Víve la fotografía

Javier Aranburu es un fotógrafo español que especializado en fotografía de moda y fotografía de calle, aunque realmente ha sido un fotógrafo muy polifacético.

Ha trabajado para grandes marcas publicitarias, como Nike, Chanel o Huawei, para grandes medios como El País Semanal, revistas especializadas como “H Magazine”.

Recientemente ha sido finalista en Street Photo de San Francisco y mención de honor en los premios (IPA) International Photo Awards de Los Ángeles.

En la entrevista hablamos de fotografía de moda, de calle, de arte, de su evolución, su pasión por la fotografía y su particular visión sobre la misma.

Su Web personal de fotografías: http://www.javieraraNburufotografia.com

Instagram: @javier_aranburu

La Web de su Galería: http://javieraraNburu.com

RECUERDA: Hasta el 27 de octubre puedes participar en el reto fotográfico sobre flores: https://theimagen.com/reto/44

(Minuto 5:04)

Javier nos explica que su caso seguramente no es muy habitual, terminó su carrera en la Universidad sin ninguna curiosidad por la fotografía, pero justo después escuchó a un fotógrafo que hablaba de sus viajes, sus fotografías y algo le hizo “click” en su interior y vio que aquello le gustaba más que la profesión de sus estudios.

Al descubrir su vocación ya adulto, tuvo claro que iba a ir a por todas.

(Minuto 8:04)

En sus inicios tenía clara su vocación, pero no qué disciplina le gustaba.

Al principio aprendió el manejo de la cámara y sin mucha seguridad si que comenzó a llamar a muchos medios de prensa y revistas.

Le llamaron un día para hacer unas fotos para la Fashion Week Madrid, después le encargaron fotos para la Fashion Week de Nueva York y allí consiguió un trabajo en la biblioteca del International Center of Photography de esta ciudad.

Trabajó también para Europa Press, pero vió que la fotografía de moda era lo que más le gustaba en ese momento y apostó por ella.

Comentamos la importancia de hacerse un primer portfolio y Javier recuerda cómo al principio comenzó como muchas personas, con colaboraciones con amigos, una amiga que posa, un amigo estilista, hasta que hablas

Nos cuenta cómo cuándo vivió en Nueva York tenía en el salón su estudio improvisado.

(Minuto 14:51)

El primer consejo que le daría a una persona que quiera empezar es la paciencia para ir haciendo ese portfolio inicial sin agobios, disfrutando todo lo posible.

Anima sobre todo a probar muchas cosas, a experimentar, al principio la ausencia de obligaciones, de presión de clientes, te permite hacer lo que quieras.

Cuándo ya tienes un portfolio decente, puedes empezar a buscar clientes.

También nos comenta que hay que tener siempre los pies en la tierra, al principio uno puede tener una percepción distorsionada, pero cuándo te comparas con otros fotógrafos experimentados, ves la diferencia.

Además, al principio tampoco se tiene acceso a otros profesionales fácilmente (estilistas, modelos, …), por lo que hay que ir poco a poco.

(Minuto 18:11)

Javier nos dice que quizás, una sería entender la luz, al ser una disciplina en la que se usan muchos recursos de interior y exterior.

Y la otra el trabajo en equipo y la dirección de modelos, algo que él siempre intentaba dejar un poco abierto, planeando una parte, pero dejando siempre cosas a la improvisación.

(Minuto 20:40)

Las personas que se inician, considera que tienen que valorar la libertad de acción que tienen.

Generalmente los clientes buscan a un fotógrafo por lo que a visto de él, por lo que en sus trabajos puede dejar su impronta. Y a veces también tiene que educar de cierta forma al cliente, haciéndole ver las mejores opciones que se ajustan a sus presupuestos.

Comentamos sobre las producciones, que lo importante es ser consciente de los recursos disponibles y aprovecharlos de forma creativa.

(Minuto 25:48)

Para Javier la fotografía de calle es la más democrática, es fácil coger una cámara y fotografiar por la ciudad, necesitas tu cámara y poco más. Es una fotografía que te permite concretarte, escuchando música, por ejemplo, a él le gusta la música Jazz.

Después de hacer moda, un tipo de fotografía muy preparado, muy técnico, la fotografía de calle le da esa libertad.

Comentamos sobre la importancia de dejarse llevar a un estado de concentración a través de medios no visuales, como la música.

(Minuto 30:03)

Le comento a Javier la preocupación de muchas personas de no centrarse en una disciplina concreta, no encontrar algo que le guste especialmente.

Nos comenta que efectivamente hay personas que consideran que si no te centras en algo es casi imposible avanzar. Charlamos sobre las ventajas de tocar muchas disciplinas. Javier considera que el aprendizaje que se puede sacar de cada una de ellas, te sirve para la siguiente.

Ese aprendizaje continuo de distintas disciplinas es también un reto, nos dice Javier Aranburu.

(Minuto 34:27)

Respecto a la composición, le gusta que todo esté muy equilibrado.

En la fotografía de moda ya que tiene control, pues lo cuida mucho y está todo muy medido. Pero en la fotografía de calle es muy distinto, efectivamente muchas veces le toca esperar a que pase algo en un lugar y otras veces ve a una persona sugerente que le sigue hasta la ubicación que considera más adecuada.

Javier nos comenta que en la fotografía de calle todo debería ser espontáneo, en moda o fotografía editorial se puede dirigir a los modelos, pero no en fotografía de calle.

(Minuto 38:57)

Nos indica que depende, que a veces  lo tiene claro, pero otras veces a medida que vas procesando las fotos, decide meter fotos en blanco y negro o color.

Algo que choca un poco, la mezcla de ambos tipos de fotografía en el mismo trabajo, pero Javier nos indica que le gusta el ritmo y usa el color para intentar dar esos giros.

Para Javier a través de una cierta “heterogeneidad” intenta conseguir un trabajo homogéneo. Nos cuenta la importancia de “la intención” en nuestras decisiones.

Charlamos sobre el lenguaje visual y el enorme valor de tener claro qué queremos conseguir. Para Javier si se establece un diálogo entre intención y lectura, entre fotógrafo y espectador, ya es algo que merece la pena.

(Minuto 44:52)

Para Javier la fotografía es comunicación, una comunicación sin palabras. Nos habla de la pasión que le mueve, su deseo de crear por crear, más allá de la repercusión que pueda tener su trabajo.

Esa pasión es la que te hace mantenerte al pie del cañón con el paso de los años.

(Minuto 48:03)

Javier Aranburu nos explica que es un proyecto que lo comenzó en 2004 casi sin ser consciente de él, y que con el paso de los años siguió fotografiando Madrid, con una mirada particular tras vivir fuera y apreciar mejor su ciudad natal.

Con el proyecto ha intentado aportar una visión distinta, buscando el momento y los lugares que a él le atraían. La exposición le hizo que su obra pudiese ser vista y tuvo mucha repercusión.

Comentamos como generalmente no valoramos lo que tenemos cerca, cuándo al tener esos sitios a mano, estamos en disposición de aprovecharlos al máximo.

Ahora mismo está intentando sacar a la luz un libro que recoge estas fotografías y muchas más, algo que espera que sea una realidad dentro de no mucho tiempo.

(Minuto 53:37)

Javier abrió una Galería en Madrid en 2011, ubicada en el barrio de Argüelles, Calle Guzmán el Bueno 63, Madrid (http://javieraraNburu.com)

Ahora mismo hace trabajos para clientes, pero la Galería le permite hacer las fotografías que más le gustan y poder ponerlas al alcance de las personas interesadas de forma directa.

Ahora mismo tiene más de 500 fotografías suyas a la venta a un precio razonable, para que las personas que les gusta la fotografía, puedan disfrutarla.

Comentamos la importancia de imprimir las fotografías, más hoy día en la era digital, donde la mayoría de nuestras fotos se queda en el disco duro de nuestro ordenador.

También le gusta y le motiva el contacto directo con las personas que visitan su Galería, más allá de los medios “online”.

Javier también nos comenta sobre el concepto de “arte”, y cómo a veces responde a muchas cosas que están fuera de la fotografía.

(Minuto 59:58)

Le pregunto por algunos de sus principales referentes y nos deja bastantes referencias:

Música

Javier Aranburu es un fotógrafo especializado en fotografía de calle estos últimos años, aunque ha trabajado como fotoperiodista y en fotografía de moda y publicitaria para grandes marcas. Inquieto por naturaleza, supo buscar su hueco profesional y evolucionar a lo largo de los años.

Instagram: @javier_aranburu  Web personal: http://www.javieraraNburufotografia.com

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Javier Aranburu? ¿Conoces su Galería en Madrid? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 158. Fotografía de calle, moda y mucho más con Javier Aranburu se publicó primero en the imagen.

Hoy tratamos un tema vital para mejorar tus fotografías, la composición.

En concreto te voy a hablar de uno de los elementos muy importantes en la misma, de las líneas

Más información y ejemplos en el Blog: https://theimagen.com/composicion-lineas

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre flores: https://theimagen.com/reto/44

En el episodio leo algunas reseñas de iTunes ¡Mil gracias por ellas!

Si te apetece dejar tu reseña en iTunes o iVoox, por mi encantado Aquí tienes cómo hacerlo en iTunes: https://theimagen.com/resena-itunes/

En el episodio hablo de los aspectos principales sobre las líneas, este elemento compositivo tan importante.

Hablar de líneas es hablar de dirección, movimiento, etc.

Cuestiones que comento:

Más información y ejemplos en el Blog: https://theimagen.com/composicion-lineas

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Sueles usar las líneas? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

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En este episodio contamos con Krishna VR, una fotógrafa mexicana muy joven, especializada en  fotografía construida y más concretamente en el autorretrato.

En la entrevista nos da unos consejos muy buenos sobre creatividad, sobre su forma de trabajo y cómo poder lograr buenos resultados con curiosidad por expresarnos, aunque tengamos pocos medios

Su Web: https://krishnavr.com/

Instagram: @bykrishnavr  https://www.instagram.com/bykrishnavr/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre flores: https://theimagen.com/reto/44

(Minuto 5:33)

En 2016 Krisha ganó el “Siena International Photography Awards”, en categoría “jóvenes promesas”.

Aunque su primer premio internacional le llegó a los 16 años, realmente, a los 15 ya había participado en una exposición Internacional.

Entonces no tenía prácticamente recursos. Los límites son mentales

(Minuto 8:14)

Cree que de niños, todos lo somos, lo que hay que hacer es no dejar morir este don.

Nos recomienda dejar de lado los miedos, pensando en las opiniones de los demás y que hagamos lo que nos apetece.

(Minuto 9:45)

Darte cuenta qué vivencias te has transformado, las cosas que te gustan y te han impactado, son las que te van a dar las pautas para tu inspiración y tu creatividad.

Nos recomienda leer, ver películas, etc., ya que eso nos abre la mente y nos da ideas para nuestras creaciones.

Krishna nos explica que la visión de cada persona es única, formada por nuestras experiencias. Realizar un ejercicio de autoexploración, para mostrar nuestros sentimientos e ideas, será un fuente inagotable de inspiración.

(Minuto 13:12)

Nos cuenta que en su familia no hay antecedentes. No sabría decir por qué, pero siempre tuvo esa inquietud para expresarse, algo que terminó saliendo años después con la fotografía.

Considera que le sirvió como base para lo que vino después, para lo que hace actualmente.

(Minuto 14:42)

Su hermano se compró una cámara y le llamaba la atención, pero al principio la cogió sobre todo para conseguir fotos bonitas suyas y de sus amigas.

Gracias a la plataforma Tumblr, conoció la fotografía conceptual, algo que le atrapó y le hizo plantearse fotos que dijesen cosas.

Después conoció Photoshop, que le ayudó a ir creando sus autorretratos construidos.

(Minuto 17:17)

Nos explica que así es, que utilizaba y sigue haciéndolo, todo lo que encontraba para poder realizar las ideas que tenía.

En sus inicios se dio cuenta de que ella era la persona que mejor conocía lo que quería transmitir, por lo que pensó que ella misma podía ser el modelo de sus fotos, así es como comenzó con el autorretrato.

Además, se encarga la mayoría de veces de todo: montaje de la escena, vestuario, maquillaje, captura, etc.

Krishna considera que muchas veces nos ponemos barreras, con creencias de que no podemos hacer muchas cosas, pero que no dejan de ser excusas, cuándo realmente queremos sacar cosas adelante.

(Minuto 22:07)

Para ella, ha sido el medio que le ha permitido expresar su visión del mundo. Nos confiesa que la quiere mucho.

Ella ha conseguido encontrar en el autorretrato construido la forma perfecta de expresarse.

Nos habla de que sus retratos actuales, no sólo hablan de ella, por lo que realmente son autorretratos construidos.

(Minuto 24:23)

Krisna ha encontrado la fotografía que más le llena, pero le pregunto por alguna pauta para las personas.

La dedicación es la clave para encontrar el camino. Nos explica que el trabajo y la pasión te llevarán a encontrar tu voz. La paciencia y el trabajo te llevarán a ello, pero lleva su tiempo.

Cada persona tiene su definición de éxito, pero lleva tiempo alcanzarlo

(Minuto 27:53)

Sus ideas siempre trata de sacarlas a la luz de forma metafórica, buscando la mejor forma de mostrarlas.

De hecho esta primera fase es la que más le cuesta, la más laboriosa para ella, ya que a partir de sus sentimientos o ideas iniciales, debe pensar cómo

El segundo paso, el de ver los recursos que necesita,

El tercer paso, el de la captura, realmente ya es bastante rápido porque ya tiene la idea muy clara, aunque puede tomar 200-300 fotos hasta encontrar la expresión o pose que busca.

Y por último, elige una fotografía y le aplica el revelado y procesado para llevar la fotografía al punto que quiere.

Hablamos sobre la importancia de anotar siempre nuestras ideas y sobre la importancia de seleccionar muy bien nuestras fotos para no cansar al mostrar fotos de la misma sesión, algo que puede hacer perder impacto al conjunto de fotos.

(Minuto 33:38)

Krishna nos cuenta que ha trabajado muy poco con luz artificial porque prefiere la luz natural.

(Minuto 35:36)

Nos explica que hasta el año pasado trabajó con una Canon t3i, que en Europa se comercializa como la 600D, con un objetivo fijo 50 mm.

Actualmente cuenta ya con una cámara más avanzada, una Canon 5D Mark IV, pero hasta hace muy poco tenía la cámara anterior.

Nos explica que efectivamente, la cámara no es un obstáculo, que con material bastante básico se pueden conseguir resultados muy interesantes.

(Minuto 37:19)

Nos cuenta que le gusta mucho leer la mitología nórdica, romana, griega.

De pintores, le gustan mucho Caravagio, Velázquez, Remedios Varo, por ejemplo, de los que intenta conocer cosas también de sus vidas, para conocer por qué hacía lo hacía cada uno.

Sus películas preferidas son “El perfume”, “El gran Gatsby“, “El demonio neón”, “Barry Lyndon” y “El origen”.

Nos explica que le gusta la ciencia ficción para explorar ideas, aunque luego no es una temática que suela plasmar en sus fotos.

Y también nos cuenta que sus directores preferidos son Wes Anderson y Guillermo del Toro.

(Minuto 39:59)

Considera que le ha aportado muchísimo.

Con cuenta que la primera vez que visitó el museo del Louvre en París, le impactó tanto lo que vio, que tuvo claro que sus fotografías quería que impactasen de forma similar.

Hablamos del uso de la luz y las sombras, tan importantes, así como del uso del color.

(Minuto 43:06)

Nos habla de la importancia de conocer la psicología del color. Las películas que nos ha comentado, cree que tienen un uso del color muy bueno.

Para ella por ejemplo es muy difícil usar sólo el blanco y negro,

Consejo: “Sé observador”.

En su caso, en el procesado suele quitar colores, desatura ciertos tonos para que los que deja tengan más impacto.

(Minuto 46:31)

El reconocimiento internacional le ha servido para darse cuenta del valor que tiene trabajar por tus sueños.

Ha sido una gran experiencia, más allá de los premios, por las experiencias vividas gracias a ellos.

Comentamos la importancia de disfrutar de todo el camino, no sólo de los resultados.

Krishna nos comenta que tenemos que tener claro que este tipo de reconocimientos externos nos pueden ayudar mucho, pero que no debemos caer en el error de creer que nuestro trabajo no vale, si no se obtienen buenos resultados en concursos, etc.

Ambos estamos de acuerdo en que el éxito interior es el único que deberíamos exigirnos.

Nos dice: “Para mí el éxito es ser feliz con lo que haces y ayudar a las personas”

(Minuto 52:24)

Krishna nos habla de su curso que sacó hace unos meses en la plataforma Domestika, llamado “Autorretrato fotográfico conceptual”, en el que explica el proceso que sigue en la creación de sus fotografías.

Enlace del curso: https://theimagen.com/curso/krishna-autorretrato

(Minuto 54:10)

Le pregunto por algún fotógrafo referente y algún libro y nos habla del fotógrafo estadounidense Gregory Crewdson, una obra construida muy cinematográfica, y alguno de sus libros.

Y también nos habla de una fotógrafa española, Lidia Vives, que le gusta mucho, con un estilo con cierto parecido al suyo.

Música:

Krishna Valdez es una fotógrafa mexicana especializada en fotografía construida, que a pesar de su juventud, su obra ha obtenido mucho reconocimiento internacional. Llama la atención la escasez de medios con los que habitualmente ha contado. Su Web: https://krishnavr.com/

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¡Bueno ya estoy de vuelta!

Al final ha sido una larga pausa, espero que me hayas echado un poco de menos, jejeje

Durante esta pausa me ha dado tiempo a hacer  muchas fotos y a reflexionar.

Éste es un artículo de rumbo, con aspectos de los que he reflexionado todo este tiempo.

Como mi intención es seguir ayudándote todo lo posible, quiero que sigas avanzando sin pausa en la buena dirección.

Si tienes poco tiempo para fotografiar o ciertos obstáculos, estoy seguro que este episodio te puede ayudar.

Más información en el artículo del Blog: https://theimagen.com/pautas-para-seguir-aprendiendo-fotografia/

Reserva un hueco en tu agenda para:

Música:

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Sueles planificar tus avances? ¿Tienes claro el rumbo? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 155. Sigue aprendiendo fotografía, sigue disfrutando se publicó primero en the imagen.

¿Pero qué pasa con el Podcast? ¿Dónde está Braulio?

Bueno, en este episodio explico por qué me he tenido que tomar una pequeña pausa. Pero pronto estoy de vuelta con contenido interesante, nuevas entrevistas y si cabe… ¡todavía más ganas!

Aprovecha esta pausa para escuchar alguno de los más de 150 episodios del Podcast, seguro que alguno tienes pendiente.

¡Nos escuchamos muy pronto! Si tu quieres claro

La entrada Episodio fallido o una pequeña pausa se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Álvaro Laiz, un fotógrafo especializado en fotografía documental y antropología.

Álvaro es un reconocido fotógrafo leonés con una gran proyección internacional con el que charlamos sobre su especialidad, la importancia de la selección de fotografías, su forma de trabajar, su obra, …

Puedes encontrar a Álvaro Laiz en su Web: http://www.alvarolaiz.com/

Te animo a participar en el reto fotográfico para mostrar círculos: https://theimagen.com/reto/43

(Minuto 6:40)

Álvaro es Licenciado en Comunicación Audiovisual y le pregunto si el interés por la fotografía es algo que le viene de lejos. Nos explica que realmente no, que comenzó a hacer fotos sobre 2009 y ya casi de forma profesional, cuando comenzó a trabajar como periodista.

Nunca pensó que se dedicaría profesionalmente a la fotografía ya que su formación al respecto era muy básica. Nos explica que más que los estudios reglados, a nivel profesional lo que más le ha servido es la experiencia en el terreno, su trabajo junto a otros fotógrafos.

(Minuto 9:30)

Álvaro nos explica que se fue por la fotografía documental por el uso como herramienta que percibió de la fotografía, y el fotoperiodismo no le permitía contar las historias que quería.

Digamos que fue una evolución al usar la fotografía como herramienta para contar historias.

(Minuto 10:56)

Ya que le interesa tanto contar historias del ser humano y como estudioso de la antropología, le pregunto por éste interés. Nos explica que siempre le ha gustado, desde niño, la literatura de viajes y nos cuenta que si pudiese hacer fotografías de dinosaurios, sería seguramente sería el hombre más feliz del mundo

Ese germen por los viajes y las aventuras ya lo tenía desde niño y al final es algo que ha salido en su obra como fotógrafo, las vivencias de la infancia, nos cuenta, es algo que seguramente nos condiciona en un futuro.

(Minuto 12:09)

Nos explica que para él, el fotoperiodismo está más ligado a la actualidad, ligado a una agenda informativa, mientras que la fotografía documental está más ligada a proyectos a más largo plazo.

La fotografía documental es aquella que no se queda simplemente en el momento concreto, en la noticia, si no que es un trabajo a medio y largo plazo. También nos dice que es un tema sensible, sin límites del todo claros.

(Minuto 13:24)

Para Álvaro, la distancia sólo es una circunstancia, realmente si encuentras una motivación, una fascinación por una historia a la vuelta de la esquina, no es necesario viajar.

Nos explica que para contar bien las historias más cercanas, seguramente es bueno tomar algo de distancia para no estar tan contaminado al tema, si es una situación que tenemos cerca.

(Minuto 16:40)

Principio, nudo y desenlace, jejeje, nos dice Álvaro, que aclara que es algo más complejo, que seguramente no hay fórmulas mágicas, algo que es previsible y que cada trabajo le pide unas cosas.

Comentamos la importancia de la investigación sobre la historia, sobre todo si tiene que viajar lejos, aunque pare él es algo de referencia, porque se preocupa de corroborar cuando llega al lugar la exactitud o veracidad de la información que ha recopilado.

(Minuto 19:33)

Álvaro nos explica que a partir de los años 70-80, de la guerra de Vietnam, el papel de la fotografía cambia en los medios, con narrativas más complejas, con secuencias de imágenes, etc. Pero cree que las imágenes que cambian el devenir de la actualidad ya no existen, y cita como ejemplo las imágenes de la cárcel Iraquí de Abu Ghraib, con una vida útil corta. En cambio, un conjunto de imágenes tienden a tener ciclo de vida más largo. Teniendo en cuenta también la combinación, de vídeo, audio, imagen.

Cada vez más el fotógrafo juega menos el papel de ir hacer fotos y ya está, y cada vez más tiene que trabajar todo el proyecto, desde la idea, la distribución a incluso la monetización del mismo

(Minuto 21:18)

La lección más importante que ha aprendido Álvaro es que menos es más, la edición es el arte de quitar lo que sobra. Nos explica que cuando vuelve de un viaje, necesita un tiempo para desvincularse de las imágenes y ser más objetivo con la selección de las mismas.

Considera que es bueno echar mano de otras personas de confianza pero sin que sean excesivas personas, ya que puedes volverte un poco loco con tantas interpretaciones.

(Minuto 23:39)

Le pregunto si en las formaciones que imparta o por consultas que reciba ha detectado algún error bastante frecuente en trabajos sobre fotografía documental.

Nos cuenta que no considera que pueda hablar desde ningún púlpito de conocimiento y que intenta no cometer errores él, jejeje, pero nos habla de un error que ha cometido y sigue cometiendo habitualmente, que es no dejar el tiempo suficiente para hacer una buena edición, una buena selección.

Según nos cuenta: «Eres el tipo de fotógrafo que editas«.

(Minuto 26:02)

Cree que lo más importante es tener mucha cultura visual, considera que el nivel fotográfico es muy bueno desde hace ya años y que hay que ser consciente de lo que se está haciendo. Algo que también debe darnos la humildad suficiente para abordar nuestro trabajo.

También aconseja no tener prisa, darse tiempo para que concebir y desarrollar el proyecto, sin pensar sólo en el final.

(Minuto 30:26)

En 2017 Alvaró sacó a la luz su trabajo con mayor repercusión: “El cazador”. Una reconstrucción de una historia que recuerda al clásico “Moby Dick”, del hombre contra un depredador temible de la naturaleza en la Selva Boreal: el tigre siberiano.

Álvaro nos explica que como amante de la literatura de viajes y aventuras, siempre ha sentido fascinación por la naturaleza salvaje y el hombre, por sus orígenes, etc.  Una historia que comenzó a fraguarse con la lectura de novelas como «El tigre» de Vladimir Markov y «Dersu Uzala» de Vladimir Arseniev. Ésta última llevada al cine por el director Akira Kurosawa en 1975, ganando el Óscar a la mejor película de habla no inglesa.

Nos explica la relación de los «udegei» (tribus locales) con el tigre siberiano, y el equilibrio entre caza y supervivencia de este animal salvaje. Y nos cuenta la historia real de Markov un cazador ruso, que persigue a un tigre siberiano y tras dispararle sin abatirlo, el animal le sigue hasta matarlo.

Este es el caldo de cultivo y la historia que llevó a Álvaro a querer contar esta historia. Sus viajes a la zona fueron en 2014 y 2015 y en 2017 vio la luz su trabajo, a través de un fotolibro (The Hunt) y una exposición audiovisual. El libro en español escasea, pero todavía lo puedes encontrar en algunas librerías o si buscas un poco por Internet.

(Minuto 41:06)

A finales de 2017 recibió una Beca de National Geographic para su último proyecto todavía en desarrollo, «The Edge«. Este trabajo habla sobre los movimientos migratorios de las poblaciones paleo-siberianas a través del Estrecho de Bering hace 20,000 años para convertirse en los primeros pobladores de América.

Nos cuenta cómo en este proyecto mezcla la fotografía documental más clásica con estudios científicos modernos sobre genética de poblaciones, algo que considera muy interesante.

Le comento a Álvaro que creo que es estupendo que existan esta clase de becas, para que gracias a personas como él, conozcamos aspectos de nuestra historia muy interesantes.

(Minuto 46:47)

Le pregunto a Álvaro por el tipo de objetivos que más suele usar.

Nos dice que su intención es ir ligero, pero que cuando tiene que grabar vídeo pues la cosa se dispara más. Nos explica que desde hace años ya sólo trabaja con focales fijas, para él, un 28mm es un todoterreno, y luego ya un 35mm o un 50mm. Y para vídeo sobre todo un 85mm y un 50mm.

(Minuto 49:38)

Cuando empezó nos cuenta que le influenció mucho el fotógrafo español Pep Bonet, y también cita a los fotógrafos Alec Soth, Pieter Hugo, Cristina García Rodero, José Ortiz Echagüe, y al vídeo artista John Akomfrah.

En cuanto a libros nos recomienda el fotolibro de Laia Abril, llamado «On Abortion«, sobre cómo están siendo tratados los derechos de la mujer sobre este tema.

Sobre antropología social, nos recomienda los libros «La gran divergencia» de Peter Watson y «El viaje del hombre» de Spencer Wells, y también cita los libros «Sapiens» y «Homo Deus» de Yuval Noah Harari.

Terminamos deseándole lo mejor en su trayectoria y que finalmente esa mención como finalista en los Sony World Photography se concrete en ser ganador de uno de los premios.

FOTO PORTADA: Álvaro Laiz ©, que forma parte de su trabajo en curso «The Edge«.

Álvaro Laiz es un fotógrafo español (León, 1981) que se ha especializado en el campo de la antropología y la fotografía documental. Desde hace años colabora con distintas fundaciones y ONGs y ha desarrollado su trabajo fundamentalmente en África, Asia y Sudamérica. Un joven fotógrafo con una gran proyección internacional, cuya obra ha sido publicada y reconocida tanto nacional como internacionalmente, recibiendo numerosos premios y menciones, la más reciente, ser de momento, finalista de los Sony World Photography Awards 2019. Web: http://www.alvarolaiz.com/

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La entrada 154. La fotografía documental con Álvaro Laiz se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Uge Fuertes, un creativo fotógrafo especializado en fotografía de naturaleza, fauna y flora.

Hablamos de su trabajo, de su visión de la fotografía, su forma de trabajar, nos da consejos para fomentar la creatividad, etc. A día de hoy, Uge ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales, por ejemplo varias menciones en el “WildLife Photographer of the Year”.

Puedes encontrar a Uge Fuertes en su Web: http://ugefuertes.com/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre el dúotono (dos colores): https://theimagen.com/reto/41

Información de mi programa formativo: https://theimagen.com/programa-fc/

(Minuto 4:42)

Uge nos explica que fue un tanto por casualidad, que un amigo naturalista suyo le preguntó si no era fotógrafo, y esa pregunta le llevó a la fotografía, jejeje

(Minuto 6:21)

Uge es un fotógrafo muy creativo, con creaciones muy interesantes, le pregunto si esa curiosidad por hacer capturas «distintas» la ha tenido siempre.

Nos dice que al principio, como casi todos imitaba a los fotógrafos que más le gustaban, pero que como es inquieto y pronto se cansa de hacer siempre lo mismo, probó otras formas de expresarse.

(Minuto 8:06)

Le comento a Uge si estar demasiado pendientes de otros fotógrafos nos puede quitar a veces libertad creativa. Nos aclara que efectivamente es muy bueno seguir a otros fotógrafos para seguir evolucionando, pero que eso no nos debe privar de jugar y disfrutar.

(Minuto 10:00)

Uge considera que muchas veces nos limitamos nosotros mismos, cree que revisando nuestro trabajo y teniendo inquietud por seguir evolucionando.

Nos aconseja «desaprender» nuestra forma habitual de trabajo para estar abiertos, a nuevas formas creativas. También nos dice que en todos sitios hay buenas fotografías, si miramos con los ojos adecuados.

Comentamos que ejercitar nuestro cerebro y nuestra mirada, es lo más productivo para despertar la inquietud y nuestra creatividad.

(Minuto 14:46)

Considera que sí, aunque él tiene un equipo muy bueno hoy día, nos comenta que una de sus fotos con más «Me gusta» la hizo con un teléfono móvil.

Hoy día, considera que las cámaras nos ayudan mucho y que las complejidades técnicas se han reducido mucho, por lo que no es ahí donde tenemos que prestar más atención.

(Minuto 17:51)

Uge nos cuenta que la paciencia y ser un gran observador es el mejor consejo que se le puede dar a una persona para avanzar en sus fotografías.

En la fotografía de naturaleza y paisaje, buscar la luz idónea, el momento, etc. es muy importante. La gente se piensa que porque un fotógrafo consiga buenas imágenes llega a un sitio y en un momento, casi sin pensar, hace una buena foto. Cuando muchas veces es más empeño que otra cosa

Y por supuesto pues el estudio y la preocupación por la composición para ir dominándola.

(Minuto 21:12)

Nos explica que en sus cursos no suele revisar las fotografías de los alumnos, pero que más que errores, cree que muchas veces lo que falla es tener un criterio sobre lo que se publica.

Al respecto, aconseja publicar sólo las que aporten algo, que lo que mostremos no sea repetitivo, y que la composición, luz y momento sean los adecuados Todo ello para que nuestras fotos puedan impactar más.

(Minuto 24:30)

Le pregunto por técnicas de captura, ya que es un fotógrafo muy creativo, por si tiene alguna que le guste especialmente. Nos comenta que le gusta mucho la fotografía nocturna, aunque no la practica demasiado.

Realmente le gustan muchos tipos de fotografía y últimamente hace más fotografía con un teleobjetivo y con un dron. Nos confiesa que últimamente hace sobre todo fotos con el dron y el móvil

(Minuto 26:07)

Le comento a Uge si es conveniente centrarse en una determinada disciplina para buscar ese «estilo propio» que parece que todos buscamos.

Nos aconseja no agobiarnos sobre el tema y seguir disfrutando de lo que hacemos.

(Minuto 28:39)

Nos explica que si suele tener una lista de fotografías para crear, aunque últimamente lo que hace es grabar notas de voz.

Comentamos la importancia de apuntar esas ideas, para que no se nos olviden, y tener a buen recaudo las mismas, porque nos cuenta la anécdota de una lista «perdida» de ideas para un proyecto que tenía perdida y que afortunadamente encontró hace unos días

(Minuto 32:19)

Sé que Uge no trata mucho sus imágenes y le pregunto sobre su planteamiento en el tema. Nos explica que así es, pero vamos que no está en contra de otras formas de trabajar.

Que naturalmente todo es lícito, pero comentamos que seguramente sería bueno nombrar las cosas por su nombre y diferenciar quizás los procedimientos de obtención de las imágenes.

Desde luego, mentir sobre cómo se obtienen las imágenes si que es algo que tiene poco recorrido, sobre todo a nivel

(Minuto 35:50)

La familia de Uge tiene mucha inclinación por el arte (pintura, literatura, etc.) y considera que la unión de distintos medios de expresión puede ser muy fructífero. Considera que ha tenido suerte de tener una familia así, para estimularle.

Nos explica que para él, la música es algo que le emociona mucho, que le inspira mucho, algo que luego seguramente traslada de alguna forma a sus imágenes.

Comentamos cómo está todo relacionado y que nutrirse de muchas fuentes es algo interesante.

(Minuto 39:15)

Le pregunto por su libro, que autoeditó el año pasado con una campaña de Crowdfunding, un libro muy personal, donde ha volcado mucho de su aprendizaje estos años.

Un libro donde ha incluido textos buscando la emotividad y donde trata temas tan interesantes como: Formas de trabajar, Composición, Límites, Creatividad, Emoción, Duda, Estilo fotográfico propio, Técnicas fotográficas y Fotografía y Arte.

Puedes echarle un vistazo aquí.

(Minuto 42:08)

Considera que ni siquiera sabe lo que es el arte, como para preocuparse por la fotografía artística. Él trata este tema en su libro pero respecto a lo que aporta la pintura a la fotografía.

Un medio de expresión que sin duda aporta mucho a los fotógrafos, del cuál podemos nutrirnos mucho.

(Minuto 44:06)

Como no, cita al gran maestro y amigo suyo, José Benito Ruíz, que prologa su libro. Y también cita al fotógrafo italiano, Stefano Unterthiner y su libro «Il sentiero perduto» (que puedes ver aquí), al fotógrafo holandés, Theo Bosboom (https://www.theobosboom.nl/), que usa mucho la abstracción, y al fotógrafo francés, Bastien Riu (https://www.bastienriu.com/), con una mirada muy rompedora sobre el paisaje.

Por si te interesa asistir a su curso en La Roda (Albacete) este próximo sábado 16 de marzo, aquí tienes la información: https://www.panoramafoto.es/taller-de-fotografia-de-naturaleza-y-creatividad-por-uge-fuertes/

Uge Fuertes es un fotógrafo de naturaleza, fauna y flora muy creativo. Ha recibido muchos premios nacionales e internacionales, con varias menciones recibidas por ejemplo en el prestigioso premio “WildLife Photographer of the Year” y el año pasado publicó el libro “Imaginando mundos. Creatividad y fotografía de la naturaleza”, un interesante y completo libro sobre su visión de la fotografía. Su Web: http://ugefuertes.com/

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Uge Fuertes? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 153. El paisaje creativo de Uge Fuertes se publicó primero en the imagen.

Hoy tenemos como invitado a Julián Marinov, un fotógrafo especializado en fotografía social, corporativa y publicitaria. Un conocido Youtuber con el que repasamos su evolución.

Ha día de hoy su Canal de Youtube cuenta con cerca de 200.000 suscriptores, y sin duda es uno de los mejores canales de Youtube para aprender fotografía.

Puedes encontrar a Julián Marinov:

Mi clase online gratuita, reserva tu plaza: https://theimagen.com/clase-online-3-secretos/

Fecha y hora: 7 de marzo a las 19:30 h. (España)

(Minuto 5:53)

Julián nos cuenta que todo el tema de tecnología le gusta mucho, y de la carrera de Informática sólo le queda por aprobar la asignatura de «Gestión de la pequeña empresa», algo curioso, cuando Julián tiene ya desde hace años un negocio en torno a la fotografía

En primicia, jejeje, nos cuenta el comienzo de su canal, que lo abrió un amigo, a partir de una anécdota suya con un vídeo sobre la gripe A.

Nos explica que comenzó a trabajar en los supermercados «Día» y cuando les despedieron, sintió que tenía que hacer algo distinto.  Le inspiró a iniciarse en la fotografía la fotógrafa estadounidense de origen latino Jasmine Star (http://jasminestarphotography.com/), cómo llegaba a sus clientes, cómo se comunicaba.

Con sus ahorros, se compró una Canon EOS 60D y consultando canales de Youtube para aprender, y vio que no había casi nada en español. Comenzó a subir algunos vídeos, que al principio no venía nadie, hasta que por fin tuvo feedback y a ver las posibilidades.

Paralelo al canal comenzó a realizar sus trabajos profesionales y se marchó de Burgos a Barcelona, dónde pensaba que iba a tener más oportunidades. Sin duda, no le ha ido nada mal

(Minuto 16:05)

Le comento a Julián si lo tenía claro desde el principio, desde que comenzó a subir vídeos de fotografía, que quería vivir de ello.

Nos aclara que no, que para nada, simplemente quería compartir información que le parecía útil y que al principio, en su canal, no veía sus vídeos nadie, jejeje.

(Minuto 18:18)

Le comento a Julián que realmente puede parecer que tener miles de seguidores da para vivir muy bien de un medio como puede ser Youtube, pero que al final hay que diversificar.

Nos aclara que así es, que es tiene muy diversificados sus ingresos, y que hay que probar siempre nuevas vías.

(Minuto 24:09)

Considera que totalmente, que con cualquier cámara de hoy día por ejemplo, una réflex, con algún objetivo luminoso como un YongNuo 35mm o un 50 mm, le daría que hacer la gran mayoría de su trabajo.

Si conoces los puntos débiles de tu equipo, y los evitas, puedes conseguir grandes resultados.

Como ejemplo de desaprovechar funciones de un gran equipo, nos habla de una función de la Canon 5D Mark III al grabar vídeo, que una de las ruletas de control trasera es táctil, algo que muy poca gente sabe.

También nos dice que hay trabajos que debe hacer incluso con su móvil, aunque el resultado no tenga tanta calidad, posiblemente acerca la imagen al cliente.

(Minuto 31:07)

Le comento un vídeo de la portada de su canal que me gusta mucho el enfoque que le da (https://www.youtube.com/watch?v=8xN4XaZeDgc).

En él habla de las excusas que muchas veces nos ponemos para no tomar acción, parece que siempre nos falta algo, cuando aunque así sea, las ganas, pueden vencer muchos obstáculos

(Minuto 39:37)

Considera que por un lado las «excusas», jejeje, y por otro el marketing fácil, que con publicidad de facebook ya está todo. Nos cuenta algo que hizo hace poco, en el que se puso de traje y salió a los comercios locales para vender sus servicios.

Explica que el marketing online está bien, pero para vender tenemos que tenemos que tener personalidad, y esa personalidad hay que tenerla en el cara a cara no sólo en el medio «online».

Nos habla de Richard Branson, fundador de Virgin Record, como ejemplo de marketing arriesgado, llamando la atención y de productos innovadores.

(Minuto 47:29)

Julián nos cuenta que precisamente está preparando un material explicativo de pago sobre este tema, pero nos deja unos consejos estupendos:

Comentamos también el tema del precio, que no es recomendable un precio bajo, porque si no te buscarán por tu precio bajo y pronto se irán a otro profesional si es más barato. Mejor que nos busquen por nuestro trabajo, no por precio

(Minuto 56:12)

Como le sobra el tiempo, Julián también mantiene otro canal más personal llamado «Ambedo».

En el cuenta muchas cosas de su aprendizaje y sobre crecimiento personal, con la intención de implicar a los demás a ser útiles a los demás. Da igual lo que hagas, se trata de dar valor y asumir la responsabilidad de ser parte de esta sociedad.

En el canal no busca ningún número de seguidores, si no

(Minuto 1:00:25)

Julián nos explica que en los sitios donde nadie iría a buscarla. Considera que si quieres ser distinto a los demás, tienes que hacer cosas distintas.

Él busca mucho su inspiración en el contraste entre el mundo más tecnológico y más natural.

También filtra mucho sus relaciones personales.

(Minuto 1:03:05)

Nos explica que últimamente lee sobre todo libros de emprendimiento, y nos recomienda el libro «100 euros startup» de Chris Guillebeau y los libros de Elon Musk, fundador de Tesla y el ya citado anteriormente Richard Branson.

(Minuto 1:05:45)

Julián tiene una Web dedicada al tema de formación que es fotoescalera.com, pero está migrando todo a su Web personal https://www.julianmarinov.es/

Julián termina recomendándonos que cometamos más fallos, algo que pueda extrañar, pero que en el fondo sirve para animarnos, para no tirar la toalla antes de tiempo, que creamos en nosotros y disfrutemos al máximo con lo que hagamos

Julián Marinov es un fotógrafo de Barcelona especializado en fotografía social, comercial y publicitaria, que cuenta con un estupendo Canal de Youtube, donde comparte análisis de material fotográfico y de vídeo, consejos para sesiones de fotografía y mucho más

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Julián Marinov? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 152. El camino hacia la fotografía profesional de Julián Marinov se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con el fotógrafo David Viñuales, un fotógrafo profesional, además de investigador y docente, especializado en metodologías para potenciar la creatividad y el autoconocimiento.

Hablamos del potencial de las imágenes, del lenguaje visual y de creatividad, áreas de conocimiento donde David es todo un experto con más de 20 años de experiencia.

Puedes encontrar a David en su Web: https://davidvinuales.org/

Web del Instituto 8, donde David imparte sus formaciones: https://www.instituto8.org/

Reserva tu plaza: https://theimagen.com/clase-online-3-secretos/

Fecha y hora: 7 de marzo a las 19:30 h. (España)

(Minuto 7:22)

David nos cuenta que la fotografía comparte espacio en su expresión artística con otros medios, principalmente el dibujo.

Nos explica que la fotografía le enganchó de una forma especial, porque te acerca a la realidad.

(Minuto 8:42)

Considera que seguramente hay personas que conectan mejor con un medio u otro, a él la fotografía es un medio que le llamo mucho la atención.

Lo visual es uno de los primeros lenguajes que aprendemos, los bebés aunque no sepan expresarse verbalmente sí reconocen el medio visualmente e interpretan el mismo.

(Minuto 10:29)

Para David está claro, hoy día vivimos en una sociedad hipervisual. Aunque al final considera que las personas lo que queremos es ser vistos, que las personas que nos rodean se den cuenta de que existimos. Que nuestro mundo emocional, se conecte con los que nos rodean.

En esta sociedad tan visual tenemos la oportunidad de usar las imágenes para ser más vistos. Consumimos mucha información visual que consumimos a diario, de forma pasiva, por el bombardeo visual al que estamos expuestos.

Ganar cultura visual nos ayudaría a entender mucho mejor esa información. Pone como ejemplo la fotografía publicitaria o comercial. Si los usuarios finales tenemos más información, podemos decidir mejor, al interpretar mejor esas imágenes.

Comentamos que esa cultura nos ayuda a interpretar mejor las imágenes y también a crear mejores imágenes, que expresen cada vez mejor lo que queremos. Algo que naturalmente a los fotógrafos podemos usar.

Nos cuenta David, que según diversos estudios, entre el 60-65% de nuestra comunicación habitual, es no verbal

(Minuto 17:45)

David explica que se encontró este uso de forma inversa, trabajando con personas que tenían un trastorno de alimentación.

Se dio cuenta que los síntomas de estas personas, partía de una imagen mala de cada persona sobre sí misma. Se preguntaron cómo podían utilizar ese poder de las imágenes, para darle la vuelta y utilizarlas en positivo.

(Minuto 20:03)

El término fototerapia nos indica David Viñuales que deberíamos evitarlo en favor de fotografía terapéutica, ya que no existe tal terapia con fotografía, sino una herramienta (la fotografía) con potencial terapéutico y facilitador.

Una herramienta que al trabajar con imágenes, trabaja con personas, y siempre que se adapten los objetivos y patologías de las personas con las que se trabajan. Al conectar lo emocional, con lo visual, se puede trabajar de distintas formas.

(Minuto 23:34)

Este libro que escribió David hace un tiempo, explora el potencial de las imágenes, compuesto de dos partes, una primera parte más teórica del marco de conocimiento de referencia, y una segunda parte, con una propuesta de enfocar la fotografía como una forma de estar y comunicarse en el mundo, más allá del simple uso representacional de la misma.

Es un libro que considera útil para aquellas personas que tengan curiosidad de saber más sobre cómo te toca la fotografía por dentro, cómo te puede ayudar a crecer y cómo te puede ayudar a trabajar con otras personas.

Puedes echarle un vistazo y comprarlo aquí: https://amzn.to/2GVzeXw

Comentamos cómo la fotografía nos ayuda a autoconocernos. Y también que no tenemos que dejar de disfrutar siempre, cuando busquemos nuestra propia mirada, que debemos tener paciencia, los maestros tardaron años en

Fotografía consciente, una forma de entender la captura fotográfica para una forma de conectarnos sensorialmente al mundo, a partir de la contemplación.

(Minuto 30:19)

Le pregunto por este tema y David nos explica que consiste en usar la fotografía para que las personas puedan participar más en su entorno sociocultural. Sobre todo de personas que les falta cierto reconocimiento, nos explica que esto los ingleses le llamaron «dar voz» a esas personas.

La fotografía participativa viene de ahí, de poner un altavoz a esas personas, y nos pone el ejemplo de inmigrantes llegados a España, relacionando visualmente símbolos de su cultura, en su nuevo entorno, para ayudarles a encontrar caminos de integración ¡Un uso estupendo!

(Minuto 33:16)

David nos explica que la creatividad es un tesoro muy poco valorado, que vivimos en un entorno de seguridad, pero que la creatividad es lo que muchas veces nos hace avanzar.

Comentamos la importancia de trabajar la creatividad, ya que es algo inherente al ser humano. La pregunta debe ser, cuál es el camino que debo seguir para contar algo a mi forma. David nos explica que lo importante es ir dando pasos, de sentir que se sigue avanzando.

Nos explica que hay que marcarse metas realistas, ya que de otra forma nos podemos hacer daño. Nos habla del término «saludable», como los retos que nos impulsan, sin agobiarnos.

(Minuto 38:29)

Para las personas que creen que no son creativas David nos da este consejo: Primero les intentaría engañar, les provocaría para tomar una fotografía cada día, sin excusas, siempre a la misma hora.

Y que pasado un año de trabajo, de esa obra autoimpuesta, tendremos una perspectiva muy interesante sobre nuestro trabajo. Es una forma, nos explica de abrir los ojos.

Para los más escépticos, la recomendación sería: fotografía todos los días, a la misma hora y el mismo día.

(Minuto 41:02)

Le pregunto a David por una herramienta que desarrolló hace unos años y que vio la luz a través de un Crowdfunding. Es un Kit que contiene casi 100 fotografías y un libro guía para sacarle partido.

Es una herramienta planteada para potencia la creatividad a través de los relatos que hacemos las personas.  Se apoya mucho en la narrativa que empleamos las personas, algo que los fotógrafos podemos usar en nuestros proyectos.

El propósito del método es un trabajo con personas, se puede hacer de forma individual, pero es una herramienta que se le puede sacar más partido dirigido por un coach o un facilitador.

En el Instituo 8 junto a María Castellano (Socia fundadora, PCC Coach) y el resto del experto equipo docente, forman sobre esta herramienta y otros usos de la fotografía: https://www.instituto8.org/

Sin duda, es un método muy interesante

(Minuto 44:28)

Nos cuenta David que nos puede dar alas para despegar de la técnica, y empezar a entender cómo creamos las imágenes y para qué las creamos.

Ese conocimiento, entender qué nos mueve y qué conecta con otras personas, nos puede dar un espacio de trabajo que nos puede hacernos sentir más plenos y más creativos en nuestro trabajo visual.

(Minuto 50:52)

David nos cuenta que lee mucho sobre pensamiento visual y sobre filosofía, para comprender bien su marco de trabajo.

Y nos deja estas recomendaciones:

Visual Thinking (Inglés) de Rudolf Arnheim: https://amzn.to/2BX19lT

Arte y percepción visual, también de Rudolf Arnheim: https://amzn.to/2BWQqb0

Terminamos la entrevista hablando de Crowdfunding, de su experiencia lanzando el proyecto Covisage, y nos cuenta que es una forma estupenda de buscar financiación, pero que naturalmente, requiere un trabajo también

Reserva tu plaza a mi clase: https://theimagen.com/clase-online-3-secretos/

Fecha y hora: 7 de marzo a las 19:30 h. (España)

David Viñuales es doctor en Educación Artística, arteterapeuta especialista en fotografía terapéutica, investigador y docente, todo un experto en psicología de la imagen, creador del método Covisage ©, un método para desarrollar la creatividad. Hoy día dirige proyectos de participación y rehabilitación psicosocial basados en imágenes. Web de sus formaciones: https://www.instituto8.org/

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a David Viñuales? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 151. El potencial de las imágenes y la creatividad con David Viñuales se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con un estupendo fotógrafo vasco Asier Garagarza, un fotógrafo de paisaje muy premiado con una fotografía minimalista de gran belleza.

Hablamos de su obra, de su forma de trabajar, de equipo, de concursos fotográficos y mucho más, en una amena y agradable charla

No dejes de echar un vistazo a su estupenda obra en su Web: https://www.garagarzafotografia.com/

Aquí puedes descargar el calendario fotográfico 2019 que he elaborado para ti: https://theimagen.com/calendario-2019

Asier Garagarza ha ganado más de 150 premios nacionales e internacionales, y sin ir más lejos, el año pasado ganó el Premio nacional de fotografía al mejor fotógrafo, por la Confederación española de Fotografía

(Minuto 7:16)

Le comento a Asier que es una comparación habitual, ya que su obra recuerda a este gran fotógrafo inglés. Naturalmente para él es un placer que le comparen a este fotógrafo tan reconocido como Michael Kenna.

Nos cuenta que desde siempre le ha gustado este gran maestro, así como la cultura oriental, su entorno y paisajes, y es algo que le llevó a buscar esas fotografías aquí en España.

Y la verdad es que es un lujazo tener un fotógrafo con una obra tan interesante como la de Asier.

(Minuto 8:52)

Nos explica que al principio considera que todos pasamos por una época de experimentación, de probar muchas cosas, algo que comentamos que es bueno.

Tras probar muchas cosas, el se dio cuenta de que para él era muy importante transmitir. Actualmente, Asier se identifica con las palabras «Ver, sentir y transmitir«.

Hablamos sobre lo bueno que es darse cuenta de la importancia de sentir, para poder transmitir. Por eso hay que dejarse llevar y no sólo estar pendiente de la captura

(Minuto 12:31)

Le pregunto a Asier si generalmente se «encuentra» con esos momentos especiales o vuelve las veces que haga falta para conseguir la foto que persigue.

Asier nos explica que siempre lleva la cámara encima y generalmente el trípode, a veces ve zonas que le gustan o le hablan de zonas interesantes, y a través de Google Earth, investiga la zona, después la visita a pleno día, para evaluar la zona.

Y por último, pues ya le toca visitar la zona, generalmente por la mañana temprano, para buscar la niebla, etc.

(Minuto 15:50)

Cualquier lugar de España en mágicamente fotografiable, nos dice Asier.

Nos explica que por desgracia no ha podido viajar todo lo que le gustaría, se ha movido en su trabajo en un radio de 300 Km.

Le comento algo que ya hemos hablado alguna vez en el podcast, que los fotógrafos nativos seguramente sean capaces de captar los mejores momentos, ya que conocen mejor la zona, en todos los sentidos.

(Minuto 19:11)

Nos explica que para comunicar mejor las emociones y los sentimientos, y le gusta darle un aire de nostalgia, misticismo e intemporalidad a sus fotos.

Cuida mucho la composición, los elementos, el contraste y sobre todo los encuadres, y nos comenta que suele disparar en formato cuadrado.

Captura en formato 2:3, pero luego recorta la imagen, aunque su ojo ya está acostumbrado a este formato.

Comentamos que independientemente del formato nativo de captura, del tamaño del sensor (2:3, 3:4, etc.) existen otros formatos como el cuadrado o las panorámicas.

También nos habla de un tío suyo que trabajaba en periodismo, y nos explica su consejo: «usa sólo una lente y se tú el zoom, acostumbra a tu ojo a mirar a través de esa lenta y a buscar el encuadre«. Nos explica que prácticamente hace uso de los zoom, aunque los tenga.

Esa restricción considera que le ha ayudado en su tipo de fotografía Busca la armonía en ese formato.

(Minuto 24:13)

La nieve está muy presente en su trabajo y Asier nos explica que para él, es pureza, es textura, es silencio, … es todo

Un amigo suyo experto en alta montaña, Benito Cantero, le suele acompañar en busca de la nieve.

Comenta cómo el paisaje cambia completamente con la presencia de la nieve, algo que le ayuda mucho en la composición, los detalles, las sombras, etc.

Para Asier la nieve es belleza, una belleza que sabe capturar de una forma maravillosa

(Minuto 27:18)

En muchas de las fotografías aparece alguna persona y le pregunto por el significado, ¿qué busca?

Nos cuenta que generalmente es el mismo el que sale en la foto, usa un intervalómetro que sincroniza con el reloj y listo

Asier suele de mostrar la soledad de esa persona, al tiempo de su magnitud e inmensidad.

(Minuto 30:29)

Nos explica que antes usaba filtros cuadrados, pero ahora utiliza circulares.

Un filtro de ND de 10 pasos (marca Haida) y otro de 12 pasos, para cuando sube un poco la luz.

Y ya de paso nos cuenta que se ha pasado a una cámara sin espejo, antes parecía un sherpa, lleva una Sony A-7 III, y objetivos 24-70mm 70-200mm, antes tenía una Canon 5D Mark III y muchos objetivos, con 12 Kg.

El 80% las hace con el 24-70mm de Zeiss f/4. Ahora su equipo pesa 3,5 Kg.

Hablamos de la relativa importancia del equipo, y Asier nos cuenta que ha ganado premios internacionales Fujifilm X-20.

Me encanta

(Minuto 38:00)

Asier le da mucha importancia, porque es lo que remata la imagen final que busca. No le dedica mucho tiempo, ya que trata de que la foto esté muy ajustada en la captura.

Nos cuenta que cuando tiene que hacer modificaciones en el procesado, lo hace, no es demasiado purista en este sentido.

Actualmente usa Capture One para el revelado RAW, donde hace ajustes básicos y después la termina en Photoshop, donde tiene mucho más control de los ajustes, zonas seleccionadas, etc. Tanto en el revelado, como en el procesado tiene ajustes y acciones para ir más rápido.

(Minuto 41:18)

Ha sido para él un sueño y una gran satisfacción, nos cuenta que hace ya muchos años que no lo ganaba un fotógrafo vasco. Además, es el fotógrafo más joven que ha recibido este premio.

Para Asier la participación en los concursos es como su gasolina, algo que le impulsa. Pero nos explica que no quiere tomarse la fotografía como algo profesional, le da toda importancia a disfrutar al máximo, comentamos un poco al respecto.

(Minuto 44:08)

El consejo que nos da Asier es que no dejemos de hacer las fotos que nos gustan, que no cambiemos nuestro estilo por intentar ganar concursos.

Él en alguna ocasión lo ha hecho y si ha ganado, es algo que  no le ha llenado. No hay que obsesionarse, hay que disfrutar siempre y ser fiel a nuestro tipo de fotografía.

Comentamos lo importante que es la paciencia y cómo afrontar la participación en los concursos, cuyos «fallos» del jurado siempre son subjetivos. Por ese motivo,

(Minuto 48:55)

Aparte de Michael Kenna, Asier nos dice que le gusta mucho el trabajo de Isabel Díez (https://isabeldiez.com/) una fotógrafa vasca de naturaleza que le gusta mucho, y de Charles Cramer, un fotógrafo estadounidense que también le gusta mucho (http://www.charlescramer.com/).

(Minuto 49:49)

Le pregunto si tiene alguna foto suya que le tenga algún cariño especial.

Nos habla de la fotografía «Como pez en el agua» una foto en blanco y negro, ya en formato cuadrado, que fue de sus primeras fotos ya con un enfoque creativo, que le ha dado muchas alegrías (puedes verla aquí).

Y luego, de otro fotógrafo, nos habla de una foto de Michael Kenna de un árbol en la isla de Hokkaido (Japón), que puedes ver aquí.

(Minuto 51:31)

Ahora mismo  no está leyendo mucho, pero nos recomienda el libro Japan como no, de Michael Kenna

Terminamos la entrevista con un proyecto en el que está trabajando Asier junto a un amigo suyo, Xavier Ortiz, que es cocinero, que le gusta escribir. A Asier se le ocurrió escribir un libro de fotografía a través de una trama, algo que suena muy bien. Le pido que nos informe cuando esté listo, seguro que es muy interesante.

Asier Garagarza es un fotógrafo vasco de paisaje muy premiado, con una obra minimalista, muy evocadora, de gran belleza. El año pasado ganó el premio al mejor fotógrafo del año de la Confederación Española de Fotografía (CEF), no dejes de echar un vistazo a su estupenda obra en su Web: https://www.garagarzafotografia.com/

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Asier Garagarza? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 150. El minimalismo evocador de Asier Garagarza se publicó primero en the imagen.