Víve la fotografía

¡Ya estoy de vuelta! Jo, vaya calvario llevo yo todos los inviernos

Pero bueno, ya estoy aquí y con un tema que creo que te puede resultar muy muy interesante.

¿Te animas a planificar tu progreso en 2019 y exprimirlo al máximo?

Más información y calendario en el Blog: https://theimagen.com/calendario-2019

¿Te gustaría progresar lo máximo durante este año? ¿Te falta tiempo para la fotografía o a veces te vence la pereza?

Pues lo que voy a contarte hoy te será de gran ayuda

Hoy quiero compartir contigo un calendario fotográfico para 2019

En el mismo encontrarás:

En el episodio explico porqué es necesario centrarse y marcarse objetivos, para avanzar.

Repaso las cuestiones que creo que más te pueden ayudar a seguir avanzando y explico el contenido del Calendario.

Algunos conceptos clave:

Para descargar el calendario puedes hacerlo desde el Blog:

https://theimagen.com/calendario-2019

Espero que este calendario te sea muy productivo, encantado si me dejas un comentario y me cuentas qué te parece

Mucho ánimo y a seguir mejorando ¡Claro que puedes!

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Te parece el calendario un recurso interesante? ¿Te gusta esto de planificar? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 149. ¿No tienes tiempo para fotografiar? ¿No avanzas lo suficiente? Planifica tu avance para 2019 se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con una estupenda pareja de fotógrafos, Anna Devís y Daniel Rueda, que a partir de la fotografía de arquitectura y su mirada optimista, minimalista y poética, han sabido crear un mundo propio y creativo, repleto de sugerentes historias

Con esta pareja de fotógrafos españoles que arrasan en Instagram, hablamos sobre la forma en que realizan sus fotografías, de su visión, nos dejan algunos consejos, referentes, etc.

Perfil de Instagram de Anna Devís: https://www.instagram.com/anniset/

Perfil de Instagram de Daniel Rueda: https://www.instagram.com/drcuerda/

Te animo a participar en el reto fotográfico #39 sobre «miradas»: https://theimagen.com/reto/39

Y también a crear una imagen a partir de un texto, puedes enviarme el texto y la foto a: [email protected]

(Minuto 8:15)

Le pregunto cuándo les llegó su curiosidad por la fotografía, a partir de la arquitectura.

Daniel nos comenta que ya de niño tenía curiosidad por la fotografía, a partir de la cámara de su padre. En el caso de Anna ya tenía curiosidad por cosas creativas, ya que además sus padres eran escaparatistas, y la fotografía le permitía plasmar sus ideas de forma más rápida que otras artes, como la pintura.

Una vez que se conocieron, y dado su gusto por varias artes visuales, llegó un momento de empezar a trabajar juntos y la fotografía fue el vehículo que encontraron para ello.

(Minuto 10:08)

Les pregunto si tuvieron claro que Instagram era la plataforma en la que querían compartir sus trabajos o si realmente probaron otras plataformas.

Daniel y Anna nos cuentan que realmente al principio usaron muchas (Flickr, MySpace, Fotolog, …) y que terminaron en Instagram casi un poco por casualidad. Eso sí, ambos se tomaron la publicación de sus fotografías como un portfolio, no como algo sólo personal.

Y aunque es algo muy bueno compartir nuestro trabajo, también les comento los problemas que podemos tener si nos obsesionamos con los «Me gusta», etc.

Anna explica que lo fundamental es disfrutar, para nada agobiarse con ello, ellos se lo han tomado con calma y han ido muy poco a poco. Lo importante es que nos guste nuestro  trabajo a nosotros.

Si Instagram no existiese haríamos las mismas fotografías. – Anna Devís

Daniel comenta que efectivamente han hecho las cosas al revés, han ido publicando sin agobios según tenían algo que publicar, no pensando tanto en el marketing, si no en encontrarse cómodos.

(Minuto 15:21)

Daniel explica que el tipo de fotografías que hacen hoy día, es el resultado natural de su evolución. A partir de su inquietud por la arquitectura, poco a poco, en ocasiones uno pedía al otro aparecer en la escena y así es cómo las historias llegaron a sus fotografías.

Al final se dieron cuenta de que al aparecer como actores en una escena todo cambiaba, transformaban lo que contaba la propia ubicación, algo que les gustó y que comenzaron a buscar.

También les pregunto qué buscan con sus fotografías simpáticas, alegres y divertidas.

Nos explican que les gustaría que el espectador esté mejor después de ver sus fotografías, que hoy día donde hay tantos motivos para llorar, creen que poner en valor también otras emociones contrapuestas, como la alegría, la sonrisa, etc.

Además, nos cuentas que les gusta el fotoperiodismo por ejemplo, pero ellos prefieren aportar un punto de vista distinto. Algo de dicho sea de paso, disfrutamos todos.

(Minuto 20:08)

Anna explica que en su obra hay dos partes diferenciadas pero necesarias: las ideas (la historia) y las ubicaciones (la arquitectura).

Nos cuenta que antes de viajar por ejemplo, más que ver los monumentos, suelen ver qué fachadas pueden ser interesantes. Y en otras ocasiones se les ocurren ideas que precisan de un lugar que no tienen.

Efectivamente, nos hablan de que ambas partes son necesarias, si una parte no está completa, idea o ubicación, la foto falla. Así, tienen ideas esperando el lugar preciso y lugares esperando la idea oportuna

Anna aclara que siempre trabajan en la calle, y consideran la ciudad como su patio de juego

Charlamos sobre cómo muchas veces tenemos cerca muchas ubicaciones sin darnos cuenta, que todo se trata de saber mirar. Daniel pone en valor el diseño bonito en las ciudades, y comenta el caso de Alemania, pero en todos los sitios.

Comentamos que por encima de los medios técnicos, está la idea y el concepto. Ellos utilizan una cámara profesional hoy día, porque ya se dedican a ello, pero que hasta con un teléfono móvil. Anna comenta que Daniel se encarga del lado más técnico, y ella un poco más del lado más creativo, y explica que sin historias, sin creatividad, no hay nada por muy buena que sea una foto técnicamente.

(Minuto 28:10)

Daniel explica que cada foto es un poco diferente, pero que generalmente el dibujo es algo fundamental, a partir de un boceto, empiezan a ver los colores, el vestuario, localización. etc.

Al dedicar tanto tiempo a pensar previamente la foto, la hora de la captura llega a ser

(Minuto 32:29)

Nos cuentan que actualmente tienen un material fotográfico, que han comprado conforme han ido recibiendo pedidos remunerados, pero que realmente harían las mismas fotos con su antiguo material o incluso con un móvil.

Comentamos el caso de la foto de Eugenio Recuenco, la 366 de su proyecto «365º».

Como nos cuenta Anna: En la fotografía lo importante es el ojo, que ninguna cámara hace la foto por nosotros.

(Minuto 35:42)

Lo tienen claro, así lo creen. Naturalmente en sus fotos, todo lo que aparece está muy medido.

Daniel nos cuenta que constantemente se centran en ver lo que aporta algo o lo que distrae. Anna explica que buscan que una persona que vea una de sus imágenes, con un parpadeo sepa de qué va la imagen. Eligen sólo los elementos juntos.

(Minuto 38:25)

Anna explica que el color para ellos es fundamental, que está claro de a través de la psicología del color hay que tenerla en cuenta. Es una cosa que no hay que dejar de lado. Y comenta el caso de un arcoiris, que puede transmitir una sensación de libertad, pero también puede desviar la atención al sujeto principal.

Daniel considera que más allá del balance de blancos para jugar con el color, hay que jugar con el color en la escena en el momento de la captura, no después. Y considera que efectivamente, empezar restringiendo el número de colores, puede ser una buena práctica.

(Minuto 42:36)

Nos cuentan que intentan por todos los medios que los elementos de sus fotografías estén en la escena. Es su forma de trabajar y con la que más disfrutan.

Creen que eso también les aporta algo a sus fotografías, de alguna forma, las hace más auténticas. Y también disfrutan más creando sus fotografías. Lo que nos sirve para hablar de lo positivo también que puede tener esa forma de trabajar.

(Minuto 48:20)

Ya que la fotografía es algo estático, les pregunto por los ingredientes para contar historias a través de una única imagen.

Ellos nos explican que el dibujo les ayuda mucho a crear sus historias. También creen que empezar con pocos elementos puede ser un buen comienzo para centrar la atención en lo que quieres contar.

De esa forma, poner el foco en lo importante e intentar eliminar el resto de cosas, es algo muy importante.

(Minuto 51:48)

Ya que parecen tener una creatividad sin límite, les pregunto por sus fuentes de inspiración.

Daniel considera que más que en la fase de ideación, suelen tener más bloqueos a la hora de completar la fotografía. Consideran que su trabajo se ve muy representado por el trabajo de los ilustradores, que parten de un lienzo en blanco.

Anna comenta cómo de niña jugaba a crear imágenes a partir de una palabra, la creativa

(Minuto 54:32)

Daniel comenta este tema tan importante, el de buscar un estilo propio. Cree que mirar a otros fotógrafos para saber qué sabemos hacer nosotros es un enfoque que seguramente no es el más adecuado.

Cuando uno tiene que empezar de cero, cree que lo mejor es mirar dentro de uno mismo, todos tenemos historias de inspiración para nuestro trabajo.

Como nos dice Anna:

Haz la fotografía que no puedas evitar dejar de hacer. – Anna Devís

Charlamos un rato sobre la importancia de ser fieles a nosotros mismos y confiar en nuestra propia visión.

(Minuto 54:32)

Nos hablan de un ilustrador francés muy «camaleónico», que hace diseños para innumerables objetos, algo que considera muy inspirador. Es el artista Jean Jullien (https://www.jeanjullien.com/).

Y sobre fotógrafos, ¿cómo no? Citan al fotógrafo español Chema Madoz, un maestro de añadir historias a objetos sencillos de una forma súper creativa y del estadounidense Rodney Smith (https://www.rodneysmith.com) que encontró en sus orígenes en la fotografía de moda de su padre, algo que repudiaba de joven, el elemento clave de su fotografía

Terminamos hablando de su curso en Domestika «Fotografía Creativa para redes sociales«, que puedes encontrar aquí:

https://theimagen.com/domestika/410-fotografia-creativa-para-redes-sociales

Aprovecha estas semanas de descuento

Daniel Ruedas y Anna Devís es una pareja de fotógrafos que actualmente brillan en Instagram a través de una fotográfica conjunta, basada en la fotografía de arquitectura para crear un mundo creativo, optimista y poético que merece la pena conocer. Instagram: @anniset y @drcuerda

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Anna y Daniel? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 148. Los mundos creativos de Anna Devís y Daniel Rueda se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Elena Dapra, una Psicóloga Clínica experta en fototerapia y fotocoaching. Elena nos cuenta cómo la fotografía puede ayudarnos a solucionar ciertos problemas psicológicos, a través de la fototerapia y también sobre el uso que hace de la mismo para el crecimiento personal, a través del fotocoaching.

Hablamos de la importancia autoconocimiento, de las posibilidades comunicativas y expresivas de la fotografía para ciertas terapias, de cómo el «Ego» puede afectar a nuestra creatividad, y muchas cosas más 😉

Puedes encontrar a Elena Dapra en su Web: http://elenadapra.com/

Recordatorio Ejercicio propuesto

En el último episodio del año pasado, propuse un ejercicio para las próximas semanas. Es un ejercicio parecido al del episodio 60, (estas son las fotos resultantes) se trata de crear una imagen a partir de un pequeño texto  ¡Vamos anímate!

¿Cómo participar? Envíame tu foto y texto a [email protected]  . Plazo: Hasta el 31 de enero de 2019.

(Minuto 7:40)

Su madre ya tenía mucha relación con la psicología y al final optó por estudiar por su inquietud por la mente de las personas, cómo se estructura, las distintas formas de pensar.

Ella misma se describe como «creadora de me melodías y generadora de posibilidades» 😉

(Minuto 9:44)

Elena nos cuenta que realmente fue un dolor, su separación de su primer marido, lo que le llevó a la fotografía.

En su Galicia natal salía a caminar todos los días, y en esos paseos iba acompañada de su melancolía y la maravilla de los paisajes que veía, le llevaban a ello. Su teléfono móvil le permitía jugar con las imágenes para expresarse.

Eso le llevó a realizar más tarde, en su ciudad de residencia, Alcobendas, un curso de fotografía para conocer más sobre el medio.

Nos habla de cómo el teléfono móvil, aunque lleve una cámara, primero suele disparar con el móvil para probar cosas. Estamos de acuerdo en que es más importante conseguir imágenes que expresen, a imágenes perfectas, que no digan nada.

Comento el caso de la exposición de Eugenio Recuenco, que incluye una foto con un teléfono móvil.

(Minuto 17:08)

Nos cuenta que le llevó sobre unos dos años el proceso desde que empezó a ver las posibilidades de la fotografía y poder usarla para su autoconocimiento.

Lo primero que necesitó es liberarse del miedo a la cámara, dominando suficientemente bien la misma para capturar sin esa presión.

Recuerda como sus profesores Rafael Roa, Manuel Zambrana, o Javier Arcenillas, todos ellos magníficos profesionales, le echaban la bronca por la calidad de sus fotos, pero explica que ella buscaba más expresarse y aunque a veces la calidad era justita, considera que lo conseguía.

Nos explica que la fotografía es una «técnica proyectiva», lo que me da paso a mi siguiente pregunta.

(Minuto 20:41)

Elena nos explica que fotografiamos lo que nos gusta y muchas veces también lo que necesitamos.

En cualquier caso, la fotografía puede hacernos conscientes de muchas cosas en la vida.

Habla de la diferencia entre «Fotocoaching», para crecimiento personal, y Fototerapia, como herramienta de ayuda cuando hay problemas.

(Minuto 22:57)

Para Elena, la fotografía es un facilitador, nos conecta con el mundo real, hace consciente lo que no podemos decir con palabras.

En si mismo, el autoconocimiento es algo poderoso, si uno es consciente de sí mismo, es el primer paso para la inteligencia emocional, para descubrir mis valores y ser coherente con ellos. Aunque sin ayuda de otras personas, ese autoconocimiento es limitado.

(Minuto 24:49)

Nos cuenta un ejercicio que suele recomendar. Se trata de hacer una foto y escribir sobre la foto, haciéndote preguntas como: ¿dónde estaría yo en esta fotografía si tuviese que ponerme en ella?, ¿qué pasó antes o después?, …

Se trata de escribir sin pensar, centrados sólo en la foto y en el papel donde escribimos, se trata de dejar aflorar cosas. Después se deja un tiempo, por ejemplo un par de días, para analizar lo que hemos escrito.

Nos habla de métodos de fototerapia usando texto e imágenes. En ocasiones lo que hace es pedir a la persona que visualice una imagen sobre una temática,

Recomienda, pensar en el problema que tenemos o algo que nos preocupa, e intentamos visualizar una imagen que conecte con este tema. Una vez que tengo esa imagen en la cabeza, también puede buscar una imagen que nos evoque en Internet.

Después se escribe «sin pensar» (dejándose llevar) sobre esa imagen. Y también debemos hacernos una pregunta importante ¿Qué relación tiene esto con el tema que me preocupa?

(Minuto 33:50)

Elena nos habla de problemas que tienen fotógrafos profesionales, y como nuestro «ego» excesivo o la falta de confianza, pueden ser contrarios a nuestra creatividad, por distintas razones.

Charlamos sobre la importancia de permitirse jugar, de fluir con lo que sentimos.

(Minuto 38:49)

Elena nos cuenta que puede tener muchos usos como: ansiedades, depresiones, duelos, etc. A veces lo usa como un medio de expresión para los pacientes, y otras veces de forma más puntual.

Nos comenta casos donde el uso de la fotografía ha sido muy reveladora de la situación interior de la persona. La fotografía, nos dice, entra directamente a la emoción, por lo que pude contar muchas cosas.

(Minuto 42:23)

Nos explica que el fotocoaching puede ayudar a los fotógrafos a ser más conscientes de lo que hacen, de su trabajo. Averiguar las motivaciones interiores de lo que nos mueve a fotografiar, nos lleva a ser mejores fotógrafos.

La razones más habituales sobre las que ayuda a los fotógrafos son los bloqueos emocionales y el estancamiento de la creatividad. Su trabajo es moverles algo por dentro, para salir de ahí.

Hablamos de las distintas realidades que percibimos cada persona, tomar consciencia de todo el proceso es el primer paso.

Y después se trata de llevar a la acción tus metas interiores, tus motivaciones. Se trata de contestar no sólo al «por qué», si no al «para qué».

(Minuto 50:13)

Le pregunto a Elena por un libro sobre fotocoaching y nos indica que en español no hay nada o no conoce nada. Nos habla de Judy Weiser, una experta en fototerapia, que tiene libros muy interesantes, como «PhotoTherapy Techniques«.

Y luego, nos habla del libro de Julia Cameron, «El camino del artista», como un libro interesante para sacar la creatividad que llevamos todos dentro, algo que nos puede proporcionar mucho bienestar.

Termina hablándonos de sus servicios de Psicología clínica, formación y procesos de coaching, dirigidos a empresas y particulares. En esos servicios utiliza la fotografía y técnicas proyectivas, usando el juego como un vehículo.

De ahí una frase suya muy bonita:

«La fotografía, el coaching y la psicología unidos, es emoción escrita con luz«. Elena Dapra

Elena Dapra es una Psicóloga Clínica con más de 20 años de experiencia, especializada en Couching. A través de su gusto por las artes, descubrió todo un mundo de emociones a través de la Creatividad y el Arte, concretamente a través de  la fototerapia y el fotocoaching, convirtiendo así la fotografía en una estupenda herramienta que usa en su trabajo.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Elena Dapra?  ¿Qué te parecen estos usos de la fotografía? Déjame un comentario y cuéntame 😉 Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 147. Fototerapia y fotocoaching con Elena Dapra se publicó primero en the imagen.

En este último episodio del año contamos como invitada a la fotógrafa Leila Amat, una fotógrafa muy creativa que se ha especializado en fotografía construida, como ella misma dice «fotografiar de ideas y sueños».

A lo largo de un buen rato hablamos sobre su trabajo, su forma apasionada de vivir la fotografía, su lucha en defensa de la mujer… y incluso nos deja un secretito al final Yo también te voy a proponer un ejercicio al final

Te aconsejo echar un vistazo a su obra en su Web: http://leilaamat.com/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre suavidad: https://theimagen.com/reto/38

(Minuto 7:41) 

Leila nos cuenta que es una fotógrafa muy vehemente, considera que la fotografía a acudido a ella, realmente no va tras las fotografías, digamos que la escucha.

Concibe la fotografía como una especie de remolino interior, no de forma reflexiva, que es algo muy impulsivo.

Comenta unas palabras de Borges, preguntando sobre cómo hacía su poesía que decía «si te lo explico, no sabría decirte cómo lo hago».

(Minuto 4:48)

Nos explica que desde 2017 está sumergida en un proceso de cambio tras el nacimiento de su hija, fotografiando más interiores.

En sus fotos anteriores las localizaciones y atrezo, si que estaba más meditado. Ahora su cuerpo le piede otra cosa.

Hablamos un poco de cómo al final, si quieres expresarte, puedes

(Minuto 13:10)

Se mueve entre lo personal y lo político. Las personas que le rodean es algo recurrente en sus fotografías.

Y en lo político, se refiere, no a partidos políticos, si no a su activismo en defensa de la libertad de expresar, por ejemplo a través de sus desnudos, algo que hay personas que por desgracia no entienden y muchas veces recibe hasta insultos, etc. ¡Qué lástima que haya personas que tengan esos comportamientos!

(Minuto 17:56)

Nos habla de una conversación reciente con una amiga suya, Dara Scully, que nos recomienda conocer, y explica cómo hablaba con ella que trabajarían juntas cuando se sintiese mejor.

Su fotografía en interiores es un reflejo de su lucha interna. Una de sus fotos más famosas es «Flor de viento» que es una de sus primeras de exterior.

Respecto a la unión con la naturaleza que reflejan sus fotografías, nos cuenta que se muestra tan pura, como la naturaleza se le presenta a ella. Nos explica que aunque no es algo fácil trabajar en exteriores, . Esa vehemencia interior le ayuda a

Nos cuenta también su situación actual, con problemas psicológicos, que  naturalmente le afectan y refleja en sus fotografías.

(Minuto 23:10)

Leila cuenta que considera que la lectura es un gran vehículo para construir imágenes. Nos recomienda un ejercicio que suele recomendar en sus talleres: a partir de un microrelato o alguna poesía, podemos visualizar una imagen e intentar plasmarla.

Como ya tenemos la idea en la cabeza, no se parte de la nada, puede ser un punto de partida muy bueno para lograr una fotografía construida.

Le comento un ejercicio que propuse en el episodio 60, sobre un texto de Julio Llamazares, que puedes ver el resultado aquí.

Hablamos sobre la visión particular de cada uno de nosotros y como debemos dejar que salga a flote.

(Minuto 26:20)

Le pregunto por las posibilidades de autoconocimiento de la fotografía. Leila nos indica que muchas veces con la fotografía lanza una pregunta, y puede que incluso años después, obtiene una respuesta. Sin duda, considera que es un medio de autoconocimiento muy bueno, aunque requiera de un tiempo hasta obtener respuestas.

El autoretrato es parte de ese autoconocimiento y le gusta porque le permite trabajar consigo misma, ya que muchas veces no le es fácil trabajar con otras personas que no tiene mucha confianza.

Una bonita frase que nos deja:

El mayor desnudo que he hecho es la fotografía en sí misma, es tal la entrega y la exposición a la que me veo.

(Minuto 28:28)

Nos explica que efectivamente lleva un tiempo encontrar tu propia voz. Nos habla del caso de Federico Lorca que para hacer fotografía, no veía teatro, es decir, no se inspiraba en otras obras teatrales, si no fuera.

En su caso ha sido así, ha seguido a personas poco consagradas pero con un estupendo trabajo,  y considera que forma parte de una generación de fotógrafos que no ha recibido reconocimiento.

(Minuto 31:39)

Leila, feminista y ferviente luchadora del papel de la mujer, nos habla de la falta de reconocimiento que tiene la mujer en la fotografía.

Charlamos un poco sobre los retos que todavía tienen las mujeres para que sean reconocidas como los hombres.

Una lucha en la que tenemos que estar TODOS

(Minuto34:35)

Nos explica que ni ella misma lo sabe, y nos habla del libro «¿Quién tiene miedo de las mujeres fotógrafas?», a partir de una doble exposición en Francia. El título original del libro es «Qui a peur des femmes photographes?» y puedes encontrarlo aquí: https://amzn.to/2R4ruHo

Considera que estas fotógrafas, más que las actuales, si que le movieron algo por dentro y pudieron marcar su visión.

Y en la actualidad son muchas las amigas fotógrafas y referentes en la fotografía. Nos comenta varias de ellas: su amiga Dara Scully, Silvia Grav, Virginia Rota, Estela de Castro, Rebeca Saray, Mara Sainz, Sandra Montesinos, Tam Castrillejo y Ana Becerra.

Todas ellas le inspiran para seguir creando.

(Minuto 39:02)

El consejo que nos da es ser fieles a nosotros mismos, algo que cuesta por el miedo a ser distintos.

Como seres sociales, intentamos ser aceptados e aunque sea de forma inconsciente, intentamos no ser distintos.

Su consejo:

Fíjate en qué te hace distinto a otras personas y aprovéchalo para mostrarlo en tus fotografías. Leila Amat.

La fotografía tiene, según Leila, que tener un poco de «picantito«, que nos remueva por dentro

Charlamos sobre lo importante de fotografiar para nosotros mismos, y nos pone como ejemplo las palabras de la abuela de Risto Mejide: «El éxito es algo interno».

(Minuto 43:12)

Nos habla de sus inicios y de cuando sufre bloqueos. Leila recurre mucho a otras artes como la literatura, la música,… ya que además sufre del Síndrome de Stendhal, y es muy sensible al arte.

También cree que deberíamos hablar más de amor, que los seres queridos son una fuente de inspiración muy importante.

Nos dice que con una réflex barata y mirando con pasión nuestro entorno, seguro que sale algo bueno

Para terminar nos cuenta un secretito… pero tendrás que escucharlo, jejeje

Te propongo realizar, a partir de la propuesta de Leila, un ejercicio para las próximas semanas. Es un ejercicio parecido al del episodio 60, (estas son las fotos resultantes) se trata de crear una imagen a partir de un pequeño texto

¿Cómo participar? Envíame tu foto y texto a [email protected]

Plazo: Hasta el 31 de enero de 2019

Libro recomendado, por si no tienes otro texto: Recetas de lluvia y azúcar (Eva Manzano)

¡Anímate! ¡Felices Navidades y nos escuchamos prontito! Si tu quieres, claro

Leila Amat es una fotógrafa española cuya obra se basa principalmente en fotografía construida, a través muchas veces del autoretrato. Su fotografía muestra de una forma impulsiva, emotiva y poética su mundo interior y su visión de la vida.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Leila? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 146. La fotografía construida de Leila Amat y un ejercicio propuesto se publicó primero en the imagen.

Como sabes, la fotografía es un estupendo medio de expresión. En este episodio hablo de los fuerzas expresivas opuestas: la armonía y el contraste. Y lo hago a través recursos compositivos dinámicos y estáticos.

Puedes ver más información y ejemplos en el Blog: https://theimagen.com/composicion-dinamica-vs-estatica-fotografia

Te animo a participar en el reto fotográfico para plasmar suavidad: https://theimagen.com/reto/38

En este episodio quiero que veas algunas cuestiones importantes para que puedas transmitir armonía y equilibrio, o todo lo contrario, contraste y tensión.

Temas que trato en el episodio:

No hay buenas o malas composiciones “per se”, si no que éstas serán mejores o peores según lo que busques.

Una buena composición apoya el mensaje que buscas transmitir, mientras que una mala composición le resta claridad, dificulta su interpretación.

Por ese motivo, el primer paso es saber qué quieres transmitir y en base a ello, tomar las decisiones oportunas para intentar transmitir eso que quieres.

A través de la composición dinámica se busca un cierto impacto y fuerza en la imagen, que la fotografía no sea algo totalmente estático, en calma.

Y opuesto a ello, con una composición estática se busca equilibrio, un cierto orden, que los elementos transmitan más tranquilidad y calma.

También hablo de conceptos muy importantes para mostrar armonía o contraste:

El equilibrio puede conseguirse de varias formas.

Equilibrio estático: Este equilibrio se basa principalmente en el centramiento y la simetría.

Equilibrio dinámico o asimétrico: En este caso no hay simetría o centramiento, si no que hay elementos con distinto peso visual, pero unos se equilibran con otros.

Una composición dinámica lo que trata es de añadir cierto desequilibrio y tensión en la imagen, lo que puede implicar sugerir más inestabilidad o movimiento, pero no necesariamente.

Comento algunas fotografías de grandes maestros, como Alexander Rodchenko, Daido Moriyama, Garry Winogrand, Bruce Gilden o Martin Parr, que puedes en el Blog: https://theimagen.com/composicion-dinamica-vs-estatica-fotografia

Hoy en la agenda visual hablo de estos temas:

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Sueles usar las composiciones dinámicas? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 145. Saca partido en tus fotografías a la composición dinámica se publicó primero en the imagen.

Hoy tenemos con nosotros a Magdalena Duran, toda una experta en Creatividad y Arteterapia, que nos habla de dos temas muy importantes que podemos desarrollar a través de la fotografía y otras artes

Charlamos un buen rato de cómo fomentar nuestra creatividad, cómo intentar «desbloquearnos» cuando llegan los bloqueos y de las posibilidades de la arteterapia. Magdalena nos deja unas reflexiones y unos consejos muy interesantes ¡no te los pierdas!

Puedes encontrar a Magdalena Duran en su Web: https://www.magdaduran.com/

Te animo a participar en el reto fotográfico #37 sobre líneas verticales:  https://theimagen.com/reto/37

(Minuto 4:57)

Magdalena nos cuenta que los estudios así lo demuestran, lo que pasa es que generalmente

Nos explica que para ella la creatividad es como una semilla, si cae en tierra fértil, claro que puede crecer, y nos cuenta que cree que debería potenciarse ya en la educación desde niños.

(Minuto 7:00)

Las personas suelen acudir a Magdalena principalmente por una insatisfacción, son personas que tienen más o menos su vida resuelta, pero buscan su verdadera vocación. Pero la semilla de nuestra creatividad nunca muere, está latente.

Magdalena nos cuenta que cree que todos los bloqueos son miedos, miedo al cambio, y nos pesan muchos mensajes

(Minuto 8:38)

Le comento a Magdalena que antes o después pasamos por esos momentos de bloqueo, porque realmente es difícil siempre encontrarse creativo, por lo que tenemos que tener la paciencia y tranquilidad necesarios porque. Ella está de acuerdo, efectivamente no siempre se tiene la creatividad que buscamos.

Magdalena nos da varios consejos que suelen funcionar:

Realizar estas acciones pueden darnos ideas y eliminar esos bloqueos

(Minuto 13:10)

Creo que este tema que nos puede afectar mucho y le pregunto por el mismo. Magdalena llama a este personaje «el juez interno», que se encarga de acallar la voz del niño que llevamos dentro. Si le escuchamos, nuestra espontaneidad sufre mucho.

Nos cuenta lo importante que es distinguir a este personaje, porque es una parte nuestra que no nos ayuda. Un consejo es ponerlo en duda, cuestionar lo que nos dice y también ponerlo en su sitio.

Realmente, dominar a nuestro «juez interno» es algo muy positivo, según nos comenta Magdalena: «Todo lo que te lleve a ser más genuinamente tú mismo, es algo que te va a llevar a tu creatividad»

(Minuto 17:06)

Magnalena nos explica que poniendo conciencia en tu momento presente, en cómo te sientes, algo que tiene que ver con el término de moda «mindfulness«.

Nos cuenta sobre su miedo a ponerse delante de una cámara, para grabar sus vídeos y cómo le ayudó «cantarle las cuarenta» a la cámara, a ese ojo fisgón que le observaba Y comentamos cómo podemos usar nuestro medio de expresión para conocerte y poner en su sitio a ese juez interior.

(Minuto 21:39)

Le comento a Magdalena que hace poco leía que sólo una pequeña fracción de lo que absorbe nuestra mente, menos del uno por ciento, logra llegar alguna vez al nivel consciente. Ese inconsciente es muy rico y le pregunto cómo podemos sacarle partido.

Nos explica que así es, que Sigmund Freud ya hablaba de esto. Conforme te dejas llevar, sin importarnos qué les parecerá a los demás, hará que salga a la luz nuestro yo más interior, esa parte más inconsciente.

Magdalena, nos explica que por ejemplo la diferencia entre ver y mirar, que solemos ver y etiquetar lo que vemos, reconocemos lo que vemos, pero que tenemos que intentar olvidarnos del nombre de las cosas, para empezar a ver otras cosas en eso que vemos.

También nos comenta que ente viaje a nuestro interior, seguramente es mejor hacerlo con algún experto que haya hecho ese recorrido. Nuestro yo es como una cebolla con muchas capas, muchas desconocidas

(Minuto 26:49)

Nos habla de la mirada, de volver a mirar como un niño. Charlamos sobre la magia de lo cotidiano, no dar nada por sentado y dejar asombrarse por lo que vemos a diario.

Magdalena cómo nuestra mirada particular puede aportar algo muy interesante.

A veces lo más original es volver a ver el rostro de una persona conocido como si fuera la primera vez.

No necesitamos hacer fotos a cosas muy llamativas. Comento las fotos «Pimiento nº 30» de Edward Weston y «The Sound of One Hand Clapping» de Minor White, y Magdalena nos habla del cuadro «Los zapatos» de Vincent Van Gogh.

(Minuto 30:41)

Nos dice que depende, cualquier cosa que nos estimule imágenes visuales nos sirve: poesía, novelas, etc.

Y si buscamos algún estudio sobre la creatividad, nos recomienda del libro «La ruta de la creación» de Carlos Martínez Bouquet (Ediciones Aluminé, 2006), un libro un tanto místico que nos habla de 3 perfiles distintos de creatividad de los que nos habla Magdalena.

Comentamos como la creatividad para poder hacer creaciones que nos reconforten a nosotros y nos llenen está a nuestro alcance.

(Minuto 34:18)

Es una forma de psicoterapia que utiliza el arte no como fin, si no como medio de terapia. Es crear los medios artísticos para poder sacar lo que lleva.

El terapeuta le ayuda en ese camino de exploración. Nos cuenta como el arteterapia puede ser el abono para que la semilla.

Nos pone como ejemplo un ejercicio que están haciendo ahora de hacer una foto al día con el móvil a lo que nos llama la atención, sin pretender sacar una foto bonita o llamativa.

Le pregunto a Magdalena si ambas cosas van unidas. Nos explica que sí, porque realmente la arteterapia explora todo, no sólo el resultado final.

(Minuto 38:25)

En su caso, en general, son personas que son conscientes de que son creativas, pero que no la han podido sacar a la luz.

Son personas que podrían quedarse como están, pero tienen un vacío que quieren llenar.

Otras veces es por una crisis interior, algún problema que sufren y ven en las artes una salida.

(Minuto 41:14)

Nos explica que fue un proceso, que ella quería ser pintora y lo fue durante 13 años, con bastante éxito, siendo muy joven.

Su primera separación le dejó muy tocada y aunque daba clases necesitó de ayuda a través de terapia personal, con terapia Gestalt. Y le enganchó sus posibilidades.

(Minuto 43:45)

Nos cuenta que imparte cursos propios, por ejemplo en 2019 tendrá en Barcelona varios talleres. Puedes ver las fechas en su Web: https://www.magdaduran.com/

También colabora con otros organismos como Universidades, y distintos masters de Arteterapia.

Y nos habla como primicia de su primer curso online «Crear sin límites«, que puedes ver en su Web y que tiene muy buena pinta

No dejes de echar un vistazo a su Web

Magdalena Duran es Licenciada en Bellas Artes. Como pintora ha expuesto en numerosas exposiciones individuales y colectivas, dentro y fuera de nuestro país. Y desde hace años se ha especializado en Arteterapia y Creatividad. Su Web: https://www.magdaduran.com/

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Magdalena Duran? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 144. Creatividad y Arteterapia con Magdalena Duran se publicó primero en the imagen.

Después de un tiempo, volvemos a un episodio de preguntas y respuestas. Hablamos de archivos raw, de herramientas de revelado y procesado y algunas técnicas de procesado.

¡Estamos cerca de las 100 reseñas y valoraciones en iTunes! ¿Te anima dejarme la tuya? Aquí te explico cómo hacerlo : https://theimagen.com/resena-itunes

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre líneas verticales: https://theimagen.com/reto/37

Jorge ha comenzado a disparar en RAW y revelar con Adobe Lightroom y y tiene dudas sobre el peso que tienen las imágenes al exportarlas.

Respuesta

Explico que si no se recorta el nº de píxeles y guarda con calidad «Alta» o «Muy alta» no va a tener una pérdida muy apreciable. JPEG al comprimir con pérdida de información que comprime mucho más que el formato RAW y por ese motivo pesan mucho menos, del orden de 4-5 veces. Hablo también del formato TIFF que también puede imprimir sin problema y que ya no tiene pérdida de información

Carlos me cuenta que tenía una cámara Nikon D3300 cuyos archivos RAW revelaba con Lightroom 6.1, pero que al cambiar su cámra a Nikon D5600 el programa le dice que no puede leer el formato. Me pregunta a qué versión debe actualizar ya que su equipo es algo antiguo y cree que no va a soportar una versión muy nueva.

Respuesta

Explico que Adobe tiene una página donde especifica la versión mínima de Camera Raw y Lightroom que se necesita para trabajar con cada modelo de cámara: https://helpx.adobe.com/es/camera-raw/using/supported-cameras.html

Carlos según esta tabla debe tener al menos la versión de Lightroom 6.8, en la versión de licencia perpétua.

Comento otra opción Adobe DNG Converter, un convertidor gratuito de Adobe que se puede usar para convertir los archivos nuevos de su cámara y convertirlso a DNG para no cambiar la versión de Lightroom.

Puedes descargar la versión de este conversor desde aquí: https://helpx.adobe.com/es/photoshop/using/adobe-dng-converter.html

Antonio me explica que borró las fotos de una tarjeta creyendo haberlas descargado, pero no fue así, y me pregunta por un programa de recuperación.

Respuesta

Le explico que lo importante es no hacer cambios en la unidad donde hemos eliminado los archivos (tarjeta, disco duro, etc.). Mi consejo es que tengas instalado algún programa de recuperación de archivos como Recuva (https://recuva.uptodown.com/windows) o PhotoRec (https://www.cgsecurity.org/wiki/PhotoRec)

Ana me cuenta su problema con los conocidos filtros Nik Collection tras actualizar Photoshop, y que piensa que es como ya no se actualizan.

Respuesta

Le comento a Ana que aunque la versión gratuita de Google ya no tiene actualización  si que tienen una continuidad de pago: https://nikcollection.dxo.com/

Aprovecho para hablar un poco de la historia de este paquete de filtros para Photoshop y Lightroom y también le aconsejo aplicar los filtros sobre una capa nueva. También comento que el programa Luminar puede suplir un poco este paquete de filtros.

María ha descubierto esta técnica de selección  y me pregunta qué me parece y si la aconsejo para un recién llegado al procesado.

Respuesta

Explico por encima la utilidad de esta técnica que se usa en el procesado y sus bondades para realizar selecciones ajustadas al contenido preciso de la imagen. Es una técnica muy interesante, que puede añadir un plus de control muy buena sobre los ajustes en la imagen, pero mi consejo es comenzar por el revelado, ya que la curva de aprendizaje es más rápida y creo que ya tenemos bastante control sobre la imagen.

A Álvaro no le gusta el modelo de suscripción de Lightroom y me pide consejo sobre una herramienta alternativa.

Respuesta

Aprovecho para hablar de algunas opciones gratuitas como Darktable y RawTherapee y le comento que ya tratamos este tema en el episodio 107. Una comparativa de herramientas que puede ver también en el Blog: https://theimagen.com/revelado-alternativas-lightroom/

Comento el editor en línea con interfaz similar a Photoshop (recomendado por mi amigo Pruden) Photopea: https://www.photopea.com

Hoy en la agenda visual hablo de estos temas:

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Sueles revelar y procesar tus fotos? ¿Qué programas utilizas? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 143. Preguntas y respuestas sobre revelado y procesado se publicó primero en the imagen.

Hoy te traigo una pregunta clave ¿Por qué haces fotos?

Quieres ser un buen fotógrafo ¿verdad? Disfrutar al máximo de este bonito medio de expresión y obtener los mejores resultados ¿Me equivoco?

Pues hoy toca reflexionar un poco y que te hagas esta pregunta necesaria ¿me acompañas?

Y también estrenamos sección de «charlas» con fotógrafos y expertos, si conoces alguna persona interesante para charlar un rato con ella, házmelo saber Hoy tenemos a la fotógrafa Cristina Bezanilla (Minuto 22:07)

Puedes encontrar esta información en formato Blog: https://theimagen.com/por-que-fotografias/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre blanco y negro: https://theimagen.com/reto/36

Como explico, realmente, hacerte la pregunta es más importante que encontrar tu respuesta. Porque la misma, seguramente, cambie con el tiempo.

La pregunta te plantea una reflexión, por lo que debes tomarte un tiempo para meditar sobre ello.

Estoy seguro que te arrojará algo de luz y te hará plantearte tus metas en la fotografía.

Hablo de cómo la fotografía es un camino que desde mi punto de vista no tiene fin, porque como casi todo en la vida, es infinita.

En ese camino pasamos por una serie de etapas.

Generalmente comenzamos por la preocupación la cámara, pero eso sólo es el principio.

Por delante tienes muchas etapas. Mi consejo es sencillo: “disfruta cada etapa de tu camino de aprendizaje en la fotografía”

Lo importante más que la respuesta es la reflexión a la que nos lleva la pregunta.

Comento varias motivaciones bastantes habituales, como son:

Y también hablo de otras motivaciones que considero perjudiciales.

Como son buscar sólo fotografías impactantes para impactar a los demás, basar nuestra fotografía en la opinión de los demás.

Pero creo que eso es un gran error porque que quedas en la superficial y no muestras tu verdadera visión.

Otro error es querer copiar la visión de otros fotógrafos.

En lugar de eso, confía en tu visión y ve descubriéndola poco a poco, practicando y analizando tus fotografías y las imágenes que ves y te gustan.

Piénsalo tranquilamente, durante el tiempo que consideres oportuno.

No te obstines en encontrar la respuesta rápido.

El beneficio de hacerte la pregunta ya está en tus pensamientos Es un ejercicio reflexivo de mirar hacia dentro que seguramente te lleve a tus inicios, a tus etapas más tempranas y a valorar tu situación actual.

Cuándo aparezca esa respuesta, si aparece, intenta ser coherente con la misma.

Tu motivación debe guiar tus acciones.

(Minuto 22:07)

A finales de septiembre se publicó el fallo del jurado del 29º concurso fotográfico «Caminos de Hierro» de la Fundación de los Ferrocarriles Españoles y Cristina recibió el primer premio.

Cristina Bezanilla Echeverría vive y trabaja entre Laredo (Cantabria) y Madrid, y es Licenciada en Bellas Artes.

No es una fotógrafa novata, sino que lleva muchos años en la fotografía, su gran vocación, y lleva participando muchos años en este concurso.

Nos habla de su fotografía, hablamos sobre los concursos de fotografía y sobre un bonito proyecto junto a su hermana Arancha, que por desgracia pasó por un cáncer de mama.

Aquí puedes ver su imagen ganadora «Cuaderno de Vinh a Hue«: https://www.ffe.es/caminosdehierro/principal.htm

Y aquí su proyecto y su libro «Fucking cáncer«: https://sialpigmalion.es/producto/fucking-cancer-hermana/

Su perfil en ELLO: https://ello.co/cristina_bezanilla

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Piensas hacerte la pregunta? ¿Te la has hecho ya anteriormente? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 142. ¿Por qué fotografías? y charla con Cristina Bezanilla se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Desireé Delgado, un fotógrafa pintora y artista digital española, que poco a poco fue consiguiendo una obra llamativa hasta dedicarse profesionalmente al medio, además de una conocida Youtuber

Hablamos de su trayectoria desde sus comienzos en la fotografía y cómo poco a poco, fue aprendiendo y mostrando su trabajo hasta llegar a dónde está hoy día.

Su Web: http://www.desireedelgado.es/

Su canal de Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCo9EY5cWb1wvQbKfStPIRYw

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre blanco y negro: https://theimagen.com/reto/36

(Minuto 6:42)

Desirée nos explica que llegó un poco por casualidad, aunque realmente ella ya practicaba pintura desde muy pequeña.

Después sin embargo, estudió Magisterio para tener algo seguro. Con el boom de la plataforma Flickr, le picó la curiosidad por la fotografía y a partir del regalo de una réflex básica, una Nikon D40, comenzó su trabajo 365.

Este tipo de trabajos se trata de conseguir una foto para publicar todos los días del año, durante un año.

Comentamos cómo su gusto por la pintura le sirvió de base visual para la fotografía. El proyecto 365 le sirvió

(Minuto 10:07)

Desde luego, Desirée no tenía ninguna pretensión de dedicarse a la fotografía, por eso estudió Magisterio. Comentamos la dificultad de dedicarse profesionalmente al arte.

(Minuto 13:02)

Este proyecto le dio confianza y soltura con la cámara, Desirée nos cuenta que con este proyecto aprendió prácticamente todo.

Además al hacerlo sin presión, sólo por probar, por divertirse y seguir aprendiendo. Comentamos lo bueno que es tener esa libertad.

Desirée nos habla del libro «Roba como un artista» del autor Austin Kleon, donde el autor indica que no hay que dejar de ser un aficionado, para tener esa frescura.

Le pregunto a Desirée por el autoretrato que utilizó en su proyecto. Nos explica que sirve un poco de viaje interior, y también nos cuenta que le sirvió para hacer comunidad, porque la gente tenía curiosidad por ver cómo iba evolucionando y participaba a través de comentarios, etc.

Puedes verlo aquí: su galería de Flickr

(Minuto 19:59)

Comentamos que es muy importante que nuestro trabajo no se quede en nuestro ordenador, que mostremos nuestro trabajo.

También hablamos sobre lo necesario de filtrar las críticas y sólo quedarnos con aquellas que nos aporten algo.

(Minuto 22:49)

A Desirée le sirvió de mucho publicar sus fotos en Flickr, a partir de mostrar su trabajo le llegaron sus primeros clientes.

Esto hubiese sido imposible de otra forma, ya que empresas extranjeras le contactaron para realizar diseños de portadas, cosa que hubiese sido imposible si no hubiese mostrado su trabajo en alguna plataforma, como Flickr.

(Minuto 25:00)

Desirée nos cuenta que proyectos largos como el 365 son muy exigentes, su primer proyecto de éste tipo le costó un poco terminarlo, pero el segundo, con la exigencia que se impuso, le fue imposible.

Nos explica que hay momentos de bloqueo y que es mejor cortar y tomarnos un descanso de la cámara, antes que sentir un fuerte rechazo por la fotografía.

Y poco a poco, si realmente te gusta el medio, cree que la fotografía vuelve antes o después a tu vida, y vuelves a sentir ese amor por hacer fotos.

(Minuto 31:26)

Desirée realmente nutre mucho su inspiración fuera de la fotografía, lo hace en la pintura, los cómics, el cine, etc.

Pero sobre todo al principio nos recomienda ver muchas fotografías para entrenar el ojo. No es una fotógrafa eso sí, que siga mucho a fotógrafos muy concretos, Instagram es su principal fuente actual para ver fotografías.

Cree que hay que conseguir un equilibrio entre tener referencias y no caer en la copia, considera que es mejor nutrirse de muchos fotógrafos y conseguir tu propia fusión.

Comentamos la importancia de este hecho de creer en nuestra propia voz en la fotografía.

(Minuto 34:56)

Nos cuenta que el principal problema es que la gente quiere avanzar muy rápido y empieza por cosas muy complejas.

Su consejo es empezar por cosas pequeñas y concretas, mejor que seguir procesados muy largos, que luego además son poco aplicables a nuestras fotos.

(Minuto 38:23)

Comentamos sobre el último tipo de fotografía que está probando Desirée, que es la fotografía a perros, unos animales que adora

(Minuto 40:55)

Desirée suele trabajar más con luz natural, aunque depende del trabajo. Por ejemplo, en sus fotografía de perros o trabajos que busca naturalidad, lo suele hacer en exteriores, con luz natural y buscar fotos más casuales.

Ya en el estudio utiliza una luz suave de un gran octobox, por el tipo de resultado que le gusta, más pictórico.

(Minuto 42:48)

Le comento sobre cómo lleva esa pelea por aplicar su visión cuando es distinta a la de los clientes.

Nos explica que no es nada sencillo, y a veces ha hecho trabajos que no le gustan o en los que ella aporta poco, pero que si no muestras esos trabajos es difícil que te lleguen trabajos de ese tipo.

Y nos da un consejo estupendo: aunque hagas otras cosas, muestra sólo el trabajo por el que quieras que te conozcas.

(Minuto 47:55)

Lo primero que nos aconseja es asegurarse que se tiene una calidad suficiente a la hora de hacer tus trabajos.

Nos explica su caso, cómo sus primeros trabajos de fotografía de boda fueron gratuitos hasta aprender lo básico y ver que podía abordar ese trabajo. Además fueron trabajos que te permiten tener ya un pequeño portfolio.

Estos trabajos eso sí, comentamos que esos trabajos gratuitos, hay que acotarlos a esa primeras experiencias laborales. Trabajar como segundo cámara o que otra persona te enseñe, puede ser otra alternativa, nos explica Desirée.

Comenta por ejemplo, que su amiga Marina Gondra, una fotógrafa de bebés de Bilbao, sí que le dio muchos consejos para este tipo de fotos. Pagar por formarse, también es una buena opción.

(Minuto 54:11)

Desirée nos explica que la diferenciación es muy importante para que los clientes puedan buscarte por tu tipo de fotografía.

Comento el caso de un fotógrafo de bodas especializado en personas tatuadas, es el caso de Mike Allebach.

(Minuto 57:26)

Considera que ha sido clave para su visibilidad. Al principio sólo contaba con los seguidores de Flickr, pero ya le sirvieron para atraerlos a su canal.

A través de él, también le llegaron bastantes trabajos.

Le comento que me parece un canal muy divertido, donde despliega toda su simpatía y alegría. Desirée nos explica que quería darle ese aire más liviano y divertido, no tan académico.

(Minuto 1:04:04)

Nos habla de «Los fundamentos de la fotogafía» de José María Mellado, como libro muy completo de fotografía.

Y también los dos libros de Austin Kleon, «Roba como un artista» y «Muestra tu trabajo«,  de cara a sacar esa vena artística y conseguir unos buenos consejos si nos queremos tomar más en serio este medio respectivamente.

Terminamos hablando de cómo todavía tiene publicado en Flickr su proyecto 365 para mostrar su evolución, a pesar de que sus primeras fotos sean eso, pruebas con una calidad más baja. Pero es algo estupendo, porque todos hemos tenido esa evolución.

Desiree Delgado es una fotógrafa, pintora y artista digital, que con desparpajo y tesón, fue consiguiendo visibilidad y una obra llamativa. Hoy día es una conocida Youtuber, con un estupendo Canal de Youtube.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Desirée Delgado? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 141. Evolución y pasión con Desirée Delgado se publicó primero en the imagen.

Volvemos a la carga con un episodio de la sección «Efecto óptico», una sección para hablar de historia de la fotografía, a través de imágenes míticas de los grandes maestros de la fotografía.

En esta ocasión leo y analizo una fotografía mítica del gran maestro francés, Henri Cartier-Bresson.

Más información e imágenes en el Blog: https://theimagen.com/efecto-optico-cartier-bresson/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre «blanco y negro»: https://theimagen.com/reto/36

En el episodio 13 hace ya 2 años te hablé de este fotógrafo En esta ocasión profundizo más en su vida y en su forma de fotografiar.

Un fotógrafo que nació 1908 en Francia y murió en 2004, también en Francia.

Un fotógrafo que ha influenciado a todas las siguientes generaciones de fotógrafos sobre todo por haber desarrollado el concepto que llamó «el instante decisivo».

Explico cómo fueron sus inicios, más cercanos a la pintura y cómo una fotografía del fotógrafo húngaro Martin Munkacsi le hizo cambiar el chip.

Con una reconocida trayectoria en el fotoperiodismo, en 1947, junto a otro fotógrafos, fundó la mítica Agencia Magnum.

Siguió durante muchos años viajando y fotografiando, ampliando su reconocimiento internacional.

Lo cierto es que la variedad de su vasta obra, ha inspirado y sigue haciéndolo a las siguientes generaciones de fotógrafos, de todas las disciplinas, entre ellos a grandes fotógrafos como Robert Frank, Diane Arbus o Lee Friedlander.

Si hay algo que impregna toda su obra es el desarrollo de este concepto, que va más allá de congelar una acción.

Hablo de este concepto, que el gran profesor de fotografía Oscar Colorado desarrolló en un amplio artículo.

Comento las variables tiempo, composición y tema, presentes en el «intante decisivo».

Te recomiendo este documental, dónde el propio Henri Cartier-Bresson habla de sus fotografías, de su forma de entender la fotografía y de otros estupendos compañeros (subtitulado en español): https://vimeo.com/137595371

Esta fotografía está realizada en 1932, comento la situación complicada que tenía el país que poco antes había empezado a sentir los efectos de la Gran Depresión de 1929.

Eso hizo que los movimientos de corte fascista fueran cobrando más protagonismo en la política francesa.

Esa es la situación del país en el momento de la fotografía, un país algo estancado y donde se empezaban a vislumbrar ciertos enfrentamientos.

Henri Cartier-Bresson llevaba poco tiempo con su nueva cámara Leica, pero ya tenía el ferviente deseo de dedicarse a capturar momentos únicos

Seguramente esta es una de las fotografías que Henri Cartier-Bresson más significativas de su “instante decisivo”.

Realizo la lectura denotativa, describiendo sus cualidades visuales más evidentes, y realizo mi interpretación connotativa de esta imagen.

Una interpretación que al conocer información del momento histórico, nos da nuevos matices e interpretaciones.

Estamos ante una fotografía mítica de la historia de la fotografía, una fotografía que aúna perfectamente el concepto del “instante decisivo” que tan maravillosamente supo plasmar este gran fotógrafo.

Un fotógrafo, que además de recoger y documentar de forma magistral hechos históricos, supo plasmar su propia visión.

Te animo a encontrar tu visión y seguir disfrutando y jugando con la fotografía

Más información e imágenes en el Blog: https://theimagen.com/efecto-optico-cartier-bresson/

En esta ocasión en la agenda visual hablo de estos temas:

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conoces la obra de este maestro de la fotografía? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 140. Efecto óptico: Tras la Estación de San Lázaro, el momento decisivo de Cartier-Bresson se publicó primero en the imagen.