso “Retratos de familia” en la plataforma ”Hello! Creatividad”, donde muestra cómo fotografiar en todo tipos de ambientes, tanto al interior como al exterior.

Y más localmente, hace cursos más sobre el manejo de la cámara, muchas veces sus alumnos son sus clientes.

Nos comenta que la fotografía familiar y lo que consigues con ella, te permite celebrar a tu familia y regalar eso a tus hijos.

(Minuto 49:04)

Algo que le han comentado mucho es el hecho de que sólo hacer retratos de la cara. Cuándo es mucho más rico sacar detalles de sus deditos, su pelo, … hasta fotos más amplias de las estancias, etc., que nos hagan

Carla hace un ejercicio de revisar fotos, y éste es el error más habitual. Comentamos la importancia de tener variedad de fotos.

(Minuto 56:43)

Su mayor inspiración viene de sus hijos, de observar sus gestos, sus actividades, etc.

Nos cuenta que hoy día tenemos acceso a miles de fotógrafos, hasta estar ya casi abrumado por tanta cantidad y además te puedes sentir desmotivado porque parece que ya está todo hecho.

Ella insiste a sus alumnos en centrarse en sus propias vivencias únicas, ella intenta que cada uno se vuelque en lo bueno que tiene en casa.

Siempre es bueno, nos cuenta, tener referencias externas, pero ella percibe que falta inspiración personal, propia, e intenta concienciar sobre ello.

Carla Monge es una fotógrafa española, especializada en fotografía familiar, de maternidad y recién nacidos. Una fotógrafa cuya pasión poco a poco la llevó al terreno de lo profesional sobre todo a partir del nacimiento de sus hijos. Puedes ver sus obras en su Web: https://www.carlamonge.com/ e Instagram: @carla.monge

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Carla Monge? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 170. Fotografía familiar de la mano de Carla Monge se publicó primero en the imagen.

Hoy nos acompaña Joan Vendrell, un conocido fotógrafo especializado en fotografía de viajes, reportajes y fotografía y vídeo comercial, cofundador del portal de fotografía Naturpixel, junto a Guillem Calatrava.

Hablamos de su evolución en la fotografía, desde sus inicios hasta que se hizo profesional, pasando por años de dudas e incertidumbre. Sin duda, su camino en la fotografía es inspirador si uno quiere dedicarse a ello. También hablamos de cómo compaginar fotografía y familia, de su canal de Youtube y mucho más.

Su Web: https://www.joanvendrell.com/

Web formación: https://naturpixel.com/

Canal de Youtube: https://www.youtube.com/c/joanvendrell

(Min. 5:14)

Nos cuenta que su abuelo tenía una réflex Canon, naturalmente analógica, junto con algunos objetivos, un flash, etc. y que le picaba mucho la curiosidad aquel cacharro

Su abuela llevaba los carretes a revelar y también vendía carretas, por lo que pudo experimentar. Sobre los 8 años ya tenía una cámara AGFA “Happy” con la que jugaba.

Después al viajar empezó a realizar álbumes de fotos para guardar sus recuerdos y vió que la fotografía era una buena herramientas para documentar y mostrar sus vivencias.

(Min. 7:39)

Para Joan viajar y la fotografía es un pack, además su gusto por viajar es innato.

Con los años se ha dado cuenta que la fotografía es la gran excusa para viajar, conocer gente, descubrir paisajes, etc.

(Min. 10:59)

Nos cuenta que en la fotografía de calle, en ocasiones no puede hablar con la persona que aparece en las fotos, pero que sí puede habla con ellos.

Cree que igual que comentaba antes, la fotografía le da el «súper poder» de acercarse a una persona y hablar con ellas, superando su vergüenza.

(Min. 12:47)

Le pregunto por un viaje que hizo a Tailandia con su familia, y nos cuenta que la idea nació de un documental que se llama “Born Into Brothels” (Nacidos en los burdeles), donde la periodista Zana Briski anima a los niños que viven en esos burdeles a grabar sus vidas con cámaras.

A través de una ONG de niños Birmano, conoció como pasaban a vivir a Tailandia y pensó en replicar la idea del documental para hablar de su situación..

Comentamos la importancia de hacer, de no dejar las cosas para mañana.

Aquí puedes ver el resultado de ese proyecto «Proyecto Km-42«: https://www.joanvendrell.com/km-42/

(Min. 17:19)

Joan nos cuenta que en una de las ediciones del festival “Photokina”, escuchó una charla de un fotógrafo estadounidense sobre “Cómo ser fotógrafo profesional y tener una familia”, que dijo: cuándo soy fotógrafo soy fotógrafo, y cuándo soy padre soy padre.

Nos explica que hay que estar al 100% en cada rol y encontrar el equilibrio. En los viajes es lo mismo, hay que distraerse y pasarlo bien, y luego tener algunos momentos para la fotografía.

También comentamos la importancia de vivir los momentos en los viajes y de cómo la fotografía nos muestra permite vivir de forma más completa

Le pregunto a Joan por alguna referencia para viajar en familia, nos indica que Asia en general, destinos como Tailandia, Malasia, Singapur,… son bastante tranquilos y la gente es muy agradable.

(Min. 24:03)

Nos comenta que de joven ya leía la revista National Geographic y cuándo se presentó en España, allá por 1997, en Barcelona, él estaba allí el primero.

Supo que eso era lo que quería hacer, pero su familia le animó a estudiar algo más “provechoso”, ya que lo de la fotografía no les parecía algo muy serio.

Inició varios estudios y terminó haciendo Empresariales y trabajando varios años de contable.

Comentamos que a veces los padres, con buena intención, pero interferimos demasiado sobre las decisiones de nuestros hijos.

Pero como la fotografía estaba en él, al final, fue dedicando cada vez más tiempo, hasta que finalmente decidió dar el salto.

Aún así, hablamos lo difícil que es vivir de la fotografía.

Joan nos cuenta una anécdota con Tino Soriano, que lo conoció en una tienda de fotografía dónde trabajaba entonces Joan, y tras darle varios consejos del uso de los medios digitales, Tino se lo llevó a unas charlas sobre el tema.

(Min. 31:54)

En 2008 junto a Guillem Calatrava, que trabajaba con él en una tienda de fotografía, comenzaron con su proyecto Naturpixel.

Detectaron que había gente que se compraba una cámara, un equipo, pero no sabía usarlo.

Como en la tienda le llegaban muchas consultas, fueron escribiendo y haciendo vídeos sobre esas dudas y su contenido poco a poco fue atrayendo personas.

Nos cuenta que el cambio a profesional es algo que se puede ir haciendo poco a poco.

(Min. 36:45)

Nos explica que no es un error, va sobre la capacidad de ver, que uno al principio se agobia con el manejo de la cámara, pero que después, se da cuenta que no sabe qué fotografiar.

Comentamos la importancia de ir ganando cultura visual y cómo hay una falta de formación desde niños. También sobre el cambio en el consumo de información, mucho más visual que hace años.

Joan nos pone como ejemplo, que desde hace un tiempo se da cuenta que para él Youtube es un medio para estar aprendiendo, ya que al tener que preparar un vídeo debe esforzarse en conocer y entender el tema que trata.

(Min. 41:53)

Nos habla que para él tiene mucho valor la fotografía familiar, la que hacemos en nuestro entorno. Explica que si se tuviese que quedar con una sóla foto, sería una de sus hijas.

Joan cuenta que muchas veces si habla si una foto está bien o mal, pero al final el mensaje de una fotografía depende del emisor y el receptor.

Comentamos que en la fotografía no hay no hay reglas, y sobre las posibilidades de la fotografía, para expresarnos y conocernos mejor.

Aunque hoy día, también hay una corriente que vemos en Instagram, donde todo es bonito y bello. Sin embargo, la fotografía sirve para mostrar todos los sentimientos y situaciones, ese es su gran valor.

Coincidimos que el aprendizaje es un camino muy largo.

(Min. 47:41)

A Joan lo que más le ha interesado es la fotografía, nos cuenta que sueña con imágenes fijas. Nos habla del poder de la fotografía a nivel de ayuda en ciertas terapias, por ejemplo nos comenta su aplicación en el tratamiento del Alzheimer.

El vídeo le llegó de forma natural, como herramienta para explicar cosas de fotografía en Youtube. Una vez que se puso a ello, le resultó cómodo. Eso le llevó poco a poco a realizar trabajos profesionales de vídeo, lo que le abrió más posibilidades a nivel de servicios.

(Min. 51:33)

Joan nos dice que realmente Youtube le ha servido de mucho, pero que desde el punto de vista meramente económico es muy difícil vivir de ello.

Nos explica que te irá bien en Youtube si lo haces porque te apetece, pero que si intentas ganar dinero o hacerte viral, es algo muy difícil.

Le sirve para devolver parte también de lo que le da este medio. Comentamos lo difícil que es vivir de este medio y que actualmente cuesta que la gente entienda que un creador de contenido es lícito que quiera vivir de ello y promocione cosas, por ejemplo, cuando nadie pone en duda en modelo publicitario clásico que no aporta más valor.

(Min. 57:37)

Nos habla del libro “Hojas de contacto” de la Agencia Magnum, que nos han recomendado ya algunos fotógrafos, que es un buen libro que muestra  lo que cuesta conseguir una buena foto incluso para los maestros.

Generalmente esas buenas fotos aparecen después de un acercamiento y varias o muchas pruebas fallidas, por lo que hay que tener esa paciencia.

(Min. 1:00 :20)

Empezaron de forma presencial, pero vieron que también podrían hacer esos cursos online, en los que intentan estar muy encima del alumno para acompañarle en su aprendizaje. Prefieren que aprenda pocas cosas, pero bien, que abarcar mucho y luego no llegar a ningún sitio.

Y luego hace viajes fotográficos organizados, y nos habla de Nueva York, como ciudad muy fotogénica. Puedes ver fechas de sus viajes en su Web.

Joan Vendrell es un conocido fotógrafo de viajes, reportajes y proyectos comerciales, que en 2008 fundó el conocido portal naturpixel.com, junto a Guillem Calatrava, para compartir información y dónde imparten sus cursos. Su Web: www.joanvendrell.com.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Joan Vendrell? ¿Qué te parece su evolución? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 169. El viaje a la fotografía de Joan Vendrell se publicó primero en the imagen.